Eakins, Thomas Cowperthwaite (Filadelfia, 25 de julio de 1844 - 25 de junio de 1916) fue un pintor estadounidense.
Biografía
Thomas Eakins estudió en la Escuela de Bellas Artes de Jean-Léon Gérôme y de Léon Bonnat entre 1866 y 1868. Viajó después a España y luego regresó a los Estados Unidos donde comenzó una brillante carrera como pintor realista. Enamorado de la realidad óptica, se interesó por la fotografía. En 1882 fue nombrado profesor de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, una escuela de arte vanguardista donde enseñó fotografía. En 1886 perdió su puesto en dicha academia por haber revelado la desnudez de un modelo masculino a un público femenino en un curso de anatomía.
Su esposa, Susan Macdowell Eakins (1851-1938), fue también pintora.
Fred Brathwaite (Brooklyn,
New York, 31 de agosto de 1959), más conocido popularmente como Fab 5 Freddy,
es un artista visual, cineasta y pionero del hip hop estadounidense. Surgió en
la escena creativa subterránea del centro de Nueva York a fines de la década de
1970 como operador de cámara y un invitado habitual en el programa de
televisión por cable de acceso público de Glenn O'Brien. Allí conoció a Chris
Stein y Debbie Harry. Fue inmortalizado en 1981 cuando Harry rapeó la canción
de Blondie " Rapture " que "Fab 5 Freddy me dijo que todo el
mundo vuela". A fines de la década de 1980, Fab 5 Freddy se convirtió en
el primer presentador del innovador y primer programa de video musical de
hip-hop transmitido internacionalmente¡Yo! MTV Raps
Corriente de arte contemporáneo
que se basa en el carácter cambiante de la obra artística, en su movimiento
aparente (virtual) o real. Aunque las primeras investigaciones sobre la ilusión
óptica y el movimiento se iniciaron a principios del s. XX, fue a partir de
unas experiencias prácticas para obtener una impresión óptica de movimiento en
pinturas abstractas, realizadas por Víctor Vasarely, a las que llamó cinetismo,
cuando comenzó a desarrollarse esta corriente plástica conocida como arte
cinético. Se sirve de superficies de cristal, de metal o de otras materias,
translúcidas u opacas. El elemento motor suele ser la electricidad, una
compensación gravitatoria de pesos o la intervención directa del espectador. Se
trata de un arte fundamentalmente tecnológico, en cuyo cultivo destacan además
de V. Vasarely, Nicolas Schoffer, Jean Tinguely, Jules Le Pare, J. R. de Soto,
Cruz Díez, Eusebio Sempere, Ángel Duarte, Jordi Pericot, etc.
Fuente: Historia del Arte. Editorial
Salvat. Artistas del Arte cinético
Movimiento artístico contemporáneo iniciado en Rusia por los hermanos Anton Pevsner y Naum Gano e los años inmediatamente anteriores a la Revolución rusa y que alcanzó su unidad y madurez después de 1917.
Proun, 99 de El Lissitky
El constructivismo se integra dentro de las corrientes de carácter futurista nacidas en la Rusia de principios del s. XX. En ese momento se busca un arte nuevo, en ruptura con el pasado, que se identifique con el movimiento intelectual revolucionario. Se propugnaba la liquidación del arte, considerado un esteticismo burgués superado, para sustituirlo por actividades directamente útiles a la sociedad: publicidad, tipografía, arquitectura, diseño industrial. El proyecto para el Monumento a la Tercera Internacional (1920)de Vladimir Tatlin, concebido como una torre Eiffel proletaria que debía funcionar como un emisor de noticias y señales, se considera la primera manifestación del constructivismo. El movimiento, en este período, se caracterizó por la voluntad de vincular la investigación artística con la producción industrial de maquinaria.
En 1929, Naum Gabo y Anton Pevsner se separaron del grupo y publicaron el Manifiesto realista, en el que sostenían la necesidad de construir una nueva realidad, y afirmaban que el arte posee un valor absoluto, independiente del tipo de sociedad, sea ésta capitalista, socialista o comunista.
En 1922 tuvo lugar la Internacional Constructivista, organizada por El Lissitzky y el holandés Theo van Doesburg; en ella se proclamó la importancia de la máquina en la arquitectura y se introdujo el elementalismo, filosofía de los elementos en que descansa la estructura de una construcción. Las obras más representativas de esta segunda etapa del constructivismo son el proyecto para la Tribuna Lenin y el Proun 99, (1924-1925), ambas de El Lissitky. Al movimiento se unió el grupo holandés “De Sitjl”. Fuente: Historia del Arte Editorial Salvat Artistas del Constructivismo
Jaar, Alfredo (Santiago, 5 de
febrero de 1956) es un artista visual chileno radicado en Nueva York, famoso
principalmente por sus instalaciones en las que combina elementos de la
fotografía, la arquitectura y el teatro. Obtuvo el Premio Nacional de Artes
Plásticas de Chile en 2013.
Biografía
Nacido en una familia de médicos,
Jaar estudió dirección de cine en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura
en 1979, y arquitectura en la Universidad de Chile, hasta 1981. En este período
comienza su producción plástica y se hace conocido en el circuito artístico
chileno con obras como Estudios sobre la felicidad (1979-1981).
Jaar no formaba parte de la élite
artística de Chile, que lideraban los artistas de la Escena de Avanzada. Según
sus propias palabras, Estudios sobre la felicidad fue una obra rechazada en el
medio artístico.3 Este rechazo de sus colegas lo impulsó a dejar el país; en
1982 ganó la Beca Fundación del Pacífico y pudo partir a Nueva York,
"donde comenzó a desarrollar una sólida y reconocida trayectoria internacional".
Alcanzó fama mundial al exponer
en la Bienal de Venecia de 1986 Gold in the Morning, una serie de fotografías
que había tomado el año anterior en una visita a una mina de oro de gran
profundidad en Serra Pelada, Brasil. La extrema dureza del trabajo muestra el
abismo existente entre el mundo subdesarrollado y las economías emergentes.
Sin embargo, su producción más
famosa es la serie de obras agrupadas en el Proyecto Ruanda (1994-2000), que
reflexionan sobre el genocidio ocurrido en ese país de África central en 1994 y
las implicaciones que tiene un desastre como éste en el campo de la
representación.
Una de sus obras más conocidas es
El lamento de las imágenes, instalación con la que participa del documental, consistente en un oscuro pasillo
en donde instala al principio tres textos alusivos al tema de la administración
de las imágenes, y al final del pasillo una sala con una pantalla que emite una
luz blanca.
Su arte de crítica ha sido
expuesto en una gran cantidad de museos, entre ellos el Moderna Museet de Estocolmo
(1994), el New Museum of Contemporary Art de Nueva York (1992), el Museum of
Contemporary Art de Chicago (1992), o la Sala de Arte de la Fundación
Telefónica en Santiago de Chile (2006), entre muchos otros.
Además, es reconocido por
intervenir el espacio público: ha creado más de 60 intervenciones públicas en
grandes ciudades alrededor del mundo. Así, en Luces en la ciudad (1999) obra
montada en Montreal, conectaba unos 100 000 watts de luces rojas instaladas en
la cúpula de un edificio visible desde buena parte de esa urbe canadiense a un
interruptor instalado en varios albergues para sin-casas, donde cada persona
que entraba y accionaba el interruptor encendía las luces por algunos segundos.
Otra obra de estas características es The Skoghall Konsthall (2000) en la
ciudad de Skoghall, en la provincia sueca de Värmland; allí construye un museo
de papel e invita a jóvenes artistas locales a exponer para, 24 horas después
de inaugurada la muestra, incendiar el museo.
Radicado en Nueva York, tiene un
taller en el barrio de Chelsea, Manhattan, famoso por sus galerías de arte
contemporáneo y estudios de artistas.
Noma o El círculo de los conceptualistas moscovitas de llya Kabakov
Movimiento
artístico surgido hacia el final de la década de 1960 que, restando importancia
a la obra de arte en cuanto objeto material o resultado meritorio de una
ejecución, hace hincapié, en cambio, en el concepto o la idea del proceso
artístico.
El arte conceptual se inspiró en
la obra del pintor Marcel Duchamp y del compositor John Cage, artistas que
defendían la necesidad de borrar toda frontera entre arte y vida. Se basa en la
investigación de la esencia del hecho estético, más que en su realización
material. El concepto o idea es el elemento fundamental en las experiencias que
propone el artista: éste ya no crea un objeto (cuadro, escultura), sino que
desarrolla una serie de acontecimientos de carácter efímero.
El happening o performance
(arte en acción) es una de las manifestaciones más características de este
movimiento; deriva de los acontecimientos-espectáculo de los dadaístas, pero
incluye un elemento nuevo, la participación del espectador.
El landart, otra forma de arte conceptual, que nació en Estados Unidos
a fines de la década de 1960, consiste en que el artista altere el aspecto de
la naturaleza. Son ejemplos de este arte la obra Aros de fin de año (1968), de Dennis Oppenheim, que excavó círculos
concéntricos en la nieve sobre el río St. John helado, o la de Christo, que
envuelve objetos de grandes dimensiones (islas, puentes, monumentos) para
mostrar la alienación de la civilización de consumo que oculta-revela sus propios
productos con múltiples envolturas.
El body art, o arte corporal,
utiliza el cuerpo humano como materia o espacio de experimentación estética: es
el caso del Yves Klein, que ejecutaba pinturas con modelos vivas recubiertas de
pintura azul y que a modo de pinceles se arrastraban sobre una tela, o de Bruce
Naumann, que en la obra titulada Retrato
del artista como fuente (1966), utiliza su propio cuerpo.
En el arte povera o arte pobre,
que utiliza preferentemente materiales de desecho, otros artistas, como Jannis
Kounellis, combinan intervenciones propias con montajes que buscan provocar una
reacción en el espectador: en 1969 el artista convirtió una galería de arte de
Roma en una cuadra en la que sólo se exponían caballos, y en la obra Amore mio (1970), el autor yacía tendido
sobre un ataúd con un soplete oxhídrico encendido atado a sus pies. Se le
considera el fundador de este movimiento.
El ensamblaje o instalación
es una manifestación artística conceptual que integra pintura y escultura en un
todo espacial, y que normalmente utiliza objetos sencillos de la vida
cotidiana. Destaca la obra de J. Beuys -Ausfegen
(Barrer), de 1972-, que pretende
subrayar lo absurdo de la realidad contemporánea, denunciando la pomposidad del
arte de los museos, y las del poeta J. Brossa y el pintor A. Tàpies.
Fuente: Historia del Arte.
Editorial Salvat Artistas del Arte Conceptual
Las Espigadoras, de Jean-François Millet, constituye una de las obras fundamentales del realismo.
Tratamiento artístico de la vida, consistente en reflejarla sin idealización ni subjetivismo. El realismo surge como oposición al idealismo de clásicos y románticos, proponiendo una realidad objetiva de los temas de la vida común; el hombre debe aparecer dentro de su ambiente habitual, y su trabajo cotidiano tiene que ser un motivo de fecunda inspiración. El término realismo fue adoptado por un movimiento artístico que apareció en Francia a raíz de la Revolución de 1848 y
que tuvo como principales representantes al pintor Gustave Courbet y al teórico
Champfleury; la primera manifestación pública del grupo se llevó a cabo en la Exposición Universal
de París en 1855. El movimiento se había preparado entre 1830 y 1849, fecha en
que Courbet expuso Un enterrement a Omans,
verdadero manifiesto de la pintura realista. En los años que precedieron a esta
fecha fueron varios los hechos que prepararon la eclosión del realismo: el
éxito de la exposición de Constable en el Salón de París de 1824; el
redescubrimiento de la pintura holandesa del s. XVII (Rembrandt, Ruysdael, Vermeer, Van Ostade, etc.); la influencia de los maestros barrocos españoles
(Ribera, Zurbarán, Velázquez, Murillo), conocidos en Francia por colecciones
oficiales y particulares, y de los grabados de Gaya, muy difundidos. A estas
motivaciones de orden estético hay que añadir la existencia coetánea de ciertas
preocupaciones por los problemas sociales; ello da pie para establecer la
siguiente evolución: pintura realista à pintura popular à pintura social. Representante genuino de esta
generación de pintores fue Courbet, cuyo arte expresó las inquietudes sociales
que invadieron Europa a mediados del s. XIX. En España, el realismo courbetiano
está representado por el catalán Martí y Alsina, introductor de la pintura
realista en la escuela barcelonesa.
Fuente: Historia del Arte.
Editorial Salvat. Artistas del Realismo
Arte y ciencia de obtener
imágenes visibles de un objeto y fijarlas sobre una capa de material sensible a
la luz.
En sus orígenes, la fotografía no
fue concebida como un medio de expresión artística con características
autónomas. Los primeros fotógrafos, que eran dibujantes y pintores (Nadar, Hill
y Adamson, etc.), consideraban la fotografía como una cámara oscura
perfeccionada que permitía estudios de perspectiva de la máxima precisión. La
fotografía sobre papel (descubierta hacia 1840 por Fox Talbot) y los estudios
de encuadre y de asimetría de Blanquart-Evrard permitieron lograr, gracias al
trabajo en el laboratorio, un notable aumento de potencia expresiva que fue
inteligentemente aprovechado por los fotógrafos de mediados del s. XIX: retratos
románticos de Disdery, con sus fondos de balaustradas y columnas que copiaban
la pintura de moda en los salones oficiales, y los notables retratos (Carlyle,
Darwin, Tennyson, Herschel, etc.) realizados por Julia M. Cameron en la década
1860-70, utilizando el primer plano y las iluminaciones cuidadosamente
controladas. Esta escuela realista se afirmó en la segunda mitad del siglo,
sobre todo gracias al trabajo de los primeros reporteros gráficos, que han
dejado impresionantes imágenes cargadas de valor evocativo: la guerra de
Crimea, por Roger Fenton; la guerra de Secesión norteamericana, por Matthew
Brady y Alexander Gardner, y la conquista del Far W est, vista por Vanee,
O'Sullivan, Jackson, etc. Este realismo documental en manos de artistas
sensibles produjo obras maestras a fines del s. XIX y principios del xx: Eugéne
Atget (visiones de la vida cotidiana en París alrededor de 1900), Jacob A. Riis
(los barrios bajos de Nueva York) y Lewis W. Hine (la vida obrera en Chicagoy
Nueva York). Pero en esa época los fotógrafos llamados "artísticos"
seguían realizando en el estudio fotografías retocadas con tintas grasas,
difuminados, etc., que, al pretender imitar la pintura académica coetánea,
negaban en realidad los valores autónomos de la fotografía pura.
La reacción contra esta
fotografía "pictórica" vino de la fuerte influencia ejercida desde
Nueva York por Alfred Stieglitz, propulsor del grupo Photo-Secession (1900) y
director de la revista estadounidense Camera Work (1902-17}, que defendía la
fotografía pura y no admitía las manipulaciones de laboratorio. Otro gran
fotógrafo estadounidense, Edward Steichen, se asoció a Stieglitz para fundar en
Nueva York la galería "291
",dedicada a la exposición del nuevo estilo de
fotografía de vanguardia. Esta tendencia, que pretendía "liberar la
fotografía del dominio de la pintura", colaboró, sin embargo, con los
movimientos pictóricos del primer cuarto del s. XX: fotografías de Coburn con
perspectivas distorsionadas (como en los cuadros cubistas}, abstractas de Moholy-Nagy, surrealistas de Man Ray. Posteriormente, las tendencias
fundamentales fueron: el reportaje ("crónicas" de Henri
Cartier-Bresson, fotografías de la guerra civil española y de la Guerra Mundial de
Robert Capa y de David Seymour, visiones poéticas y humorísticas de la vida
parisiense de Robert Doisneau), la abstracción formal a base de detalles
aislados de escenas y objetos corrientes (Aaron Siskind, Paul Caponigro), la
fotografía narrativa de filiación romántica (Ed Van der Elsken) y las
fotografías en color (composiciones expresionistas de lrving Penn y de Ernest
Haas; elegancia sofisticada de Gordon Parks, creador del "estilo
Vague", etc.).
Del panorama español destacan
José Ortiz-Echagüe Puertas (1886-1980) y Francesc Catala-Roca (1921-1998): el
primero, dentro de una línea pictoricista, y el segundo, fiel al reflejo de la realidad. Entre
las décadas de 1950 y 1960 se produjo un florecimiento de la foto
documentalista, con representantes tan destacados como Gabriel Cualladó, Xavier
Miserachs, Colita, Oriol Maspons, Alberto Schommer, Leopoldo Pomés, entre
otros. A partir de la década de los setenta, y en torno a la revista Nueva lente,
dirigida por Joan Fontcuberta aparecen una serie de jóvenes creadores tan
destacados como Ouka Lele, Tony Catany, Manuel Esclusa, Eguiguren, Oriola,
Rafael Navarro, entre otros. En el documental cabe citar a Cristina García
Rodero, Koldo Chamorro y Fernando Herráez, entre otros.
En América Latina, la fotografía
de carácter antropológico fue ampliamente desarrollada, tanto por su aspecto
documental, como por su capacidad de transmitir y reivindicar la existencia de
otras culturas minoritarias (el alemán Hugo Brehme, el francés Pierre Verger,
el peruano Martín Chambí, entre otros.). La llamada fotografía bélica tuvo en
el mexicano Víctor Casasola uno de sus máximos representantes. El
fotoperiodismo encontró en O Cruzeiro,
revista brasileña, una de sus vías de publicación más destacadas. Mención
aparte merecen las series documentales del brasileño Sebastiáo Salgado, que han
tenido gran difusión internacional.
Fuente: Historia del Arte.
Editorial Salvat. Fotógrafos destacados
Movimiento pictórico basado en la
exaltación del color puro que, en torno a la personalidad central de Henri
Matisse, constituyó la primera revolución artística del s. XX.
En los años 1904-07 los pintores Henri
Matisse, Albert Marquet, AndréDerain y Maurice de Vlaminck desarrollaron en París un estilo de pintura caracterizado por la
libertad de expresión, manifiesta en el uso de colores puros, tal como salen
del tubo, la exageración del dibujo, las distorsiones de la perspectiva clásica
y la supresión del modelado en la figura. Cuando en 1905 estos pintores
expusieron por primera vez juntos, en la muestra anual del Salón de Otoño, el
crítico Louis de Vauxcelles se refirió a ellos como Les fauves (Las bestias salvajes) porque sus cuadros producían la
sensación de una ruptura absoluta con las convenciones básicas de la pintura.
Los paisajes de Derain eran puras sinfonías de color, y Vlaminck utilizaba una
pincelada nerviosa y retorcida a la manera de Van
Gogh.
Retrato de Matisse de André Derain.
(Tate Gallery, Londres). Es quizás en este
penetrante retrato donde el pintor, que había
rechazado el academicismo, revela que le
siguen atrayendo los procedimientos pictóricos
tradicionales.
La obra de Matisse, el pintor de más
peso en el grupo, partía de un estudio crítico de los grandes maestros del
postimpresionismo como Paul Gauguin, Vincent Van Gogh y Georges Seurat. Su análisis le llevó a romper con la forma tradicional de
representar el espacio tridimensional y a tratar el cuadro como una superficie
plana con un valor autónomo. De ahí su utilización de pinceladas muy amplias y
separadas, que son testimonio del proceso de elaboración de la imagen, un
proceso basado en ir agregando manchas de pintura. Los demás componentes del
grupo, a los que se unirían más tarde Georges Seurat y Raoul Dufy,
sistematizaron esta técnica pictórica, al igual que el uso del color liberado
de su función descriptiva. Otros elementos que tienen en común los pintores fauves son la voluntad de
experimentación, la aplicación de empastes de pintura muy gruesos y la
supresión de los detalles. El cuadro más representativo de la estética fauve es el Retrato de Mme. Matisse, conocido también como La raya verde (1905), porque en él la cabeza, muy
esquematizada, de la esposa del pintor, aparece cruzada por un gran trazo
verdoso que sustituye al modelado tradicional en claroscuro.
A pesar del gran impacto que tuvieron en
el público francés, los fauves no se
llegaron a constituir en movimiento organizado y muy pronto evolucionaron por
vías distintas. A partir de 1908 se impuso la influencia del postimpresionista Paul Cézanne, y la investigación pictórica se orientó más hacia el tratamiento
del espacio que del color. El cubismo, estilo elaborado por Pablo Picasso y Georges Braque, antiguo seguidor de Matisse, eclipsó los
hallazgos del fauvismo. Matisse fue
el único del grupo fauve que se
mantuvo en la línea de investigación del potencial emocional del color.
Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat. Artistas del Fauvismo
Nadal, Carlos (París, 24 de abril
de 1917 – Barcelona, 6 de junio de 1998) fue un pintor español de la escuela
fauvista .
Biografía
Nadal nació en París el 24 de
abril de 1917, pero se mudó a Barcelona en 1921. Su padre, Santiago Nadal
(fallecido en 1932) tenía un estudio de diseño comercial, donde Carlos no solo
aprendió a pintar, sino que conoció a artistas modernos como Henri Matisse,
Raoul Dufy y Maurice Utrillo.
Además de la educación informal
del negocio de su padre, estudió en la Escuela de Artes y Oficios y en la
Academia Superior de Bellas Artes de San Jorge, ambas en Barcelona. Fue
reclutado en el ejército republicano español y luchó en la Guerra Civil española,
incluido el encarcelamiento y la fuga de un campo de concentración, antes de
regresar finalmente a sus estudios de arte, y en 1942 tuvo su primera
exposición individual.
El 1 de diciembre de 1948 se casó
con Flore Augusta Zoe Joris (fallecida el 30 de abril de 1988), una escultora
belga, que se mudó con él a Bruselas en 1949. Tuvieron una hija, Marina, en
1955 y un hijo, Alexandre, en 1957. En los años siguientes tuvieron residencia
entre Bruselas y Barcelona. Murió en Barcelona el 6 de junio de 1998.
Nadal fue particularmente
influenciado por Henri Matisse, a quien conoció cuando era niño, y Georges Braque, que era un conocido cercano en la década de 1940, y mantuvo un amor por
el estilo fauvista.
Su primera exposición individual
fue en 1942 en La Pinacoteca de Barcelona. Sus primeros trabajos fueron
principalmente de escenas en España o Bélgica, pero cuando se estableció como
un artista exitoso, viajó extensamente, haciendo pinturas que a menudo
presentaban modos de transporte y escenas de ocio.
Según un crítico, el mundo de las
pinturas de Nadal era "un lugar extravagante donde los elementos
provenientes de todas partes se inflaman en un frenesí".
Arte de grabar superficies de
madera, linóleo, piedra litográfica o metal para producir con ellas estampas o
grabados, generalmente impresos sobre papel.
En el grabado por el sistema de
entintado se distingue entre la xilografía
(grabado en madera, en el que la tinta se dispone en la superficie del bloque y
las tallas en hueco dan los blancos sobre el papel) y la calcografía (grabado en metal, en el que la tinta llena las tallas
y los blancos son producidos por la superficie de metal no grabada).
-Grabado en madera o xilografía. Antiguamente la plancha a grabar se
cortaba en el sentido del crecimiento del árbol, y el artista, sirviéndose del
buril y la gubia, vaciaba las partes blancas y dejaba un dibujo simple, en
trazos relativamente gruesos, que era entintado para su posterior reproducción
sobre el papel. La orientación de las fibras de la madera determinaba la orientación
preponderante de las líneas del dibujo. Este tipo de grabado alcanzó su apogeo
con la escuela alemana de los ss. XV-XVI (Cranach, Durero). Actualmente se
utiliza una plancha formada por bloques de boj (de aquí el nombre de
"grabado al boj") fuertemente adheridos a presión, en los que las
fibras de la madera son perpendiculares a la superficie de la plancha, lo cual
permite que sea grabada con facilidad en cualquier sentido, sin riesgo de
desgarrarla. El grabado al linóleo
pertenece al mismo tipo de la xilografía (los salientes dan negros, mientras
que los huecos dan blancos sobre el papel impreso).
-Grabado en metal o calcografía. Por su entintado, es lo contrario
de la xilografía. Normalmente se usan planchas de cobre, pero también se puede
grabar sobre acero, cinc, latón y estaño, con diversas técnicas:
a) al buril o talla dulce, en la que el grabador realiza la incisión
de la plancha con un buril de acero, directamente; en el s. XVIII el
virtuosismo excesivo (supresión de los blancos por los matices y medias tintas)
hizo perder a la talla dulce su frescura y espontaneidad características;
b) a punta seca, en la que el artista graba con una punta de acero que
levanta barbas en el borde de las incisiones, las cuales aumentan la anchura
del trazo y -mediante el uso de tintas especiales- le confieren una especial
suavidad aterciopelada; esta técnica no permite una tirada elevada de pruebas,
a causa de la fragilidad de las barbas bajo la presión de la prensa;
C) a la manera negra, en la que mediante el raspador (instrumento
erizado de puntas) se obtiene una superficie áspera que proporciona un negro
profundo y absoluto; los blancos y medias tintas se consiguen aplastando o
puliendo este graneado en los lugares deseados; este tipo de grabado suele
acentuarse con algunos trazos al buril;
d) al aguatinta o mediatinta, esencialmente parecido al anterior, del
que se diferencia en que el graneado de la superficie metálica se obtiene con
polvos de resina adheridos a ella mediante el calor; después, estos granos se
graban al ácido, como en el aguafuerte;
e) al agua fuerte, en el que la superficie de metal, cuidadosamente
desengrasada, es recubierta por un barniz muy fino pero resistente al ácido,
sobre el cual el artista dibuja con puntas de acero, dejando con sus trazos el
metal al descubierto; la plancha se sumerge en una solución de ácido nítrico,
que graba las líneas que han dejado el metal al desnudo; a continuación, la
plancha se lava con agua y el barniz se quita con bencina, de forma que aquélla
queda lista para la impresión. Parece que esta técnica fue descubierta a fines
deis. XV por el orfebre italiano Maso Finiguerra, y con ella realizaron obras
maestras Rembrandt, Claude Larra in y Gaya (que en sus series de los Desastres
de la guerra y Los caprichos combinó soberbiamente las técnicas del aguafuerte
y del aguatinta sobre las mismas planchas);
f) al barniz blando, en el que la plancha se recubre con un barniz
especial y, una vez seco, con una hoja de papel cuyos bordes se pegan al dorso
de la plancha; el artista dibuja sobre ella con un lápiz duro, bajo la presión
del cual se adhiere el barniz sobre el papel y deja al descubierto el metal en
los lugares donde ha presionado sobre el papel la mina del lápiz; la plancha,
una vez grabada al ácido, permite obtener pruebas que parecen dibujos
originales a la mina de carbón.
-Litografía. Sobre una piedra calcárea de grano muy fino (piedra
litográfica), el artista dibuja con un lápiz especial muy graso o con tinta
litográfica. El trazo se fija después sobre la piedra mediante una solución de
ácido nítrico, de forma que la tinta sólo se adhiere a esas partes y es
rechazada por el resto de la superficie. La litografía, inventada en 1796 por
el alemán Senefelder, fue utilizada muy frecuentemente durante el s. XIX
(Delacroix, Géricault, Daumier, etc.) y, a partir de Toulouse-Lautrec, que con
ella creó el arte del cartel moderno, se convirtió en una técnica usada por
casi todos los grandes artistas contemporáneos, entre ellos Picasso.
Fuente: Historia del Arte.
Editorial Salvat Artistas del Grabado
