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Artistas de la A a la Z

Grabado

Abraham Cowley, 1668 de William Faithorne

Arte de grabar superficies de madera, linóleo, piedra litográfica o metal para producir con ellas estampas o grabados, generalmente impresos sobre papel.

En el grabado por el sistema de entintado se distingue entre la xilografía (grabado en madera, en el que la tinta se dispone en la superficie del bloque y las tallas en hueco dan los blancos sobre el papel) y la calcografía (grabado en metal, en el que la tinta llena las tallas y los blancos son producidos por la superficie de metal no grabada).

-Grabado en madera o xilografía. Antiguamente la plancha a grabar se cortaba en el sentido del crecimiento del árbol, y el artista, sirviéndose del buril y la gubia, vaciaba las partes blancas y dejaba un dibujo simple, en trazos relativamente gruesos, que era entintado para su posterior reproducción sobre el papel. La orientación de las fibras de la madera determinaba la orientación preponderante de las líneas del dibujo. Este tipo de grabado alcanzó su apogeo con la escuela alemana de los ss. XV-XVI (CranachDurero). Actualmente se utiliza una plancha formada por bloques de boj (de aquí el nombre de "grabado al boj") fuertemente adheridos a presión, en los que las fibras de la madera son perpendiculares a la superficie de la plancha, lo cual permite que sea grabada con facilidad en cualquier sentido, sin riesgo de desgarrarla. El grabado al linóleo pertenece al mismo tipo de la xilografía (los salientes dan negros, mientras que los huecos dan blancos sobre el papel impreso).

-Grabado en metal o calcografía. Por su entintado, es lo contrario de la xilografía. Normalmente se usan planchas de cobre, pero también se puede grabar sobre acero, cinc, latón y estaño, con diversas técnicas:

a) al buril o talla dulce, en la que el grabador realiza la incisión de la plancha con un buril de acero, directamente; en el s. XVIII el virtuosismo excesivo (supresión de los blancos por los matices y medias tintas) hizo perder a la talla dulce su frescura y espontaneidad características;

b) a punta seca, en la que el artista graba con una punta de acero que levanta barbas en el borde de las incisiones, las cuales aumentan la anchura del trazo y -mediante el uso de tintas especiales- le confieren una especial suavidad aterciopelada; esta técnica no permite una tirada elevada de pruebas, a causa de la fragilidad de las barbas bajo la presión de la prensa;

C) a la manera negra, en la que mediante el raspador (instrumento erizado de puntas) se obtiene una superficie áspera que proporciona un negro profundo y absoluto; los blancos y medias tintas se consiguen aplastando o puliendo este graneado en los lugares deseados; este tipo de grabado suele acentuarse con algunos trazos al buril;

d) al aguatinta o mediatinta, esencialmente parecido al anterior, del que se diferencia en que el graneado de la superficie metálica se obtiene con polvos de resina adheridos a ella mediante el calor; después, estos granos se graban al ácido, como en el aguafuerte;

e) al agua fuerte, en el que la superficie de metal, cuidadosamente desengrasada, es recubierta por un barniz muy fino pero resistente al ácido, sobre el cual el artista dibuja con puntas de acero, dejando con sus trazos el metal al descubierto; la plancha se sumerge en una solución de ácido nítrico, que graba las líneas que han dejado el metal al desnudo; a continuación, la plancha se lava con agua y el barniz se quita con bencina, de forma que aquélla queda lista para la impresión. Parece que esta técnica fue descubierta a fines deis. XV por el orfebre italiano Maso Finiguerra, y con ella realizaron obras maestras Rembrandt, Claude Larra in y Gaya (que en sus series de los Desastres de la guerra y Los caprichos combinó soberbiamente las técnicas del aguafuerte y del aguatinta sobre las mismas planchas);

f) al barniz blando, en el que la plancha se recubre con un barniz especial y, una vez seco, con una hoja de papel cuyos bordes se pegan al dorso de la plancha; el artista dibuja sobre ella con un lápiz duro, bajo la presión del cual se adhiere el barniz sobre el papel y deja al descubierto el metal en los lugares donde ha presionado sobre el papel la mina del lápiz; la plancha, una vez grabada al ácido, permite obtener pruebas que parecen dibujos originales a la mina de carbón.

-Litografía. Sobre una piedra calcárea de grano muy fino (piedra litográfica), el artista dibuja con un lápiz especial muy graso o con tinta litográfica. El trazo se fija después sobre la piedra mediante una solución de ácido nítrico, de forma que la tinta sólo se adhiere a esas partes y es rechazada por el resto de la superficie. La litografía, inventada en 1796 por el alemán Senefelder, fue utilizada muy frecuentemente durante el s. XIX (Delacroix, Géricault, Daumier, etc.) y, a partir de Toulouse-Lautrec, que con ella creó el arte del cartel moderno, se convirtió en una técnica usada por casi todos los grandes artistas contemporáneos, entre ellos Picasso.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat 

Artistas del Grabado 

Faithorne, William

Precisionismo

Malva negra - Espuela de caballero azul, 1930 de Georgia O'Keeffe

El precisionismo, también llamado realismo cubista, fue un movimiento artístico desarrollado en Estados Unidos en los años 1920. Los precisionistas aglutinaron la composición cubista con la estética futurista, aplicada a una iconografía inspirada en los ambientes rurales e industriales norteamericanos. El término fue acuñado por el pintor y fotógrafo Charles Sheeler, que describió así su estilo pictórico, de gran detallismo y precisión. Sheeler recibió la influencia de Cézanne, MatissePicasso y Braque, y junto a Morton Schamberg, otro de los exponentes del movimiento, desarrollaron una imaginería basada en la maquinaria agrícola, que plasmaban en obras de aspecto casi fotográfico. Otros artistas fueron Charles Demuth, Preston Dickinson, Georgia O'Keefe, Louis Lozowick y Ralston Crawford. Algunos precisionistas pasaron posteriormente al dadaísmo norteamericano, y el movimiento influenció a otras corrientes artísticas estadounidenses posteriores, como el pop-art y el hiperrealismo.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Artistas del Precisionismo


Juan O'Gorman (1905-1982)



O'Gorman, Juan (Ciudad de México, 6 de julio de 1905 – Tijuana, 18 de enero de 1982)1​ fue un destacado pintor y arquitecto mexicano, hermano del historiador Edmundo O'Gorman.

Biografía

O'Gorman nació en el barrio de Santa Catarina, Coyoacán, en la Ciudad de México. Fue hijo del pintor irlandés Cecil Crawford O'Gorman y de Encarnación O'Gorman Moreno, y hermano del historiador Edmundo O'Gorman. En los años veinte, estudió arquitectura en la Academia de San Carlos y en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México. Además, tuvo una representación de sus estudios.

Funcionalismo

Se convirtió en un arquitecto destacado bajo la influencia de Le Corbusier y ayudó a introducir a México la arquitectura funcionalista. En una etapa posterior, se percibe la influencia de Frank Lloyd Wright y de su arquitectura orgánica. A lo largo de su carrera, fue profesor en el Instituto Politécnico Nacional, donde creó la carrera de ingeniero arquitecto.

En su carrera como arquitecto, trabajó en grandes proyectos tales como el nuevo edificio del Banco de México y diseñó/construyó 26 escuelas primarias en la Ciudad de México. En Jardines del Pedregal de San Ángel, edificó, a principios de los años cincuenta, su propia casa, una verdadera obra de arte que, lamentablemente, fue demolida posteriormente. En la zona de San Ángel, O'Gorman diseñó y construyó en 1931–1932 el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo para ambos artistas. 


Obras comentadas

Galería

La conquista del aire por el hombre, 1937


Las minas de arena de Tetelpa, 1942

Biblioteca Central de la UNAM de Juan O'Gorman



Su obra pictórica más celebrada mundialmente, por su creatividad, su técnica constructiva y sus dimensiones, son los murales de cuatro mil metros cuadrados que recubren las cuatro caras del edificio de la Biblioteca Central de la Ciudad Universitaria de la UNAM, obra de Gustavo Saavedra y Juan Martínez. Estos murales son mosaicos hechos con millones de piedras de colores obtenidas en muchos lugares del país. El lado norte representa el pasado prehispánico; el sur, el colonial; el muro oriente, el mundo contemporáneo, y el poniente, la universidad y el México actual.​

"A la vez se preparó en uno de los pisos de acervos del edificio de la Biblioteca en obra, una mesa especial de todo el largo del acervo de 48 metros, para hacer sobre ella los precolados de concreto armado. Me transportaba a la obra en bicicleta a las 7 de la mañana, llevando mi comida para trabajar durante todo el día, y terminaba generalmente a las 9 ó 10 de la noche. Los domingos y días de fiesta también trabajaba el mismo número de horas para acelerar la terminación del mosaico en el menor tiempo posible"

Como pintor, destacan las obras donde plasmó en espacios públicos pasajes históricos y hechos diversos bajo un estilo particular, donde agrupaba en un momento personajes y hechos relacionados al tema de la obra, como lo hizo en los muros del Museo Nacional de Historia en el Castillo de Chapultepec, en el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México con La conquista del aire por el hombre o en el mural El crédito transforma a México, recién trasladado a la Torre HSBC. O'Gorman realizó también pintura de caballete. Fue miembro de la Academia de Artes a la cual ingresó en 1971. Fue ganador del Premio Nacional de Bellas Artes en 1972.

Se suicidó el 18 de enero de 1982, luego de estar sumido en una fuerte depresión desde el fallecimiento de Frida Kahlo ocurrido en 1954, el ver arruinada su casa de avenida San Jerónimo, la muerte de su amigo Max Cetto y al darse cuenta de que su hija adoptiva Bunny ya no lo necesitaría. Existen tres versiones de su suicidio y probablemente las tres sean ciertas; primero realizó una mezcla con las pinturas con las que realizaba sus murales y se la bebió, se colgó de un árbol y posteriormente se dio un disparo con su escopeta en la sien para finalmente caer ahorcado del árbol; con él se extinguia el movimiento del muralismo mexicano del siglo XX. Meses más tarde fue sepultado en la Rotonda de las Personas Ilustres de la Ciudad de México.


Gertrudis Bocanegra da su sangre por la independencia de Juan O'Gorman


O'Gorman pintó en 1941 este mural en una antigua iglesia mexicana reconvertida hoy en biblioteca para honrar homenaje a la mítica heroína que murió fusilada durante su cautiverio carcelario. En esta obra, el artista combina los dos rasgos característicos de la pintura moderna hispano-americana; por un lado el indigenismo, que pone de manifiesto el rostro de los personajes, y por otro la crítica social y la temática revolucionaria. En esta composición el pintor se vale de un evidente y nada disimulado recurso pedagógico que repetiría en años posteriores, denunciando algunos pasajes de la historia mexicana, e insistiendo en las escenas sobre la conquista española.  

(Iglesia de San Agustín de Pátzcuaro, Michoacán). 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Surrealismo

Movimiento artístico-literario surgido en Francia al término de la I Guerra Mundial, cuyas repercusiones -de honda trascendencia en la evolución espiritual del presente siglo- se hicieron sentir inmediatamente en los demás países europeos y en América.

Poema-objeto de André Breton (Colec-
ción F Labisse). En 1936 tuvo lugar en 
París una gran exposición de objetos 
surrealistas, clasificados según las más 
varias procedencias.  Incluso Breton, el 
máximo teórico del grupo, creó objetos 
poéticos como éste.
El surrealismo constituyó, en su momento, un movimiento vanguardista surgido en torno a la revista dadaísta Littérature y promovido esencialmente con la aparición en 1924 del Manifeste du surréalisme, de A. Breton, quien lo definía como "resolver las condiciones, en principio contradictorias, del sueño y la realidad, en una realidad absoluta, en una superrealidad". Influido por el psicoanálisis de Freud y las doctrinas revolucionarias de la época, el surrealismo supo dar cauce a vagos impulsos renovadores latentes en la intelectualidad surgida de la primera posguerra. Su período más floreciente fue el de 1924-28. Como escritores del grupo cabe citar a Aragon, Éluard, Breton, Péret, Clevel, Char, Artaud y Desnos. Como ideal estético se propone lo maravilloso, lo insólito, reunir dos objetos incongruentes en un contexto ajeno a ambos. El propósito de los surrealistas no es nunca "hacer arte", sino explorar posibilidades; en palabras de Breton, "un automatismo puramente psíquico dictado por el espíritu sin control alguno por parte de la razón ni de valoraciones estéticas o morales". El catálogo de la primera exposición de arte surrealista (noviembre 1925) incluía obras de PicassoMan Ray, ArpKlee, Ernst y DeChirico. Posteriormente se unieron al grupo MassonMiró y Pierre Roy. En marzo de 1926 se fundó la Galería Surrealista. En 1927 se adhirió al movimiento Yves Tanguy, y en 1930, Dalí. Los iniciadores de la vertiente plástica de la corriente fueron Arp y Ernst, representantes respectivamente de la tendencia abstracta (seguida por Miró y Masson) y del realismo mágico, continuado en el mundo caótico y alucinante de Tanguy y Dalí.

Fuente: Texto extraído de Historia del Arte. Editorial Salvat. 

Artistas del Surrealismo


Alberto
Arp, Jean
Barnils, Sergi
Balthus
Berni, Antonio

Arte urbano

Fred, 1979 de Fab 5 Freddy

El término arte urbano o arte callejero, traducción de la expresión street art, hace referencia a todo el arte de la calle, frecuentemente ilegal. El arte urbano engloba tanto al graffiti como a otras diversas formas de expresión artística callejera. Desde mediados de los años 90 el término street art o, de forma más específica, Post-Graffiti se utiliza para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales, graffitis...), que se alejan del famoso grafiti pero no siempre tiene que ser en paredes pues ahora en la actualidad es posiblemente, incluso, dibujar en forma experta 3D.

Uno es el uso de plantillas (stencil), a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París en la segunda mitad de los años 60. Sin embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la aparición de artistas como el norteamericano Shepard Fairey y su campaña "Obey" (Obey Giant) (Obedece al gigante), ideada a partir de la imagen del luchador norteamericano Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de posters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno o escena.

EL arte urbano comienza con la pintura en spray, es la forma en donde se puede encontrar mayor diversidad de estilos y búsquedas estéticas por los artistas del movimiento. Aunque también en pegatinas y pósteres, es donde podemos ver la evolución de este arte de la calle.Los normógrafos (reglas perforadas que permiten reproducir las letras del alfabeto normalizadas) se basan en la técnica del estarcido que en este caso se enfocan al graffiti, una de las formas más usuales de hacerlo es recortando la imagen deseada sobre una hoja de papel duro; el dibujo aparece como un espacio abierto con zonas sólidas alrededor. La plantilla así obtenida se sitúa sobre una nueva hoja de papel y se aplica la pintura sobre toda la superficie. Las zonas de pintura que llegan a la hoja inferior quedan limitadas a la forma de los huecos de la plantilla, creando así la imagen deseada. Muchas estrategias con diversas ideologías pero la misma teoría "El Arte", muchos pintan, otros dibujan, algunos solo rayan por rayar por poner algo que no tiene sentido a veces pero simplemente es arte plasmado en diversas estructuras, ya sea en un papel, en lienzo, en el suelo, en cristales, en frutas, e.t.c, incluso con papel de baño, porque al final de cuentas se trata de creatividad de ser únicos y de poder expresarse, tener el poder de demostrarnos lo que hacen.


Artistas del Arte urbano


Puntillismo

Técnica pictórica utilizada por un grupo de pintores procedentes del impresionismo a partir de 1886, fecha de la exposición de Un domingo en la Grande Jatte, de Georges Seurat, cuadro en que se contienen todas las características del estilo.

La técnica puntillista, también denominada divisionismo, fue adoptada por los pintores del grupo de los neoimpresionistas, muy influidos por las teorías ópticas de los físicos (Chevreul, Von Helmholtz, O. N: Rood, etc.) y sirvió a los artistas para realizar científicamente el propósito de dar mayor luminosidad a los cuadros, problema que los impresionistas se habían planteado empíricamente. La teoría puntillista se basa en el hecho de que toda mezcla de colores disminuye la luminosidad de sus componentes y aumenta el sentido del negro. Para evitar este inconveniente empezaron a colocar los colores puros sobre la tela en forma de pequeños toques o putos (de aquí el nombre de puntillismo), a fin de que la mezcla se produjese en la retina del espectador. Junto con Seurat practicaron el puntillismo Paul Signac y Camille Pissarro, en Francia, Previati, Segantini y Morbelli, en Italia, el español Regoyos, etc.

Fuente: Historial del Arte. Editorial Salvat.

Artistas del Puntillismo

Arte abstracto


Serie de tendencias en pintura, escultura y artes gráficas, que rechazan la copia o imitación de todo modelo exterior a la conciencia del artista.

Abstracción y figuración

Se entiende por arte abstracto aquel que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva); según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural. En un sentido más amplio, si tenemos en cuenta que la representación incluye siempre cierto grado de abstracción porque recurre a elementos como la línea y el color, inexistentes como tales en la naturaleza, la abstracción es una cuestión de grado. En este caso, arte abstracto es aquel que extrae algo de la realidad natural y lo simplifica.
Abstracción, 1955 de Franz Kline

Orígenes de la abstracción

El camino hacia la abstracción en arte ha seguido dos vías_ Por un lado, la búsqueda de la expresión a través de la pincelada libre producida por el gesto intuitivo del artista: Wassily Kandinsky inició este camino con sus Improvisaciones (191 0-12), pinturas que son una maraña de líneas y manchas de color sin ningún orden formal Dio origen al llamado expresionismo abstracto, que alcanza su máxima popularidad en los Estados Unidos, en los años posteriores a la II Guerra Mundial Por otro lado, la abstracción siguió el camino de la experimentación con formas geométricas que simbolizan por si mismas el espacio y los valores esenciales: es la vía seguida por Piet Mondrian, el teórico más importante del neoplasticismo. Sus Composiciones están formadas por cuadrados con colores primarios y líneas negras dispuestas como verticales y horizontales. Dio lugar al movimiento denominado abstracción geométrica.

Sin ser propiamente una forma de abstracción, el cubismo, estilo pictórico iniciado a partir de 1908 por Pablo PicassoGeorges Braque, marcó el inicio de la ruptura con el arte figurativo, ya que implicó la renuncia a los métodos clásicos de representación (modelado con luces y sombras, espacio construido según las leyes de la perspectiva geométrica) para buscar una nueva forma de plasmar la realidad tridimensional en una superficie plana.

En escultura, el camino hacia la abstracción se inició también con el cubismo: la Cabeza de mujer (1909) de Pablo Picasso significó la ruptura con los métodos escultóricos tradicionales, que fueron sustituidos por la yuxtaposición de planos y volúmenes angulares que ya no pretenden representar una forma anatómica. Constantin Brancusi dio un paso más al renunciar a cualquier relación formal con la apariencia externa del objeto; en 1920, su escultura en bronce pulido, Pájaro en el espacio, no fue reconocida como "obra de arte" por los funcionarios de aduanas de Estados Unidos, lo que dio lugar a una importante polémica sobre el concepto mismo de "obra de arte".

Evolución de la abstracción

En París, algunos pintores evolucionaron a partir del cubismo hacia una pintura de formas geométricas que aludía tan solo al movimiento y la sensación cósmica de la luz mediante el color y la línea; el artista más representativo de este movimiento denominado orfismo fue Robert Delaunay. En Rusia, la victoria de la revolución bolchevique generó un movimiento vanguardista, dirigido por Vladimir Tatlin, Antoine Pevsner y Naum Gabo, que defendía un arte integrado en la nueva realidad soviética denominado constructivismo. Otra tendencia del arte ruso, el suprematismo impulsado por Konstantin Málevic, consideraba la creación artística como un quehacer desvinculado de los problemas de la vida practica. Ambos movimientos tenían en común la voluntad de construir una nueva realidad, experimental y moderna, a partir de las innovaciones estilísticas de la abstracción europea. La Bauhaus, escuela de arte y diseño creada en Alemania en 1919 para impulsar la renovación de las artes, difundió activamente la nueva tendencia no figurativa en pintura y escultura, en especial en su vertiente geométrica, y en sus aplicaciones a la arquitectura y el diseño industrial En los años anteriores a la II Guerra Mundial la Bauhaus fue clausurada por la Gestapo y la mayoría de sus profesores, Walter Gropius, L. Mies van der Rohe, Joseph Breuer y W. Kandinsky, se vieron forzados al exilio. Muchos marcharon a París y finalmente se instalaron en los Estados Unidos, donde prosiguieron con su labor de difusión del arte abstracto. Paralelamente, primero en Suiza y luego en París, surgió un nuevo movimiento que cambió por completo el panorama del arte abstracto: el dadaísmo. Este movimiento proponía la poética del absurdo, la renuncia a producir mas obras de arte, para centrarse en acciones y provocaciones contra el sentido común o las reglas de la moral, que obligaran al espectador a reflexionar sobre la esencia misma del arte como una práctica indisolublemente ligada a la vida. Se basó en la pura negatividad y pronto dio paso a otro movimiento que intentó dar un fundamento a los valores intuitivos propugnados por los dadaístas: fue el surrealismo, fundado por André Breton.

En la segunda mitad del siglo XX se consolidó el arte abstracto en sus múltiples variantes, pero la tendencia básicamente racionalista que había predominado en el período de entreguerras fue sustituida por movimientos que valoraban más la intuición en la creación estética. El expresionismo abstracto deriva de W. Kandinsky y tiene como máximos representantes a Jackson PollockFranz Kline y Willem de Kooning. El informalismo es la denominación que a veces recibe en Europa el expresionismo abstracto, pero se diferencia de este último por su insistencia en las posibilidades ilimitadas de la experimentación libre con la materia y las texturas.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat. 

Artistas del Arte abstracto

Expresionismo abstracto

Corriente artística que se desarrolló principalmente en Estados Unidos y que tuvo su apogeo en las décadas de 1940 y 1950.

También conocida como action painting, esta técnica pictórica se caracteriza por la pincelada espontánea y las manchas en la tela con gotas y salpicaduras de pintura. El remarcado carácter dinámico en la que predominan el arabesco, los trazos irregulares y los colores mezclados sin criterio armónico alguno.

La expresión  action painting que se atribuye al teórico y crítico de arte estadounidense H. Rosenberg, empezó a aplicarse en torno a 1952; esta técnica deriva del automatismo preconizado por los surrealistas europeos en las décadas de 1920-1930. El propósito del pintor es trasladar su carga expresiva a la tela mediante el gesto realizado sin control racional: el gesto pictórico produce una mancha que contiene en sí misma la personalidad del pintor sin necesidad de remitirse a los criterios estéticos tradicionales.
Elegía de la República Española, de Robert Motherwell. (Mu-
seum of Modern Art, Nueva York). La obra de Motherwell,que 
fue primero historiador del arte interesado por el automatismo 
surrealista, surgió precisamente hacia 1943 con sus experimen-
tos de "collage". Del surrealismo se inclina hacia la abstracción. 
En esta ocasión, con una superficie casi monocroma, se sirve 
de un tema extraído de la realidad inmediata.

Jackson PollockWillem de Kooning, pintores pertenecientes al movimiento denominado expresionismo abstracto, utilizaron esta técnica que tuvo un gran impacto en el ambiente artístico estadounidense hasta la década de 1960, en que surgió un rechazo contra el irracionalismo de los llamados  action painters (pintores de acción).

Fuente: Texto extraído de. Historia del Arte. Editorial Salvat.

Artistas del Expresionismo Abstracto 

Ukiyo-e


Hodogaya, Shinkame Bashi, Estación 5, 1834 de Hiroshige

Escuela pictórica japonesa surgida en el s. XVII. Las características esenciales de esta pintura son el diseño abstracto y su rico colorido. El primer pintor que aparece como fundador de la escuela es Hishikawa Moronobu. Los representantes sobresalientes fueron Suzuki Harunobu, Kitagawa Utamaro, Utagawa Toyoharu, Katsushika Hokusai, Torii Kiyonaga y Ando Hiroshige, entre otros.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat     

Artistas de la Escuela Ukiyo-e


Punto al Arte