Eduardo Arranz Bravo (1941)

Expresionismo. Arte abstracto.

Arranz Bravo, Eduardo (n. Barcelona, 29 de octubre de 1941) Pintor y escultor español. Cultiva un vocabulario formal y conceptual de influencia surrealista y pop y su temática más frecuente es la figura humana deformada y situada en contextos insólitos. De 1967 a 1980 colaboró con R. Bartolozzi. Ha realizado también happenings y diseño.

En 1961 realizó su primera exposición individual, 15 pinturas por Arran, en el Club Universitario de Barcelona. La exposición que le supuso el reconocimiento de los críticos de Barcelona fue organizada por el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona en 1962. Entre 1968 y 1970 formó parte de un grupo de artistas conformados por Gerard Sala, Robert Llimós y Rafael Lozano Bartolozzi, con quien continuó colaborando hasta 1982, alternando entre exposiciones colectivas e individuales. El contacto con estos artistas influyó en su precoz trabajo.

Las obras de Arranz-Bravo eran abstractas y hacia arte pop. Trabajó junto a Bartolozzi en el mural en la fábrica Tipel en Parets del Vallès (1968), en un establecimiento hotelero de Magaluf (1973), en la fachada del Centro Internacional de Fotografía de Barcelona (1978) y en la casa de Camilo José Cela en Mallorca (1979). También participó en las exposiciones en la galería Bleu galería de Estocolmo (1971), donde se presentó su serie Tauromaquias, Croquis y esculturas de mármol, en la galería Gaspar de Barcelona (1973, 1977 y 1979), en la galería Vandrés de Madrid (1975 y 1980) y en el Centro de Exposición Tinell de Barcelona (1979): Mides universals.​ También organizó eventos, publicó libros, esculturas y estructuras de madera. En 1981 realizó su primera exposición individual. En 1982, presentó su serie Abraçades en la galería Miguel Marcos de Zaragoza y en 1983 realizó una exposición antológica de su trabajo en el Centro de Exposición Gaspar de Barcelona.

Entre 1986 y 1988 creó una serie de litografías llamada La Casa, pintó el Pantòcrator, y trabajó como director artístico en las películas de Jaime Camino, El balcón abierto y Luces y sombras. Participó en el Octavo Salón de Mayo en el antiguo hospital de Santa Cruz en Barcelona, (1964) y en las exposiciones de Muestra de Arte Nuevo (MAN), Barcelona (1971), Picasso 90, Museo del Louvre (1971), Experiencias conceptuales Escola Eina en Barcelona, (1971–1972), Miró 80, Mallorca (1973–1974), Artistas de Cataluña. Entre el Dau al Set y los conceptuales Santillana del Mar (1974), 15 años de la Casa del siglo XV, Segovia, (1978), Els artistes i el seu pas per Eina, Galería Trece de Barcelona (1980) y Mosaico, Madrid (1983), entre otros.

De 1986 a 1988 exhibió en varias ciudades de España y en el extranjero, como Amsterdam, París y Río de Janeiro. En 1989 presentó una exposición de su trabajo de sus tres años anteriores en el Museo de Arte Moderno en São Paulo y una exposición antológica en el Palau Robert de Barcelona.

En febrero de 2016, por primera vez expuso su obra en Moscú.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

            https://es.wikipedia.org/wiki/Eduardo_Arranz-Bravo

Más obras

Meuca, 1967

Sin título, 1968

Informalismo

La Garriga de Jean Fautrier 

Corriente de la pintura abstracta contemporánea que, en oposición a la abstracción geométrica, afirma la exigencia de una creación al margen de cualquier condicionamiento formal apriorístico. Los nombres de tachisme y art autre, utilizados en Francia, y los de abstract expressionism y action painting, empleados en EE.UU., designan facetas o estilos diversos de esta corriente pictórica.

La gran diversidad de manifestaciones artísticas surgidas entre los años 1945-60, que tenían en común la creación de imágenes informes -sin forma definida- con unos procedimientos en los que predominaba la espontaneidad, se denominó informalismo.

La pintura informalista surgió en Europa, durante la II Guerra Mundial, de la fragmentación en tendencias distintas dentro de la pintura abstracta. Una tendencia se centró en la investigación de las formas geométricas y la otra -el informalismo- en los contenidos expresivos. En las obras informalistas no se advierte nunca un motivo definido, sino simplemente evocado o sugerido. Predomina, ante todo, el deseo de provocar sensaciones o estados de ánimo, nunca se persigue plasmar algo concreto y determinado. El crítico de arte Michel Tapié acuñó el término "art informel" para referirse a aquellas obras que se distinguían por la importancia que tenía la materia de elaboración -que puede ser arena, polvo de vidrio, limaduras metálicas o de madera y arpilleras, mezcladas con pigmentos, colas, óleos y acrílicos- y la técnica pictórica con la que había sido manipulada, por encima del contenido o tema de la pintura. Sus orígenes estéticos se remontan a la pintura de la primera época de Wassily Kandinsky y a las aportaciones del dadaísmo, en especial, el calaje y la incorporación de materiales de desecho a la obra artística. El iniciador del informalismo fue el pintor francés Jean Fautrier, que ya a fines de la década de 1920 se había decantado por una pintura no figurativa en la que destacaba una zona central con fuerte empaste de materia pictórica sobre un fondo menos grueso. Otros artistas que pueden considerarse informalistas son el francés Jean Dubuffet, y los españoles Antoni Tàpies y Manolo Millares. Otro grupo de pintores se centró en acentuar el carácter gestual de la pincelada, en una tendencia que presenta paralelismos con la corriente estadounidense action painting o pintura gestual, como el francés Georges Mathieu, los alemanes Hans Hartung y Wolfgang Schulze o "Wols", el grupo Cobra, formado por Ascher Jorn, Pierre Alechinsky y Karl Appel, y los españoles Modest Cuixart y Antonio Saura. En una línea algo distinta. que algunos autores denominan pintura espacialista, se sitúa el pintor argentino, Lucio Fontana, que busca sugerir el espacio por procedimientos totalmente nuevos, como agujerear la tela.

En Estados Unidos surgió una corriente muy similar al informalismo europeo, pero con elementos figurativos. grandes formatos, y una fuerte influencia del surrealismo, que se denominó expresionismo abstracto, con Willem de Kooning, Jackson Pollock y Mark Rothko, como principales representantes.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat         

Artistas del Informalismo

Appel, Karel
Baumeister, Willi

Bazaine, Jean

Bissière, Roger
Canogar, Rafael

Cuixart, Modest

Fautrier, Jean
Feito, Luis

Illuminato, Sergio

Ráfols-Casamada, Albert

Rivera, Manuel
Tàpies, Antoni

Vedova, Emilio

Yoshihara, Jiro

Posmodernismo

Feria de Valencia, 1910 de Hermen Anglada Camarasa

Movimiento artístico contemporáneo nacido en la década de 1970 con el fin de superar los paradigmas de las vanguardias artísticas del s. xx. El posmodernismo postula la ironía, las citas históricas y el recurso sistemático a yuxtaposiciones inconexas frente al racionalismo, el compromiso moral con el presente y la voluntad de innovación, que caracterizan a los movimientos de vanguardia. Desarrollado en las décadas posteriores, ha tenido una influencia destacada en la arquitectura y el diseño. El posmodernismo tiene sus orígenes en la obra del arquitecto estadounidense Robert Venturi, que en sus obras, Complejidad y contradicción en arquitectura (1966) y Aprendiendo de todas las cosas (1972), expuso la pobreza expresiva de la arquitectura moderna y la necesidad de reincorporar referencias a la vida cotidiana y a la historia, entresacados del diseño comercial, para hacerla más compleja e irónica. En la Bienal de Venecia de 1980 varios arquitectos estadounidenses y europeos (Robert Venturi, Paolo Portoghesi, Aldo Rossi, Hans Hollein, Ricardo Bofill y Leon Krier) participaron en una exposición titulada "La presencia del pasado", considerada clave en la consolidación del posmodernismo como movimiento. El objetivo principal era recuperar la memoria del pasado en el diseño arquitectónico; se plasmó en la incorporación de columnatas, galerías, obra en piedra y también neones y colores brillantes a estructuras tipo rascacielos, tradicionalmente tratadas de forma mucho más austera. Entre los arquitectos estadounidenses que se adhirieron al movimiento figuran Philip Johnson y John Burgee (edificio AT&T en Nueva York, 1978-84), Allan Greenberg y John Blatteau, Langdon and Wilson (Museo Paul Getty en Malibú, California, 1970-75) y Frank O. Gehry (Museo Guggenheim de Bilbao, 1997); en Gran Bretaña, James Stirling y Terry Farrell; en Francia, Christian Langlois y Ricardo Bofill (Los espacios de Abraxas, en Marne La Vallée, 1978-83); en Italia, Aldo Rossi, cuyo tratado L'architectura delta citta (1966) ha ejercido una profunda influencia en una interpretación neorracionalista del posmodernismo seguida por el suizo Fabio Reinhart, el alemán Oswald Matthias Ungers y el austríaco Hans Hollein. En pintura y escultura el posmodernismo se caracteriza por la multiplicidad de referencias al pasado y la tendencia a la deconstrucción de la obra en fragmentos. Los pintores de la transvanguardia italiana y los conceptualistas y neoexpresionistas alemanes se sitúan dentro de la corriente posmoderna: Joseph Beuys, su discípulo Anselm Kiefer y GeorgBaselitz son los más representativos.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Artistas del Posmodernismo

Anglada Camarasa, Hermen

Cubismo

El dúo de Georges Braque

Movimiento pictórico desarrollado de manera especial entre 1907 y 1914, que entrañó la revolución estética más importante realizada desde el Renacimiento.

El nombre de cubismo, procedente de la frase despectiva de un crítico, fue aceptado por los componentes del movimiento, entre los cuales desempeñaron un papel fundamental Picasso, Braque, Juan Gris y Léger. El problema central planteado por el cubismo es el de la representación del espacio de tres dimensiones sobre una superficie plana. La perspectiva inventada por los creadores del Renacimiento consistía en un sistema convencional de representación del espacio, que partía de la base de considerar la visión humana como fija, monocular e instantánea. Los pintores cubistas desarrollaron un sistema representativo más rico, basado en el hecho de que la visión humana es móvil, se realiza con los dos ojos y se desarrolla en el tiempo. Por ello los objetos aparecen en los cuadros cubistas contemplados desde diferentes puntos de vista, como desplegando sus diversas superficies, que no pueden ser observadas simultáneamente si se elige un solo punto de vista fijo. El resultado es un nuevo lenguaje plástico, de orden lírico y conceptual a la vez, que liquida el ilusionismo practicado desde el Renacimiento como única forma posible de representación. El cubismo presenta los objetos tal como son concebidos por la mente y como existen en sí, y no tal como son vistos. En sus orígenes desempeñaron un papel importante Cézanne, en su última época, la escultura negra y el descubrimiento del arte primitivo. En su desarrollo se suelen distinguir tres etapas:

 a) cubismo primitivo, iniciado por el célebre cuadro de Picasso Las señoritas de Aviñón (1907), al que pronto se incorporaron Braque y Juan Gris;

b) cubismo analítico (1910-12), que se caracteriza por la descomposición de las formas de objetos muy simples (botella, vaso, compotera, copa) en colores sordos (verde oscuro, ocre, gris), período que corresponde a la generalización masiva del cubismo y a su primera formulación teórica, con el libro de Gleizes y Jean Metzinger  Du cubisme ( 1912);

c) cubismo sintético, iniciado a raíz de la estancia en Ceret (verano 1913) de Picasso, Braque y Juan Gris, y de la incorporación al movimiento de F. Léger; esta etapa se caracteriza por la ruptura con todo procedimiento imitativo y por el empleo de "signos" plásticos, libremente inventados, comparables a las metáforas de los poetas.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Artistas del Cubismo 

Alberto
Archipenko, Alexander

Baumeister, Willi

Beckmann, Max

Bissière, Roger
Blanchard, María

Boccioni, Umberto
Braque, George

Brauner, Víctor

Čapek, Josef

Carrá, Carlo

Dalí, Salvador

Davis, Stuart

Derain, André

Dix, Otto

Do Amaral, Tarsila
Dufy, Raoul
Fresnaye, Roger de La
Gleizes, Albert
González, Julio
Gris, Juan

Hadjikyriakos-Ghikas, Nikos

Herbin, Auguste Kirchner, Ernst Ludwig Klee, Paul  Laurens, Henri  Le Fauconnier, Henri  Léger, Fernand  Lhote, André  Lipchitz, Jacques Málevic, Konstantin Man Ray   Marc, Franz  Marcoussis, Louis Matisse, Henri Metzinger, Jean Nicholson, Ben  Ozenfant, Amédée Picasso, Pablo Portinari, Candido Rivera, Diego

Vázquez Díaz, Daniel

Villon, Jacques

Weber, Max

Zabaleta, Rafael

Zaretsky, Victor

Hard Edge (borde duro)

Variante - Adobe, 1947 de Josef Albers

Hard edge (literalmente borde duro) es un movimiento pictórico de la pintura abstracta definido por las transiciones abruptas entre las áreas de color, que generalmente son de un sólo color invariable. Las transiciones de color se dan muchas veces a lo largo de líneas rectas, aunque los bordes curvos también son comunes. Este estilo está relacionado con la Abstracción geométrica, el Op Art, la Abstracción postpictórica, y el Color Field.

El término fue acuñado por el escritor, curador y crítico de arte del Los Angeles Times Jules Langsner en 1959 para describir el trabajo de pintores de California, quienes, en reacción a las formas más pictóricas o gestuales del Expresionismo abstracto, adoptaron una aplicación impersonal de la pintura y el delineado de áreas de color con particular nitidez y claridad. Este enfoque de la pintura abstracta se extendió en la década de 1960. La hard-edge painting se conoce por el nombre de pintura de contornos nítidos.

Otros movimientos o estilos anteriores también presentaron la característica de los contornos nítidos, como los precisionistas, que la utilizaban en sus trabajos. El hard edge puede ser visto asociado a una o más escuelas de arte, pero también se usa como término descriptivo, para nombrar estas características cuando se encuentran en cualquier pintura. Las pinturas hard edge pueden ser tanto figurativas como abstractas.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Artistas del Hard Edge (borde duro)

Albers, Josef
Zox, Larry

Pop Art

Término con que se designa una corriente artística, especialmente pictórica, que surgió en EE.UU. a fines de la década de 1950 como reacción contra el anquilosamiento de la pintura abstracta.

El término pop art es una contracción de "arte popular"; se utilizó por vez primera en 1954 para referirse a un tipo de creación artística cuyas imágenes presentan muchas similitudes con las imágenes de los anuncios publicitarios. Se definió claramente e 1962 como tendencia seguida por aquellos artistas que utilizaban sistemáticamente imágenes tomadas de la cultura popular (anuncios, carteles, cómics, logotipos comerciales, etiquetas, fotografías aparecidas en publicaciones periódicas) y el lenguaje agresivo del diseño comercial para abordar temas relacionados con la existencia cotidiana en el ámbito urbano. Si en un primer momento el pop art fue una tendencia marginal, pronto obtuvo el reconocimiento de la crítica y quedó firmemente implantado como uno de los principales movimientos del arte estadounidense contemporáneo.

Marilyn, de Andy Warhol. La célebre actriz Marilyn Monroe fue uno de los temas más desarrollados por Warhol en sus serigrafías basadas en un original fotográfico de su rostro. Diversas transformaciones de color y de mancha han logrado ofrecer una imagen que, siendo siempre distinta, permanece invariable todo el tiempo. Resulta así un magnífico ejemplo de la deshumanización del mito en la época presente y la banal valorización de las imágenes culturales convertidas en arte de consumo.

El pop art tiene sus raíces en el expresionismo abstracto, en especial en la pintura de Jackson Pollock, sembrada de materiales extraños, como clavos o colillas, y también en el dadaísmo europeo, aunque Marcel Duchamp, el principal teórico del movimiento dadá, siempre consideró que los artistas pop habían tergiversado la intencionalidad subversiva de los ready-made, porque buscaban cualidades estéticas en los objetos de la vida cotidiana en lugar de utilizarlos como forma de romper con toda valoración estética.

Los artistas más representativos del movimiento son Robert Raushenberg, Andy Warhol, Tom Wesselmann, James Rosenquist, Jasper Johns, Roy Lichtenstein y Claes Oldenburg. Existe también un movimiento pop británico con Peter Phillips, Dereck Boshier, Richard Hamilton y David Hockney, aunque presenta diferencias notables respecto al movimiento estadounidense: confiere menos importancia a los objetos en cuanto tales, es más pictórico y más hermético. En España la obra del Equipo Crónica presenta algunas similitudes con el pop art.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Artistas del Pop Art

Abréu, Mario

Adami, Valerio
Arroyo, Eduardo

Axell, Evelyne
Hamilton, Richard
Hockney, David

Johns, Jasper 
Lichtenstein, Roy

Warhol, Andy

Yamagata, Hiro

Yamazaki, Tsuruko 

Yayoi Kusama

Youhan, Yu

Neoclasicismo

Apoteosis de Homero, de Jean Auguste Dominique lngres

Corriente literaria y artística, dominante en Europa en la segunda mitad del s. XVIII.

El neoclasicismo se desarrolló como reacción contra los excesos del barroco y contra la frivolidad del estilo rococó, entonces imperante. La estética del neoclasicismo invoca los valores normalmente asociados al arte de la antigüedad grecorromana: armonía, claridad, simplicidad, idealización. El estilo neoclásico alcanzó su máxima difusión en el período 1790-1815 y se prolongó hasta la segunda mitad del s. XIX. El historiador Johann Winckelmann fue su principal teórico: defendía la superioridad del arte griego sobre el romano, por su "noble simplicidad y serena grandeza", y animó a los artistas jóvenes a imitar el arte griego porque había producido las únicas obras capaces de revelar toda la grandeza de la humanidad. El escultor italiano Antonio Canova y el pintor francés Jacques-Louis David fueron los principales seguidores de los consejos de Winckelmann: ambos intentaron llevar a cabo una obra que cumpliera unas normas muy estrictas de proporción, composición, exactitud y precisión en la factura, buscando siempre transmitir un contenido moralizante: para los neoclásicos la función del arte consistía fundamentalmente en la transmisión de valores tanto estéticos como éticos. En este sentido el neoclasicismo fue el vehículo de expresión de la ideología de la Ilustración, que preconizaba el culto a la naturaleza, a la verdad y a las virtudes cívicas.

Dos acontecimientos históricos fueron el origen de la difusión del neoclasicismo a escala internacional. En primer lugar, los descubrimientos arqueológicos, realizados entre 1738 y 1748, de las ciudades de Herculano y Pompeya sepultadas por una erupción volcánica en el s. 11; los grabados de los hallazgos en las excavaciones circularon rápidamente por toda Europa con detalles de la vida cotidiana -vestidos, peinados, muebles, joyas, objetos domésticos- y de la producción artística -edificios, esculturas, frescos-, revelando el refinamiento de un sociedad desaparecida unos 1.500 años atrás. Se generó así un gran interés por la Antigüedad, que dio lugar a la aparición del llamado "estilo Imperio", caracterizado por la imitación en el vestido, el peinado, el mobiliario y la arquitectura, del estilo de Pompeya. Un segundo acontecimiento contribuyó a extender esta nueva moda: la Revolución francesa y la posterior difusión europea de sus principios a través del imperio napoleónico. Napoleón había nombrado al pintor neoclásico Jacques Louis David como su pintor personal, y bajo su mandato la voluntad de una ruptura total con el pasado se expresó también a través de una ruptura radical en las artes plásticas y en las formas de vestir: el estilo neoclásico, considerado como racional y elevado frente a la artificiosidad del rococó, se convirtió en el estilo oficial de la revolución y después del imperio.

Arquitectura

La arquitectura neoclásica se caracterizó por la simetría, la elegancia y la sobriedad, el empleo de un solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de la superposición barroca), el énfasis sobre los valores lumínicos, la división tripartita de la fachada con tímpano central, la eliminación del color, el gusto por los arcos de triunfo y las columnas conmemorativas. El nuevo estilo se inspiró en la arquitectura griega (se publicaron libros profusamente ilustrados sobre la Acrópolis de Atenas) y, en especial, en Gran Bretaña y EE.UU., se inspiraron en las obras del arquitecto renacentista A. Palladio (1518-80). El resultado fue una arquitectura grandiosa y austera, en la que predominan las superficies planas, la simetría y la precisión geométricas. En Francia Jacques-Germain Soufflot. con su obra maestra, la iglesia de Sainte-Geneviéve (conocida como Panteón), introdujo el gusto por los edificios de planta central cubiertos con cúpula semiesférica, inspirados en el Panteón de Roma; Étienne Louis Boullée y Claude Nicolas Ledoux imprimieron un giro revolucionario a la recuperación del estilo antiguo con una arquitectura de geometría pura, con volúmenes interiores claramente visibles desde el exterior y de líneas simples bien precisadas. Charles Percier y Pierre Franc;ois Fontaine fueron los arquitectos oficiales de Napoleón (estilo Imperio), que erigieron el arco de triunfo del Carroussel; también destaca la iglesia de la Madeleine, de Pierre-Aiexandre Villon. Gran Bretaña se convirtió rápidamente al nuevo estilo con Robert Adam (Kenwood House, en Hampstead), muy influido por Palladio, y en el s. XIX, John Nash (Cumberland Terrace en Regence Park, Londres). En Italia fue muy importante la influencia de Giambattista Piranesi, cuyos grabados de las ruinas de Roma causaron un gran impacto en los arquitectos que visitaban la ciudad. La obra más importante del período es la Piazza del Poppolo, diseñada por Giuseppe Valadier, en Roma. La mejor muestra rusa de neoclásico está en la ciudad de San Petersburgo, cuya Academia adoptó las normas de la de París y donde a fines del s. XVIII colaboraron arquitectos extranjeros: De Thomon (Bolsa Marítima, columna de Poltava), Montferrand (catedral de San Isaac), Cario Rossi (Palacio del Senado, Teatro de Alejandra). En Alemania, los centros más activos fueron Berlín, con Langhaus (puerta de Brandemburgo) y Schinkel (Carlottenhof, Museo de Berlín, iglesia de San Nicolás). y Munich, con Von Klenze (Giiptoteca). En EE.UU., el movimiento fue algo más tardío y se caracterizó por la definitiva influencia de Robert Ada m; la analogía entre el poder de la Roma imperial, los ideales políticos de la Atenas de Pericles y la constitución del nuevo estado federal condujo a la incorporación de los modelos griegos y romanos en la arquitectura de las ciudades estadounidenses; cabe destacar a Jefferson, autor del Capitolio de Richmond y de la Univ. de Charlottesville. En España, los primeros monumentos neoclásicos datan del reinado de Carlos 111; los mejores ejemplos son: en Madrid, el Palacio Real, la iglesia de San Francisco el Grande y el Museo del Prado, y en Barcelona, la iglesia de San Felipe Neri y la Lonja. Entre 1770 y 1790 toda Europa, con sus nuevas ansias de razón y lógica, quiso resucitar la Antigüedad.

Escultura

Durante el s. XVIII fueron muy abundantes los hallazgos de piezas escultóricas de época romana, que en su mayoría eran copia de originales griegos. Estas piezas ejercieron gran influencia en los escultores, que imitaron los procedimientos técnicos y las composiciones de figuras de mármol vestidas con túnicas drapeadas, en las que se buscaba un ideal de belleza sereno y grave. Antonio Canova en Italia, su discípulo danés Bertel Thorwaldsen, el británico John Flaxman y el francés Jean-Antoine Houdon fueron los principales escultores del período. Impusieron un estilo en el que predominan los desnudos o los personajes heroicos ataviados a la manera antigua y ejecutados en un estilo frío y solemne, que se prodigó en los monumentos urbanos de carácter conmemorativo o en pequeñas piezas para decorar jardines privados. En Francia, Franc;ois Rudé continuó la tradición en el s. XIX.

Pintura

La pintura neoclásica se caracteriza por el predominio del dibujo sobre el color, por la fidelidad a los detalles, revelados por la arqueología en la ambientación de los temas históricos, rompiendo así con la tendencia barroca de vestir los personajes del pasado con atuendos contemporáneos, y por unas composiciones estructuradas en verticales y horizontales, que disponen las figuras paralelas al plano de representación como si se tratara de un bajorrelieve. Joseph-Marie Vien y Antonio Rafael Mengs (quien influyó en artistas franceses de la talla de lngres, Gérard, Prud'hon y en el español José de Madrazo) fueron precursores del neoclasicismo en pintura, por su tendencia a tomar los motivos y las composiciones de la escultura antigua. Con Jaques Louis David se desarrolló en Francia un estilo neoclásico maduro: su obra El juramento de los Horacios ( 1796) es considerada como el manifiesto pictórico del neoclasicismo. Jean-Auguste-Dominique lngres fue el principal continuador del estilo en el s. XIX, cuando el romanticismo, estilo en apariencia opuesto al neoclasicismo pero en el fondo interrelacionado con él, se había impuesto en las artes plásticas.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Artistas del Neoclasicismo

Adam, Robert

Ágreda, Esteban de
Aparicio, José
Bayéu, Francisco

Borovikovsky. Vladimir
Canova, Antonio

Carrá, Carlo
Chalgrin, Jean-François
Chambers, sir William

Chassériau, Théodore
Chippendale, Thomas
Chodowiecki, Daniel
Clérisseau, Charles-Louis
Copley, John Singleton

Dalí, Salvador

David, Jacques-Louis
Debucourt, Philibert-Louis

Degas, Edgar

Derain, André
Despiau, Charles
Eckersberg, Christoffer Wilhelm

Girodet, Anne-Louis 

Hamilton,William 
Ingres

Kazakov, Matvéi
Madrazo y Agudo, José de 

Picasso, Pablo

Prud'hon, Pierre-Paul 
Quarenghi, Giacomo

Rivera, Diego

Sargent, John Singer

Stieler, Joseph Karl

Vernet, Carle

Villanueva, Juan de

West, Benjamin

Winterhalter, Franz Xaver

Corneliu Baba (1906-1997)

Expresionismo. Posimpresionismo.

Baba, Corneliu (Craiova, 18 de noviembre de 1906 – Bucarés, 28 de diciembre de 1997) Pintor rumano.

Sus padres nacieron en la región de Banat y de orígenes modestos. Su padre Gheorghe Baba (1863-1952) estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena gracias a un mecenas, y se instaló en Craiova después de su aprendizaje para abrir un taller. A menudo pintaba en iglesias. En 1921, la familia regresó a Banat para establecerse en un chalet de montaña.

El niño Corneliu aprendió a dibujar en el estudio de su padre y el joven adolescente tomó clases de violín en Craiova. En 1926, intentó el examen de ingreso en la Academia de Bellas Artes de Bucarest, fracasó, pero tuvo éxito al año siguiente. Con un compañero, están interesados ​​en la literatura de vanguardia, no están muy interesados ​​en las clases de arte, pero continúan asistiendo a la Facultad de Literatura, de donde se graduaron con un título en 1930. Después de un año de servicio. En Timisoara, se unen a un grupo de artistas progresistas. El padre y su hijo Baba exponen juntos a Băile Herculane en 1934 y conocen a un abogado que alienta a Corneliu a ir a Jassy para ingresar a la Academia de Bellas Artes.donde tuvo como maestro a Nicolae Tonitza. Completó su formación en 1938 con un diploma.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Más obras

Expresionismo

Maternidad, 1979

Retrato

Arte safávida

Portugués joven, 1634 (Reza Abbasi)

La denominación arte safávida agrupa la producción artística que tuvo lugar en Persia (actual Irán y parte del Irak de hoy) durante el gobierno de la dinastía homónima, entre 1501 y 1722. Marca un punto culminante en la arquitectura persa y en el arte del libro, mientras que, en las artes menores, como la cerámica, el arte de metal o del vidrio, sus logros tienen más o menos tendencia a periclitar. Aunque nutrido por la cultura persa, el arte safávida estuvo fuertemente influenciado por las culturas turkmena (los orígenes de la dinastía), china, otomana y occidental.

Los safávidas fueron los últimos soberanos que promovieron un arte nacional «persa». Se les debe una reactivación de la producción artística en el actual Irán, particularmente notable en la planificación urbana de Isfahán: los palacios de Ali Qapu y Chehel Sotún son verdaderas joyas que destacan en verdeantes parques trazados según perspectivas precisas, mientras la larga avenida monumental de Chaharbagh (o 'avenida de los Cuatro Jardines', de 3 km) articula la ciudad. Guardianes de la antigua tradición artística más que verdaderos innovadores, desarrollaron un arte cortesano refinado y suntuoso cuyas tendencias manieristas en la decoración tienen un gran encanto poético. Su caída condujo a una rápida degeneración del arte iraní.​

El conjunto de la plaza de Naqsh-e Yahán de Isfahán fue declarado en 1979 Patrimonio de la Humanidad.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Artistas del Arte Safávida

Abbasi, Reza

Academicismo

Albaydé , 1848 de Alexandre Cabanel

En Arte, se habla de una obra u obras académicas cuando en estas se observan unas normas consideradas «clásicas» establecidas, generalmente, por una Academia de Artes. Las obras académicas suelen hacer gala de una gran calidad técnica. El antiacademicismo suele ser, en cambio, signo de rebeldía y de renovación.

El academicismo es una corriente artística que se desarrolla principalmente en Francia a lo largo del siglo XIX, y que responde a las instrucciones de la Academia de Bellas Artes de París y al gusto medio burgués, como herencia del Clasicismo. El academicismo huye, asimismo, del realismo naturalista, esto es, de los aspectos más desagradables de la realidad.

Se utilizan los mismos patrones repetidamente, ya que no se busca una belleza ideal partiendo de las bellezas reales, como es propio del Clasicismo, que resulta ser un Idealismo con base en la realidad por su suma de experiencia. El Academicismo basa su estética en cánones establecidos y en la didáctica de éstos.

(Fuente:https://es.wikipedia.org)

Artistas del Academicismo

Boulanger, Gustave
Cabanel, Alexandre
Corinth, Lovis

David, Jacques-Louis
Gérome, Jean-Léon

Lefebvre, Jules Joseph
Macho, Victorio
Meissonier, Ernest
Zorn, Anders

Neominimalismo (Neo-Geo)

El Neo-Geo es un movimiento artístico que surge en los años ochenta. Es la abreviatura de Neo-Geométrico que preconizaba la utilización de objetos domésticos como materiales esculturales. También se le llama Neoabstracción Geométrica o Pintura Neo-Geo.

La pintura Neo-Geo volvió a poner al gusto actual los preceptos visuales del minimalismo, readaptados a la nueva codificación lineal de la sociedad urbana, cuyas descripciones se convirtieron en el apoyo de juegos visuales, o, en escultura, la ocasión de ready-made, sacralizando la vacuidad: el Three Ball Total Equilibrium Tank y Vacuum Cleaner (aspirador) de Jeff Koons son los símbolos más destacados, con la pintura de Peter Halley, A Perfect World, Black Cell por ejemplo.

La linealidad euclidiana que se rechaza en estas obras se distingue de las tendencias visuales que las siguieron, dominadas por la estética fractal, relacionado con las teorías populares de la época, una de ellas la teoría del caos.

Los pintores de la corriente neo-geo prolongan y actualizan las distintas investigaciones llevadas a cabo anteriormente en el ámbito del minimalismo, del Op-art y de la abstracción geométrica. Pintan generalmente obras de gran formato compuestas de motivos o signos que se despegan de un fondo plano y coloreado.

Peter Halley emplea pinturas fosforescentes y enlucido sintético. Su obra prueba que un arte puramente geométrico no es inevitablemente abstracto o alejado de toda realidad exterior al cuadro. Halley observa y pinta un mundo o los modelos matemáticos y arquitecturas apremiantes que condicionan a su vez el urbanismo, la organización social, a las instituciones (escuelas, hospitales...).

Philip Taaffe combina motivos orgánicos y geométricos así como las formas decorativas tomadas de la historia de las artes decorativas. Se duplican y repiten las formas. Sus lienzos reivindican un carácter a la vez decorativo y meditativo.

Para estos pintores a los que se pregunta el significado de sus propias prácticas, la mejor respuesta reside en el placer que les procura y las reflexiones que les suscitan.