Corriente artística surgida a
raíz de la revalorización, por parte de Apollinaire y Wilhelm Uhde (1907), del
arte espontáneo de artistas populares sin formación técnica académica. El mejor
representante de esta tendencia fue Henri Rousseau por sus cuadros de
sorprendente fantasía. Otros franceses: Camille Bombois, Louis Vivin, André Bauchant, Seraphine de Senlis; los estadounidenses Horace Pippin, Grandma
Mases; los españoles: Joan Busquets, Capel, Boliche. El arte na"if,
también llamado primitivista o ingenuista, no ha dejado de tener interés, y
todavía son muchas las exposiciones y escritos que se dedican a estos artistas
espontáneos.
La encantadora de serpientes (La charmeuse de serpents) es obra de Henri Rousseau, el Aduanero, un perfecto autodidacto que supo crear una obra valiosa y sincera, y cuya inspiración en la imaginación popular y en los relatos de la época le convirtieron en el pionero de un nuevo exotismo.
Fuente: Historia del Arte.
Editorial Salvat. Artistas del Arte Naíf
UNA VISIÓN DEMONIACA DE JEAN-MICHEL BASQUIAT Y UN RARO AUTORRETRATO " EXULTANTE" DE FRANCIS BACON PROTAGONIZAN LAS GRANDES SUBASTAS INTERNACIONALES DE ARTE DE POSGUERRA Y CONTEMPORANEO DEL MES
Fue en Italia donde Jean Michel Basquiat celebró su primera exposición individual. En 1982, en la Galleria d'Arte Emilio Mazzoli de Módena. Sus creaciones fueron expuestas también en la muestra Transvanguardia: talia-América, de la Galleria Civica del Comune de Módena, junto a la de artistas como Sandro Chía, Enzo Cucchi, David Deutsch, David Salle, Julian Schnabel y Francesco Clemente. Italia cambió el destino (comercial) de Basquiat, que hasta muy poco antes sobrevivía pintando postales por un dólar en las calles de Nueva York. Ese mismo año se abrirían para él las puertas del mercado neoyorquino, con su primera individual en Estados Unidos, en la Annina Nosei Gallery. También expondría en Bruno Bischofberger (Zúrich), en la Marlborough Gallery (Nueva York) y en la Gagosian Gallery (Los Angeles) y participaría en la Documenta 7 de Kassel (Alemania). Aquel 1982 conocería por fin a su admirado Warhol. Todo muy rápido. Seis años después, en 1988, Basquiat. Aclamado, moría por una sobredosis. Muy lejos estaba de imaginar que una de las obras que pintó durante su estancia en Módena aquel 1982 se ofrecería en una subasta, treinta y cinco años después, por 40 millones de dólares. Es el precio estimado del autorretrato que el día 10 de este mes. Christie's pone a la venta en Londres, en el que el creador se reflejó como una figura demoniaca ardiente. Un día después Sotheby's subastará en Nueva York un doble autorretrato de Francis Bacon por entre 22 y 30 millones de dólares. La obra, que solo se ha mostrado en público en dos ocasiones, en 1971 y 1993, data de 1970 y es, frente a los habituales trabajos atormentados del autor, una rara visión "exultante" del retratado, única en su trayectoria. Además de este, Bacon creó solo otros dos autorretratos dobles a lo largo de su carrera.
Gerardo Buendía
(Fuente: Revista “Descubrir el Arte”, Mayo 2016, nº 207)
Pinta
sobre papel, puertas, refrigeradores, trozos de metal y hace
ensamblajes de basuras. En 1981 participa en una colectiva organizada en
el P.S.1 de Nueva York titulada New York, New Wave; hace su
primera individual en Módena (Italia) y en la galería Anina Nosei de
Nueva York, quien le ofrece un estudio en los bajos de la galería. En
1983 comienza a recibir el reconocimiento de críticos y curators,
participa en la Documenta VII de Kassel y en la Bienal del Withney
Museum. "Tomo mis hechos de libros, cosas en atomizadores, el blues, alcohol etílico...Pongo lo que me gusta de ellos en mis cuadros".
Sus influencias fueron Picasso, las máscaras africanas, el arte de los
niños, el hip-hop y el jazz; su estilo se asocia al Nuevo Expresionismo
de los años ochenta; a pesar del aspecto inacabado y descuidado de sus
cuadros, las superficies están muy trabajadas y son semánticamente
complejas. A diferencia de otros artistas del graffiti neoyorquino como
Haring y Scharf, Basquiat pronto estableció para sí mismo una sólida
reputación en Europa y sus últimas obras alcanzaron muy altas
cotizaciones en la subastas. Murió en Nueva York, el 12 de agosto de
1988, de una sobredosis de drogas.
El
Brooklyn Museum de Nueva York dedicó una gran exposición retrospectiva
de la obra del artista en abril de 2005, en la que presentó ciento
veinte obras y diverso material adicional (como las voces de Gerard, el
padre de Basquiat, o la del rapero Wyclef Jean). Fuente: Texto extraído de www.mcnbiografias.co
Arte de modelar, tallar y
esculpir en barro, piedra, madera, metal u otra materia conveniente,
representando de bulto figuras de personas, animales u otros objetos de la
naturaleza, o el asunto y composición que el ingenio concibe. Obra hecha por
el escultor. Fundición o vaciado que se forma en los moldes de las esculturas
hechas a mano.
Las tres Gracias de Aristide Maillol (Tate Modern, Londres). Obra representativa del arte del autor en el que la gravedad, la ordenación de los volúmenes, el ritmo ondulante de las posturas y la robustez de los cuerpos femeninos contribuyen a dar a sus figuras un aire de rusticidad, dignamente asumida, que humaniza su intemporal perfección.
Escultura exenta y relieve
La escultura es la rama de las
artes plásticas que se caracteriza por la creación de formas expresivas
tridimensionales y puede ser de bulto redondo o en relieve.
Una escultura de bulto redondo o
exenta es un objeto aislado e independiente en el espacio, mientras que un
relieve forma parte de un elemento mayor - edificio, mueble-- de cuya
superficie emerge. Las culturas de la antigüedad se centraron más en el relieve
que en la escultura exenta (La leona
herida,relieves del palacio de Nínive,
hacia 650 a.C.); el relieve se denomina alto o bajorrelieve, según el grosor de
la parte que emerge de la superficie.
El proceso para la elaboración de
un relieve se inicia a partir de un bloque en el que se dibuja el contorno de
la escena, a continuación, se rebaja la zona neutra del fondo de manera que
resalte la superfície en la que se coloca el tema (tímpano de la catedral de
Moissac, Francia, 1120-30). Las primeras esculturas exentas como, por ejemplo,
las del arte mesopotámico, eran en realidad altos relieves recortados,
ligeramente modelados en los lados y por detrás, pensados para ser vistos
frontalmente (Cabeza de Gudea, hacia
2100 a.C.). La escultura egipcia trabajó ya las cuatro caras del bloque cúbico
a partir de dibujos previos realizados sobre la piedra. Finalmente se llegó a
la estatua exenta, que no era sino el resultado de cuatro relieves
perpendiculares (Micerinos y su esposa,
hacia 2600 a.C.). Este procedimiento dio lugar a la denominada "ley de la
frontalidad", según la cual era necesario que la figura representada fuera
totalmente simétrica para que las cuatro caras coincidieran (kouros de Tenea,
hacia 570 a.C.).
El arte griego del período
clásico, al estudiar el cuerpo humano en movimiento, rompió, por primera vez,
con la rigidez que esta ley imponía (El
Doríforo de Policleto, s. -v y Hermes
de Praxíteles, 350-330 a.C.): se representaban figuras con una ligera inclinación
de las caderas -actitud en contraposto-.
Al final del Renacimiento, la investigación del movimiento culminó con la
denominada "forma serpentinata"
o helicoidal, que gira sobre sí misma y permite una visión circular y total de
la escultura (Rapto de las Sabinas de Giambologna, 1583). Fue también durante el Renacimiento cuando surgió un
procedimiento que permitió crear la sensación de espacio en el bajorrelieve, el
stiacciato o schiacciato, consistente en marcar de forma muy sutil los elementos
del fondo, incluyendo arquitecturas y paisajes representados en perspectiva (Puertas del Paraíso, en el Baptisterio
de Florencia, Ghiberti, 1425-52). Cuando esta técnica se utiliza para crear
amplios espacios el relieve se califica de "relieve pictórico".
El relieve es especialmente apto
para el desarrollo de ciclos temáticos en los que se narra una historia. En la
antigüedad el friso continuo era la fórmula más utilizada para los ciclos
narrativos (Friso de las Panateneas,
en el Partenón, de Fidias, s. -v). El friso continuo suponía la inexistencia de
separación real entre escenas distintas. Las columnas conmemorativas de época
romana, como la columna de Trajano (Roma, 1 06-13), son las que presentan el
desarrollo más complejo de este tipo de relieve.
Masa y espacio
Se entiende por masa escultórica
el material sólido que ocupa un espacio tridimensional. El espacio vacío forma
parte del diseño escultórico de diversas maneras: cuando los componentes
sólidos de la escultura se extienden en el espacio (Victoria de Samotracia, 200 a.C.), cuando se forman huecos dentro
de la escultura (Laocoonte, de
Agesandro, Atenodoro y Polidoro de Rodas, s. I) y cuando se relacionan con
otros elementos a través del espacio, es decir, cuando la figura no sólo ocupa
el espacio real que le corresponde, sino que, con su actitud y sus gestos, crea
la expectativa de que hay algo más fuera de ella (Éxtasis de Santa Teresa, de Bernini, 1645-52).
Antes del s. XX el arte
escultórico trabajaba con formas sólidas o masivas, aunque los elementos
negativos, los huecos, siempre han sido una parte importante y necesaria para
el resultado final. Sin embargo, en la escultura moderna se concede más
importancia a los elementos espaciales, es decir al vacío (Construcción lineal I,Variación, Naum Gabo 1942-43). La historia de la escultura es una oscilación entre estos
dos elementos fundamentales de la forma: los llenos (que dan origen a formas en
las que los valores de masa son preponderantes) y los vacíos (que originan
formas asimiladoras del espacio que rodea la escultura).
Los antiguos egipcios se
orientaron en escultura hacia los valores de masa, utilizando piedras de gran
dureza (granito, basalto, diorita). En cambio, la escultura en piedra caliza o
en mármol llevó a los griegos a la utilización de vacíos, que hacen que la
escultura integre el espacio que la rodea y, en cierta manera, viva en él. En
la Edad Media la escultura románica se inclinó hacia la creación de bloques
compactos con un cultivo de los llenos y de las masas; la escultura gótica, por
el contrario, evolucionó hacia la máxima conquista del espacio vacío. Esta
última tendencia adquirió un valor preponderante en la escultura barroca, con
formas que vuelan en el espacio y sus creaciones características en las que la
teatralidad llega hasta la gesticulación. La escultura moderna combina de
manera distinta, según los artistas, los valores de masa llena y de espacio
vacío, que han adquirido un valor autónomo en el expresionismo contemporáneo
(Henry Moore) y, sobre todo, en la escultura abstracta (Hans Arp, Constantin Brancusi, Naum Gabo, Pevsner, etc.).
Materiales y técnicas
La piedra constituye el material
más utilizado por los escultores debido a su dureza, su solidez y su
resistencia a los agentes atmosféricos. Las rocas sedimentarias como la piedra
calcárea y el alabastro tienen la ventaja de que son fáciles de trabajar y
permiten acabados de gran finura. Las rocas metamórficas como los mármoles son,
por el contrario, más estables y resistentes, presentan mayor dureza y admiten
pulidos de gran brillantez. Entre las rocas endógenas o ígneas las más
conocidas son el granito, el pórfido y la diorita, muy duras y difíciles de
trabajar, pero su abundancia en ciertas zonas como Oriente Medio o Egipto ha
determinado su gran utilización.
El uso de la madera suele
reservarse, en Occidente, para obras destinadas a interiores, pero en culturas
en las que el hierro o los metales son escasos puede ser el material más usado.
La madera se adapta muy bien al complemento de color o policromía, que permite
un resultado final muy naturalista (San
Sebastián, retablo de San Benito, de Alonso Berruguete, 1528-33).
Las dos técnicas escultóricas
básicas consisten en la "talla directa", es decir, quitar partes de
una masa de material (piedra o madera) utilizando instrumentos cortantes, y el
"modelado", es decir, añadir material maleable, yeso o arcilla o a
veces cera, hasta crear un volumen. Dado que estos últimos materiales son poco
resistentes, es necesario trasladar la forma resultante a un material más duro,
en una operación denominada "traslado a la piedra". El modelo de
arcilla o yeso también se puede trasladar a un metal, generalmente bronce, por
medio de moldes y fundidos. Se trata de un procedimiento muy costoso, que se
suele reservar para obras de tipo monumental y de marcado carácter
representativo: estatuas de dioses en la antigüedad (Guerreros de Riace, s. V a.C.), o figuras ecuestres de personajes
importantes en el Renacimiento (Gattamelata,
de Donatello, 1445-50). Miguel Ángel fue el escultor que más destacó en su
defensa de la talla directa del mármol (David,
1501-04) como procedimiento legítimo de la escultura, y Auguste Rodin en la
técnica del modelado (El beso, 1885).
Fuente: Historia del Arte. Editorial
Salvat. Escultores destacados
El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años sesenta y principios de los años setenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
El neoexpresionismo se inspira en el expresionismo alemán y sus exponentes, Emil Nolde, Max Beckmann, George Grosz, además de otros artistas con estilo altamente emotivo como James Ensor y Edvard Munch; igualmente se nutren del arte tradicional, especialmente el germánico: Durero, Brueghel, El Bosco, Rembrandt. De todas formas, al contrario que la transvanguardia italiana, los neoexpresionistas no rompen con el arte de su país inmediatamente anterior a ellos, aceptando como maestros grandes artistas de los setenta como, Joseph Beuys, Nam June Paik o Wolf Vostell.
En Alemania, el director del
museo de Aquisgrán, Wolfgang Becker, acuñó el término "Die Neue
Wilden" (los Nuevos Salvajes, en referencia a los Salvajes de Franz Marc)
para referirse al grupo de pintores que estaban a la cabeza del
neoexpresionismo alemán. Algunos de los exponentes más importantes de este
movimiento son: Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Pedro Sandoval, Markus Lüpertz,
Jorge Rando, Karl Horst Hödicke, Jörg Immendorff, Dieter Krieg, Sigmar Polke,
Antonius Höckelmann, Volker Tannert, A. R. Penck y Peter Brötzmann, si bien
este último más reconocido en el ámbito de su carrera musical como fundador de
la escena libreimprovisadora en Europa (con influencias del expresionismo
sonoro de Albert Ayler), su trabajo como artista plástico lo destaca en el
nacimiento del movimiento Fluxus, en estrecha relación con Nam June Paik, Wolf
Vostell, Allan Kaprow, Joshep Beuys... En una segunda generación, destacan los
grupos " Heftige Malerei", compuesto por Rainer Fetting, Helmut
Middendorf, Bernd Koberling y Salomé (seudónimo de Wolfgang Cihlarz); y
"Mülheimer Freiheit", compuesto por Hans Peter Adamski, Peter
Bömmels, Walter Dahn y Jiří Georg Dokoupil. Estos grupos destacan por su agresividad
temática y cromática, con colores fluorescentes y temática frecuentemente
sexual.
El neoexpresionismo destaca por
obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping",
pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son
obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas
cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento
de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de
la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.
En Estados Unidos,
específicamente en Nueva York, se difundió con gran éxito la obra de los
neoexpresionistas alemanes, ejerciendo una gran influencia sobre los artistas
neoyorquinos, los cuales retoman este estilo; sin embargo, en los Estados
Unidos los artistas desarrollan planteamientos estéticos muy diferentes unos de
otros, creando una obra menos homogénea que la alemana.
Entre los artistas
norteamericanos destacan Basquiat y Haring, que combinaban la agresividad con
el humor y la ironía. Utilizaban generalmente colores básicos muy saturados,
formando manchas planas o, en el caso de Haring, líneas y contornos muy
definidos.
Aunque fue un movimiento de corta
duración, éste gozó de una gran popularidad en su momento, en parte gracias a
la fuerte promoción que recibió por parte de gente importante dentro del medio
artístico de la época.
Peinetones en la calle. Extravagancias, 1834 de César Hipólito Bacle
Arte gráfica.
Procedimiento de impresión mediante planchas de pizarra caliza (piedra
litográfica). Cada uno de los ejemplares salidos de la prensa litográfica.
Historia
La litografía fue inventada por
el impresor alemán G. A. Senefelder (1796). El invento de Senefelder tuvo éxito
inmediato. En Alemania contribuyeron a su desarrollo Cornelius, Overbeck y, más
tarde, Menzel. En Gran Bretaña, la litografla no tuvo mucha aceptación como
arte independiente, pero fue muy empleada para la ilustración de libros de
viajes. En Rusia el procedimiento fue introducido hacia 1818, y en 1820-22 se
publicó una galería de retratos litográficos de personajes importantes del
país. En Francia se desarrolló desde lngres, Prud'hon y Boilly; en ella
destacaron también Géricault, Delacroix, Decamps y más tarde Daumier, Gavarni y
Fantin-Latour. En Italia fue introducida en 1805 por De Werz. En España, entre
sus practicantes se encuentra el genial Goya, quien inició la prestigiosa
trayectoria de la historia litográfica española.
Estilo artístico
portugués propio de la dinastía de los Avis, y principalmente del
arquitectónico. Sus obras más representativas datan del reinado de Manuel I
(1495-1521).
En rigor, este estilo se inició
ya en la época de Juan II, durante el gótico flamígero, con el aporte de
elementos nuevos, sobre todo de tipo vegetal. Coetáneo del estilo Isabel
español, menos plano, con mayor énfasis en curvas y relieves, adquiere su
expresión típica al emplear como decoración, además de los cardos y alcachofas
realistas, cuerdas y calabrotes, como recuerdo de las aventuras marineras de
los portugueses. La mayoría de los monumentos manuelinos se cubren con bóvedas
de nervios, de origen gótico. Las plantas de los edificios son basilicales, de
una o de tres naves de la misma altura; los arcos son en su mayoría
policéntricos. La esfera armilar, emblema real y la cruz de la Orden de Cristo
se repiten también con frecuencia. A la cabeza de los monumentos manuelinos
figura el monasterio de los Jerónimos de Belém, con una iglesia de tres naves y
casi 100 m de longitud; lo más interesante del convento es la sala capitular,
realizada por Joáo do Castilho, quien sustituyó al francés Boytac en la
dirección de las obras. En el monasterio de Batalha, obra maestra de la primera
mitad del s. XV, se agrega, adosada a la capilla mayor, en el eje de la
iglesia, otra octogonal con capillas a los lados, que quedó inconclusa; de ahí
el nombre de capelhas imperfeitas con
que también se la conoce; en su construcción intervinieron, al parecer, Joáo do
Castilho y Mateus Fernandes. La más original de las obras del estilo manuelino
es la iglesia de la Orden de Cristo, en Thomar; a su ejecución se asocia el
nombre de Diego Arruda.
Fuente: Historia del Arte.
Editorial Salvat. Artistas del Estilo Manuelino
Arranz Bravo, Eduardo (n.
Barcelona, 29 de octubre de 1941) Pintor y escultor español. Cultiva un vocabulario formal y
conceptual de influencia surrealista y pop y su temática más frecuente es la
figura humana deformada y situada en contextos insólitos. De 1967 a 1980 colaboró
con R. Bartolozzi. Ha realizado también happenings y diseño.
En 1961 realizó su primera
exposición individual, 15 pinturas por
Arran, en el Club Universitario de Barcelona. La exposición que le supuso
el reconocimiento de los críticos de Barcelona fue organizada por el Centro de
Cultura Contemporánea de Barcelona en 1962. Entre 1968 y 1970 formó parte de un
grupo de artistas conformados por Gerard Sala, Robert Llimós y Rafael Lozano
Bartolozzi, con quien continuó colaborando hasta 1982, alternando entre
exposiciones colectivas e individuales. El contacto con estos artistas influyó
en su precoz trabajo.
Las obras de Arranz-Bravo eran
abstractas y hacia arte pop. Trabajó junto a Bartolozzi en el mural en la
fábrica Tipel en Parets del Vallès (1968), en un establecimiento hotelero de
Magaluf (1973), en la fachada del Centro Internacional de Fotografía de Barcelona
(1978) y en la casa de Camilo José Cela en Mallorca (1979). También participó
en las exposiciones en la galería Bleu galería de Estocolmo (1971), donde se
presentó su serie Tauromaquias, Croquis y
esculturas de mármol, en la galería Gaspar de Barcelona (1973, 1977 y
1979), en la galería Vandrés de Madrid (1975 y 1980) y en el Centro de
Exposición Tinell de Barcelona (1979): Mides
universals. También organizó eventos, publicó libros, esculturas y
estructuras de madera. En 1981 realizó su primera exposición individual. En
1982, presentó su serie Abraçades en
la galería Miguel Marcos de Zaragoza y en 1983 realizó una exposición
antológica de su trabajo en el Centro de Exposición Gaspar de Barcelona.
Entre 1986 y 1988 creó una serie
de litografías llamada La Casa, pintó el Pantòcrator,
y trabajó como director artístico en las películas de Jaime Camino, El balcón abierto y Luces y sombras. Participó en el Octavo Salón de Mayo en el antiguo
hospital de Santa Cruz en Barcelona, (1964) y en las exposiciones de Muestra de
Arte Nuevo (MAN), Barcelona (1971), Picasso 90, Museo del Louvre (1971), Experiencias conceptuales Escola Eina en
Barcelona, (1971–1972), Miró 80,
Mallorca (1973–1974), Artistas de Cataluña. Entre el Dau al Set y los conceptuales Santillana del Mar (1974), 15 años de
la Casa del siglo XV, Segovia,
(1978), Els artistes i el seu pas per
Eina, Galería Trece de Barcelona (1980) y Mosaico, Madrid (1983), entre otros.
De 1986 a 1988 exhibió en varias
ciudades de España y en el extranjero, como Amsterdam, París y Río de Janeiro.
En 1989 presentó una exposición de su trabajo de sus tres años anteriores en el
Museo de Arte Moderno en São Paulo y una exposición antológica en el Palau
Robert de Barcelona.
En febrero de 2016, por primera
vez expuso su obra en Moscú.
