Georgia O'Keeffe (1887-1986)

Precisionismo

   O’Keeffe, Georgia (Wisconsin, 1887-Nueva York , 1986) Pintora perteneciente a la Escuela Precisionista americana.  Su infancia y adolescencia trascurren en un entorno rural. En 1905-1906 estudia en la Escuela de Arte del Instituto de Chicago, bajo la dirección de John Vanderpoel. En 1907 se traslada a Nueva York y atiende las clases de la Art Student League y conoce el arte europeo (Rodin y Matisse) a través de sus visitas a la galería 291 de Stieglitz. En 1912 estudia en la Universidad de Virginia en Charlottesville. Concentra sus esfuerzos en simplificar las formas para revelar la esencia. Entre 1912 y 1918 enseña arte. Decidida a dar expresión visual a sus emociones, hace abstracciones basadas en motivos naturales, durante los años 1915 y 1916. Éstas impresionan a Stieglitz, que le organiza su primera exposición individual en 1917; al año siguiente, O'Keffe vuelve a Nueva York y se une al grupo de artistas de vanguardia que se reúnen alrededor de la galería 291. En 1924 se casa con Alfred Stieglitz. Hasta este momento, sus obras son abstractas, como Blue and Green Music de 1919.

Sus obras más conocidas son las grandes pinturas de flores ampliadas a una escala gigante, como Black Iris de 1926; "lo que sorprende a sus contemporáneos no es tanto el punto de vista inspirado por las ampliaciones fotográficas, sino la evocación de la psique femenina que invita a asociaciones eróticas, aunque la propia O'Keffe siempre rechazó interpretaciones de este tipo. A pesar de todo, sus cuadros de flores conllevan algo de la magia misteriosamente tentadora de las formas de la naturaleza, desplegándose de acuerdo con los pulsos vitales, una magia que se desvanece con cualquier intento de describir su esencia metafórica en términos concretos" (Schmied). No pintó nunca figuras humanas. 

A partir de 1920 pinta en series, como las seis versiones de Jack-in-a-Pulpit de 1930. En 1929 visita por primera vez Nuevo Méjico, donde acabará viviendo a partir de 1946 (año de la muerte de Stieglitz). Sus obras preciosistas más conocidas son vistas de las calles de Nueva York desde la ventana de su apartamento, en el piso treinta y tres, del Shelton Hotel. Durante los años treinta y cuarenta, amplía su repertorio de imágenes y pinta huesos y cráneos de animales (donde se acerca al surrealismo), paisajes de Nuevo Méjico, su casa de abobe, etc.

En 1953 visita Europa por primera vez y empieza a viajar mucho; los viajes en avión le aportan nuevas imágenes: rascacielos con nubes y vistas aéreas del territorio. Gana numerosos premios y realiza exposiciones en los Estados Unidos. Su primera retrospectiva es organizada por el Whitney Museum of American Art de Nueva York en 1970. Seis meses después, se queda parcialmente ciega y deja de pintar, hasta que su asistente y amigo Juan Hamilton la convence para que retome su trabajo, en 1975, aunque hizo pocas obras hasta su muerte el 6 de Marzo de 1986.

Fuente: Texto extraído de www.mcnbiografias.com

Obras comentadas

Cabeza de carnero, Colinas de malva blanca

Musica azul y verde

Galería

Especial. Arte abstracto, 1915

Amanecer. Arte abstracto, 1916

Musica azul y verde de Georgia O'Keeffe

 

Blue and Green Music es una pintura de 1919–1921 de la pintora estadounidenseGeorgia O'Keeffe.

Pintada en sus años en Nueva York con la idea de que la música y el sonido podrían traducirse en algo para la vista, Blue and Green Music es una que utiliza el contraste de bordes duros y suaves y formas geométricas para transmitir ritmo y movimiento.

Sobre

La pintura usa colores que son sutiles y audaces para capturar la variación de tonos que uno encontraría en la música. O'Keeffe describió la música como capaz de ser "traducida en algo para la vista"

Esta pieza fue hecha mientras O'Keefe vivía en Nueva York con Alfred Steiglitz. Ella creó muchas obras que se le haga referencia la música durante este período de tiempo, diciendo: "Me di cuenta que podía decir las cosas con colores y formas que no podía decir de otra manera - cosas que no tenía palabras para."

La pintura es parte de la colección Alfred Stieglitz, un regalo de la artista al museo en memoria de su esposo.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Cabeza de carnero, Colinas de malva blanca de Georgia O'Keeffe

 

Georgia O'Keeffe mantuvo una gran admiración por la parte suroeste de los Estados Unidos. A mediados de la década de 1920, O'Keeffe sintió dudas sobre las pinturas que estaba haciendo; ella escribió en una carta a un amigo: “Parece que no estoy cristalizando nada este invierno. No estoy claro. No estoy firme en mis pies ”. Su relación con Alfred Stieglitz se deterioró y sufría problemas de salud. O'Keeffe quería tomar un descanso de Nueva York, por lo que en 1929, ella partió para visitar Nuevo México. Esta decisión fue solo el comienzo de un poderoso romance que duró hasta su muerte.

Durante sus viajes, O'Keeffe escribió: “Nunca me siento como en casa en el Este como me siento aquí. Y finalmente sentirme en el lugar correcto nuevamente, me siento como yo, y me gusta ”. Ella residió en Occidente hasta el verano de 1930, y produjo más de 30 pinturas allí. Pero no fue hasta 1935 que pintó Ram's Head, White Hollyhock-Hills .

Esta obra de arte destila gran parte del Precisión y también del Surrealismo.. La yuxtaposición de una calavera y el paisaje de Nuevo México era algo nunca antes visto. Para O'Keeffe, esos huesos se convirtieron en un tema importante para representar en sus piezas porque representaban la belleza duradera del desierto y la dureza del espíritu estadounidense. Parece que el azul del cielo se destaca aún más que el cráneo y la malva blanca. La malva crea un contraste imposible de ignorar. Si el cráneo y las montañas representan la fuerza estadounidense, la malvarrosa blanca puede simbolizar la fertilidad de este paisaje. A pesar de haberse sentido terriblemente mal interpretada antes por sus pinturas de flores, O'Keeffe regresó continuamente a ellas como sujetos.

Pintar las colinas fue todo un reto para ella; O'Keeffe escribió sobre esto: “Había mirado las colinas durante semanas y las pinté una y otra vez, las había trepado y montado sobre ellas, tan maravillosamente suaves, tan difíciles. Había pintado esas colinas desde el auto a pleno sol y había fallado gravemente, pero podía verlas, más lejos, desde mi ventana bajo la lluvia. Así que intenté de nuevo ”, hasta que ella los conquistó.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Modernismo o modern style

Movimiento artístico común a las artes plásticas, la arquitectura, la literatura y la música, que se desarrolló a fines del s. XIX y principios del XX.

El modernismo recibió distintos nombres, según los países: Modern Style en Gran Bretaña y EE.UU., Art Nouveau en Bélgica y Francia, Jugendstil en Alemania, Sezession en Austria y Liberty o Floreale en Italia. El estilo, que deriva de la pintura de los prerrafaelistas ingleses, del simbolismo y del movimiento Arts and Crafts, se impuso en Europa y EE.UU. entre 1890 y 191 O. Respondió a un intento deliberado de crear un estilo nuevo, distinto del historicismo que imponía la imitación servil de las obras del pasado medieval o clásico. Se caracterizó por el uso de líneas sinuosas en arabesco, que recuerdan formas orgánicas, y por el predominio de las asimetrías. Se aplicó a las artes plásticas, la arquitectura, el diseño de interiores, la joyería, la cristalería y la ilustración. El movimiento se inició en Gran Bretaña con la obra del ilustrador A Bearsdley, que alcanzó gran popularidad, y se extendió rápidamente por el resto de Europa y EE.UU. En las artes decorativas destacan el diseñador de cristalería estadounidense L. C. Tiffany y el diseñador de joyas francés R. Lalique. En 1890 la Exposición Universal celebrada en París consagró el nuevo estilo. En Francia hubo dos centros: Nancy, con el refinamiento de tmile Gallé (son notables sus cristales y muebles), y París, dominado por la figura del pintor H. Toulouse-Lautrec, y marcado por sus estaciones de Metro, coronadas por retorcidas orquídeas de hierro, obra de Hector Guimard.

La arquitectura modernista se caracteriza por la fusión entre elementos estructurales y ornamentales: los materiales se combinan con gran libertad, hierro forjado, vidrio, cerámica y mampostería para unificar interiores en los que las columnas parecen plantas trepadoras y las ventanas son a la vez oberturas para iluminar y membranas que recubren la superficie exterior. Este tratamiento era radicalmente opuesto a los valores tradicionales de la arquitectura clásica, que postulaban claridad en la distinción entre elementos estructurales y ornamentales. Los arquitectos modernistas de mayor interés fueron el escocés C. R. Mackintosh, que se distingue por el uso de formas geométricas y que diseñó muchos elementos de mobiliario; los belgas Henry van de Velde y Victor Harta; en EE.UU., el arquitecto L. H. Sullivan, y, el más original y vigoroso, el español A. Gaudí. En Austria destacaron, asimismo, los arquitectos Otto Wagner, J. Hoffmann y J. M. Olbrich, y el pintor G. Klimt, impulsor de la Sezession vienesa. Uno de los centros más interesantes fue Barcelona, donde se hallan la mayoría de las obras de A Gaudí, que diseñó edificios a partir de formas curvas y bulbosas, que se desarrollan como organismos brillantemente coloreados, como la casa Vicens o el Palacio Güell (1886-91), y también Doménech i Montaner, con su edificio para el restaurante de la Exposición Universal de 1888. Ambos reaccionaban contra el neoclasicismo, su espacio paralelepípedo, su decoración de contornos lisos y la ausencia de color, oponiéndole una nueva búsqueda de dimensión espacial, absoluta libertad compositiva y exuberante decoración. El grupo barcelonés "Els Quatre Gats", introductor del impresionismo, centró el interés de la evolución modernista de las artes plásticas; los artistas más destacados fueron I. Nonelll, R. Casas, M. Hugué y S. Rusiñol, este último más por su papel de catalizador que por su obra. Con la aparición del funcionalismo, este movimiento artístico pareció anticuado y el término modernista tomó un cariz peyorativo. No habría de ser redescubierto hasta la década de 1960. Fue un movimiento importante por su contribución a la unidad del diseño en las artes decorativas.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat       

Artistas del Art Nouveau

Abbott, Elenore
Bakst, Leon
Beardsley, Aubrey
Bilibin, Ivan
Buigas Monravá, Cayetano

Egger-Lienz, Albin

Hankar, Paul

Hodler, Ferdinand

Jackson, A.Y.

Kandinsky, Wassily
Klimt, Gustav
Mackintosh, Charles Rennie

Málevic, Konstantin

Picasso, Pablo
Saarinen, Eliel
Schiele, Egon 

Stuck, Franz
Toorop, Jan

Vasnetsov, Viktor
Wagner, Otto

Wyspiański, Stanisław
Yuon, Konstantín

Zaretsky, Victor

Zorn, Anders

Artistas del Modernismo

Anglada Camarasa, Hermen
Canals, Ricardo
Casas, Ramon

Do Amaral, Tarsila

Domènech i Montaner, Lluís
Gaudí

Guimard, Hector

Mir, Joaquim
Nonell, Isidre

Puig i Cadafalch, Josep
Rippl-Rónai, József
Vallotton, Felix
Zorrilla de San Martín, José Luis

Eduardo Abela (1889-1965)

Expresionismo

Abela, Eduardo (San Antonio de los Baños, 3 de julio de 1889 - La Habana, 9 de noviembre de 1965) Artista y pintor cubano.​

Aunque su primer trabajo fue de tabaquero manifestó una gran atracción por las artes plásticas a los veinte años de edad, por ello en 1912 se traslada a La Habana e ingresa en la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro; también se formó en la Académie de la Grande Chaumière de París, Francia. Fue miembro fundador de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC) y del Estudio Libre de Pintura y Escultura de La Habana, del que también fue director, y participó como jurado en el VIII Salón nacional de pintura y escultura.

Comenzó a publicar dibujos humorísticos en los periódicos habaneros. Vivió y trabajó en España entre 1921 y 1924, año en que regresó a Cuba. Su primera exposición la realizó en 1924 en el Salón de Arte Moderno de Madrid. En 1925 crea su más famoso personaje El bobo que sirvió como instrumento de lucha contra la tiranía de Gerardo Machado. El Bobo le dio un tipo de popularidad más ancha y efectiva: influencia en el medio social como humorista ingenioso y punzante, y desenvolvimiento económico. La prensa “pagaba” porque los cartones de Abela eran buscados cada día por la masa de lectores. Mientras la dictadura machadista se hundía en sangre y atropellos, El Bobo burlaba censuras y “pasaba por Bobo, pero era un vivo como tantos cubanos de la calle”. La caída de Machado en 1933, marcó el final de su labor periodística; en esa época marchó a Italia y como cónsul del gobierno cubano llegó a Milán.

De regreso a Cuba pintó algunas de sus obras notables de esa etapa: Guajiros (premiada en la II Exposición Nacional de Pintura y Escultura de 1938) y Los novios. Creó el Estudio Libre para Pintores y Escultores, para una enseñanza anticonvencional y verdaderamente incentivadora de la creación artística. Se unió al trabajo de pintores que introducen lenguajes artísticos más modernos y expuso en la muestra de Arte Nuevo. Viajó a Europa y residió dos años en París adquiriendo el éxito suficiente para exponer en la Galería Zak.

Entre 1942 y 1952 desempeñó misiones diplomáticas en México y Guatemala; en este último país recibió el Premio Nacional de Pintura (1947). Allá también realizó El Caos (1950), que marcó una sustancial transformación de su lenguaje expresivo: de cuadros de mediano formato a piezas de pequeña escala; de un modelado sólido de figuras a una atmósfera idílica, detallística, minuciosa, con referencias al mundo de Paul Klee y Marc Chagall. Luego de volver a Cuba en 1954, produjo notablemente en cantidad y calidad pequeñas joyas, que exhibió en numerosas muestras; entre ellas una retrospectiva en la Galería de La Habana, 1964.

En 1957 expuso por primera vez en una muestra colectiva durante la IV Bienal de São Paulo, realizada en el Parque do Ibirapuera de Sâo Paulo, Brasil.

En 1981 se celebró una Exposición homenaje a Eduardo Abela durante la II Bienal Internacional de Humorismo, celebrada en la Galería Eduardo Abela, en San Antonio de los Baños, La Habana.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Galería

Fiesta en el Batey, 1927

Niña con Flores, 1955

Paul Chocarne-Moreau (1955-1930)

 

Realismo

Chocarne-Moreau, Paul, nacido Paul Charles Chocarne (Dijon, 31 de octubre de 1855 - Neuilly-sur-Seine, 5 de mayo de 1930) Pintor francés. 

Biografía

Paul Chocarne nació en Dijon en una familia de artistas. Su padre es profesor de pintura y es sobrino del padre Bernard Chocarne y del padre Victor Chocarne, así como primo de los escultores Mathurin, Hippolyte y Auguste Moreau. 

Paul Chocarne ingresó en la École des beaux-arts de ParÍs, donde fue sucesivamente alumno de Tony Robert-Fleury y William Bouguereau. Se inició en el Salón de artistas franceses en 1882 y expone allí con bastante regularidad a partir de esta fecha bajo el nombre de Paul Chocarne-Moreau. En 1900 obtuvo medalla de clase 2 E y pase en pretemporada. Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1906. 

Chocarne-Moreau se especializa en pintura de género. Representa bocetos de la vida parisina, cuyos héroes son generalmente jóvenes jocosos de origen popular: jóvenes aprendices de pastelería, deshollinadores, monaguillos, escolares. Testigo de su época, pintó obras como On the Barricade que expuso en el Salón de 1909. Pudimos ver en él a un precursor de Norman Rockwell. 

Descansa en el cementerio de Levallois-Perret. 

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Obra

Naturaleza muerta con manzanas y uvas, 1884

Preparada para jugar, 1893

Alejandro Cabeza (1971)

Realismo

Cabeza, Alejandro (Barcelona, 18 de agosto de 1971) comenzó a tomar clases de dibujo y pintura a los doce años. En 1993 recibió su título en Bellas Artes en la Facultad de San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia. Obtuvo su primer premio de pintura cuando tenía solo diecisiete años.

Algunas de sus pinturas están en exhibición permanente en edificios oficiales o forman parte de los fondos de varios organismos o instituciones estatales, como el Círculo de Bellas Artes de Valencia, el Gobierno Militar de Valencia, el Consejo Provincial de Valencia (Retrato de Fernando Giner, Presidente Diputación de Valencia), Ayuntamiento de Barcelona, ​​Ayuntamiento de Valencia y Colegio de Notarios de Valencia (Retrato de Joaquín Borrell), entre otros. Una de sus pinturas forma parte de la Colección del Museo de la Ciudad de Valencia, otras dos pertenecen a la Colección del Museo Casa Vicente Blasco Ibáñez (una de ellas, su famoso retrato del reconocido escritor). Otras de sus obras de arte han sido adquiridas en el extranjero y se han convertido en parte de colecciones privadas en España, otros países de Europa, América del Sur y América del Norte. Algunas de sus pinturas han sido elegidas como portada de varias publicaciones. Entre ellos, la antología de los cuentos de Vicente Blasco Ibáñez publicados por Akal en 2009. Varios artículos sobre sus pinturas han sido publicados en periódicos locales y regionales. El crítico de arte Francisco Agramunt lo incluyó en su Diccionario de artistas valencianos del siglo XX (Albatros, 1999) y en su obra Artistas valencianos del siglo XX (Consejo de Valencia, 2000) también. El crítico de arte Lorenzo Berenguer también lo incluyó en Artistas contemporáneos valencianos, Volumen II (Archivo, 1997) y en Artistas que dejan huella (Archivo, 2000). El crítico de arte Francisco Agramunt lo incluyó en su Diccionario de artistas valencianos del siglo XX (Albatros, 1999) y en su obra Artistas valencianos del siglo XX (Consejo de Valencia, 2000) también. El crítico de arte Lorenzo Berenguer también lo incluyó en Artistas contemporáneos valencianos, Volumen II (Archivo, 1997) y en Artistas que dejan huella (Archivo, 2000). El crítico de arte Francisco Agramunt lo incluyó en su Diccionario de artistas valencianos del siglo XX (Albatros, 1999) y en su obra Artistas valencianos del siglo XX (Consejo de Valencia, 2000) también. El crítico de arte Lorenzo Berenguer también lo incluyó en Artistas contemporáneos valencianos, Volumen II (Archivo, 1997) y en Artistas que dejan huella (Archivo, 2000).

En 2001 el Ayuntamiento de Valencia publicó su libro Luz valenciana, en el que se recogieron cien paisajes pintados hasta ese momento. Dos de sus pinturas, dos retratos separados de los escritores Alejo Carpentier y Nicolás Guillén, son patrimonio del pueblo cubano y se exhiben permanentemente en la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC). Otras obras ─entre las cuales el retrato del escritor Angel Ganivet─ se han convertido en instituciones patrimoniales finlandesas y descansan en Helsinki. Su retrato de la escritora Ana Maria Matute es parte de los fondos de la Real Academia Española de Idiomas y permanece expuesto en una de las salas de su sede.

Entre sus proyectos aún en desarrollo, una extensa colección de retratos de personas del mundo de la cultura, especialmente iconos literarios, ya más de treinta obras. Además de sus numerosos retratos, ha viajado, desde la adolescencia, gran parte de España pintando paisajes y paisajes marinos.

Fuente: https://www.alejandrocabeza.net/

Más obras

El círculo, 1984

Paisaje de Xàtiva, 1988

Les Grandes Baigneuses de Paul Cézanne

En 1886 Paul Cézanne rompió la profunda amistad que lo unía al escritor naturalista Émile Zola al encontrarse representado con el personaje de un pintor fracasado en su novela L’Oeuvre. Ese mismo año, Cézanne heredó la fortuna de su padre y consiguió al fin su independencia económica. Permaneció, sin embargo, aislado de la sociedad y fijó su residencia en el mediodía francés. El aislamiento y la concentración, así como la singularidad de su búsqueda, fueron quizás los responsables de la increíble evolución que experimentó el estilo del pintor durante los años siguientes.

Cézanne realizó el cuadro entre los años 1898 y 1905. El de las bañistas es un tema en el que Cézanne trabajó a menudo y Les Grandes Baigneuses representa, quizás, el conjunto de las expectativas pictóricas del artista, y es considerada su obra emblemática. En ella, el artista recupera uno de los grandes temas mitológicos y clásicos de la pintura de los siglos XVII y XVIII para despojarlo de toda alegoría a través de su técnica.

Los ricos azules que dominan las armonías cromáticas de esta pintura evocan el color presente en la atmósfera mediterránea sin describir concretamente ningún paisaje. Las figuras se encuentran compuestas a base de contrastes entre colores cálidos y fríos: azules en las formas que se alejan y pierden de vista, y rosas, naranjas y amarillos en las que se aproximan al espectador.

El pintor no ha utilizado la caída de la luz para constituir las formas, sino que ha creado la sensación lumínica a través de la sombra que arrojan las piernas de las dos bañistas sentadas a derecha e izquierda. El influjo de la luz se encuentra en las partes menos recargadas, las más próximas al espectador, dejando que la base brille a través de la pintura; las zonas más alejadas y sombrías son las más densamente pintadas.

Los azules intensos de los contornos que rodean las figuras, crean un relieve físico que contradice la recesión, pero producen a la vez una ilusión que tiene el efecto de realzarla. Como podemos observar, Cézanne ha prescindido de la perspectiva lineal y el claroscuro, alcanzando mediante el color una superposición rítmica de planos geométricos, lo cual puede interpretarse como un anuncio del cubismo.

En cuanto a la composición, nos encontramos frente a una clara construcción piramidal que sugiere solidez, donde los cuerpos de los personajes han sido deshumanizados como si se tratara de naturalezas muertas. Cézanne reconstruye los cuerpos y los deforma. La morfología de las mujeres sigue las líneas de la vegetación y se somete a un proceso de abstracción que consigue establecer un estado de osmosis con respecto al paisaje.

Un detalle a tener en cuenta es la representación incompleta de un perro, acariciado por una de las bañistas, junto a la sutil presencia de una naturaleza muerta en el primer plano.

En esta pintura, Cézanne, logra una espléndida integración de la figura en la naturaleza, una de sus principales obsesiones, y abre las puertas a la disolución de formas que experimentará la pintura en el futuro. El óleo, de 127 x 196 cm., se encuentra en la National Gallery, Londres.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Cubo-futurismo

Kazimir Malévich, El Molinillo de Cuchillo
(Principio de Glittering), 1913,

Cubo-futurismo (también llamado rusa futurismo o Kubo-Futurizm) fue un movimiento artístico que surgió a principios de 20 º siglo Rusia, definido por su fusión de los elementos artísticos encuentra en italiano futurismo y francesa cubismo analítico.  cubo-futurismo fue la principal escuela de pintura y escultura practicada por los futuristas rusos.

En 1913, el término 'Cubo-Futurismo' primero describió obras de miembros del grupo de poesía 'Hylaeans', mientras se alejaban del Simbolismo poético hacia el Futurismo y zaum, la experimental "poesía visual y sonora de Kruchenykh y Khlebninkov ".  Más tarde en el mismo año, el concepto y el estilo del 'Cubo-Futurismo' se convirtió en sinónimo de las obras de artistas dentro de los círculos de vanguardia posrevolucionarios rusos al interrogar al arte no representativo a través de la fragmentación y el desplazamiento de formas tradicionales, líneas, puntos de vista, colores y texturas dentro de sus piezas. El impacto del cubo-futurismo se sintió en las sociedades de artes escénicas, con pintores y poetas cubo-futuristas que colaboraron en obras de teatro, cine y ballet que tenían como objetivo romper las convenciones teatrales mediante el uso de la poesía zaum sin sentido, el énfasis en la improvisación y Fomento de la participación de la audiencia (un ejemplo es la tragedia satírica futurista de 1913 Vladimir Mayakovsky).

La coexistencia de estos diferentes aspectos de la práctica artística dentro del Cubo-Futurismo refleja una preocupación ideológica con la renovación y la deconstrucción colectiva (una noción nacida de su contexto posrevolucionario) con cada poeta o pintor libre para crear su propia conciencia estética basada en el concepto de revolución y acción colectiva a través de la reinterpretación de tradiciones artísticas y sociales.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Artistas del Cubo-Futurismo

Ekster, Aleksandra
Málevic, Konstantin

Ansel Adams (1902-1984)

Fotografía

Adams, Ansel (San Francisco, 20 de febrero de 1902 - Monterrey, 22 de abril de 1984)  Fotógrafo estadounidense, conocido por desarrollar el llamado sistema de zonas.

Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional de Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros.

Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso digital, siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio.

“Espero ansioso nuevos procesos y nuevos desarrollos. Creo que la imagen electrónica será el próximo gran avance. Estos sistemas tendrán características estructurales ineludibles, y tanto los artistas como los técnicos deberán hacer un renovado esfuerzo para comprenderlos y controlarlos”.

Biografía

Ansel Easton Adams nació el 20 de febrero de 1902 en San Francisco, California. Cuando Adams tan solo tenía cuatro años, estuvo presente en el terremoto de San Francisco de 1906, donde sufrió una rotura de tabique nasal. Hijo único de Charles Hitchcock Adams y Olive Bray, creció en un ambiente victoriano (social y conservador). Pese a ser inteligente, era muy tímido, lo que, unido a la dislexia que padecía, le causó ciertos problemas al intentar integrarse en la escuela. Ansel Adams luchó durante toda su vida por defender y proteger la naturaleza. Estudió piano durante varios años, lo que le dio disciplina y estructura. Se inició en la fotografía utilizando una cámara Kodak #1 Box Brownie que le dieron sus padres.

Se unió a un club donde conoció a su esposa, Virginia Best, y se casaron en 1928 y tuvieron dos hijos. En 1927 apareció Albert M. Bender en su vida, quien le ayudó dándole energía y seguridad. En 1927 Adams conoció a Edward Weston, con quien entabló una gran amistad. Juntos, Adams, Strand, Cunningham y Weston formaron un grupo llamado "f/64" en 1932. Éste grupo promovió y evolucionó “straight photography”. En 1930, Ansel Adams conoció al fotógrafo Paul Strand. Sus imágenes tuvieron un gran impacto en Adams, ayudándolo a alejarse del estilo pictorialista y a encaminarse hacia el estilo de “straight photography” (fotografía directa o pura), donde la claridad del lente es lo más importante, y donde la fotografía ha de sufrir el menor número de ajustes y retoques posible.

En los años 1930 desarrolló el sistema de zonas. Adams fue destacando cada vez más por su energía y entusiasmo. Visitó por primera vez Nueva York en 1933 y conoció a Alfred Stieglitz, un fotógrafo al que siempre había admirado. Stieglitz le ayudó a hacer su primera exposición. En 1936 colaboró organizando la primera sección de fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Ahí conoció a Beaumont (historiador de la fotografía) y a Nancy Newhall (escritora-diseñadora). Más tarde colaboraría con Dorothea Lange para un trabajo de la revista Life.

El 6 de agosto de 1953, Adams le escribió una carta a Stieglitz, para hablarle de su precaria situación económica. Fue entonces cuando comenzó a hacer fotografía comercial. No era algo que le encantase, puesto que creía que no lo dejaba explotar su creatividad, aunque le proporcionaba suficiente dinero para vivir. Trabajó para marcas como IBM, AT&T, Nacional Park Service y Kodak, y para revistas como Life y Fortune, además de ser fotógrafo asesor para Polaroid y Hasselblad. Este trabajo no sólo sirvió a Adams para el mencionado sustento financiero, sino que hizo de sus fotografías un icono de las bellezas naturales norteamericanas reconocidas en todas partes del mundo.

Weston y Strand le comenzaron a pedir consejos técnicos. Adams desarrolló el famoso “sistema de zonas”, un método de medición y revelado que se utilizaba para dividir la graduación de luz de una escena en 11 zonas diferentes, del blanco al negro. Esto le permitía visualizar los diferentes niveles de gris en la fotografía final con gran precisión.

Sus imágenes empezaron a volverse símbolos de Angloamérica, muchas de ellas centradas en el parque natural Yosemite. Ansel Adams luchó por defender la naturaleza y a sus animales, siendo los paisajes el principal tema de sus fotografías. Precisamente por esto fue criticado a menudo, ya que raramente se podía ver a una persona en una fotografía suya. El fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson dijo sobre él: “El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams y Weston fotografían son piedras y árboles". Pese a opiniones como ésa, recibió en 1981 el Premio internacional de la fundación Hasselblad.

Algunos dicen que Adams fotografió lugares que ya ni existen, pero para otros ocurre lo contrario; algunos lugares siguen existiendo debido a Adams y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares, a través de sus fotografías.

Murió el 22 de abril de 1984, debido a un fallo en el corazón, posiblemente agravado por un cáncer pancreático.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Galería

Presa de Boulder, 1941

Cortinas de Onyx en la habitación
Papoose, Cavernas de Carlsbad, 1942

Alberto (1895-1962)

Cubismo. Surrealismo.

Alberto, Alberto Sánchez Pérez, llamado (Toledo, 8 de abril de 1895 - Moscú, 12 de octubre de 1962) Pintor y escultor español, padre espiritual de la primera Escuela de Vallecas,​ y vocal del Patronato de Misiones Pedagógicas desde 1931.2​ Exiliado en la URSS, murió en Moscú.

Biografía

Alberto Sánchez Pérez nació en Toledo en 1895, en el barrio de las Covachuelas. Hijo de un panadero, con siete años comenzó a trabajar como porquerizo y luego en varios oficios, repartidor de pan, aprendiz de herrero, zapatero, y escayolista. A partir de los 20 años fue panadero de oficio y artista. En 1907 se trasladó con su familia a Madrid donde aprendió a leer y escribir ya con 15 años de edad gracias a un amigo que trabajaba como dependiente en una farmacia. En Madrid entró en las Juventudes Socialistas donde conoció a Francisco Mateos, pintor y caricaturista. También se involucró en el Círculo Socialista del Sur, que tenía su sede en el barrio de Lavapiés, donde vivían ambos. Junto con Mateo, diseñó una Casa del Pueblo, que no llegaría a construirse. Entre 1917 y 1919 cumplió el servicio militar en el norte de África. Cinco años después de su servicio militar ya participaba en exposiciones surrealistas en Madrid. En 1927 creó, junto con Benjamín Palencia, la llamada Escuela de Vallecas, «con el deliberado propósito de poner en pie el nuevo arte nacional que compitiera con el de París», según sus propias palabras.​

Fue visitante asiduo de los museos de Madrid, especialmente del Museo del Prado y del Museo Arqueológico Nacional, donde descubrió el arte ibérico. También solía participar en las tertulias del café de artistas en los bajos del Hotel Nacional en la calle Atocha. Amigo de Federico García Lorca, realizó algunos decorados para La Barraca.

Al estallar la guerra civil española, Alberto se alistó en el frente de Guadarrama, hasta que, al trasladarse el gobierno republicano a Valencia, se desplazó allí, donde entre otros encargos hizo las escenografías teatrales de El cerco de Numancia de Miguel de Cervantes y Las germanies de Valencia de José Bergamín y Manuel Altolaguirre.

En 1938 las bombas destruyeron completamente su estudio del barrio de Lavapiés y todas las obras que en él se encontraban. Ese año, el Gobierno republicano le envió a Moscú como profesor de dibujo de los niños españoles exiliados. Una de sus realizaciones más importantes en el exilio fue la colaboración con el director ruso Grigori Kózintsev en los decorados de la película Don Quijote (1957), una recreación de los pueblos de La Mancha en Ucrania. Falleció en Moscú en el año 1962. Sus restos permanecen en el cementerio Vvedénskoye de la capital rusa. En Rusia trabajó además en la reconstrucción de algunas de sus esculturas destruidas. En una exposición celebrada en la Unión Soviética en 1959 Ilyá Ehrenburg comentó de Alberto: “Lo que más impresiona aquí es que tras veinte años de forzoso exilio, Alberto sigue siendo español y artista por los cuatro costados. Tercamente español y tercamente artista.”

Falleció en Moscú en el año 1962. Sus restos permanecen en el cementerio Vvedénskoye de la capital rusa.

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