Páginas

Artistas de la A a la Z

Louis I. Kahn (1901-1974)



Kahn, Louis I (Osel, 20 de febrero de 1901 - Nueva York, 17 de marzo de 1974) Arquitecto estadounidense de origen estonio. 

Después de trabajar en varios estudios en esa ciudad, fundó el suyo propio en 1935. Al mismo tiempo que dirigía su estudio se dedicó también a la crítica del diseño y a la docencia en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale de 1947 a 1957. Desde este último año, 1957 hasta su muerte fue profesor de Arquitectura en la Escuela de Diseño en la Universidad de Pensilvania. El estilo de Kahn, influenciado por las antiguas ruinas, tiende a la monumentalidad y al monolitismo, a la intemporalidad. Sus edificios no esconden su peso, sus materiales o su forma de construirse.

La elección de la estructura es sinónimo de la elección de la luz que da forma a ese espacio. La luz artificial es sólo un breve momento estático de la luz, es la luz de la noche y nunca puede igualar a los matices creados por las horas del día y la maravilla de las estaciones.”

Biografía

Kahn nació en Kuressaare en la isla de Saaremaa en Estonia el 20 de febrero 1901 en el seno de una humilde familia judía. Cuatro años más tarde su familia emigró a los Estados Unidos, temiendo que su padre fuera reclutado por el ejército durante la guerra ruso-japonesa. Louis Kahn se crio en Filadelfia y adquirió la nacionalidad norteamericana el 15 de mayo de 1914.

Fue educado en una rigurosa tradición Beaux-Arts, con su énfasis en el dibujo, en la Universidad de Pensilvania. Después de graduarse en 1924, Kahn viajó por Europa y se instaló en la ciudad medieval amurallada de Carcasona, en lugar de quedarse en las cunas del clasicismo o del modernismo. En 1925–1926 Kahn fue diseñador jefe de la Exposición del sesquicentenario. A partir de 1947 enseñó durante una década en la Universidad de Yale, en la que gozó de una gran influencia. Posteriormente se trasladó a la Universidad de Pensilvania. Entre sus alumnos se encuentran Moshe Safdie y Robert Venturi.

Murió el 17 de marzo de 1974 de un ataque al corazón en los servicios de la estación de Pensilvania de Nueva York. Acababa de regresar de un viaje de trabajo en la India.

Kahn siempre se involucró profundamente en todos sus trabajos. Reinterpretó el estilo internacional de forma poco convencional, inspirándose a menudo en la arquitectura antigua. Sus trabajos reflejan su interés por la luz y los materiales. Isamu Noguchi se refirió a él como «un filósofo entre arquitectos».

Kahn tuvo tres familias con tres mujeres diferentes: con su esposa Esther, con su compañera de trabajo la arquitecta Anne Tyng y con la paisajista Harriet Pattison. Su hijo con esta última, Nathaniel Kahn, retrató la vida del arquitecto en un documental titulado Mi arquitecto: el viaje de un hijo, que recibió un Óscar en 2003. En él participaron renombrados arquitectos como B.V.Doshi, Frank Gehry, Philip Johnson, I. M. Pei, y Robert Stern, pero también muestra sus complejas relaciones familiares, así como las inusuales circunstancias de su muerte.

No tenía ningún parentesco con su colega y compatriota Albert Kahn.

Trayectoria

Su trabajo también se caracteriza por seguir la línea de Le Corbusier, incorporándole una crítica tipológica de la arquitectura y una búsqueda constante de la nueva poética.

Kahn fue uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. A sus edificios monumentales y atemporales les incorpora una «construcción reflexiva de los espacios» —como él mismo definió su trabajo—. Sus temas principales son la materialidad y la luz, a través de la simpleza y pulcritud del hormigón visto y el ladrillo acentúa el carácter monolítico de sus edificios. Por otro lado, al interior, el manejo de la luz en todas sus obras aporta un dramatismo con el que busca transmitir el alma y voluntad de los materiales.

«…la monumentalidad es enigmática. No puede crearse intencionalmente. No son necesarios ni el material más exquisito ni la tecnología más avanzada…»

Desde 1955 y durante 19 años trabaja junto a Anne Tyng.​ Entre los trabajos realizados en conjunto se encuentran la Galería de Arte de la Universidad de Yale (1951-53), la Trenton Bath House (1955), el estudio de Esherick (1956), el Instituto Salk (1959-55), el Erdman Hall (1960-65) y el Centro de Arte Británico de Yale (1974).


Obras comentadas


Galería

Casa Oser, 1939-1943

Complejo residencial Carver Court,
Coatesville, EE. UU., 1941-1944

Iglesia Unitaria de Louis Kahn


Fue construida en 1959 para sustituir la iglesia anterior, diseñada en 1859 por el arquitecto Richard Upjohn. Los trabajos del autor reflejan un interés por la luz y por los materiales, inspirándose a menudo en la arquitectura antigua. Su base era la funcionalidad, pero una funcionalidad dirigida al uso previsto del edificio: el edificio debía servir.

(Rochester, Estados Unidos).  

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Kimbell Art Museum de Louis l. Kahn



En la década de 1960, la arquitectura de este autor alcanza su máxima cota creativa desarrollando un vocabulario formal de convincente funcionalidad y belleza.

(Fort Worth)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Romanticismo

Justo es mi  amor (Edwin Austin Abbey)

Movimiento espiritual, literario y artístico surgido como reacción contra los postulados estéticos del neoclasicismo y el racionalismo de la Ilustración tardía.

En pintura y escultura, el romanticismo tuvo sus orígenes en la primera mitad del s. XIX, y se caracterizó por la elección de temas de gran patetismo, considerados inadecuados desde el punto de vista académico, y por el predominio de la Indefinición en los contornos, del color y de los contrastes lumínicos en la composición formal. Se abandonaron los modelos de la antigüedad clásica a favor de los ideales medievales o exóticos y surgió un gran interés por la pintura de paisaje, interés fundamentado en la exaltación de la naturaleza y en la identificación entre patria y territorio, que llevaron a cabo los movimientos nacionalistas surgidos contra los imperios de la Europa de la Restauración. El movimiento romántico adoptó características propias según los países. En Francia, los pintores Théodore Géricault y Honoré Delacroix y el escultor François Rude abordaron temas relacionados con los acontecimientos políticos de su tiempo desde una óptica liberal. El romanticismo inglés tomó un cariz visionario con William Blake y aportó una nueva visión del paisaje, basada en efectos lumínicos y atmosféricos, con John Constable y William Turner. En Alemania, la pintura romántica se caracterizó por el predominio de los elementos simbólicos y alegóricos, en especial en los pintores Phillip Otto RungeCaspar David Friedrich. En España, Eugenio Lucas Padilla es el mejor representante de la tendencia romántica informal, heredera de Francisco de Goya, junto a otra más clasicista basada en la ilustración de temas históricos, con Federico de Madrazo y Antonio Esquivel. Otros representantes destacados son J. Pérez Villaamil, autor de imaginativos paisajes; los andaluces J. Elbo y José, Joaquín y Valeriano Domínguez Bécquer; los nazarenos catalanes, J. Espalter y P. Clavé. En arquitectura el período romántico dio Jugar al historicismo, tendencia caracterizada por la imitación de los estilos del pasado o de formas arquitectónicas consideradas exóticas (del mundo árabe, de la India, de China), y al eclecticismo, que mezcla de forma indiscriminada estilos diversos en un mismo edificio.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Artistas del Romanticismo

Elenore Abbott (1875-1935)



Abbott, Elenore Plaisted (Lincoln, Maine, 1875 – 1935) fue una ilustradora de libros, diseñadora escénica, y pintora, ilustró ediciones de principios del siglo XX de los Hermanos Grimm Cuentos de la infancia y del hogar, Secuestrado Robinson Crusoe y otros libros y revistas. Se educó en tres escuelas de arte en Filadelfia y París y estuvo influida por Howard Pyle. Perteneció al grupo de la Nueva Mujer que buscaban oportunidades educativas y profesionales para mujeres, incluso creando asociaciones de arte profesionales como «El Club Plástico» para promover su trabajo. Estaba casada con el abogado y artista C. Yarnall Abbott.

Biografía

Elenore Abbott nació en Lincoln, Maine y estudió arte en la Escuela de Filadelfia de Diseño para Mujeres, la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, y en París, en la Academia de Bellas Artes, donde se exhibió su trabajo.​ Abbott se trasladó a Filadelfia en 1899 y estuvo influida significativamente por Howard Pyle, su profesor en la Universidad Drexel. Ella comentó más tarde que creó sus piezas favoritas bajo su tutela.

Abbott, conocida principalmente por sus ilustraciones de libros, era también una pintora de paisajes y retratos así como diseñadora escénica, que incluye el trabajo para la producción de la obra de teatro The Emperor Jones.​ Produjo ilustraciones para las revistas Harper's Magazine, el The Saturday Evening Post, y Charles Scribner's Sons.​ Entre las ilustraciones para libros creadas por Abbott destacan las de las obras de Robert Louis Stevenson Treasure Island and Kidnapped, la del autor Johann David Wyss Swiss Family Robinson, de Louisa May Alcott Old Fashioned Girl, y los Cuentos de la infancia y del hogar de los Hermanos Grimm.

Elenore contrajo matrimonio con el abogado y artista C. Yarnall Abbott​ en 1898 y vivieron en Rose Valley , Pensilvania desde 1911.​ Su marido diseñó la casa familiar con un estudio para Elenore y para él mismo.​ Su única hija, Marjorie, nombrada así por la tía materna de Elenore, nació en 1907.​ Cuando esa tía murió, los Abbott cuidaron a sus hijas, Sonya y Elenore. Elenore Abbot cofundó la piscina pública de Rose Valley, en 1928, que fue construida en un terreno donado por los Abbot y financiada por la venta de varias pinturas de ella.


Galería
De vez en cuando me tropecé, por la isla del tesoro de Robert Louis Stevenson, 1911

La estaca, 1912

Rafael Barradas (1890-1929)



Barradas, Rafael Pérez (Montevideo, 4 de enero de 1890 - 12 de febrero de 1929) Pintor uruguayo, hijo de padres españoles. Junto a Joaquín Torres García, es uno de los referentes de la pintura de Uruguay.

Biografía

Su padre, también interesado en el arte plástico, lo introdujo ya desde pequeño a la pintura, algo que, por otra parte, despertaría su pasión y el comienzo de su trayectoria como artista de prestigio internacional.

En su juventud, Barradas se une a un grupo de intelectuales de Montevideo, entre ellos Florencio Sánchez y Emilio Frugoni. El 1.913 funda el diario El Monigote, que combinaba la sátira con el arte y la cultura de la sociedad uruguaya de ese entonces. Unos meses después, realizó su primer viaje a Europa, donde visitó algunos países como Francia, Italia y España, decidiendo finalmente residir en este último durante la mayor parte de sus últimos años de vida.

En los años que vivió en Barcelona, conoció Joaquín Torres García y, de forma conjunta, exponen muchas de sus obras más ilustrativas en la Galería Dalmau. El 1.917, mientras continuaba trabajando en Barcelona, decide viajar a Madrid y, allí, expone muchos de sus trabajos más recientes.

De nuevo en Cataluña, presenta su nueva escuela de arte estético, a la que llamó vibracionismo y de la que, junto a otros seguidores, fue su máximo exponente. Sin embargo, poco después, Barradas entra en la corriente estética conocida como el ultraísmo, donde forma parte activa en la redacción y configuración de panfletos y revistas de esta escuela del arte contemporáneo de vanguardia.

Poco después se establece en la capital española, donde recibe numerosas ofertas laborales y trabaja como editor para la Biblioteca Estrella. Integra asimismo un grupo intelectual en el Café Oriente de Madrid; lugar al que acudían personas como García Lorca, Buñuel o Dalí. En aquella época, también conoce el escritor argentino Jorge Luis Borges y juntos editan la revista Tableros.

Ya en el ocaso de su trayectoria como artista, Barradas opta por continuar una tendencia más afín al realismo y prácticamente opuesta a la que había desarrollado como uno de los máximos exponentes de una escuela que, en su tiempo, había desafiado los límites de la razón y la sintonía.

El 1,924 vuelve a Madrid, después de haber vivido un año en Luco de Jiloca. Allí, edita las revistas Espasa Calpe y Occidente. Inmediatamente después es condecorado con el premio Grand Prix de París en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales.

Unos meses más tarde se traslada a la Hospitalet de Llobregat, donde llevó a cabo una serie de actividades de tinte realista, vinculadas a la fisionomía urbana catalana.

Fue durante los años de su estancia en el Hospitalet donde, a su entorno, y en su domicilio, en la calle de Porvenir (hoy José María de Sagarra) número 15, se formó la tertulia o grupo artístico y cultural conocido como el ' «Ateneillo» del Hospitalet.

El 1928 vuelve a su ciudad natal, Montevideo, donde murió el 12 de febrero del año siguiente, después de haber recibido honores en el Teatro Solís.


Más obras
Los emigrantes, 1912

El Tango, 1913

Composición vibracionista, 1917

Atocha, 1919

Bodegón vibracionista, 1919

Juguetes, 1919

La niña de la muñeca, 1922

Autorretrato, 1923

Hombre en el café (Atocha), 1923

Molinero aragonés, 1924

Camarero

Hospitalet. Paisaje

Impresión de boulevard

Marinero con pipa

Marinero de San Juan Luz



Peter Behrens (1868-1940)



Behrens, Peter (Hamburgo, 14 de abril de 1868 - 27 de febrero de Berlín, 1940) Arquitecto y diseñador alemán.


Biografía

Entre 1886 y 1889 estudió pintura en la Escuela de Arte de Karlsruhe y posteriormente, en 1889, en Düsseldorf. Al finalizar sus estudios en 1890 hizo un viaje por Países Bajos y al final del mismo se estableció en Múnich donde se casó con Elisabeth Kramer. Allí trabajó como pintor, dibujante publicitario, fotógrafo y diseñador.

En abril de 1892 fundó la Secesión de Múnich (Verein bildender Künstler Münchens e. V. Secession) junto con Franz von StuckMax Liebermann y Lovis Corinth, entre otros. Cinco años más tarde crearía la vanguardista Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk (Talleres unidos por el arte en las artesanías). En los siguientes dos años abandona la pintura y realiza diseños de joyería, muebles y objetos de cristal y porcelana. Realiza una serie de exposiciones en el Keller y Reiner Gallery de Berlín, el Gaspolat de Múnich y el Kunsteverein de Darmstadt.

Entre 1899 y 1903 impartió clases en la recientemente formada Colonia de Artistas de Darmstadt, invitado por el duque Ernst Ludwig de Hesse a formar parte de la misma en 1900. Fue allí donde realizó su primera obra arquitectónica: su vivienda en la Colonia. Esta casa sufrió un incendio en 1944 que destruyó sus interiores, posteriormente restaurados por Auguste zu Höne, su propietario.

En 1903 se mudó a Düsseldorf, donde ejerció como director de la Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios). En 1907 se sumó a la Deutscher Werkbund con cuyo fundador, Hermann Muthesius, compartía ideas, así como con el resto de los integrantes. Ese mismo año fue nombrado consejero artístico de la AEG (Allgemeine Elektrizitäts-Gesellschaft) y se muda a Berlín. Para la AEG realizó lo más reconocido de su trabajo. Hizo los proyectos de las fábricas y las viviendas de los trabajadores, muebles, productos industriales e incluso la papelería, carteles, anuncios y escaparates; contribuyó así a consolidar una nueva idea: la de la identidad corporativa, para cuyo desarrollo era necesario un nuevo tipo de empleador, el industrial visionario involucrado en todos los aspectos producidos por su industria, y también de proyectista, el "consultor" de diseño. Behrens proclamaba con esto la unión del arte y la industria, en sintonía con los ideales de Hermann Muthesius al fundar la Deutscher Werkbund.

En los siguientes 4 años trabajaron en su despacho Walter Gropius, Adolf Meyer, Ludwig Mies Van der Rohe y Le Corbusier, siendo una reconocida influencia, tal como lo mostraría el propio Gropius en su libro La nueva arquitectura y la Bauhaus.

En 1914 se adhirió al Manifiesto de los profesores de Universidad y Hombres de Ciencia Alemanes y participó en 1927 en la exposición organizada por la Werkbund en Welbenhof. Entre 1922 y 1936 ejerció como profesor de la Escuela de Arquitectura de Viena.

En 1936 aceptó el cargo de director del departamento de Arquitectura de la Academia de las Artes de Prusia en Berlín.

Fue llamado por Albert Speer para el plan de remodelación de Berlín pero su candidatura fue rechazada por el poderoso Alfred Rosenberg. Hitler admiraba la Embajada alemana en San Petersburgo, obra de Behrens quien en 1934 se había afiliado al temprano partido nazi en Austria. La guerra se desató y en 1940, huyendo del frío de su casa de campo halló la muerte con un ataque al corazón en el Hotel Bristol de Berlín.

Fue el padre del ingeniero muniqués Josef Behrens (1890-1947) y la periodista Petra Behrens (1898-1993) y abuelo del arquitecto y urbanista berlinés Till Behrens (1931).


Obras comentadas


Galería
Cuarto musica del Casa Behrens, 1901

Jarrón, 1901

Lámpara eléctrica de Peter Behrens



Considerado uno de los primeros diseñadores modernos de nuestro siglo, en 1907 se hizo cargo de la dirección artística de la empresa AEG, realizando el diseño de sus productos eléctricos, la publicidad comercial y algunos de los edificios de esta empresa. El objeto que se reproduce aquí Jo creó siguiendo los principios racionalistas de adecuar la forma a la función, a partir del tratamiento de Jos procesos y materiales industriales.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Fábrica de turbinas de la AEG de Peter Behren



A pesar de la clara supervivencia de concepciones clásicas en su plasticidad exterior, proporciones y espacio, este edificio (construido entre 1908 y1909) es un importante trabajo de ingeniería, en el que se explotaron las posibilidades del vidrio y del acero desde una actitud totalmente racionalista. Su autor interpretó el lenguaje clásico y sus ritmos en un avanzado lenguaje moderno, fruto de su evolución hacia un estilo geométrico y austero.

(Berlín)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Edificio administrativo de la l. G. Farben de Peter Behrens Edificio administrativo de la l. G. Farben de Peter Behrens



Los experimentos con hormigón armado fueron impulsados en Alemania por arquitectos e ingenieros como Peter Behrens, que aunque pertenecía a la generación anterior contribuyó al nuevo estilo. Fundada en 1925 por las mayores empresas alemanas de química, la l. G. Farben fue el mayor agente financiero del partido nazi que lideraba Adolf Hitler.

(Hoeschst)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Libero Badií (1916-2001)



Badií, Libero (Arezzo, 2 de febrero de 1916 – Buenos Aires, 11 de febrero de 2001) Pensador y artista visual multifacético (escultor, dibujante, grabador, pintor) italiano nacionalizado argentino, generador (junto con Luis Centurión) del arte siniestro, como una forma de concebir la producción artística específicamente latinoamericana.

Biografía

Vivió en Argentina desde 1927 y en 1947 se naturalizó argentino. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Nación Ernesto de la Cárcova.

En 1962, el Museo Nacional de Bellas Artes presentó una muestra retrospectiva de su obra.

En 1968 expuso en el Instituto Di Tella y en el Museo de Arte Moderno de París (1977).

En el Museo Nacional de Bellas Artes ​y en el Centro Cultural Borges de Buenos Aires en 1999.​

En 1982 ganó el Gran Premio Fondo Nacional de las Artes y, en 1987, el Premio Consagración Nacional además del Premio Palanza (1959)y el Premio Nacional Bienal de San Pablo (1971).

Fue nombrado miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes. ​Su obra figura en la colección del MOMA4.

Recibió dos Premios Konex en 1992 y 2002, además del Konex de Honor en 2002 por su enorme aporte a la historia de las Artes Visuales, este último de forma póstuma.

El Museo Líbero Badii en la Casa Atucha del Barrio de Belgrano cobija 300 piezas del artista.

Se casó con Alicia Margot Daulte con quien tuvo siete hijos.

Fuente: https://es.wikipedia.org
           
Más obras
Ídolo, 1947

La fecunda, 1953

Punto al Arte