Alvar Aalto (1898-1976)

Arquitectura postmoderna

Aalto, Alvar (Kourtane, 3 de febrero de 1898-Helsinki, 11 de mayo de 1976) Arquitecto y diseñador finlandés. Adaptó las formas arquitectónicas finlandesas populares a la construcción funcional. Entre sus obras: Edificio del diario Turun Sanomat, de Turku (1929), Finlandia; Baker House (1947-48), Cambridge, Estados Unidos; Universidad de Jyväskylä (1952-57), Finlandia.

Sus primeros edificios fueron significativos por cuanto representaban una adaptación de las influencias centroeuropeas a un lenguaje nuevo en el que se veía la influencia de Asia. Eric de Mare describía así este nuevo lenguaje: "En general, es una reacción contra un formalismo demasiado rígido ... un sentimiento de que los edificios han de construirse para el ser humano y no para una teoría de fría lógica".

Aalto construyó gran número de edificios entre 1930 y 1950 (casas, fábricas, bibliotecas, dormitorios, pabellones de exposición), pero su interés principal se dirigió cada vez más a la planificación total de amplios conjuntos, pueblos y ciudades. En 1940 realizó un proyecto para una ciudad experimental, y en 1943 diseñó el nuevo centro de la ciudad de Oulu. La culminación de este período es el ayuntamiento de Saynatsalo (1950-1952), basado en un extenso plan urbanístico para la pequeña isla del lago Paijanne. El ayuntamiento se ve como parte de la comunidad y en él se incluyen instalaciones de tiendas e instituciones culturales. El mismo Aalto deseaba" una arquitectura integrada".

Realiza en sus proyectos de mobiliario una efectiva defensa de la ligereza, de la simplicidad elegante y confortable contra la espectacularidad.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obras comentadas

Ayuntamiento de Säynatsalo

Muebles

Galería

Ayuntamiento de Saynatsalo

Muebles

Ayuntamiento de Säynatsalo de Alvar Aalto.

El autor fue uno de los primeros arquitectos modernos que surgió en Escandinavia y Finlandia. La obra en la madurez de Aalto es muestra de un funcionalismo expresionista. "La arquitectura debe tener encanto. Es un factor de belleza en la sociedad. Pero la belleza real no es una concepción de la forma que puede ser enseñada, es el resultado de la armonía entre varios factores intrínsecos descuidando en lo mínimo lo social", dijo el autor.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Muebles de Alvar Aalto.

El diseño escandinavo se caracteriza por su logro de síntesis entre la tradición artesanal y los métodos industriales. Estos muebles diseñados por el arquitecto finlandés, una experiencia iniciada a finales de la década de 1920, están realizados en madera de abedul laminada y tableros de madera contrachapada, recreando formas de fascinante simplicidad orgánica.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Albert Edelfelt (1854-1905)

Realismo

Edelfelt, Albert Gustaf Aristides (Porvoo, Finlandia, 21 de julio de 1854 - 18 de agosto de 1905) fue un pintor finlandés.

Biografía

Nació en Porvoo, y su padre, Carl Albert, fue un arquitecto. Edelfelt admiraba al poeta Johan Ludvig Runeberg, quien era amigo de la familia. La compañía de Runeberg tuvo un impacto duradero en Edelfelt, quien de vez en cuando se inspiró en escenas de la historia de Finlandia para hacer sus pinturas. Edelfelt también ilustró su poema épico Las Historias de Ensign Stål. Estudió en Amberes (1873-1874), París (1874-1878) y San Petersburgo (1881-1882). En cinco semanas de abril y mayo de 1881 hizo un viaje por España en compañía de los pintores Albert Noël y Edward D. Boit, del que dejó reseña en cartas que han sido publicadas. En 1888 se casó con la baronesa (vapaaherratar) Ellan de la Chapelle, con quien tuvo un hijo. 

Edelfelt fue uno de los primeros artistas finlandeses en conseguir fama internacional. Su obra fue especialmente exitosa en París; allí Edelfelt frecuentó los círculos del naturalismo. Fue uno de los fundadores del movimiento artístico realista en Finlandia. También colaboró con muchos artistas de su país, como el joven Akseli Gallen-Kallela a quien facilitó su llegada a París. Se hizo muy célebre su retrato del bacteriólogo francés Louis Pasteur.

Fuente:  https://es.wikipedia.org/

Manuel Benedito y Vives (1875-1963)

Realismo

Benedito y Vives, Manuel (Valencia, 25 de diciembre de 1875 - Madrid, 20 de junio de 1963) Pintor español. Prolongó la tradición de la escuela valenciana del siglo XIX hasta muy avanzado el siglo siguiente.

Biografía

Su padre trabajaba como taxidermista para la Facultad de Ciencias de la Universidad de Valencia.

Se matriculó en 1888 en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos en Valencia, donde estudió bajo la dirección de Salvá y Vilá. En el año 1894 entró en el taller de Joaquín Sorolla, y en 1896 viajó a Madrid con su maestro, donde realizó ilustraciones para La revista moderna y Blanco y Negro.

Fue pensionado de 1900 a 1904 en la Academia Española de Bellas Artes de Roma, a cuyos requerimientos produjo varias pinturas de tema histórico, una de las cuales (El Infierno de Dante) recibió la Primera Medalla en la Exposición Nacional de 1904.

Viajó por Francia, Bélgica y Holanda, y en 1909 se instaló en Volendam.

Entre sus exposiciones individuales destacan las celebradas en la Sala Amaré en 1907, y en los Salones de Blanco y Negro en 1910. Cultivó el retrato, el bodegón, los tipos locales y los paisajes.

En 1918 fue nombrado Asesor Artístico de la Real Fábrica de Tapices. Académico en 1923 de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) y posteriormente de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos (Valencia), ejerció como profesor de colorido y composición en la Escuela de San Fernando, sustituyendo a su maestro Sorolla. Posteriormente fue nombrado Director de la Escuela.

En 1925 es nombrado Miembro Correspondiente de la Hispanic Society of America de Nueva York, vocal correspondiente de la Academia Nacional de Bellas Artes de Lisboa, y en 1941 presidente del Patronato del Museo Sorolla y presidente de la Asociación de Escritores y Artistas Españoles durante el periodo de 1955 a 1964.

En su madurez se volcó en el retrato; para él posaron Alfonso XIII y Concha Piquer. Dentro de su buen nivel de calidad, son efigies convencionales, no muy originales. Más interesante es su retrato de Cléo de Mérode, obra juvenil bajo influencia del simbolismo.

Falleció en Madrid, siendo su cuerpo enterrado en Valencia, y con sus obras se fundó la Casa-Museo Benedito en Madrid.

Estilo

Aunque su aprendizaje con Joaquín Sorolla pueda sugerir lo contrario, Benedito se mantuvo fiel a un estilo realista sobrio, de gamas más bien oscuras, bastante alejado del luminismo valenciano. En algunas obras tempranas se aproxima a la España negra de Ignacio Zuloaga y José Gutiérrez Solana, aunque habitualmente se mantiene en una corrección estética de fácil salida comercial. Trata temas costumbristas con notable habilidad técnica, aunque eludiendo los aspectos más ásperos. Sobresale su gran cuadro Vuelta de la montería (colección Fundación Santander), que fue elogiado por Apollinaire.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Más obras

Capra hispánica, 1941

Alfonso

Abstracción post-pictórica

La abstracción pospictórica (en inglés post-painterly abstraction) es un término creado por el crítico de arte Clement Greenberg como el título de una exposición de la que fue curador en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en 1964, que posteriormente se presentó en el Centro de Arte Walker y la Galería de Arte de Ontario en Toronto.

Dark Blue Panel de Ellsworth Kelly

Greenberg había percibido que había un nuevo movimiento en pintura que derivaba del expresionismo abstracto de los años cuarenta y los cincuenta pero que «favorecía la apertura o claridad» en oposición a las superficies pictóricamente densas de aquel estilo pictórico. Los 31 artistas en la exposición eran Walter Darby Bannard, Jack Bush, Gene Davis, Thomas Downing, Friedel Dzubas, Sam Francis, Helen Frankenthaler, Al Held, Ellsworth Kelly, Nicholas Krushenick, Alexander Liberman, Morris Louis, Howard Mehring, Kenneth Noland, Jules Olitski, Frank Stella y una serie de otros artistas norteamericanos y canadienses que se dieron a conocer en los años sesenta.

El origen de esta tendencia pictórica se encuentra en los estudios sobre psicología de las formas realizó la Bauhaus y que Albers difundió por Estados Unidos. De esta manera nació una pintura que sustituyó al expresionismo abstracto en los años sesenta. La pintura no conlleva ningún mensaje místico o religioso, sino que existe por sí misma: lienzos de grandes dimensiones que emplean únicamente el color, de forma absoluta. Se subdividió en dos tendencias: la Colorfield (campos de color, Obras de K. Noland y M. Louis) y la Hard Edge ("borde duro").

A F. Stella se le debe la creación de los lienzos con forma, los «Shaped Canvas», en los que el cuadro ya no es rectangular, sino que puede adoptar muchas formas (triángulos, uves, polígonos).

Conforme la pintura siguió avanzando en diferentes direcciones, impulsada por el espíritu de innovación de la época, el término «abstracción pospictórica», que había circulado bastante durante los años sesenta, fue gradualmente superado por las citadas pintura de borde duro y pintura de los campos de color; o convergió con otras tendencias, como el minimalismo, la abstracción lírica y la postabstracción neolírica nacida de la postmodernidad, representada entre otros por el pintor español Pablo Rey.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Artistas de la Abstracción post-pictórica

Youngerman, Jack

Louis I. Kahn (1901-1974)

Arquitectura moderna

Kahn, Louis I (Osel, 20 de febrero de 1901 - Nueva York, 17 de marzo de 1974) Arquitecto estadounidense de origen estonio. 

Después de trabajar en varios estudios en esa ciudad, fundó el suyo propio en 1935. Al mismo tiempo que dirigía su estudio se dedicó también a la crítica del diseño y a la docencia en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale de 1947 a 1957. Desde este último año, 1957 hasta su muerte fue profesor de Arquitectura en la Escuela de Diseño en la Universidad de Pensilvania. El estilo de Kahn, influenciado por las antiguas ruinas, tiende a la monumentalidad y al monolitismo, a la intemporalidad. Sus edificios no esconden su peso, sus materiales o su forma de construirse.

“La elección de la estructura es sinónimo de la elección de la luz que da forma a ese espacio. La luz artificial es sólo un breve momento estático de la luz, es la luz de la noche y nunca puede igualar a los matices creados por las horas del día y la maravilla de las estaciones.”

Biografía

Kahn nació en Kuressaare en la isla de Saaremaa en Estonia el 20 de febrero 1901 en el seno de una humilde familia judía. Cuatro años más tarde su familia emigró a los Estados Unidos, temiendo que su padre fuera reclutado por el ejército durante la guerra ruso-japonesa. Louis Kahn se crio en Filadelfia y adquirió la nacionalidad norteamericana el 15 de mayo de 1914.

Fue educado en una rigurosa tradición Beaux-Arts, con su énfasis en el dibujo, en la Universidad de Pensilvania. Después de graduarse en 1924, Kahn viajó por Europa y se instaló en la ciudad medieval amurallada de Carcasona, en lugar de quedarse en las cunas del clasicismo o del modernismo. En 1925–1926 Kahn fue diseñador jefe de la Exposición del sesquicentenario. A partir de 1947 enseñó durante una década en la Universidad de Yale, en la que gozó de una gran influencia. Posteriormente se trasladó a la Universidad de Pensilvania. Entre sus alumnos se encuentran Moshe Safdie y Robert Venturi.

Murió el 17 de marzo de 1974 de un ataque al corazón en los servicios de la estación de Pensilvania de Nueva York. Acababa de regresar de un viaje de trabajo en la India.

Kahn siempre se involucró profundamente en todos sus trabajos. Reinterpretó el estilo internacional de forma poco convencional, inspirándose a menudo en la arquitectura antigua. Sus trabajos reflejan su interés por la luz y los materiales. Isamu Noguchi se refirió a él como «un filósofo entre arquitectos».

Kahn tuvo tres familias con tres mujeres diferentes: con su esposa Esther, con su compañera de trabajo la arquitecta Anne Tyng y con la paisajista Harriet Pattison. Su hijo con esta última, Nathaniel Kahn, retrató la vida del arquitecto en un documental titulado Mi arquitecto: el viaje de un hijo, que recibió un Óscar en 2003. En él participaron renombrados arquitectos como B.V.Doshi, Frank Gehry, Philip Johnson, I. M. Pei, y Robert Stern, pero también muestra sus complejas relaciones familiares, así como las inusuales circunstancias de su muerte.

No tenía ningún parentesco con su colega y compatriota Albert Kahn.

Trayectoria

Su trabajo también se caracteriza por seguir la línea de Le Corbusier, incorporándole una crítica tipológica de la arquitectura y una búsqueda constante de la nueva poética.

Kahn fue uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. A sus edificios monumentales y atemporales les incorpora una «construcción reflexiva de los espacios» —como él mismo definió su trabajo—. Sus temas principales son la materialidad y la luz, a través de la simpleza y pulcritud del hormigón visto y el ladrillo acentúa el carácter monolítico de sus edificios. Por otro lado, al interior, el manejo de la luz en todas sus obras aporta un dramatismo con el que busca transmitir el alma y voluntad de los materiales.

«…la monumentalidad es enigmática. No puede crearse intencionalmente. No son necesarios ni el material más exquisito ni la tecnología más avanzada…»

Desde 1955 y durante 19 años trabaja junto a Anne Tyng.​ Entre los trabajos realizados en conjunto se encuentran la Galería de Arte de la Universidad de Yale (1951-53), la Trenton Bath House (1955), el estudio de Esherick (1956), el Instituto Salk (1959-55), el Erdman Hall (1960-65) y el Centro de Arte Británico de Yale (1974).

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obras comentadas

Iglesia Unitaria

Kimbell Art Museum

Galería

Casa Oser, 1939-1943

Complejo residencial Carver Court,
Coatesville, EE. UU., 1941-1944

Iglesia Unitaria de Louis Kahn

Fue construida en 1959 para sustituir la iglesia anterior, diseñada en 1859 por el arquitecto Richard Upjohn. Los trabajos del autor reflejan un interés por la luz y por los materiales, inspirándose a menudo en la arquitectura antigua. Su base era la funcionalidad, pero una funcionalidad dirigida al uso previsto del edificio: el edificio debía servir.

(Rochester, Estados Unidos).  

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Kimbell Art Museum de Louis l. Kahn

En la década de 1960, la arquitectura de este autor alcanza su máxima cota creativa desarrollando un vocabulario formal de convincente funcionalidad y belleza.

(Fort Worth)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Romanticismo

Justo es mi  amor (Edwin Austin Abbey)

Movimiento espiritual, literario y artístico surgido como reacción contra los postulados estéticos del neoclasicismo y el racionalismo de la Ilustración tardía.

En pintura y escultura, el romanticismo tuvo sus orígenes en la primera mitad del s. XIX, y se caracterizó por la elección de temas de gran patetismo, considerados inadecuados desde el punto de vista académico, y por el predominio de la Indefinición en los contornos, del color y de los contrastes lumínicos en la composición formal. Se abandonaron los modelos de la antigüedad clásica a favor de los ideales medievales o exóticos y surgió un gran interés por la pintura de paisaje, interés fundamentado en la exaltación de la naturaleza y en la identificación entre patria y territorio, que llevaron a cabo los movimientos nacionalistas surgidos contra los imperios de la Europa de la Restauración. El movimiento romántico adoptó características propias según los países. En Francia, los pintores Théodore Géricault y Honoré Delacroix y el escultor François Rude abordaron temas relacionados con los acontecimientos políticos de su tiempo desde una óptica liberal. El romanticismo inglés tomó un cariz visionario con William Blake y aportó una nueva visión del paisaje, basada en efectos lumínicos y atmosféricos, con John Constable y William Turner. En Alemania, la pintura romántica se caracterizó por el predominio de los elementos simbólicos y alegóricos, en especial en los pintores Phillip Otto Runge y Caspar David Friedrich. En España, Eugenio Lucas Padilla es el mejor representante de la tendencia romántica informal, heredera de Francisco de Goya, junto a otra más clasicista basada en la ilustración de temas históricos, con Federico de Madrazo y Antonio Esquivel. Otros representantes destacados son J. Pérez Villaamil, autor de imaginativos paisajes; los andaluces J. Elbo y José, Joaquín y Valeriano Domínguez Bécquer; los nazarenos catalanes, J. Espalter y P. Clavé. En arquitectura el período romántico dio Jugar al historicismo, tendencia caracterizada por la imitación de los estilos del pasado o de formas arquitectónicas consideradas exóticas (del mundo árabe, de la India, de China), y al eclecticismo, que mezcla de forma indiscriminada estilos diversos en un mismo edificio.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Artistas del Romanticismo

Abbey, Edwin Austin
Abbott, Elenore
Alenza Nieto, Leonardo
Baade, Knud

Bingham, George Caleb

Bonington, Richard Parkes
Brown, Ford Madox
Burne-Jones, Edward
Cameron, Julia Margaret
Chassériau, Théodore

Clavé, Pelegrín

Constable, John
Crome, John
Dahl, Johan Christian
David d'Angers
Delacroix, Eugène
Domínguez Bécquer, Valeriano
Doré, Gustave
Edwin Church, Frederic
Espalter y Rull, Joaquín
Esquivel, Antonio María

Esteve, Agustín

Friedrich, Caspar David
Fuseli, Henry
Gavarni, Paul
Géricault, Théodore
Girodet, Anne-Louis
Goya, Francisco de

Gude, Hans

Hayez, Francesco

Hunt, William Holman

Landseer, Edwin
Lawrence, Thomas
Madrazo, Federico
Marées von Hans
Millais, John Everett
Monticelli, Adolphe
Morris, William

Pérez Villaamil, Jenaro

Prud'hon, Pierre-Paul

Quidor, John
Raeburn, Henry
Rossetti
Runge, Phillip Otto
Ruskin, John
Spitzweg, Carl
Turner, William
Unterberger, Franz Richard
Vasnetsov, Viktor

Velázquez, Eugenio Lucas
Waldmüller, Ferdinand Georg

Ward, James

Wilkie, David
Winterhalter, Franz Xaver
Wyeth, NC

Elenore Abbott (1875-1935)

Romanticismo. Art Nouveau.

Abbott, Elenore Plaisted (Lincoln, Maine, 1875 – 1935) fue una ilustradora de libros, diseñadora escénica, y pintora, ilustró ediciones de principios del siglo XX de los Hermanos Grimm Cuentos de la infancia y del hogar, Secuestrado Robinson Crusoe y otros libros y revistas. Se educó en tres escuelas de arte en Filadelfia y París y estuvo influida por Howard Pyle. Perteneció al grupo de la Nueva Mujer que buscaban oportunidades educativas y profesionales para mujeres, incluso creando asociaciones de arte profesionales como «El Club Plástico» para promover su trabajo. Estaba casada con el abogado y artista C. Yarnall Abbott.

Biografía

Elenore Abbott nació en Lincoln, Maine y estudió arte en la Escuela de Filadelfia de Diseño para Mujeres, la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, y en París, en la Academia de Bellas Artes, donde se exhibió su trabajo.​ Abbott se trasladó a Filadelfia en 1899 y estuvo influida significativamente por Howard Pyle, su profesor en la Universidad Drexel. Ella comentó más tarde que creó sus piezas favoritas bajo su tutela.

Abbott, conocida principalmente por sus ilustraciones de libros, era también una pintora de paisajes y retratos así como diseñadora escénica, que incluye el trabajo para la producción de la obra de teatro The Emperor Jones.​ Produjo ilustraciones para las revistas Harper's Magazine, el The Saturday Evening Post, y Charles Scribner's Sons.​ Entre las ilustraciones para libros creadas por Abbott destacan las de las obras de Robert Louis Stevenson Treasure Island and Kidnapped, la del autor Johann David Wyss Swiss Family Robinson, de Louisa May Alcott Old Fashioned Girl, y los Cuentos de la infancia y del hogar de los Hermanos Grimm.

Elenore contrajo matrimonio con el abogado y artista C. Yarnall Abbott​ en 1898 y vivieron en Rose Valley , Pensilvania desde 1911.​ Su marido diseñó la casa familiar con un estudio para Elenore y para él mismo.​ Su única hija, Marjorie, nombrada así por la tía materna de Elenore, nació en 1907.​ Cuando esa tía murió, los Abbott cuidaron a sus hijas, Sonya y Elenore. Elenore Abbot cofundó la piscina pública de Rose Valley, en 1928, que fue construida en un terreno donado por los Abbot y financiada por la venta de varias pinturas de ella.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Galería

De vez en cuando me tropecé, por la isla del tesoro de Robert Louis Stevenson, 1911

La estaca, 1912