Johannes Baader (1889-1943)

Dadaísmo

Baader, Johannes (Stuttgart, 22 de junio de 1875 - Adldorf, Niederbayern , 15 de enero de 1955) fue un artista afiliado al dadaísmo.

Baader provenía de una familia burguesa de artesanos. Su padre se llamaba Adolf Baader y su madre Johanna Weigle. Johannes Baader asistió de 1892 a 1895 a la escuela de constructores de Stuttgart y estudió arquitectura de 1898 a 1899. En 1905 conoció a Raoul Hausmann, que le introduciría más tarde en el círculo dadaísta de Berlín. Baader sostenía el pesimismo cultural y tenía una visión del mundo religiosa-ocultista.

Dada Milchstrasse, 1919

En 1906 planeó la construcción de un templo mundial para la «Unión internacional interreligosa». En 1914 publicó Catorce cartas de Cristo, un tratado de monismo, y en los años siguientes colaboró en las revistas Die freie Straße y Der Dada. En 1917 se le declaró loco, cosa que le eximía de responsabilidad y que aprovechó para atacar a personajes públicos y míticos. En 1917 se presentó a las elecciones al Reichstag por Saarbücken y fundó con Hausmann Christus GmbH. En 1918 Baader escribió su tratado Die acht Weltsätze (Ocho tesis del mundo) y en 1919 declaró su resurrección en Oberdadá, Presidente del espacio. Los dadaístas veían en Baader a alguien que tenía el dadá como forma de vida. Sin embargo, tuvo problemas con el resto de dadaístas a causa de sus acciones extremas. En 1920 huyó con la caja de la gira dadá en Praga, lo que le causó más fricciones con el resto de dadaístas.

Trabajó en su identidad cósmica en textos y collages, (por ejemplo, Dada Milchstrasse, 1919). Su Das grosse Plasto-Dio-Dada-Dramam un montaje pensado para servir de modelo para la arquitectura dadaísta, se expuso en Berlín en la Erste internationale Dada-Messe (Primera feria internacional dadá). También realizó esbozos de arquitectura visionaria, que, como los de Hausmann y Jefim Golyscheff involucraban estructivistas proto-constructivismo. En la década de 1920 siguió realizando collages y trabajando en ideas arquitectónicas.

Johannes Baader murió en 1955 a la edad de 79 años en un hogar de ancianos de Niederbayern.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obra comentada

Carta postal a Tristan Tzara

Galería

Die Freie Strasse, revue dadaïste fondée par Franz Jung et Raoul Hausmann en collaboration avec Johannes Baader, 1918

Johannes Baader, Collage Dada, Portrait de Raoul Hausmann [Dada Collage, Portrait of Raoul Hausmann], 1919, Kunsthaus Zürich, Graphische Sammlung, Zurich.

Carta postal a Tristan Tzara de Johannes Baader.

Este artista alemán llamaría la atención del grupo Dadá por su escandalosa actitud provocadora frente a los medios de comunicación, más que por su obra plástica. Controvertido y desigual, Baader representa el más alucinado de los artistas del movimiento, capaz de todo tipo de locuras sin freno desde su primera exposición de manuscritos con collage, objetos inútiles y tarjetas de visita aberrantes que compiló como único equipaje tras su fuga de un manicomio a finales del siglo XIX.

(Biblioteca Literaria Jacques Doucet, París). 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Édouard Vuillard (1868-1940)

Posimpresionismo. Los Nabis.

Vuillard, Édouard (Cuiseaux, Borgoña, 11 de noviembre de 1868 - La Baule-Escoublac, Países del Loira, 21 de junio de 1940 )) Pintor francés, así como ilustrador perteneciente al grupo de los Nabis.

Biografía

Jean-Édouard Vuillard, hijo de un capitán retirado, pasó su juventud en Cuiseaux (Saona y Loira); en 1878 su familia se trasladó a París en modestas circunstancias.

Después de la muerte de su padre, en 1883, Vuillard recibió sus primeros estudios en la escuela Hermanos Maristas, más adelante continuó en la École Rocroy y posterior una beca para continuar su educación. En el Lycée Condorcet Vuillard conoció a Ker Xavier Roussel (también un futuro pintor y que sería con el tiempo su cuñado), Maurice Denis, el músico Pierre Hermant, el escritor Pierre Véber y Lugné-Poë. Por consejo de Roussel rechazó seguir la carrera militar y entró en la Escuela de Bellas Artes, donde conoció a Pierre Bonnard.

En 1885, Vuillard dejó el Lycée Condorcet y se unió a su amigo íntimo Ker-Xavier Roussel1​en el taller del pintor Diogène Maillart. Allí, Roussel y Vuillard recibieron los rudimentos de formación artística.

En 1888, Vuillard se unió a los Nabís y participó en sus exposiciones en la Galería de Le Barc de Boutteville. Más tarde compartió taller con otros miembros de los Nabís, Pierre Bonnard y Maurice Denis. A principios de los años 1890 trabajó para el Théâtre de l'Oeuvre de Lugné-Poë dibujando decoraciones y programas.

En 1898 Vuillard visitó Venecia y Florencia. Al año siguiente viajó a Londres. Más tarde marchó a Milán, Venecia y España. Vuillard también viajó por Bretaña y Normandía.

En la década de 1890 conoció a los hermanos Alexandre y Thadée Natanson, los fundadores de la Revue Blanche, y en 1892 hizo por consejo de ellos sus primeras decoraciones (frescos) para la casa de la Sra. Desmarais. Vuillard expuso por vez primera en el Salón de los Independientes de 1901 y en el Salón de Otoño en 1903. Posteriormente tuvo muchos otros encargos similares: en 1894 para Alexandre Natanson, en 1898 para Claude Anet, en 1908 para Bernstein, y en 1913 para Bernheim y para el Teatro de los Campos Elíseos. El último encargo que recibió data de 1938, fue para el Palais de Chaillot en París, en donde trabajó con Bonnard y en 1937 el Palais des Nations en Ginebra.2​

En sus cuadros Vuillard representó principalmente interiores. Fue la casa donde vivió con su madre y su taller fue su máxima inspiración, el artista ponía atención a los colores, materiales, estampados y estilos de la ropa y acentuó el gusto por el detalle. Gran parte de su obra reflejó esta influencia decorativa. Su obra representa la vida interior del modelo. muestra una parte del evento, lo que invita al observador a crear el resto de la escena. El artista decidió pintar la vida cotidiana, las cosas diarias y simples que quedarían en el olvido. Vuillard murió en Baule-Escoublac en 1940.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obras comentadas

En la cama

Jóvenes paseando

Parque de París

Galería

Cloisonismo

Intimismo

Japonismo

Puntillismo

Posimpresionismo

Autorretrato, 1888

Madame Vuillard en la mesa, 1888

John Everett Millais (1829-1896)

Romanticismo. Realismo.

Millais, Sir John Everett 

Biografía

Pertenecía a una antigua familia normanda establecida desde el siglo X en la isla de Jersey, donde pasó algunos años de su infancia. A los once años ingresó en la Academia Real de Londres y durante seis años logró que se le adjudicaran todos los premios que otorgaba dicha corporación. Alcanzó fama y popularidad con sus lienzos de tema histórico y literario, en los que combinaba el realismo con cierta tendencia arcaizante. Posteriormente abandonó este estilo y, en unión de sus amigos Dante Daniel Rossetti y Holman Hunt, se propuso luchar contra el género de pintura al uso, y de los trabajos de los tres amigos surgió el grupo llamado de los prerrafaelistas, llamados así por inspirarse en las obras de los pintores anteriores al célebre pintor del Vaticano. A pesar del poco tiempo que duró la concordia artística, el grupo ejerció una notable influencia en el arte británico y gozó de gran celebridad.

Posteriormente Millais fue desprendiéndose de todas las características prerrafaelistas, de cuyo grupo había sido el caudillo y gozó de una nueva reputación con sus innumerables retratos, estudios y composiciones. Entre ellos figuran: El caballero errante (1870), Un guardia de la Torre de Londres (1877) y los retratos de Gladstone, la señora Bichoffsheim, de lord Salisbury, lord Lytton, lord Beaconsfield y un autorretrato.

Fuente: http://www.mcnbiografias.com/

Obras comentadas

Cristo en la casa de sus padres

Ofelia muerta

Galería

Pizarro abusando del pueblo Inca del Perú, 1846

La tribu de Benjamín abusando de la hija de Shiloh, 1847

Ofelia muerta, de sir John Everett Millais

El más dotado técnicamente de todos los pintores del grupo prerrafaelista fue considerado por el verdadero sucesor natural de Turner. Muy agradecido con el crítico, Millais quiso halagarle en 1852 con este retrato del personaje shakespeanano, experimentando con las formas en equilibrio de un cuerpo suspendido sobre el agua, aunque f1nalmente no fue del agrado de Ruskin. La esposa de Rossetti y musa del grupo, Elizabeth Siddal, fue la modelo escogida, quien tuvo que posar durante muchas horas sumergida en un baño de agua tibia. La postura de la chica abre la mirada hacia los setos y las flores de la charca, detalladamente dibujados y coloreados, en un alarde de realismo pictórico hasta entonces inusual para los objetos menos definidos de los fondos. 

(Tate Britain, Londres). 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Cristo en la casa de sus padres de sir John Everett Millais

Los colores deslumbrantes del cuadro, la precisión del dibujo y la tierna morbidez de los personajes fueron gratamente admirados por maestros como Delacroix, muy impresionado por el talento de uno de los mejores autores del prerrafaelismo británico. Muy polémico por mostrar un retrato muy realista de la Sagrada Familia, trabajando en un desordenado taller de carpintería como apología de la clase obrera, y por haber representado a un pequeño Jesús ya marcado por los estigmas de la cruz en pies y manos, este lienzo de 1850 es una excelente muestra del naturalismo que paulatinamente se iría perdiendo en favor de un estilo más idealista y simbólico. 

(Tate Britain, Londres).

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Paul Gauguin (1848-1903)

Cloisonismo. Impresionismo. Posimpresionismo.

Gauguin, Paul (París, 7 de junio de 1848 - Atuona, isla Dominica, 8 de mayo de 1903) Pintor francés, considerado uno de los más importantes representantes del postimpresionismo. 

Su obra ha sido fundamental en el desarrollo del arte contemporáneo. En 1849 su familia embarcó para Perú, y su padre murió durante el viaje. Así, unos años de su infancia transcurrieron en Lima, hasta que en 1855 regresó con su madre a Francia. Se alistó en la marina mercante y, en 1868, en la de guerra, y tomó parte en el conflicto franco-prusiano. En 1871 se instaló en París y trabajó como empleado de una agencia de cambio y bolsa. En esta etapa empezó a interesarse por el arte y se formó como pintor con Camille Pissarro. En 1880 expuso por primera vez con el grupo de los impresionistas y, a partir de 1883, decidió dedicarse exclusivamente a la pintura. En 1886 formó parte de un grupo de pintores que acudían al pequeño pueblo de Pont Aven (Bretaña) en busca de ambientes naturales alejados de la civilización urbana. Entre ellos estaba Émile Bernard que, inspirándose en el arte popular y en la técnica de las vidrieras emplomadas, introdujo en su pintura contornos en negro muy marcados, cerrando las manchas de color; esta técnica, denomina da cloisonné, sería adoptada en adelante por Gauguin. La visión después del sermón ( 1888) es la obra más representativa de esta etapa, en que rompió con el impresionismo para iniciar una búsqueda cada vez más personal de las posibilidades expresivas del color. Descubrió que era posible utilizar el color como símbolo o equivalente pictórico de sus emociones o sentimientos, sin necesidad de copiar de forma fiel lo que veía. El crítico de arte y pintor Maurice Denis definió la técnica desarrollada por Gauguin como "sintetismo", porque el pintor, ante un paisaje, no pretendía reproducirlo de manera que pudiera ser reconocido, sino que sólo deseaba captar algunos de sus elementos esenciales para crear "una superficie plana cubierta de colores dispuestos en un cierto orden". En 1888 el pintor pasó unos meses con Van Gogh en Aries y, en 1891, decidió marchar a la lejana isla de Tahití, en la Polinesia, en busca de una forma de cultura más auténtica, no pervertida por la modernidad. Regresó a Francia en 1893 y marchó dos años después a Autana, en las islas Marquesas, donde murió en 1903. 

Durante su estancia en la Polinesia la pintura de Gauguin adquirió un estilo maduro, caracterizado por la simplificación de los motivos, los colores planos sin matices de luces y sombras y una gran originalidad que deriva de su voluntad de recuperar la sinceridad y la pureza del arte primitivo. La Orana Maria -Dios te salve, María(1891-92) es una de las primeras obras del período tahitiano, junto con Noa-Noa -Naturaleza perfumada- (1892), Manaó Tupapaú -El espíritu de los muertos vela (1892), o Arearea -Divertimiento- (1892). ¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos? (1897-98), es un cuadro de grandes dimensiones y una de las obras más representativas del ambiente poético y sugerente que el pintor buscó en aquellos años. Aún así, su vida distó mucho de ser paradisíaca, ya que padeció constantes problemas de salud, tuvo graves dificultades económicas a lo largo de su vida y frecuentes enfrentamientos con las autoridades coloniales. Sin embargo, su pintura mantuvo siempre la serena belleza de los primeros años, como en El caballo blanco (1898), Dos tahitianas (1899) y El oro de sus cuerpos (1901). 

La influencia de Gauguin fue muy importante ya en la época de su estancia en Pont Aven: Paul Sérusier y Maurice Denis transmitieron sus ideas a Édouard Vuillard y Pierre Bonnard, que formarían el grupo conocido como los na bis o profetas. Su tratamiento del color fue uno de los puntos de partida de Henri Matisse en su desarrollo del fauvismo, así como para Edvard Munch y el movimiento del expresionismo. Su gran aportación al arte contemporáneo consistió en romper con el concepto de pintura como representación, en favor de una pintura como transmisión de conceptos expresivos y estéticos. 

Gauguin, la evasión en el primitivismo

Paul Gauguin, nacido en 1848, un par de lustros más tarde que Cézanne (1839), Monet (1840) y Renoir (1841), no llegó a conocer el impresionismo en su época de elaboración (es decir, antes de 1874), sino en la de su plenitud, demasiado tarde ya para darle el sello de una nueva aportación personal.

Lo vivió como una iniciación, no como un descubrimiento personal, con lo que su carácter aventurero no podía sentirse satisfecho con este papel pasivo. Porque, tanto por temperamento como por las circunstancias de su vida, Gauguin llevó muy pronto sobre sí el sello de la aventura.

A los pocos meses de su nacimiento, a causa de que su padre, que era periodista, temía las consecuencias políticas de la subida del príncipe Luis Napoleón al poder, la familia abandonó Francia y se instaló en Perú, donde su madre tenía parientes. El padre muere durante la travesía. Al cabo de unos años de vida fastuosa, la madre regresa a Francia con sus hijos y se instala en provincias, donde lleva una vida más modesta.

⇦ Autorretrato de Paul Gauguin (Musée d'Orsay, París) La composición muestra un rostro frío, violento y algo cínico. Aquí Gauguin todavía no ha sido vencido: defiende a los indígenas de la manipulaCión de los blancos hasta quedarse él solo contra todos. La pobreza, la enfermedad, la soledad le acecharán toda su vida, pero él les opondrá este gesto desafiante, trágico y racional a un tiempo. Y lo mantendrá a pesar de todo hasta aquel 1903 en que, en las remotas islas Marquesas, morirá persiguiendo su sueño de una vida más sencilla, más auténtica y menos corrompida. 

El joven Paul deja entrever su afán de independencia, hasta el punto de resultarle difícil trabar amistad con otros muchachos y de intentar fugarse; llegó incluso a enrolarse -en cuanto le fue posible-en la marina mercante, por no haber sido admitido en la Escuela Naval. Algunos años de navegación, la guerra contra Alemania (1870), la desmovilización (1871) y la vuelta a la vida civil, en la que empieza a tener éxito como empleado de un agente de Bolsa. Su carrera de financiero queda bruscamente interrumpida por el gran hundimiento bursátil de 1882.

Sin empleo, no le queda otra posibilidad que dedicarse a la pintura, cuyos rudimentos había aprendido algo después de su retorno a la vida ciudadana, en compañía de una joven danesa, Mette Gad, con la que se ha casado y que le da, en pocos años, cinco hijos. La crisis financiera interrumpe súbitamente la tranquila holgura de la joven pareja. Gauguin, que llevaba unos diez años pintando en sus ratos de ocio y que incluso había participado en las últimas exposiciones impresionistas, decide entregarse por entero a la pintura, ante la imposibilidad de encontrar otros medios. Los primeros resultados no corresponden a sus esperanzas. Muy pronto se ve obligado a llevar una vida más modesta. Intenta instalarse en provincias (en Ruan, en 1884) y luego marcha a Copenhague (en 1885), donde su esposa cuenta con el apoyo de la familia. Al cabo de unos pocos meses, el fracaso resulta absoluto, tanto moral como materialmente.

Salvador Dalí (1904-1989)

Surrealismo

Dalí y Doménech, Salvador (Figueres, 11 de mayo de 1904 – 23 de enero de 1989) Pintor español. En 1927 realizó los primeros cuadros surrealistas, y dos años después se incorporó oficialmente al grupo surrealista de París, del que fue el miembro más revolucionario. Utilizó su "método paranoico-crítico", cuyos principios se emplazan en la frontera de la invención y el delirio. Consiste en utilizar plásticamente los pensamientos y sueños de los dementes, pero sin perder la razón. Su primera exposición individual en la capital de Francia es de 1929, año en que se estrenó Un chien andalou, filme que realizó con Luis Buñuel y que es paradigmático de la cinematografía surrealista. Hasta 1941 pintó sus mejores lienzos surrealistas, definidos por la variedad de elementos, la maleabilidad de los objetos sólidos, las obsesiones, las alusiones sexuales, las yuxtaposiciones de objetos y seres, las metamorfosis, etc. La publicación del libro Vida secreta de Salvador Dalí por Salvador Dalí (1942) supuso el inicio de una etapa de autoanálisis y síntesis que desembocó en un período "místico", al que siguieron otros dedicados al arte tridimensional, la holografía, etc. Alentado por su musa y esposa Gala, con la que vivió desde 1929 hasta la muerte de ésta en 1982, y dotado de una capacidad extraordinaria de trabajo, el artista compartió la pintura con el grabado, la literatura, la escenografía, el diseño de joyas y la publicidad. Objeto de gran cotización económica, el pintor se halla representado en los mejores museos del mundo, los cuales le han dedicado numerosas exposiciones antológicas. En 1974 se inauguró en Figueres, su ciudad natal, un museo dedicado al pintor. De su obra destacan La miel es más dulce que la sangre (1927), El gran masturbador ( 1929), El espectro del sex-appeal (1934), Premonición de la guerra civil (1936), La cesta del pan (1945) y Cristo de San Juan de la Cruz (1951 ).

Participó en las actividades del movimiento entre 1929 y 1936. Además, fue el único surrealista que magnificó la gloria personal, el oro, la monarquía y Dios. Sus referencias plásticas a Picasso, Chirico, Max Ernst, Miró, Tanguy y Magritte caracterizan sus obras de los primeros tiempos, a la vez que su constante empleo de la técnica académica de los contemporáneos de Meissonier. El resultado sorprende con una colección de imágenes que se pretende delirante y chocante: relojes blandos, personajes con párpados sostenidos por muletas y atrofia o hipertrofia de los miembros. Todo este carnaval para-freudiano, acomodado a una teoría llamada "paranoico-crítica", sirvió de trampolín a una gloria comercial que se apoyaba en la extravagancia de la vestimenta y la exuberancia de los bigotes. En 1941, André Breton puso en su lugar a la obra de Dalí en estos términos: "A despecho de una innegable ingeniosidad en la realización de su propio escenario, la obra de Dalí, desfavorecida por una técnica ultrarretrógrada (vuelta a Meissonier) y desacreditada por una indiferencia cínica con respecto a los medios de imponerla, ha dado desde hace mucho tiempo signos de pánico y no se ha salvado más que organizando su propia vulgarización. Hoy cae en el academicismo -un academicismo que por su sola autoridad se declara clasicismo- y desde 1936, por otra parte, ha dejado de tener la menor relación con el surrealismo".

Aparato y mano de Salvador Dalí (Museo Salvador Dalí, San Petersburgo, Florida). Con esta obra, de 1927, el joven Dalí entra de lleno en el movimiento surrealista al presentar este cuadro en el Saló de Tardar de Barcelona. Es la época en que está muy vinculado a Larca, Buñuel y Paul Éluard. 

Ta Matete de Paul Gauguin

Nacido en 1848, Paul Gauguin sólo comenzó a dedicarse plenamente a la pintura a partir del año 1883. Esta decisión, además de acarrearle la pobreza, provocó que le abandonaran su mujer y sus hijos. En 1891, gracias al dinero reunido con la venta de una treintena de pinturas en una subasta, el pintor emprendió un viaje a Tahití con la intención de empaparse de elementos de arte primitivo, permaneciendo en la isla hasta 1893.

El carácter bidimensional de las formas humanas, el perfil de las cabezas en contraste con lo frontal de los cuerpos y las dos figuras como extraídas de un jeroglífico que se mezclan con el fondo frondoso, dan cuenta clara de esta tendencia. Gauguin, que consideraba el primitivo arte egipcio como el más interesante de todo el arte antiguo y uno de los más importantes del mundo occidental, ya había hecho uso de este esquematizado lenguaje ideográfico en cuadros como Su nombre es Vairaumati (1892).

En el caso de Ta Matete, no ha logrado establecer ninguna relación adecuada entre la configuración formal de las personas, con sus cambios de perspectiva de frente y de perfil, y el tema del cuadro. Después de elaborar esta pintura, consecuentemente, se ofrece menos propenso a utilizar elementos de la cultura antigua.

La escena del cuadro se encuentra protagonizada por las prostitutas que se ofrecían en el mercado de Papeete, por lo que posiblemente la intención del artista es criticar la situación existente a raíz de la irrupción occidental en los Mares del Sur en aquella época.

Gauguin aplica en este óleo su particular técnica de delimitación de contornos, que ya había empleado en las obras realizadas en Bretaña. La paleta empleada por el artista en la confección del cuadro está integrada por colores vivos. El pintor ha aplicado superficies planas de rojos, amarillos, naranjas, grises y azules de manera arbitraria a la realidad -obsérvese el amarillo del cielo en el fondo y el azul morado del tronco de los árboles-.

En primer plano, a la derecha, es importante destacar el corte en la figura de una de las protagonistas de la composición: se trata de un recurso fotográfico utilizado frecuentemente por algunos pintores del movimiento impresionista, con el cual Gauguin había establecido vínculos anteriormente. En la misma mujer se distingue también la detallada y vigorosa composición de su pareo, que manifiesta el arte pictórico japonés como otra importante influencia común entre Gauguin y los impresionistas.

La obra de Gauguin, que abrió nuevos horizontes estéticos en las generaciones posteriores, ejerció una poderosa influencia en los artistas pertenecientes a los movimientos expresionistas y fauvistas.

Ta Matete, compuesta en 1892, mide 73 X 92 cm. y se encuentra en el Kunstmuseum de Basilea.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obra de Salvador Dalí. Arte abstracto.

Arlequín, 1927. Surrealismo

Cabeza de mujer, 1927. Cubismo

Composición abstracta, 1928

Sin título (La Dama de Aviñón), 1960. Surrealismo

Cincuenta pinturas abstractas que, vistas desde dos astilleros,
se transforman en tres Lenin disfrazados de chinos
y vistos desde las seis yardas aparecen como
la cabeza de un tigre real de Bengala, 1963

Cola de Golondrina, 1983. Surrealismo

La contorsión topológica de una figura femenina convirtiéndose en un violonchelo, 1983. Surrealismo

La contorsión topológica de una figura femenina, 1983. Surrealismo

Sin título - Cabeza de un noble español, formado por modelo de catástrofe desde la cola de golondrina y dos mitades de un violonchelo, 1983. Surrealismo

Sin título - Serie de catátofres, 1983. Surrealismo

Obra de Salvador Dalí. Arte metafísico.

¡

Suburbios de un pueblo crítico paranoico. Tarde en las afueras de la historia europea, 1936. Surrealismo

Caballo metafísico, 1960