Modest Cuixart (1925-2007)

Informalismo

Cuixart i Tàpies, Modest (Barcelona, 2 de noviembre de 1925-Palamós, 31 de octubre de 2007) fue un pintor español, uno de los más representativos de la posguerra española, cofundador del grupo Dau al Set junto con Joan Brossa, Antoni Tàpies, Joan Ponç, Arnau Puig y Joan-Josep Tharrats. Juntos fundaron uno de los grupos de pensamiento y arte más importante de la década de 1950, trayendo consigo las segundas vanguardias del siglo XX.

Biografía

Nació en la ciudad de Barcelona. Estudió inicialmente medicina, pero finalmente se decantó por la pintura con su ingreso en la Acadèmia Lliure de Pintura de Barcelona.

En 1948 participa en la fundación del grupo Dau al Set, junto con Joan Brossa, Joan Ponç, Antoni Tàpies, Arnau Puig y Joan-Josep Tharrats, con la intención de sacudir el yermo panorama artístico y cultural de la postguerra, y en la edición de la revista del mismo nombre que alcanzó un eco internacional inesperado.

En 1950 participa activamente en los coloquios de la segunda Semana de Arte de Santillana del Mar .En diciembre gracias a una beca concedida por el Instituto Francés a los pintores de Dau al set, se traslada a París junto con su primo Antoni Tapies.

Desde París, donde asiste a la Universidad, viaja a diversos países europeos. Ante la imposibilidad de subsistir en la capital francesa se traslada a Lyon, ciudad decisiva para el paso de su magicismo de la época de Dau al Set al informalismo matérico.

En 1953 se casa con Mariona Goday Barba. Ese mismo año participa en la exposición colectiva "Arte Fantástico" en la galería Clan de Madrid organizada por Antonio Saura.

En 1955 forma parte del efímero grupo Taüll, junto con Josep Guinovart, Antoni Tàpies, Joan-Josep Tharrats, Jordi Mercadé, Jaume Muxart y Marc Aleu.Realiza su primera exposición individual en Barcelona (galerías Layetanas) además de una retrospectiva en el Museo de Mataró. El crítico Alexandre Cirici Pellicer conoce su obra a la que desde entonces va a dedicar grandes elogios llegando a considerarle hacia 1959-60 el gran renovador del informalismo internacional que logra cerrar el ciclo que en su día abrieron Dubuffet y Fautrier.

En 1956, en Lyon contacta con la activa vanguardia de la ciudad, expone en la galería Folklore que dirige el poeta Marcel Michaud. Tanto este como el crítico Jean Jacques Lerrant se entusiasman con su obra. Michaud le presenta el célebre galerista René Drouin que lo introduce en su galería de París.

En 1958 recibe el Premio Torres García y en París efectúa su primera exposición individual en René Drouin. Visita a Picasso. Es invitado a la XXIX Bienal de Venecia y participa en la Bienal del Carnegie Institut en Pitsburgh. Inicia una muy activa etapa expositiva a nivel internacional.

En 1959 gana el primer premio de la Bienal de São Paulo (Brasil) por delante de los finalistas Francis Bacon y Alberto Burri., obtiene asimismo la medalla de oro del del Premio de Pintura Abstracta de Lausanne y expone en la Documenta de Kassel .

En 1960-61 participa en una exposición de vanguardia española en la Tate Gallery de Londres y en el Museo Guggenheim de Nueva York entre muchas otras exposiciones individuales y colectivas por toda Europa, América y Japón.

En 1963 , su abandono del informalismo por considerarlo algo agotado y su creciente interés por la problemática de lo humano en su pintura se plasma en la exposición "Nens sense nom " (Niños sin nombre),en la galería René Metras de Barcelona, "preso de la tentación de lo humano " en palabras de Pierre Restany, realiza trágica composiciones con muñecas destrozadas que producen un gran impacto mediático. Jean André Fieschi le dedica un film documental en la línea del cinema verité. Se considera su aportación al pop art mezclada con el new dada y el nouveau réalisme.

En 1964 presenta en la galería René Metras una exposición homenaje a Bertolt Brecht (autor que desde su etapa de Lyon influye mucho en su pensamiento) la cual incluye configuraciones de objetos y assemblages. Ese mismo año, su exposición individual en la galeria Bonino de nueva York, que se prorroga por el éxito obtenido, pone en evidencia su giro intelectualista hacia la figuración y abre un ciclo de acento orgánico, erótico y siniestro en el que técnicamente combina el grafismo con lo matérico.

En 1966 expone su nueva y originalísma tendencia en Barcelona en René Metras bajo el título Realisme pictòric actual , comisariada por Arnau Puig, que ocasiona el desmedido repudio del crítico Cirici y genera una intensa polémica en la prensa en la que intervienen entre otros a su favor Joan Perucho y Rafael Santos Torroella.

En 1968 es seleccionado y participa en la histórica exposición The Art of Organic Forms en el Smithsonian Museum de Washington, pionera en la vinculación de arte y ciencia y al año siguiente participa en el Salón Internacional de Arte de Basilea.

En 1971 se instala en Palafrugell, donde conoce a Josep Pla. En los siguientes años de esa década hará exposiciones en numerosas capitales nacionales e internacionales como París, Madrid, São Paulo, Ámsterdam, Tokio, Basilea, Gerona, Barcelona, Milán y otras. Inicia una etapa de efusiva creatividad que se inicia con un sesgo fantasmagórico y fluctua hacia un barroquismo decadente en los 80.

En la década de los 80 participará en una exposición colectiva en el Palacio de la Unesco de París, recibe la Cruz de San Jorge de la Generalidad de Cataluña, y la Cruz de Isabel La Católica. En 1988 realiza una exposición antológica en Japón, en las ciudades de Kōbe y Tokio.

A final de la década recobra todo su vigor creativo y profundidad conceptual en una etapa que se sumerge en la naturaleza en su vertiente más recóndita.

En 1991 la Generalidad de Cataluña patrocina una exposición antológica en el Palacio Robert de Barcelona y en 1995 hace otra exposición antológica en el “Centro Cultural de la Villa de Madrid” con motivo de su 70 aniversario. En 1998 se crea la "Fundació Cuixart", con sede en Palafrugell, y en 1999 se le concede la “Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes” del Ministerio de Cultura. Finalmente en 2000 recibe la “Medalla al Mérito en las Bellas Artes” de manos del rey Juan Carlos I.

El 31 de octubre de 2007 muere en Palamós,​ dos días antes de cumplir 82 años.

Fuente: https://es.wikipedia.org/ 

Galería

Linneus escriba, 1948

Linneus escriba, 1948

La institutriz de Chardin

 

A partir de 1733, aproximadamente, Jean-Baptiste-Siméon Chardin inició una nueva etapa en su carrera al empezar a componer escenas intimistas como La institutriz (La Gouvernante), realizada en 1738.

El número de figuras que aparecen en sus pinturas siempre es reducido. Aquí, coloca a dos personajes en el ambiente de una casa burguesa sencilla, con una decoración sobria, austera, en un ambiente casi religioso. El pintor ha sabido materializar muy amablemente la cotidianidad de una pequeña burguesía parisina en su intimidad: fa criada dedicada a sus tareas y el niño como tal con los juguetes por el suelo. Es imposible imaginar mayor contraste simbólico entre los juguetes esparcidos a la izquierda del cuadro y el costurero abierto con la labor de la mujer a la derecha.

La joven institutriz reprende al niño de una forma estrictamente íntima y la lección aprendida para su futuro comportamiento queda clara. Se suele pasar por alto el marcado aspecto moralizante del tema: una criada asume el deber de amonestar a una persona que puede llegar a convertirse en su señor y por tanto su superior en la escala social.

La mujer ya no es sensual, sino que es una criada, que representa el papel educativo de la madre. En las escenas de género de Chardin no solemos encontrar al padre ni a ninguna otra figura masculina y si hay niños se da por supuesto que son disciplinados. Son las madres y las mujeres de aspecto maternal las que destacan imbuidas en sus tareas domésticas. Sus obras contrastaban con los temas heroicos y las alegres escenas del rococó que constituyeron la corriente artística principal durante la primera mitad del siglo XVIII.

El cuadro emana reposo, como todas sus obras. La escena es siempre algo bien hecho, bien construido. El gesto natural y preciso de los cuerpos nos transmite tranquilidad y calma. Resalta la delicadeza del colorido y la luz tenue que irradia en los personajes proyectando un aura de humanidad.

Chardin es un realista, pinta aquello que ve, los ambientes sencillos, el trabajo y los gestos cotidianos. Se mueve totalmente al margen de la moda galante y recoge la tradición interiorista de la Holanda del siglo XVII. Al igual que Vermeer, sitúa la mujer como centro de las casas modestas. Como el pintor de Delft, la luz será otra de sus grandes preocupaciones.

En sus pinturas es más importante las-formas que el contenido. Con eso y con todo, su mérito reside en la fusión extraordinaria de la técnica y la temática. Sus personajes son, de hecho, naturalezas muertas; inexpresivos, serios, y tan íntegros como un objeto artesanal.

Fue admirado por Denis Diderot por su técnica minuciosa y perfecta y por plasmar los valores morales. Tanto él como Greuze eran algunos de sus favoritos, mientras que despreciaba a Boucher por su vida depravada, que se reflejaba en sus cuadros. "¡Otra vez quí, gran mago, con vuestras composiciones mudas! ¡Cuántas cosas le dicen sobre la imitación de la naturaleza, la ciencia del color, y la armonía! ¡Cómo circula el aire alrededor de esos objetos! ¡La luz del sol cubre mejor los contrastes de los seres que ilumina! ¡Chardin no conoce colores amigos ni enemigos!", escribiría el filósofo refiriéndose al pintor.

Por sus naturalezas muertas y retratos intimistas se le considera el pintor de la burguesía francesa y el continuador de la pintura holandesa. Su obra La institutriz, de 46 x 37,5 cm actualmente se conserva en la Galería Nacional de Canadá, en Ottawa.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Los restos del almuerzo, de Jean-Baptiste-Simeon Chardin

 

La pasta pictórica, en manos de Chardin, podía sugerir las cualidades táctiles de cualquier materia como nadie había conseguido antes de él: véanse la loza, el vidrio, el metal y la madera de su célebre cuadro de 1763. 

(Musée du Louvre, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

La Benedicite de Jean-Baptiste-Simeon Chardin

 

El sentido de la intimidad, que en Boucher o Fragonard tiene una significación soñadora y sensual, en este autor reviste la humilde densidad de las tradiciones artesanas de Flandes y de Holanda. Nadie mejor que él ha buceado en el alma infantil y ha evocado la calma y la ternura de la vida en el hogar. Buena prueba de ello son este famoso cuadro, penetrante observación del mundo de la pequeña burguesía francesa. 

(Musée du Louvre, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Charles Despiau (1874-1946)

Neoclasicismo

Despiau, Charles (Mont-de-Marsan, 4 de noviembre de 1874 - París, 30 de octubre de 1946) Escultor francés. 

Biografía

Charles Despiau se trasladó a París a la edad de 17 años, con motivo de una beca del departamento de las Landes, y entró en la Escuela de Artes Decorativas siendo alumno de Georges Lemaire​ y posteriormente en la Escuela de Bellas Artes así como en el estudio el escultor Louis-Ernest Barrias. En 1904 se casó con Marie Rudel.

El retrato es la preferencia de Despiau —lo cual no le impide crear estatuas sobre todo en los últimos tiempos— y expone cada año en el Salón de la Société Nationale des Beaux-Arts. A través de su poder plástico y su verdad psicológica, sus retratos son muy notables, gracias a un largo y apasionado trabajo. En 1907, animado por el busto en yeso de Paulette, Auguste Rodin le pidió que trabajara con él. Este fue el comienzo de un período de práctica profesional hasta 1914 año de su movilización por la Gran Guerra. Se vio forzado a abandonar entonces la talla del mármol que le había confiado Rodin del Génie du Repos Éternel, destinado al monumento conmemorativo del pintor Puvis de Chavannes. El yeso, que mide dos metros, había hecho necesaria la contratación de un segundo taller, Villa Corot, donde Despiau se había instalado con su esposa, María. Desmovilizado después de la guerra y Rodin que había muerto en 1917, se negó a terminar la talla del mármol del Genio. El mármol inacabado se expone actualmente en la galería de los jardines del museo Rodin en París. Frecuentó, de vuelta a París con un grupo de artistas, que un día un periodista especializado en arte nombró con gran éxito la «banda Schnegg» , un grupo de escultores donde Lucien Schneg, hermano de Gaston Schnegg, era su motor principal: Antoine Bourdelle, Robert Wlérick, Leon-Ernest Drivier, François Pompon, Louis Dejean, Alfred Jean Halou, Charles Malfray, Auguste de Niederhäusern, Henry Arnold, Jane Poupelet, Yvonne Serruys... Después de la muerte de Lucien en 1909, la banda sigue reuniéndose en torno a Gaston.

El yeso del Genio, donado a Despiau por Auguste Rodin, se quedó en la Villa Corot, a continuación, se trasladó en 1930, a la calle Brillat-Savarin donde hizo construir su casa y taller, cuando Charles Despiau finalmente conoce el éxito con su primera exposición-venta en Nueva York. Los herederos, de este yeso, los señores Alain Kotlar, después de haberla limpiado y restaurado, donaron este «original» al museo de yesos de Meudon en 2001. La fundición del original en bronce del Genio están a la venta en el taller Despiau.

A partir de 1932, el encuentro con Assia Granatouroff, modelo profesional que muchos artistas desde Dora Maar a Germaine Krull pasando por Soutine, hace que Despiau le pida que pose para él, lo que le permite sublimar el cuerpo de la mujer. Surge, en su escultura, a la vez, fuerza, belleza, serenidad, sencillez, Assia, se convierte así en la moderna Venus del renacimiento italiano, que incluso en el arte del siglo XX un periodista comparó el arte de Despiau como: «El Donatello del siglo XX» ", dijo Anatole de Monzie. Assia es uno de los desnudos femeninos más bellos de la historia de la escultura. Se ajusta a los cánones de la hermosa joven, responde a la concepción que se hace de la mujer ideal.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Eugène Viollet-le-Duc (1814-1879)

Arquitectura neogótica

Viollet-le-Duc, Eugène-Emmanuel (París, 27 de enero de 1814 - Lausana, 17 de septiembre de 1879)1​ fue un arquitecto, arqueólogo y escritor francés. Famoso por sus "restauraciones" interpretativas de edificios medievales,​ fue un importante arquitecto del renacer gótico. Representa una de las más importantes figuras de la escuela francesa, que rechazó la enseñanza de la Escuela de Bellas Artes, sustituyéndola por la práctica y los viajes por Francia e Italia.

Se dedicó principalmente a la restauración e invención de conjuntos monumentales medievales como la Ciudadela de Carcasona o el Castillo de Roquetaillade, siendo muy criticado por el atrevimiento de sus soluciones y añadidos no históricos, y la pérdida de autenticidad de muchos monumentos. Sus restauraciones buscaron en menor medida recuperar sino más bien mejorar el estado original del edificio, con un interés centrado más en la estructura y en la propia arquitectura que en los elementos decorativos. Utilizó el estudio arqueológico en el examen crítico inicial de los edificios, como paso previo para conocer su realidad y defendió el uso del hierro y la coherencia de la arquitectura gótica, en contra del eclecticismo. Se opuso con vehemencia al estilo de arquitectura Beaux-Arts que estaba en boga en esa época. Gran parte de sus trabajos de diseño eran menospreciados por sus contemporáneos.

Más importante es su aportación teórica, en la que defendió el uso de una metodología racional en el estudio de los estilos del pasado, contrapuesta al historicismo romántico. Sus teorías ejercieron una gran influencia en artistas posteriores, como Guimard, Gaudí, Horta o Vilaseca.

Fue el arquitecto contratado para diseñar la estructura interna de la Estatua de la Libertad, pero falleció antes de que finalizara el proyecto.

Biografía

Nacido en el seno de una familia muy culta de clase media, desde muy joven se interesó por la Arquitectura de la Edad Media y aunque fue discípulo de Aquiles Leclère, rechaza ingresar en la escuela de Bellas Artes deliberadamente para autoformarse recorriendo Francia e Italia con un bloc de notas en mano. En 1834 se casó con Elisabeth Cabrera.

En 1836 partió hacia Italia donde visitó Sicilia y se dedicó al estudio del arte griego y romano, regresando a París en 1837 para recorrer Francia y estudiar sus monumentos más sobresalientes. Su erudición le valió el nombramiento en 1840 de inspector de los trabajos de restauración de la Sagrada Capilla bajo la dirección de Félix Duban. Ese mismo año la Comisión de Monumentos históricos, de la mano de Prosper Merimée, le encargó la restauración de la iglesia de Vezelay a la que seguirían otros trabajos que tuvieron gran resonancia, incluyendo Notre-Dame de París, la basílica de San Denise y la basílica de Madeleine de Vézelay.

En 1842 logró mediante concurso la restauración de Nuestra Señora de París junto con Jean-Baptiste-Antoine Lassus. Fue nombrado arquitecto de la abadía de San Dionisio en 1846, inspector general del servicio diocesano en Francia en 1853 y profesor de Historia del Arte y Estética de la Escuela de Bellas Artes, recién reorganizada por Vaillant, en 1863 aunque dimitió al año siguiente debido a la violenta oposición que suscita su proyecto reformista de la formación de arquitectos, del cual nace el libro Entretiens sur l'architecture

Supervisó todos los edificios medievales franceses que fueron restaurados siguiendo los principios arquitectónicos que se derivaban de sus formas (Castillo de Roquetaillade).

Entre otros reconocimientos fue nombrado oficial en 1858 y comendador en 1869 de la Legión de Honor y miembro de la Real Academia de Bellas Artes de Bélgica en 1863.

En los comienzos del sitio de París en 1870 organizó la legión auxiliar de ingenieros y con el grado de teniente coronel recibió el encargo del servicio exterior. Gran amigo de Napoleón III, se declaró librepensador provocando la reacción del clero y obligándole a dimitir de sus cargos de inspector general diocesano y arquitecto de las catedrales de Amiens, Clermont, Reims y París.[cita requerida]

Eugène Viollet-le-Duc falleció en Lausana, Suiza el 17 de septiembre de 1879.

Obra

A comienzos de la década de 1830, en Francia se desarrolló un interés por la restauración de edificios medievales. Viollet-le-Duc, que regresa en 1835 de sus estudios en Italia, fue contratado por Prosper Mérimée para restaurar la abadía románica de Vézelay. Este trabajo fue el primero de numerosas restauraciones; las restauraciones de Viollet-le-Duc de Notre Dame de París lo hicieron conocido. Entre sus otras obras importantes se encuentran los trabajos realizados en Mont Saint-Michel, Carcasona, Roquetaillade y Pierrefonds.

A menudo las "restauraciones" de Viollet-le-Duc combinaban hechos históricos con modificaciones creativas. Por ejemplo, bajo su dirección, Notre Dame no solo fue limpiada y restaurada, sino también "actualizada", agregándosele la tercera torre que la distingue (un tipo de espiral) además de otras modificaciones menores. Otra de sus restauraciones famosas, la ciudad fortificada de Carcasona, fue mejorada de manera análoga, agregando en la parte superior de cada una de las torres de la muralla techos en forma de cono que en realidad son propios del norte de Francia.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Galería

Lago Gaube y la cumbre de Vignemale, 1833

Montaña de Clacaire cerca de Morne d'Erichains, 1833

Martín Malharro (1865-1911)

 

Impresionismo

Malharro, Martín (Azul, 25 de agosto de 1865 – Buenos Aires, 17 de agosto de 1911) Fue un ilustrador y pintor argentino. Conocido por sus paisajes, fue uno de los primeros artistas en introducir el impresionismo en Argentina a principios del siglo XX después de una estadía en Francia.

Biografía

Dejó su casa familiar para la ciudad de Buenos Aires en 1879. Con dificultades económicas, en 1885 conoció al editor Roberto Payró quien le ofreció trabajo como ilustrador, del diario La Nación y lo animó a tomar clases en la Asociación Estímulo de Bellas Artes, donde recibió lecciones del pintor realista ítalo-argentino Francisco Romero y luego de los artistas locales Ángel Della Valle y Reynaldo Giudici. En 1887 fue invitado a quedarse en la estancia de José María Ramos Mejía en la provincia de Córdoba, donde trabajó como paisajista.

En 1892, durante un viaje a la provincia de Tierra del Fuego, conoció al litógrafo Antonio Bosco quien le enseñó su oficio. En 1894 recibió una mención de honor durante el salón organizado en el Ateneo, lo que le permitió viajar al año siguiente a París, donde trabó amistad con el escultor Rogelio Yrurtia. En el lugar, observó las obras de muchos pintores, como Camille Pissarro, Claude Monet o Pierre-Auguste Renoir, y descubrió más ampliamente el trabajo de los pintores de la escuela de Barbizon y el impresionismo. Viaja por la capital francesa para acercarse a la naturaleza, entre los que destaca el cuadro El Arado en la ciudad de Auvers-sur-Oise, hoy famosa por haber acogido a muchos pintores, entre ellos Vincent Van Gogh y Charles-François Daubigny.

De regreso a Buenos Aires en 1901, instaló su estudio en el barrio de Belgrano y al año siguiente organizó una exposición en la galería Witcomb del fotógrafo británico Alexander Witcomb . El público argentino descubrió entonces el impresionismo. A pesar de la respuesta mixta de la crítica del público, a veces entusiasta o mordaz, estas escenas nocturnas fueron especialmente elogiadas por la crítica y el presidente argentino Julio Argentino Roca le compró el cuadro La Argentina. Con los pintores Fernando Fader y Cesáreo Bernaldo de Quirós, fundó el grupo Nexus en la década de 1900 y evolucionó hacia el posimpresionismo.. Su nueva fama le permitió obtener una cátedra en la Universidad Nacional de La Plata y en la Academia Nacional de Bellas Artes de la ciudad. Con el grupo Nexus, incluyendo nuevos miembros como el pintor Pío Collivadino, participó en una segunda exposición en la Galería Witcomb en 1908. Murió prematuramente en su ciudad adoptiva en 1911 a la edad de 46 años. Durante su carrera, impulsó o en particular para sus alumnos a los pintores Walter de Navazio, Carlos Giambiagi), Alfredo Guttero y Ramón Silva.

Estas obras son especialmente visibles o conservadas en la Colección de Arte Fortabat, en el Museo Casa de Rogelio Yrurtia y en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y en el Museo de Bellas Artes Juan B. Castagnino en Rosario.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

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Parmigianino (1503-1540)

 

Renacimiento. Cinquecento. Manierismo.

Parmigianino, Francesco Mazzola, llamado il (Parma, 11 de enero de 1503- Casalmaggiore, 24 de agosto de 1540) Pintor italiano. 

Ejerció gran influencia en las escuelas florentina y veneciana y en la francesa de Fontainebleau. Su pintura, manierista, se caracteriza por la elegancia y la gracia de sus figuras. Se formó con Correggio, quien trabajó en Parma en 1518; sus obras juveniles más notables datan de 1521. En Roma trabajó para Clemente VII (1523) y el mismo año pintó la Sagrada Familia (Uffizi, Florencia), obra influida por el manierismo rafaelesco. Se trasladó a Bolonia, donde realizó, para la Capilla Gamba de San Petronio, la Virgen con el Niño y santos (Pinacoteca de Bolonia). En 1531 pintó, en el castillo de Fontanellato, un fresco con escenas mitológicas (Diana y Acteón), en 1534 la Virgen del cuello largo y un año más tarde Cupido (Viena); poco antes de morir pintó para la iglesia de San Esteban un retablo con San Esteban y San Juan Bautista.

Después de unos principios bajo la influencia de Rafael y de Correggio (visibles en las preciosas figuras desnudas que pintó hacia 1524 en los muros del castillo de Fontanellata, cerca de Parma, con la Historia de Diana y Acteón), se dirige a Roma. 

Allí conoce la obra de Miguel Ángel, de la que toma su "figura serpentinata" y la desarrolla en busca de la máxima gracia y elegancia. Esto es visible en su Virgen con el Niño y Santos (Gallería degli Uffizi) y, sobre todo, en su célebre Madonna del collo lungo, pintada hacia el final de su vida y que quedó inacabada. En esta tela famosa, las líneas alargadas y sinuosas, en busca de la forma pura, rayan en la abstracción. En el fondo del cuadro, una columna, sobre la que resbala la luz, da una imagen concreta del sentido de la forma perfecta que ha dirigido la mano del pintor al trazar el largo cuello de la Virgen, los óvalos perfectos de los rostros y la pierna desnuda del ángel. 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obra comentada

Retrato de Galeazzo Sanvitale

Galería

Descanso de la huida de Egipto, 1524

Retrato de un hombre con un libro, 1524

Femme debout de Jacques Lipchitz

Tras una etapa realista influida por Rodin, su relación con los cubistas le llevó a crear una escultura de formas geometrizantes, arquitectónica y monumental muy expresiva. Esta obra de 1918 muestra la tendencia de Lipchitz por las composiciones angulares y verticales.

(Kunstmuseum, Basilea)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

La escultura transparente de Jacques Lipchitz

Mujer recostada con guitarra de Jacques Lipchitz (Tate Modern, Londres). Realizada en 1928, en esta obra, enormemente representativa, el autor se vale con libertad expresiva del lenguaje cubista, ya en su fase sintética. El personaje se reduce a lo esencial, al perfil y a las superposiciones, tan importantes en su personalidad. Hay, además, de modo indiscutible, una predilección por la escultura de los pueblos primitivos, que el propio escultor confesaba abiertamente.

El lituano Jacques Lipchitz (1891-1973), amigo de Picasso, de Gris y de "Modi", formado en la escuela de Montparnasse, antes de que hiciese carrera en los Estados Unidos como tantos otros emigrados de su mismo medio, asimiló el cubismo a partir de 1913, pero no retuvo de él más que una rigidez geométrica algo exterior. En 1915-1916 confirió esa severidad a ciertas composiciones verticales y angulares, casi abstractas, que necesitan la puntuación de un ojo o el saliente insinuado de la nariz para que aparezcan todavía como cabezas.

Hacia 1925, después de una serie de bajos relieves policromados, influidos por el gusto decorativo a base de instrumentos musicales que entonces estaban de moda, Lipchitz cede al atractivo del arabesco e inicia la invención que nadie le discute: la famosa "escultura transparente". De los volúmenes desgarrados, a través de los que circula el aire, desprende los elementos constitutivos hasta el punto de que casi llega a desaparecer toda cohesión. Su Pareja (1928-1930) es como la compenetración de dos contornos curvados, robustos signos caligráficos que se abrazan en el espacio. El Canto de las vocales (Zurich, 1932), perforado como un enorme bretzel, subraya intencionadamente por su mismo título esta sustitución celebrada por Kahnweiler, de la densidad por la escritura.

A continuación, este escultor se alejará del cubismo a través de la germinación barroca y espesa de sus realizaciones para la arquitectura, como es el caso del Prometeo (1942-1944) que cuelga como un racimo de la fachada del Ministerio de Educación Brasileño (Río de Janeiro).

Mujer recostada con guitarra de Jacques Lipchitz (Tate Modern, Londres). Realizada en 1928, en esta obra, enormemente representativa, el autor se vale con libertad expresiva del lenguaje cubista, ya en su fase sintética. El personaje se reduce a lo esencial, al perfil y a las superposiciones, tan importantes en su personalidad. Hay, además, de modo indiscutible, una predilección por la escultura de los pueblos primitivos, que el propio escultor confesaba abiertamente.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Jacques Lipchitz (1891-1973)

Cubismo

Lipchitz o Lipschitz, Jacques (Druskiéniki, 22 de agosto de 1891 - Capri, 16 de mayo de 1973) Escultor cubista de origen lituano.

Biografía

Jacques Lipchitz nació como Chaim Jacob Lipchitz en Druskininkai, entonces bajo el dominio de la Rusia zarista y hoy Lituania, hijo de un contratista judío. Primero, bajo influencia de su padre, estudió ingeniería, pero poco después, apoyado por su madre, se trasladó a París (1909) para estudiar en la École des Beaux-Arts y la Académie Julian.

Fue allí, en las comunidades artísticas de Montmartre y Montparnasse cuando se unió a un grupo de artistas que incluían a Juan Gris y Pablo Picasso y donde su amigo, Amedeo Modigliani, pintó El escultor Jacques Lipchitz y su mujer Berthe Lipchitz. Entró a formar parte del grupo de artistas cubistas en 1911. En 1912 expuso en el Salón Nacional de las Bellas Artes y el Salon d'Automne siendo su primera exposición individual en la galería L'Effort Moderne, de Léonce Rosenberg en París en 1920. En 1922 la Barnes Foundation en Merion, Pennsilvania le encargó cinco bajorrelieves. En esta primera etapa sus composiciones estaban reducidas a los elementos estructurales.

Hacia 1925 fueron más dinámicas, experimentando con el arabesco y las transparencias. Llamaba esculturas transparentes a experimentos con formas abstractas. Más tarde desarrolló un estilo más dinámico, que aplicó con elocuente efecto a composiciones animales y figuras de bronce.

Con la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial, y la deportación de judíos a los campos de exterminio nazis, Jacques Lipchitz tuvo que huir de Francia. Con la ayuda del periodista estadounidense Varian Fry en Marsella, escapó del régimen nazi y, en 1941, se exilió a Estados Unidos. Allí acabó estableciéndose en Hastings-on-Hudson, Nueva York.

Su trabajo en el exilio frecuentemente adoptó caracteres monumentales y ejecutó obras próximas al Barroco y al Expresionismo.

Fue uno de los 250 escultores que expusieron en la Tercera Internacional de Escultura celebrada en el Museo de Arte de Filadelfia en el verano de 1949. Se le ha identificado en la fotografía de la revista LIFE que mostraba a 70 de ellos. En 1954 una retrospectiva de Lipchitz viajó desde el MoMA en Nueva York hasta el Centro de Arte Walker en Minneapolis y el Museo de Arte de Cleveland. En 1959, su serie de pequeños bronces titulado «To the Limit of the Possible» (Hacia el límite de lo posible) se mostró en Fine Arts Associates en Nueva York.

Lipchitz enseñó a uno de los artistas contemporáneos más famosos, Marcel Mouly.

A partir de 1963 regresó a Europa donde trabajaba varios meses al año en Pietrasanta, Italia. En 1972 se publicó su autobiografía, con ocasión de una exposición de escultura suya en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Jacques Lipchitz murió en Capri, Italia. Su cuerpo fue llevado a enterrar a Jerusalén.

Fuente:  https://es.wikipedia.org/

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Obra comentada

Femme debout

La escultura transparente 

Galería

Desnudo sentado, 1915

Hombre con una guitarra, 1915