Manguin, Henri Charles (París, 23 de marzo de 1874 - 25 de septiembre de 1949) fue un pintor francés, relacionado con los fauvistas.
Manguin entró en la École des Beaux-Arts para estudiar con Gustave Moreau, como hicieron Matisse y Charles Camoin de quien se hizo estrecho amigo. Como ellos, Manguin hizo copias de arte renacentista en el Louvre. Manguin estuvo muy influido por el impresionismo, como puede verse en su uso de tonos pastel brillantes. Se casó en 1899 e hizo numerosos retratos de su esposa, Jeanne, y su familia. En 1902, Manguin celebró su primera exposición en el Salón de los Independientes y en el Salón de Otoño. Muchas de sus pinturas eran de paisajes mediterráneos; estos representaron la cumbre de su carrera como artista fauve. Viajó ampliamente con Albert Marquet a través del sur de Europa. En 1949, Manguin dejó París para establecerse en Saint-Tropez.
Cuadro pintado por uno de los participantes en aquel
Salón de Otono de 1905 que habría de bautizar al movimiento fauve. De ese mismo
año data esta tela, pintada en SaintTropez, donde el artista vivió la mayor
parte de su vida y cuyo paisaje habría de inspirarle vibrantes asociaciones cromáticas
en unas formas elaboradas que reflejan el placer de vivir.
Manfredi, Bartolomeo (Ustiano, 1580 - Roma, 12 de diciembre de 1622). Barroco
Pintor italiano, miembro destacado de los caravagistas (seguidores de Michelangelo Merisi da Caravaggio) de principios del siglo XVII.
Biografía
Manfredi nació en Ustiano, cerca de Cremona. Pudo haber sido un alumno de Caravaggio en Roma - en su famoso juicio por libelo en 1603 Caravaggio mencionó que un tal Bartolomeo, acusado de distribuir poemas injuriosos atacando al detestado rival de Caravaggio Baglione, había sido un criado suyo-. Ciertamente el Bartolomeo Manfredi conocido por la Historia del Arte era un seguidor muy cercano del innovador estilo de Caravaggio, con su marcado claroscuro y su insistencia en el naturalismo, con un talento para narrar la historia a través de la expresión y el lenguaje corporal.
Caravaggio en su breve carrera — fue lanzado a la fama en 1600, exiliado de Roma en 1606, y muerto para el año — tuvo un profundo efecto en la generación más joven de artistas, particularmente en Roma y Nápoles. Y de estos caravagistas (seguidores de Caravaggio), Manfredi parece haber sido el más influyente a la hora de transmitir el legado de su maestro a la siguiente generación, particularmente con pintores de Francia y los Países Bajos que acudieron a Italia. Desafortunadamente, no quedan obras documentadas y firmadas por Manfredi, y varias de las cuarenta obras que hoy se le atribuyen se creyó antes que eran de Caravaggio. La distinción seria entre Caravaggio y Manfredi ha puesto en evidencia que fue más bien Manfredi, y no su maestro, el principal responsable de la popularización de la pintura de género de los bajos fondos entre la segunda generación de caravagistas.
Manfredi fue un artista con éxito, capaz de mantener a su propio criado antes de alcanzar los treinta años de edad, «un hombre de apariencia distinguida y comportamiento refinado», según su biógrafo Giulio Mancini, aunque escasamente sociable. Construyó su carrera alrededor de pinturas de caballete para clientes privados, pero sus obras fueron ampliamente coleccionadas en el siglo XVII, y era considerado el igual de Caravaggio, o incluso superior. Su Marte regañando a Cupido ofrece una tentadora pista sobre un Caravaggio perdido: el maestro prometió una pintura sobre este tema a Mancini, pero otro de los patrones de Caravaggio, el cardenal Francesco María Del Monte, se lo llevó, y Mancini entonces encargó a Manfredi que le pintara otro para él, que se consideró la mejor obra de Manfredi.
Manfredi murió en Roma en 1622. Gerard Seghers (o Segers; 1589-1651) fue uno de sus alumnos.
Man Ray, seudónimo de Emmanuel
Radnitzky (Filadelfia, 27 de agosto de 1890-París, 18 de noviembre de 1976)
fue un artista visual estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en
París (Francia). Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y
surrealista, a pesar de que sus vínculos con cada uno eran informales. Trabajó
en varios medios pero se consideraba a sí mismo sobre todo pintor. Fue conocido
en el mundo artístico sobre todo por su fotografía avant-garde, y también fue
un reconocido fotógrafo de retratos y moda.
Biografía
Nueva York
Durante su larga carrera
artística, procuró que no se conocieran apenas detalles de su vida o familia,
incluso llegando a negar que tuviera otro nombre que no fuera Man Ray.
Nació como Emmanuel Radnitzky en
Filadelfia, Pensilvania el 27 de agosto de 1890 siendo el hijo mayor de un
matrimonio de inmigrantes judíos. Tuvo un hermano y dos hermanas menores y su
padre era sastre. A principios de 1912 la familia cambió el apellido a Ray para
evitar la discriminación y antisemitismo y entonces Emmanuel, familiarmente
llamado 'Manny', cambió también su nombre a Man y comenzó a usar Man Ray como
nombre.
Tanto Man como sus hermanos
ayudaban a su padre en la sastrería desde niños y su madre completaba los
ingresos familiares realizando trabajos de patchwork, colchas hechas de retazos
de tela. Man Ray siempre deseó desvincularse de sus orígenes familiares pero
claramente la técnica y materiales de sastrería están presentes en su obra
desde el principio. Los historiadores del arte notan las similitudes de sus
collages con el patchwork. Mason Klein, conservador del Museo Judío de Nueva York,
sugiere que el artista pudo ser "el primer artista judío de
vanguardia".
Mostró habilidad artística y
técnica desde niño, y mientras iba a la escuela, visitaba frecuentemente museos
locales, donde estudió las obras de los antiguos maestros. Tras graduarse en el
instituto, se le ofreció una beca para estudiar arquitectura, pero la rechazó
decidido a seguir camino como artista. Sus padres quedaron un poco
decepcionados con su decisión, pero le ayudaron a convertir en estudio un par
de habitaciones en la casa familiar. Durante los siguientes cuatro años buscó
trabajo como pintor. En Nueva York trabajó como grabador y en una agencia de
publicidad, a la vez que asistía a las clases nocturnas de la National Academy
of Design. El trabajo superviviente de esta época muestra que seguía el estilo
académico del siglo XIX mientras sus primeros contactos con la vanguardia
neoyorquina se producen en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en
las tertulias de los Arensberg.
En 1914 se casó con Adon Lacroix
(Donna Lecoeur, 1887-1975), una poetisa belga. Se separaron en 1919 y se
divorciaron formalmente en 1937. Su primera exposición individual tiene lugar
en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915, con pinturas de influencia cubista.
Poco después, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, funda el movimiento
dadá neoyorquino.
En 1918 trabajó con aerógrafos
por primera vez sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp,
funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades
de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas,
conferencias, etc.). Pero para Ray, tal experimentación no era rival para las
salvajes y caóticas calles neoyorquinas: "Dadá no puede vivir en Nueva
York. Toda Nueva York es dadá y no tolerará un rival."
París
Así, en 1921 se instala en París,
donde vivirá hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino. Ante la
imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía. Sus primeras
obras experimentales son los Rayographs (rayogramas) de 1921, imágenes
fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos
sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace también retratos, de
hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura.
Cuando el surrealismo se separa
del dadá en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera
exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925.
Realiza esculturas surrealistas
siguiendo el modelo del arte encontrado creado por Marcel Duchamp, como Object
to be Destroyed (Objeto para ser destruido) de 1923; Man Ray añadió a un
metrónomo normal, de 26 cm de altura, la fotografía de un ojo en la aguja.
Nueve años después Man Ray es abandonado por su pareja, Lee Miller, a
consecuencia de lo cual Man Ray sustituyó el ojo de alguien desconocido por el
de su examante, y cambió el título del ready-made por el de Objeto de
destrucción. En 1957, un grupo de estudiantes destruyeron, en efecto, el
metrónomo, pero Man Ray lo reconstruyó en 1963, y lo tituló definitivamente
Objeto indestructible, dándole a la obra un giro conceptual. En el Museo Reina
Sofía se encuentra una reproducción a escala gigante de esta obra conservada en
el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Inspirado por su modelo y amante
parisina Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, toma la fotografía Le
Violon d'Ingres (1924).
En 1929 filma, principalmente en
la Villa Noailles, su cortometraje Les Mystères du Château de Dé.
En los años treinta realiza la
serie de las solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y sigue
pintando en un estilo surrealista; publica varios volúmenes de fotografías y
rayogramas. Hacia finales de los años veinte comienza a realizar películas de
vanguardia, como La estrella de mar (1927). En 1936 su obra está
presente en la exposición 'Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo' del Museo de
Arte Moderno de Nueva York.
Últimos años
En 1940, escapando de la
ocupación nazi de París (1940-1944), se instala en Hollywood y en Nueva York.
Durante su estancia en California se gana la vida enseñando como profesor. En
1946 se casó con Juliette Browner, en una doble boda junto con la de Max Ernst y Dorothea Tanning.
La fértil producción de Ray elude
categorizaciones netas y refleja su ágil y humorística sensibilidad. Entre
pinturas y fotografías hay que incluir películas, objetos, collages, obra
gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda. Como pionero del dadá y del
surrealismo, su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo
incongruente, provocando erotismo y escándalo. «La búsqueda de la libertad y el
placer; eso ocupa todo mi arte», dirá.
Regresó a Francia en 1951. En
1963 publicó su Autobiografía. En 1973, el Metropolitan Museum de Nueva
York le dedica una retrospectiva a su obra fotográfica. Muere el 18 de
noviembre de 1976, en París, a los 86 años. Sus restos descansan en el
Cementerio de Montparnasse.
Inspirado por La Grande Baigneuse de
Jean-Auguste-Dominique Ingres, Ray usó a Kiki de Montparnasse con un turbante
como modelo para esta pieza. Transformó el cuerpo femenino en un instrumento
musical pintando agujeros de sonido en su espalda, jugando con la idea de la
objetivación de un cuerpo animado. A lo largo de su carrera, Man Ray estaba
fascinado con la yuxtaposición de un objeto con un cuerpo femenino.
Las obras de Ingres fueron
admiradas por muchos artistas surrealistas, incluido Ray, por su representación
de figuras femeninas distorsionadas. La conocida pasión de Ingres por el violín
creó el coloquialismo en francés, 'violín de Ingres', que significa un
pasatiempo. Muchos describen a El violín de Ingres como un juego de palabras, representando a su musa, Kiki, como el
"violín de Ingres" de Ray.
Esta imagen es una de las muchas
fotografías de Man Ray que han pasado a tener una rica vida futura en la
cultura.
Pintado el año 1916, en plena ebullición dadá, el autor
mezcla en este cuadro una libertad formal pero encorsetado compositivamente en
un intento figurativo realista, muy influido por la abstracción geométrica del
cubismo tras una desafortunada etapa fauvista. Posteriormente probaría fortuna
con tímidos escarceos en la pintura surrealista que, sin embargo, no superaron
su obra fotográfica.
A partir de una representación de un
maniquí de costurera en su estudio, Man Ray trabajó esta obra de 1919 con
aerógrafo, una técnica que ya había usado tres años antes inspirado por los
dibujos mecánicos empleados en publicidad. El título hace referencia a la forma
de jaula que presenta el vuelo de la falda del maniquí. En el fondo se pueden
apreciar detalles mínimos del atrezzo escenográfico, como la lámpara de
luz, el espejo utilizado como foco reflectante y el respaldo de una silla azul
oculta tras el biombo. Man Ray borraba en esta obra todas las fronteras
existentes entre fotografía y pintura y combinando en su composición elementos
de la escultura, de la arquitectura espacial y de la puesta en escena teatral.
En este collage del año 1917 el autor
enfoca toda la atención en la gran lágrima rojiza junto al margen rizado de la
izquierda. Tras una primera exposición individual de pintura en 1915 en la
galería que regentaba su familia en Nueva York, Man Ray decidió acortarse el
nombre para disimular sus orígenes judíos y dedicarse al ensamblaje por consejo
de su amigo Duchamp, quien le puso en contacto con su círculo artístico
parisino como fotógrafo de creación.
Malévich, Kazimir Severínovich (Kiev, 11-23 de febrerfo de 1878 - Leningrado, 15 de mayo de 1935) Pintor ruso, creador del Suprematismo.
Biografía
Su padre es supervisor en refinerías de azúcar por lo que se ve obligado a viajar constantemente. En Parkhomova, Kazimir completa los cinco años de Escuela de Agricultura; le gusta el campo y aprende por sí mismo a pintar los paisajes y los campesinos que le rodean. En Konotop se dedica exclusivamente a pintar y produce su primera obra. A mediados de los años noventa consigue ser admitido en la Academia de Kiev. En 1886 la familia se traslada a Kursk, donde el padre consigue un trabajo en el ferrocarril. A través de reproducciones, Malevich conoce el trabajo de Shishkin y Repin, ambos pintores naturalistas, pertenecientes a un grupo conocido como Los Itinerantes. Empieza a pensar que su misión como artista es representar la naturaleza lo más objetivamente posible. Entre los empleados del ferrocarril, encuentra algunos aficionados y amantes del arte con los que forma una asociación y un estudio cooperativo. Allí oye hablar de las Escuelas de San Petersburgo y Moscú. Siente la necesidad de formarse académicamente y va a Moscú en 1904. Su trabajo, en esta época, siempre pintura del natural, se hace cada vez más impresionista. Fue un período relativamente largo y estable, en el que su atención se centra en los estudios de paisajes, con composiciones sólidas, a pesar de la fragmentación, "En conjunto, estos trabajos producen una impresión estática y extraña, lo que sería más adelante el contenido típico de Malevich, la expresión de sus ideas esenciales" (Sarabianov).
En Muchacha con flor de 1903 se advierte un acercamiento al estilo de Pierre Bonnard. En esta etapa impresionista, Malevich reinterpreta la descomposición y la saca hacia la superficie de la tela, concentrándose en el plano pictórico, lo cual le posibilita el desarrollo de otros sistemas; de hecho, todos los artistas rusos pasaron por una etapa impresionista cuando ya este movimiento había pasado en Francia, aportándole entonces elementos y hallazgos de las últimas tendencias.
A su llegada a Moscú, visita la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura. En la primavera de 1905 vuelve a Kurks y sigue pintando del natural: su trabajo adquiere una calidad Neoimpresionista. Vuelve a Moscú en Otoño y toma parte en la Batalla de las Barricadas. Su primera exposición tiene lugar en 1907, cuando participa con dos dibujos en la XIV Muestra de la Asociación de Artistas de Moscú; entre los participantes se encuentran Goncharova, Kandinsky y Larionov. En 1907 tiene lugar la exposición Vellocino de Oro, en la que se incluye una importante aportación de arte francés (Bonnard, Braque, Picasso, Cezanne, Derain, Gauguin, Gleizess, Matisse, etc.), que Malevich ve por primera vez.
En 1908, se advierte en su obra un interés creciente por los iconos rusos y el arte popular (Relajación); Bañistas, este mismo año, aporta al estilo impresionista algunos elementos del estilo moderno, y en los autorretratos de finales de la década Malevich evidencia las influencias del Fauvismo y el Expresionismo; sin embargo, es el Neoprimitivismo el estilo moderno que más le influye, un estilo en el que retrata campesinos trabajando en los campos o en las iglesias, con formas densas y sólidas, en actitudes estáticas, casi congeladas, en donde descubre una nueva forma de construir el cuadro sólo a través del volumen. En 1909 se casa con Sofija Rafalovich. En 1910 participa en una serie de exposiciones organizadas por Larionov y Goncharova. En 1911 muestra en el Primer Salón de Moscú tres series de obras (amarillo, blanco y rojo) en las que intenta integrar sus experimentos con el color en un nuevo sistema. En Abril participa en la tercera exposición del grupo de San Petersburgo Unión Joven, junto con Goncharova, Larionov y Tatlin. 1911 es también el año de su época cubista (Retrato de Kliun), de un cubismo ortodoxo cercano al del Braque y Picasso. En 1912 pinta Afilador, donde combina sus método personal con los del Futurismo.
En 1919, Larionov y Goncharova se salen de la asociación Sota de Diamantes, debido a la excesiva atención que se le presta al arte occidental en detrimento de las innovaciones rusas; organizan su propia exposición con varios simpatizantes, la titulan La Cola de Burro y participan, entre otros, Malevich, Tatlin y el recién llegado Marc Chagall. En esta muestra, Malevich presenta un gran grupo de obras neoprimitivistas, con la vida campesina y la naturaleza como tema central. Traba amistad con Mikhail Matiushin, que está tratando de organizar una colaboración entre la Sota de Diamantes y la Unión Joven. A finales de 1912, participa en una exposición internacional donde muestra Mujer con cubos y niño. Participa también en la V exposición de la Unión Joven de San Petersburgo con obras como En el campo y Retrato de Kliun. En diciembre sale a la luz el manifiesto Una bofetada en la cara, de Maiakovski y Khlebnikov, donde afirman el derecho del poeta a crear nuevas palabras utilizando arbitrariamente vocablos, formas y fragmentos; en ese mismo mes diseña los decorados de la ópera Victoria sobre el sol de Matiushin; los figurines contenían muchos de los esquemas compositivos del futuro Suprematismo. También son de 1913 algunas de sus obras cubofuturistas.
En 1914 Marinetti, el creador del manifiesto futurista italiano, visita Moscú; en febrero, Malevich y Morgunov hacen una demostración futurista. En ese mismo año participa con varias obras en el Salón de los Independientes de París. En 1915 participa en el exposición Tranvía V: Primera Exposición Futurista en Petrogrado con Mujer en el tranvía y Caballero en Moscú 1915 es el año del nacimiento del Suprematismo, en un texto escrito por Malevich para presentar su propio trabajo en la segunda exposición futurista, también llamada 0,10; en esta exposición cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado Negro, que supone un giro capital en la evolución de Malevich y de toda la pintura moderna. Publica un pequeño folleto que titula Desde el Cubismo al Suprematismo en Arte, el Nuevo Realismo en Pintura, hacia la absoluta creación, en donde explica el significado de su nuevo trabajo; al año siguiente edita un nuevo folleto titulado Desde el Cubismo y el Futurismo al Suprematismo, El Nuevo realismo pictórico. Con el Suprematismo, Malevich reduce los elementos pictóricos al mínimo extremo (el plano puro, el cuadrado, el circulo y la cruz) y desarrolla un nuevo lenguaje plástico que podría expresar "un sistema completo de construcción del mundo" (Malevich). Se plantea con el Suprematismo, la tarea ingente de recodificar el mundo, "Malevich dominó las condiciones de la existencia humana, de modo que pudo operar con un lenguaje cósmico para afirmar el orden global y las leyes generales del universo". El sistema fue construido en toda su complejidad. Malevich escribió: "Las claves del Suprematismo me están llevando a descubrir cosas fuera del conocimiento. Mis nuevos cuadros no sólo pertenecen al mundo". "Cuadrado Negro no sólo retó a un público que había perdido interés por las innovaciones artísticas, sino que hablaba como una forma nueva de búsqueda de Dios, el símbolo de una nueva religión" (Sarabianov).
En 1916 continúa con sus actividades públicas para dar a conocer la nueva tendencia: con Puni, otro suprematista, da una lectura popular-científica sobre el Cubismo, el Futurismo y el Suprematismo, así como una demostración de como el dibujo del natural es la base del Cubo-Futurismo.
En 1917 es elegido jefe del Departamento de Arte de los Soldados del Soviet delegados en Moscú. En los primeros días de la Revolución de Octubre es nombrado por el consejo supervisor de las colecciones del Kremlin. Sigue exponiendo su obra suprematista con la Sota de Diamantes y se opone a los tradicionalistas, quienes se enfrentan a los artistas de vanguardia que apoyan la revolución. En 1918 es llevado a Petrogrado para dirigir uno de los Estudios de los Talleres Libres del Estado; diseña los decorados para la gran obra de Maiakovski Mystery Bouff, dedicada a la revolución y representada en Petrogrado. En 1919 participa en la Conferencia sobre los Museos, donde se decide establecer los Museos de Cultura Artística, museos solo para el arte de vanguardia; participa en la X Exposición Anual en Moscú con dieciséis obras suprematistas, entre ellas, las serie de cuadros blanco sobre blanco que son contestadas por Rodchenko con la serie de negro sobre negro. En junio termina su largo ensayo teórico Sobre el nuevo sistema de Arte. En septiembre, por sugerencia de El Lissitzky, acude a trabajar a la Escuela de Arte de Vitebsk, donde trata de introducir un nuevo concepto de educación artística, en el que todas las formas del arte se basen en el Suprematismo y se integren en un sistema universal. En diciembre de 1919 tiene lugar la primera retrospectiva de su obra en la XVI Exposición Nacional de Moscú.
En 1920 pone en práctica en una obra sus ideas sobre la colectivización del Arte y la enseñanza en Vitebsk, que titula con el nombre de Unovis; también es el año de finalización del Suprematismo. Algún tiempo antes, Malevich había trasladado el énfasis creativo a la investigación teórica. En 1921 surgen diferencias en torno al método y trata de instaurarlo en Moscú, donde choca con las ideas del Constructivismo. En 1922 completa su texto Suprematismo, el mundo como No-objetividad y participa en una exposición colectiva en Berlín con obras cubistas y suprematistas. La exposición viajará más tarde al Stedelijk Museum de Amsterdam. En 1923 comienza sus investigaciones sobre una arquitectura suprematista en diversos dibujos y apuntes, y es nombrado director del nuevo departamento de investigación del Museo de Cultura Artística. Ese año muere su segunda mujer pero continúa viviendo en su dacha de Nemchinovka, cerca de Moscú. En el verano de 1923 participa en la XIV Bienal de Venecia con un Cuadrado Negro, un Círculo Cuadrado y una Cruz Negra.
En 1925 asume la dirección del departamento de investigación dejado por Tatlin, y realiza modelos en madera de su arquitectura suprematista a los que denomina arkhitektons. Se casa por tercera vez.
En 1926 el departamento del Museo cierra, y él termina su texto Introducción a la teoría del elemento adicional en pintura, que no llegará a publicarse. En 1927 viaja a Polonia y a Berlín; en Abril visita la Bauhaus de Dessau y conoce a Gropius y a Moholy-Nagy, quien se encarga de conseguir publicar en Alemania algunos de sus escritos; a través de la asociación de los arquitectos progresistas de Berlín, realiza una exposición en el Grosse Berliner Kunstausstellung. Planea la idea de rodar una película suprematista con Hans Richter. A su vuelta de Alemania continúa trabajando en el Instituto Estatal para la Historia del Arte en Leningrado. En 1929 los historiadores del Instituto, que no están de acuerdo con sus ideas, se las arreglan para echarle, pero es solicitado para trabajar dos semanas y media por mes en el Instituto de Arte de Kiev. En ese mismo año se organiza una retrospectiva de su obra en la galería Tretiakov de Moscú que viaja después a Kiev y participa en algunas colectivas en Berlín y Viena. En 1930 es detenido e interrogado y algunos amigos queman algunos de sus manuscritos. En 1932 se le concede un laboratorio para experimentar en el Museo del Estado Ruso. Su trabajo es ampliamente representado en la exposición Quince Años de Arte Ruso y su obra vuelve a finales de los años veinte a la figuración (Hombre y Caballo).
En 1935 participa con cinco retratos en la Primera Muestra de Artistas de Leningrado, que será su última exposición en la Unión Soviética hasta 1962. En 1936, sus obras dejadas como regalos durante su viaje a Alemania son seleccionadas por Alfred H. Barr, director del Museo de Arte Moderno de Nueva York, para ser incluidas en Cubismo y Arte Abstracto.
Muere el 15 de Mayo de 1935 y como homenaje a su contribución al Arte, el ayuntamiento de Leningrado costea sus exequias. El Museo del Estado Ruso adquiere entonces muchas de sus obras y concede una pensión a su familia.
Este pintor experto en la obra de Cézanne, Gris y Gauguin rompió todos los esquemas pictóricos conocidos hasta entonces cuando en 1916
publicó su manifiesto sobre el suprematismo. Tras una primera época figurativa
que recuerda las formas de Picasso y Léger, el pintor optaría por centrar su
obra en la configuración esencial de las composiciones, creando tensas
concordancias de ritmos desplegados en el espacio de la tela. Sobre el tema del
cuadrado negro sobre fondo blanco, Malevich realizó innumerables versiones,
eligiendo ésta como estandarte para su entierro.
Malévich escogió icono histórico de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci a la Mona Lisa para desmitificar el valor del arte. En el
centro mismo de la composición, autor ha ocultado la ilustración con un
recuadro blanco, que a su vez a costa de remarca más la ausencia de un punto de
referencia. Malévich consigue con este
subversivo acto reforzar la presencia de aquello que no se ve, el significado
del referente, desplazando a la Mona Lisa a un hipotético segundo plano de
interés. Malévich provocó un gran revuelo con lo que en un principio pretendía
ser una inteligente broma a costa de la semiótica intelectualista del arte
moderno.
