Henry Herbert La Thangue (1859-1929)

 Impresionismo. Realismo.

La Thangue, Henry Herbert (Croydon, Surrey, Londres, 19 de enero de 1859 – Londres, 21 de diciembre de 1929) fue un pintor de paisajes rurales realista inglés asociado con la Escuela Newlyn

Biografía

La Thangue nació en Croydon, Surrey, un suburbio de Londres, y estudió en el Dulwich College, donde conoció a los pintores Stanhope Forbes y Frederick Goodall. Estudió pintura primero en la Lambeth School of Art y luego, desde 1874-1879, en la Royal Academy, Londres, ganando una medalla de oro por su trabajo en 1879. Esto le llevó a una prestigiosa beca durante 3 años en el estudio de Jean- Léon Gérôme en la École des Beaux-Arts de París. Aquí La Thangue quedó bajo la influencia de la escuela de pintores de paisajes al aire libre de Barbizon, como Bastien-Lepage y Dagnan-Bouveret, a pesar del hecho de que su maestro fue muy crítico con el movimiento.

Entre 1881 y 1882 La Thangue pasó algún tiempo pintando en la costa de Bretaña (una de sus obras de este período es The Boat-builder's Yard), luego en Donzère en el valle del Ródano (1883). Se convirtió en miembro del Royal Institute of Oil Painters en 1883. Regresó a Inglaterra en 1886, exponiendo en la Royal Academy, Royal Society of British Artists (RBA), Grosvenor Gallery, New Gallery, Royal Institute of Oil Painters y muchos más. galerías regionales. [3] Se involucró en un intento fallido de reformar la Real Academia, ayudando a encontrar al rivalNuevo English Art Club (NEAC) y exhibiendo su trabajo allí.

A fines de la década de 1880, La Thangue se mudó a South Walsham en Norfolk. Una de sus pinturas de este período, El retorno de los segadores (1886), reflejaba su interés en la fotografía y las representaciones fotorrealistas. A principios de la década de 1890 se estableció en Bosham, en Sussex, donde continuó sus pinturas de género rural a gran escala, algunas de las cuales resultaron ser controvertidas. En 1896 Tate adquirió El hombre de la guadaña. En 1898 fue nombrado Asociado de la Real Academia, convirtiéndose en miembro de pleno derecho en 1912.

La Thangue finalmente hizo su base en Haylands en Graffham, Sussex, aunque también pasó mucho tiempo pintando en Provenza en Francia (después de 1901), Liguria en Italia (1903–11) y las Islas Baleares. Sus paisajes del sur de Europa se mostraron en una exitosa exposición comercial en las Galerías Leicester de Londres, justo antes del estallido de la Primera Guerra Mundial.

Según los informes, en 1929 se vio profundamente afectado por la pérdida de dos de sus pinturas cuando el barco Manuka que las transportaba se hundió en la costa de Nueva Zelanda. En ese mismo año murió en Londres el 21 de diciembre. El 26 de diciembre, las pinturas se recuperaron cerca de Long Point, Nueva Zelanda, en bastante buen estado.

La esposa de La Thangue, Kate, murió el 22 de septiembre de 1940 dejando un legado de 5 de las obras de La Thangue a las colecciones de arte público de Australia: Village Fountain, Provençal Fishing Boats y Plovers on the Marshes a la Robert McDougall Art Gallery en Christchurch, Nueva Zelanda y The Weir y The Wood Gatherers a la Galería de Arte de Australia Occidental, Perth.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Galería

Retrato de una joven, 1880

El barco del constructor, Cancale, Bretaña, 1881

Frantisek Kupka (1871-1957)

Orfismo

Kupka, Frantisek (Opocno, en la Bohemia Oriental, República Checa 22 de septiembre de 1871 – Puteaux, 24 de junio de 1957). Pintor y artista gráfico checo considerado como uno de los pioneros y co-fundador de las primeras etapas del arte abstracto y cubismo órfico (orfismo). Las obras abstractas de Kupka surgieron de una base de realismo, pero más tarde evolucionaron hasta el arte abstracto puro.

Biografía

František Kupka nació en Opočno, Bohemia oriental (hoy República Checa). Desde 1889 hasta 1892, estudió en la Academia de Arte de Praga. En esta época pintó temas históricos y patrióticos. Posteriormente, entró en la Akademie der Bildenden Künste de Viena, Austria, donde se concentró en temas simbólicos y alegóricos. Expuso en el Kunstverein, Viena, en 1894. Su implicación con la teosofía y la filosofía oriental data de este periodo. Para la primavera del año 1896, Kupka se había establecido en París; allí acudió a la Académie Julian brevemente y luego estudió con Jean-Pierre Laurens en la École des Beaux-Arts. Kupka trabajó como ilustrador de libros y carteles, durante estos primeros años en París, siendo conocido por sus dibujos satíricos para periódicos y revistas. En 1906, se estableció en Puteaux, un suburbio de París, y ese mismo año expuso por primera vez en el Salon d’Automne.

Sus primeras obras artísticas muestran una preocupación inusual, a menudo poco realista, por el color y por una distorsión expresiva.

Kupka quedó profundamente impresionado por el primer Manifiesto futurista, publicado en 1909 en Le Figaro. La pintura de Kupka del año 1909 «Teclado de piano / Lago» marcó una ruptura en su estilo representativo; su obra fue haciéndose progresivamente abstracta alrededor de 1910–1911, reflejando sus teorías de movimiento, color, y la relación entre la música y la pintura (orfismo).

Desde 1911 a 1912, al mismo tiempo que el pintor francés Robert Delaunay, Kupka realizó sus primeros trabajos completamente abstractos, como Amorfa: fuga de dos colores (1912, Galería Národní de Praga), que consiste en formas circulares coloreadas y líneas organizadas en una disposición rítmica. En 1911, acudió a reuniones del grupo Puteaux. Al año siguiente, expuso en el Salon des Indépendants en la Sala Cubista, aunque no quería ser identificado con ningún movimiento.

Creación en las Artes Plásticas, libro que Kupka acabó en 1913, fue publicado en Praga en 1923.

Continuó experimentando dentro de la abstracción, y agrupó su obra artística en cinco categorías: círculos, verticales, verticales y diagonales, triángulos y diagonales. En 1931, fue miembro fundador de Abstraction-Création. En 1936, su obra fue incluida en la exposición «Cubism and Abstract Art» (Cubismo y Arte Abstracto) en el MoMA de Nueva York, y en una importante muestra con otro excelente pintor checo, Alfons Mucha, en el Jeu de Paume de París.

Una retrospectiva de su obra tuvo lugar en la Galerie Mánes de Praga en 1946. El mismo año, Kupka participó en el Salon des Réalités Nouvelles, donde siguió exponiendo con regularidad hasta su muerte. Durante los primeros años de la década de los cincuenta, obtuvo reconocimiento general y tuvo varias exposiciones individuales en Nueva York. No obstante, no fue un pintor tan influyente como otros del movimiento abstracto, por lo que no recibió el reconocimiento que se merecía hasta después de su muerte.

Entre 1919 y 1938 Kupka fue apoyado financieramente por su buen amigo, el coleccionista de arte y empresario industrial Jindřich Waldes quien acumuló una significativa colección de su arte. Kupka murió en Puteaux, Francia, el 24 de junio de 1957.

Kupka tenía un fuerte interés en teoría del color; alrededor de 1910 comenzó a desarrollar sus propias ruedas de color, adaptando un formato que previamente habían explorado Sir Isaac Newton y Hermann von Helmholtz. Esta obra a su vez llevó a Kupka a ejecutar una serie de cuadros que llamó «Discos de Newton» (1911-1912). Kupka estaba interesado en liberar los colores de asociaciones descriptivas. Su obra en esta área se cree que influyó a otros artistas como Robert Delaunay.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obras comentadas

Arquitectura filosófica

Superficies verticales III

Galería

El aficionado a los libros, 1897. Impresionismo

El Lotus Soul, 1898. Simbolismo

Arquitectura filosófica de Frantisek Kupka

Aunque antes se le anticipara Kandinsky, la abstracción geométrica de Kupka era menos anárquica y más contundente en la manera de hallar correspondencias entre sonidos musicales y colores, ya fuera por la firmeza de sus barras verticales como por la configuración compositiva de los fondos perpendiculares, que provocan un efecto de armonía y continuidad visual. Asiduo del taller de Jacques Villon, quien definía las proporciones de la pintura en términos matemáticos, se inspiraba en la analogía propuesta por Paul Valéry entre la arquitectura y la notación musical.

(Galería Louis Carré, París)

Fuente: Texto extraído de Historia del Arte. Editorial Salvat

Superficies verticales III de Frantisek Kupka

Simultáneamente a Kandinsky en Munich dos años antes, Kupka fue el primero en exponer en el Salón de Otoño parisino de 1912 una obra totalmente abstracta en su forma y concepción. Creador de un lenguaje muy personal con el que expresaba valores formales universales y esencialistas, basados en barras verticales generalmente superpuestas, rehuía de la necesidad de imitar o copiar una realidad exterior. Por esta misma razón, siempre mantuvo distancias artísticas con el cubismo, que trataba de reconfigurar el mundo externo, aunque estableció relaciones de amistad con artistas del movimiento cubista como los hermanos Villon.

(Narodni Galerie, Praga).

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Alfred Kubin (1877-1959)

Expresionismo. Simbolismo.

Kubin, Alfred (Leitmeritz, 10 de abril de 1877 - Zwickledt, 20 de agosto de 1959) Escritor e ilustrador expresionista austriaco, descendiente de ancestros checos.

Biografía

Kubin nació en Leitmeritz, Bohemia, que entonces era parte del Imperio austrohúngaro. Desde 1892 hasta 1896 estudió fotografía. Entre 1898 y 1901, Kubin estudió en la escuela de arte Schmitt Reutte y en la Academia de Múnich. En 1902 comenzó a colaborar con la revista satírica Simplicissimus. Ese mismo año expone en Berlín y publica su primera recopilación de dibujos el año siguiente. Produjo un pequeño número de pinturas al óleo entre 1902 y 1910 pero pronto comenzaron a predominar en su producción otras técnicas, el dibujo con pluma a tinta china se convirtió en su medio favorito, también realizó acuarelas, y litografías. Viaja, sobre todo a París, y emprende una gran amistad con Franz Kafka.

En 1911 participó junto a sus amigos Paul Klee y Franz Marc en la exposición de Der Blaue Reiter.

Se considera un importante representante del Expresionismo, destacando por sus fantasías oscuras, espectrales y simbólicas (normalmente relacionadas por series temáticas). Se han encontrado influencias, especialmente en sus obras tempranas de artistas como Francisco de Goya, James Ensor y Max Klinger.

Como Oskar Kokoschka y Albert Paris Gütersloh, Kubin compartió el talento para las artes plásticas con el literario. Ilustró obras de Edgar Allan Poe, E.T.A. Hoffmann, Fyodor Dostoevsky, entre otros. Es también autor de numerosos libros, el más conocido de ellos es su novela de 1909 Die Andere Seite (El otro lado, comúnmente traducida como La otra parte), una distopía apocalíptica de atmósfera claustrofóbica y absurda, con reminiscencias de los últimos escritos de Kafka. Esta novela es considerada como una de las obras maestras de la literatura fantástica en lengua alemana; así la han calificado reputados autores, como Hermann Hesse que la sitúa a medio camino entre Meyrink, Poe y Kafka.

Desde 1906 hasta su muerte en 1959, estuvo llevando una vida retirada en un castillo del siglo XII en Zwickledt. Kubin fue galardonado con el premio del Gran Estado Austriaco en 1951, y con la condecoración Austriaca de las Ciencias y las Artes en 1957.

Precursor del expresionismo

Kubin ha sido una influencia determinante en uno de los cineastas más innovadores y representativos del expresionismo: Murnau. Sentía una fascinación por la obra de Kubin y en especial por su utilización irreal de la luz. La magia de muchos de sus grabados y dibujos está de hecho en la iluminación procedente de fuentes de luz imposibles e ilógicas. En una escena del Fausto de Murnau se copia literalmente una de las ilustraciones de la novela de Kubin La otra parte: la casa de la madre de Margarita extrañamente iluminada por la noche. Algo similar sucede en una escena de la calle en Nosferatu, también copia de otra ilustración del mismo libro.

Por su capacidad onírica Kubin ha sido considerado también de gran influencia en los pintores surrealistas, entre otros en Dalí.

El sueño es como un cuadro, pero hay que cuidarse de desmembrarlo de acuerdo a un sistema moral o psicológico para encontrarle una interpretación: es preferible permitirle al espectador que subsista en su genuina pureza simbólica porque la visión visible y creadora es más fuerte y fecunda que su prolijo análisis.

Alfred Kubin.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Galería

Cada noche viene un sueño a visitarnos, 1900

La bruja, 1900

Willem de Kooning (1904-1997)

Expresionismo abstracto. Escuela de Nueva York.

Kooning, Willem de  (Rotterdam, 24 de abril de 1904 - East Hampton, Long Island, 19 de marzo de 1997) Pintor neerlandés, establecido en Estados Unidos desde 1926. 

Biografía

Willem de Kooning estaba considerado como uno de los máximos representantes de la Escuela de Nueva York o Expresionismo Abstracto. Su padre era un próspero negociante en el mercado de distribución de vinos y cervezas; su madre era dueña de un bar. En 1909 los padres se separan y Willem va a vivir con su madre; en 1916 es aprendiz en un negocio de artes decorativas y decoración; es el propietario de dicho negocio quien anima a De Kooning a matricularse en la Academia de Bellas Artes y Técnicas de Rotterdam, donde estudia por un período de ocho años. El rigor de esta larga formación se puede ver en toda su carrera de pintor, en su técnica de dibujo y pintura. Después de una breve estancia en Bélgica, De Kooning se enrola como polizón en el S.S. Shelley y desembarca en el puerto de Virginia el 15 de Agosto de 1926. En 1927 se instala en Manhattan y pronto se hace amigo de otros pintores como John Graham, Arshile Gorky y Stuart Davis, así como del crítico Harold Rosenberg, formando el núcleo del grupo de artistas del Greenwich Village, que experimentaban y adaptaban todo lo que podían aprender del Modernismo europeo. En 1935 realiza un mural, encargo del Federal Art Project, en Brooklyn; más adelante haría también el mural de la Feria Mundial de Nueva York (1939).

Tiene una formación expresionista, aunque elimina del expresionismo los contenidos polémicos; le interesa la separación y el solapamiento de los objetos en el cuadro, así como el espacio que los rodea. En Two Men Standing de 1938, estas preocupaciones son evidentes en la ambiguedad espacial, que añade un elemento inquietante a la figura, estrictamente representada. En 1938 comienza a pintar su famosa serie de mujeres; Seated Woman, de 1940, aporta una creciente intensidad en la expresión y en la ejecución, una característica que será la marca inconfundible de De Kooning durante los años cuarenta y cincuenta, y también de todo el Expresionismo Abstracto.

En 1938 conoce a Elaine Freid, una estudiante de arte, con la que se casa en 1943; hacia 1940 ya pinta extremadamente bien y, a diferencia de Pollock o Gorky, no se produce ninguna ruptura estilística en su obra en los años cuarenta. La obra primera de De Kooning recuerda a la de Gorky por la mezcla de tendencias neoclásicas con elementos geométricos y biomórficos, a caballo entre figuración y abstracción. Los artistas que más le influyen son los europeos, Picasso y Miró sobre todo. En la década de los cuarenta las imágenes se rompen, como en Fire Island (1946) o como en Pink Angels de 1947, donde la figura se desmembra por la acción de las líneas y el color rosa. Sin embargo, la iconografía se mantiene en temas de cierta eroticidad. La culminación de esta etapa es Excavation de 1950, considerada por los críticos como la obra emblemática del Expresionismo Abstracto, pintada tras un período de estudio severo con obras en blanco y negro. Dichas obras son pues abstracciones en blanco y negro, en óleo y esmalte, algunas de las cuales fueron expuestas en su primera exposición individual en la galería Egan, a partir de la cual comienza a construirse una sólida reputación.

Con la vuelta del color viene también la reestructuración de la figura, en las nuevas series Cuadros sobre el tema de la mujer, expuestas en la galería Sidney Janis en 1953; la exposición causó un gran impacto en el ambiente artístico de Nueva York, asegurándole la fama de "leader" de su generación. En estas series, de Kooning representa a la mujer de forma violenta, casi con una fisonomía monstruosa (Woman and Bicycle, 1952-53). También datan de los años cincuenta algunos paisajes urbanos, como Gotham News de 1955 o Door to the River de 1960.

En 1961 consigue la ciudadanía americana y se traslada a vivir a East Hampton, en Long Island, donde todavía reside. A finales de los sesenta su fama se hace internacional y recibe la Presidencia Medal of Freedom (1964), la elección para el Instituto Nacional de Artes y Letras (1975) y el título de Oficial de la Orden de Orange y Nassau (1979). Entre 1964 y 1974 realiza numerosas esculturas, que se unen a su prolífica carrera como pintor y dibujante.

"De Kooning, quintaesencialmente urbano, fue el artista de vanguardia más influyente de los años cincuenta. Su trabajo interesaba a sus colegas porque estaba enraizado en la tradición , con referencias a la anatomía humana, al dibujo cubista, a los dibujos de Rembrandt y Rubens, al graffiti. También parecía estar basado en lo que Kandinsky llamó necesidad interna. Más aún, parecía existencial, las imágenes con una pictoricidad improvisada que parecían sacadas de una lucha ansiosa de creatividad y por tanto representaban el auténtico ser del artista, en un tiempo en que la filosofía existencial estaba de moda..." (Irving Sandler).

Fuente: http://www.mcnbiografias.com/

Obras comentadas

Gaceta de Policía

Mujer II

Galería

Estudio para Williamsburg, 1935

Dos hombres de pie, 1938

Mujer II de Willem de Kooning

El autor llegó de Países Bajos a Estados unidos en 1926 y se convirtió en una figura clave del expresionismo abstracto. Su serie Mujeres, que fue pintada en 1952, se encuentra entre sus mejores aportaciones y representa el paso a la abstracción total. De colores violentos y con un grueso empaste, la referencia al mundo real indica que no se ha llegado aún a la abstracción completa.

(Museum of Modern Art, Nueva York)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Gaceta de Policía de Willem de Kooning

Pintado en 1955, en esta obra encontramos los puntos que conforman su arte: fuerza expresiva, una relación directa entre las formas, los fondos y las figuras, y en el período que va de los años 1940 a 1955, una realización agresiva donde el pincel dejaba salpicaduras de color, evolucionando a un estil más abstracto. Fue uno de los autores más característico de la Action Panting, con gran influencia en la segunda generación de artistas expresionistas abstractos.

(Colección particular)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Oskar Kokoschka (1886-1980)

Expresionismo

Kokoschka, Oskar (Pöchlarn, Austria, 1 de marzo de 1886 - Montreux , 22 de febrero de 1980) Pintor, dibujante y escritor austríaco, uno de los principales exponentes del movimiento expresionista. En 1905 obtuvo una beca para la Escuela de Artes  Aplicadas de Viena, pero en esta escuela se daba una especial importancia a las artes decorativas -dibujo, litografía, encuadernación y otros oficios-, mientras que el interés primordial del joven Kokoschka era la figura humana. A partir de 1908, y gracias a la protección del arquitecto Adolf Loas. Kokoschka pudo empezar a desarrollar una obra personal. Pintó paisajes partiendo de la técnica impresionista, pero siempre con una voluntad de expresar la emoción del observador ante el motivo, e hizo estudios de retrato que denotan un profundo análisis psicológico.

Se inició también como autor teatral en una serie de obras cargadas de virulencia y de erotismo, que expresan su preocupación ante la crisis moral de la vida moderna. El escándalo provocado por los conflictos sexuales descritos en sus piezas de teatro le obligó a dimitir de su puesto de profesor en la Escuela de Artes Aplicadas. En 1911 inició una relación tormentosa con Alma Mahler, la viuda del compositor Gustav Mahler, que describió en La tempestad (1914), obra que denota su influencia freudiana. Son de esta época, también, los retratos de actores y escritores, en colores sombríos, a veces irisados de azul o rojo, pero siempre con un matiz de visión irreal. Durante la I Guerra Mundial fue gravemente herido y hubo de ser hospitalizado en Dresde.

Decepcionado ante el derrotero que había tomado la Revolución bolchevique en Rusia, abandonó las preocupaciones políticas y humanitarias de su juventud. En 1924 inició una etapa de grandes viajes y dejó el retrato por los cuadros de ciudades.

A su regreso a Viena, en 1931, se declaró contrario al nazismo; en 1934 se trasladó a Praga, donde realizó el retrato del filósofo Tomas Masaryk. En 1938, tras la anexión de Austria a la Alemania nazi, se trasladó a Londres; allí realizó una serie de cuadros de contenido abiertamente antifascista. Su fama como pintor no se consolidó hasta después de la 11 Guerra Mundial. Continuó pintando retratos y paisajes y, en 1950, realizó su primera gran composición mitológica, los tres cuadros de La saga de Prometeo. Tras su traslado a Suiza, en 1953, continuó con sus cuadros de contenido político. La pintura del último período es más aposentada y monumental.

Oskar Kokoschka y los últimos años del expresionismo en Austria

Autorretrato (Von der Heydt Museum, Wupper-

tal), pintado en 1917 por Oskar Kokoschka, 

uno de los expresionistas que exploró más pro-

fundamente las pasiones humanas a lo largo de

su vasta obra. Los colores violentos, los rasgos

que rayan en la caricatura se ponen siempre al 

servicio de una obra figurativa, que nunca sintió

tentaciones de pasar a la abstracción ni de aden-

trarse por distintos caminos. 

Austria seguía la evolución alemana con retraso. Y la lenta descomposición del imperio de los Habsburgo no aparecía el principio de una sociedad nueva. Esta es quizá la razón profunda del carácter angustiado de la pintura y de las ideas anarquizantes de Oskar Kokoschka. Cuando vio obras de Van Gogh, en 1906, empezó a pintar en Viena una serie de retratos en los que se refleja el desequilibrio emocional e intelectual del artista. Paralelamente a la investigación de Freud, que tenía lugar precisamente en Viena y en aquellos años, Kokoschka plasmaba en la tela símbolos psicológicos o psicoanalíticos que trataban de reconstruir un mundo sereno por encima de la disgregación. En 1909 se estrenaron dos piezas de teatro suyas: la comedia satírica Sphinx und Strohmann ("La esfinge y el espantapájaros") y Morder, Hoffnung der Frauen ("Asesinato, esperanza de mujeres"), un drama salvaje que produjo un escándalo tal que Kokoschka se vio obligado a marchar de Viena.

Oskar Kokoschka, nacido a orillas del Danubio en 1886, fue un visionario que, con la fusión de los colores (grises y azules simbólicos, con manchas de rojo y amarillo), soñaba con los ojos abiertos en vez de cerrarlos para fantasear. El mismo lo formuló así en una conferencia suya de 1912: "Todas las cosas se liberaron de sí mismas inmediatamente, desde el momento que se ofrecieron a mi mirada. Entonces me convierto en una visión, que se presenta sin la mediación del sueño".

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Galería

Ejemplo para 'Die Träumenden Knaben', 1908. 
 Arte Naïf

Chica con las manos levantadas, 1908

Diseño del cartel para el Jubileo,
procesión del Kaiser, 1908

Los muchachos soñando, 1908. Arte Naïf

Retrato de Comercio Consejero Ebenstein, 1908

Robinson, 1908. Arte Naïf

Adolf Loos, 1909

Hans Tietze y Erica Tietze-Conrat, 1909

Los niños jugando, 1909

Ludwing von Ritter Janikowsky, 1909

Martha Hirsch, 1909

Niño con las manos de uno
de los padres, 1909

Retrato de Lotte Franzos, 1909

Velo de Verónica, 1909

Bessie Bruce, 1910

Conte Verona, 1910

Paul Scheebart, 1910

Egon Wellesz, 1911

El anuncio, 1911

Alma Mahler, 1912

Crucifixión (Gólgota), 1912

Desnudos dobles:
dos mujeres, 1912

Autorretrato con un pincel
hacia arriba, 1913

Autorretrato, 1913

Franz Hauer, 1913

Retrato de una chica joven, 1913

Albert Ehrenstein, 1914

Bodegón con affair y conejo, 1914

La novia del viento, 1914

Emil Lowenbach, 1914

Retrato del compositor
Anton von Webern, 1914

Caballero andante (Autorretrato), 1915

Princesa Matilde Lichnowsky, 1916

Amantes con el gato, 1917

Autorretrato, 1917

El despertar, 1917. Arte Naïf

El traviesas de 1917. Arte Naïf

La isla lejana, 1917. Arte Naïf

Mujer durmiendo, 1917. Arte Naïf

Orfeus y Euridice, 1917

Parejas conversando, 1917. Arte Naïf

Autorretrato con la mano en la cara, 1919

Dresden Neustadt, 1919

Autorretrato con muñeca, 1921

El Elba cerca de Dresden, c.1921

Madre e hijo, 1921

Dos niños, 1922

El Elba en Dresde, 1922

Augusto Puente - Dresde, 1923

Autorretrato con los brazos cruzados, 1923

Arnonld Schönberg, 1924

Venecia - Barcos en la Dogana, 1924

Amsterdam, 1925

Adele Astaire, 1926

Lyon, 1927

El Morabito de Temacina, 1928

La mujer árabe y el niño, 1929

Vista de Constantinopla, 1929

Puente de Carlos, 1934

Vista de Praga, 1934

Autorretrato de 'artista degenerado', 1937

Polperro II, 1939

El huevo rojo, 1940 - 1941

Anschluß - Alicia en el país de las maravillas, 1942

Loreley, 1941 - 1942

Autorretrato (Fiesole), 1948

Cardenal Della Costa, 1948

Venice Dogana, 1948

El amante rechazado, 1966

Bodegón con un cordero sacrificado

Dent du Midi

Dos desnudos (amantes)

El poder de la música

El velero. Arte Naïf

Gitta Wallerstein

La caza

Los paganos

Muelles de Estocolmo

OK en caballete

Paisaje dolomita. Tre Croci

Piedad

Retrato de Carl Moll

Una chica con flores