Baade, Knud (Skjolden, Noruega, 28 de marzo de 1808 - Munich, Alemania, 24 de noviembre de 1879) fue un pintor noruego, principalmente de retratos y paisajes. Fue particularmente conocido por sus pinturas a la luz de la luna que se caracterizan por fuertes y dramáticos contrastes entre luces y sombras.
Biografía
Knud Andreassen Baade nació en Skjold, un antiguo municipio ahora en Vindafjord en el condado de Rogaland, Noruega. Cuando aún era niño, se mudó a Bergen con su familia. Comenzó su educación artística a la edad de quince años, bajo el pintor danés-sueco, Carl Peter Lehmann (1794-1876). En 1827 fue a Copenhague, donde estudió en la Academia durante unos tres años, hasta que las dificultades financieras lo obligaron a mudarse a Christiania (ahora Oslo) y dedicarse a la pintura de retratos. Sin embargo, cuando su padre se convirtió en magistrado en Sogn, siguió a su familia a la parroquia de Solvorn en Luster.. Las montañas, los fiordos y las bahías rocosas ofrecían amplios temas para su trabajo. También viajó hacia el norte a Trondheim y hasta el norte de Bodø en busca de material para sus fotos.
En 1836 fue persuadido por el conocido pintor paisajista, Dahl, de ir a Dresde, donde estudió durante tres años. Allí conoció a Caspar David Friedrich y fue fuertemente influenciado por él. Regresó a Noruega en 1839 debido a una enfermedad en sus ojos. En 1846 se mudó a Múnich, donde pronto se ganó la reputación de pintor paisajista, produciendo vistas de su país natal y las escenas alrededor de sus costas, en su mayoría representadas con efectos de luz de luna. Aunque no era válido, trabajó en Munich continuamente hasta su muerte allí en 1879.
Baade fue pintor de la Corte de Suecia y miembro de la Academia de las Artes de Estocolmo. Pintó algunos buenos retratos, especialmente en los años más jóvenes, incluidos los retratos de sus padres (1836). Además de varios viajes a Sogn y Hardanger, Baade viajó mucho en Alemania. También pintó escenas de paisajes de Baviera, Sajonia, Tirol y Suiza. Está representado en el Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño con 52 pinturas.
Facchina, Giandomenico (Sequals ,
Friuli-Venecia Julia, 13 de octubre de 1826 – París, 26 de abril de 1903 ) fue
un mosaiquista italiano del siglo XIX que realizó gran parte de su trabajo en
Francia.
Biografía
Giandomenico Facchina nació en
1826 en Sequals, hoy en la provincia de Pordenone en la región de Friuli
Venezia Giulia, en ese momento parte del reino lombardo-veneciano. Fue
entrenado en Trieste y Venecia. Primero trabajó en la restauración de mosaicos
antiguos, incluida la Basílica de San Marcos en Venecia. En la década de 1850
viajó a Francia, primero a Montpellier, donde fue llamado a trabajar en la
restauración de pisos antiguos.
Presentó una patente para un
método de extracción de pavimentos de mosaicos antiguos en el Instituto
Nacional de Propiedad Industrial en 1858, reutilizando una técnica ya
practicada por expertos en mosaicos venecianos. También utilizó un derivado de
esta técnica, que permite hacer un mosaico prefabricado en el taller,
facilitando la producción del mosaico. En esta técnica, los mosaicos se
premontan y pegan sobre un cartón flexible; La pared para sostener el mosaico
se cubre con mortero fresco y mosaico instalado a la vez, lo que reduce el
tiempo de trabajo en el sitio y permite una reducción considerable de los
costos de producción. Esta técnica se utilizó con mucho éxito en la Exposición
Universal (1855) en París y se extendió rápidamente. Le permitió a Facchina
obtener muchos pedidos. En París, decoró, entre otros, el nuevoÓpera construida
por Charles Garnier.
Hasta su muerte en 1903,
Giandomenico Facchina dividió su tiempo entre sus estudios en Venecia y París.
Earl, Ralph (Worcester County, Massachusetts, 11 de mayo de 1751 - Bolton, Connecticut, 16 de agosto de 1801) fue un pintor estadounidense activo durante la segunda mitad del siglo XVIII.
Biografía
Fue, en gran medida, un pintor autodidacta, que representa el llamado estilo colonial de finales de siglo. En 1778, tras el estallido de la Guerra de la Independencia de Estados Unidos, y pese a ser hijo de un alto oficial de las fuerzas revolucionarias americanas, considerándose leal a la Corona británica, emigra a Inglaterra, estableciéndose como un reputado pintor; en 1783, fue nombrado miembro de la Royal Academy de Londres. Hasta 1785, reside en Londres, frecuenta el estudio de Benjamin West, y realiza retratos de grandes dimensiones de afamados personajes de la vida pública londinense. Su técnica se afina al contacto con los grandes maestros de la tradición europea. Su paleta se vuelve más clara, los contornos se vuelven más difuminados y aparecen amplios fondos, siguiendo la manera imperante en la Inglaterra coetánea. En 1785, retorna a los independientes Estados Unidos, donde prosigue su carrera, centrado fundamental, aunque no exclusivamente en el retrato, donde recupera su sencillo estilo colonial, manteniendo un tono de serena elegancia, que será influyente en muchos artistas estadounidenses posteriores.
Dacosta, António Jr. GCM ( Angra
do Heroísmo, el 3 de noviembre de 1914 - París, El 2 de diciembre de 1990 ),
más conocido por António Dacosta, fue un pintor, poeta y crítico de arte
portugués.
Su obra pictórica consta de dos
fases distintas. Entre 1939 y 1948 trabaja esencialmente dentro de un lenguaje
surrealista, afirmando como una figura de referencia del movimiento en
Portugal. Esta fase termina con pinturas hechas en París, donde se instaló a
partir de 1947, en las que se acerca a la abstracción. Sigue un paréntesis de
treinta años en el que interrumpe casi por completo su práctica artística,
dedicándose a la crítica de arte.
Reanudó la pintura de manera
consistente solo a fines de la década de 1970. Desde entonces, y hasta la fecha
de su muerte, llevará a cabo una serie de obras diversas, idénticamente
notables, "cuya intimidad y poesía son únicas en la pintura portuguesa
contemporánea". Su presencia doblemente prestigiosa, debido al pasado
y la nueva visibilidad que adquirió en la década de 1980, sería notable en la
sensibilidad pictórica de esos años en Portugal.
Biografía
António Dacosta nació en la
parroquia de Santa Luzia, ciudad de Angra do Heroísmo, en 1914. Se fue a Lisboa
en 1935 para estudiar en la Escuela de Bellas Artes, integrándose rápidamente
en los circuitos intelectuales de la capital. Expone por primera vez en 1940 en
Casa Repe (Lisboa), junto con otra figura pionera del surrealismo portugués,
António Pedro, en una exposición que marca la entrada formal del surrealismo en
Portugal.
En 1942 ganó el premio
Souza-Cardoso en la Exposición de Arte Moderno SPN; Al año siguiente publicó
sus primeras crónicas sobre arte, en el Diário Popular. En 1944, su estudio y
gran parte de su trabajo fueron destruidos por el fuego. Se fue a París tres
años después, como becario del gobierno francés, estableciéndose en esa ciudad
de forma permanente; a partir de entonces regresará a Portugal solo
esporádicamente. En 1949 participa en la Exposición colectiva surrealista de
Lisboa.con obras donde se acerca la abstracción, pero en ese mismo año
interrumpe la práctica artística. Durante unos 30 años, su conexión con la
pintura sobrevive principalmente a través de la escritura sobre arte,
colaborando regularmente en el periódico brasileño O Estado de S. Paulo.
Los primeros signos de su fase
final datan de mediados de la década de 1970 (véase, por ejemplo, Paisagem
da Terceira, Amanhecer, 1975). En 1978, algunas de las obras más
significativas de su época surrealista, que en ese momento ya no le
pertenecían, se presentan en Londres en la exposición Arte portugués desde 1910,
que visita con Júlio Pomar. Redescubrir sus obras iniciales puede haber
acentuado su deseo de volver a la práctica artística, lo que lo llevó a
reanudar gradualmente la pintura. La actividad se intensificó en los primeros
años de la década siguiente. Exhibirá estas nuevas obras por primera vez en
1983 (Galería 111, Lisboa). En 1984 recibió el premio AICALisboa. En 1988, su
trabajo se presenta ampliamente en el Centro de Arte Moderno José de Azeredo
Perdigão, en Lisboa, y en la Casa de Serralves, Oporto.
El 4 de febrero de 1989 fue
galardonado con la Gran Cruz de la Orden del Mérito
Baber, Alice (Charleston,
Illinois, 22 de agosto de 1928 - Nueva York, 2 de octubre de 1982) fue una pintora
expresionista abstracta estadounidense que trabajó en óleo y acuarela. Fue
educada en los Estados Unidos y en las décadas de 1950 y 1960 estudió y vivió
en París. Ella también viajó alrededor del mundo. Baber, una feminista activa, organizó
exhibiciones del trabajo de mujeres artistas.
Biografía
Baber nació en Charleston,
Illinois . Creció en Kansas, Illinois y Miami , Florida . Su familia viajó al
sur de Florida durante los inviernos por sugerencia de un médico debido a la
mala salud de Alice, comenzando alrededor de los dos años. Siempre estuvo interesada
en convertirse en artista desde una edad temprana. Baber recuerda que alrededor
de los cinco años decidió que sería "poeta o pintora". A los ocho
años, estudió formalmente dibujo y a los doce años se volvió "tan avanzada
que se inscribió en una clase de nivel universitario".
Cuando estalló la Segunda Guerra
Mundial, terminaron los viajes anuales de Florida; alrededor de ese tiempo,
Baber estaba en su adolescencia. Baber recuerda viajar a Florida y quedarse en
una tienda de campaña: "eso tuvo un cierto tipo de romance. Y luego
siempre me sentí un poco como un nómada".
Baber eligió estudiar arte cuando
asistió al Lindenwood College for Women en Missouri , donde pasó dos años antes
de trasladarse a la Universidad de Indiana . En la Universidad de Indiana,
estudió con el expresionista figurativo, Alton Pickens. Recibió su Maestría en
Artes en 1951 y luego comenzó a viajar por Europa. Estudió brevemente en la
École des Beaux-Arts y vivió en París a finales de los años cincuenta y
sesenta. Durante sus viajes por Europa, se ganó la vida con su escritura y fue
la editora de arte de McCall .
Baber comenzó su carrera
trabajando principalmente en aceites, pero comenzó a experimentar con pinturas
de acuarela en la década de 1950. [4] Su experimentación con la acuarela inició
un cambio de estilo para Baber al pasar de pintar bodegones a crear obras más
abstractas. [4] Sus trabajos abstractos se centran en el color y la forma con
formas como que el círculo es un motivo común. Baber era conocida por su uso de
la luz y el color en varias exposiciones dedicadas a estos temas. [5]
En 1958, Baber tuvo su primera
exposición individual en Nueva York en March Gallery, de la que fue miembro. En
ese mismo año, también se le otorgó una residencia de estudio en Yaddo Art
Colony . Durante este tiempo, comenzó a desarrollar sus exploraciones únicas de
color que se derivan de la "gama infinita de posibilidades" para
explorar el color y la luz dentro de la forma del círculo. Ella le dijo a Brian
Jones que estaba buscando una "forma de hacer que la luz se moviera a
través de todo el asunto" en la Batalla de las Naranjas . Esta
inspiración creativa se convirtió en fundamental para su enfoque artístico.
En 1959, mostró pinturas en toda
Europa, incluida la primera "Bienal de Jeune" del Centro Cultural
Americano en París , Francia. Su vida temprana como "nómada" puede
haberla influenciado de alguna manera: comenzó a dividir sus años viviendo en
Francia durante seis meses cada año durante un período de tiempo.
En 1975, Baber comisaría la
exposición "Color, luz e imagen". Una exposición internacional de 125
mujeres artistas en celebración del Año Internacional de la Mujer de las
Naciones Unidas. El espectáculo se llevó a cabo en el Women's Interart Center
en la ciudad de Nueva York.
De 1976 a 1978, Baber viajó a 13
países latinoamericanos con el Departamento de Estado de los Estados Unidos,
exhibiendo su trabajo y dando conferencias sobre arte. En 1979, Baber fue artista residente en el
taller de impresión del Instituto Tamarindo .
La Biblioteca de Arte Alice Baber
Memorial en East Hampton, Nueva York y la Colección de Arte Moderno Baber
Midwest del Gran Museo de Arte de Lafayette en Indiana son nombradas en su
honor. Numerosos museos de todo el mundo y las principales galerías de los
Estados Unidos poseen sus obras, incluidos el Guggenheim , Whitney , Metropolitan
, el Museo de Arte Moderno y el Museo de Arte de Georgia . También es ampliamente recogida por
colecciones privadas, corporativas y universitarias.] Su arte refleja, pero
desafía "diversas tendencias estilísticas" y está "imbuido de
movimientos ondulantes, sensuales y ... colores puros y translúcidos".
En 1964, se casó con el pintor
Paul Jenkins . El matrimonio fue una época de "crecimiento artístico"
para ambos. Juntos, ese mismo año, viajaron a Japón y recolectaron una gran
cantidad de arte asiático. Posteriormente se divorciaron en 1970.
Aunque en su vida posterior
experimentó un gran "dolor y debilidad" por el cáncer, continuó
pintando. Baber murió de cáncer en 1982.
Movimiento que surgió en el
primer cuarto del s. XIX, en el ámbito de las nuevas ideologías románticas,
representado en pintura por la escuela nazarena (V NAZARENOS). Se llama también
así a la reacción anticubista promovida por Amédée Ozenfant y Le Corbusier.
El purismo de Ozenfant y Le
Corbusier fue teorizado en las revistas L'Élan (1915) y L'Esprit
Nouveau (1920-25). El manifiesto purista fue publicado en 1918 con el
título Après le cubisme. Los puristas pretendían desterrar del arte las
cualidades decorativas y toda fantasía y preciosismo, representando los objetos
en su simplicidad arquitectónica.
Fuente: Historia del Arte. Editorial
Salvat. Artistas del Purismo
El desembarco de los españoles y la cruz plantada en tierras nuevas, 1922-1923 de Ramón Alva de la Canal
Pintura realizada directamente
sobre la superficie de una pared, ya sea al fresco, a secco, a la encáustica,
al temple o sobre una tabla o tela montada encima del muro, como elemento
permanente de decoración interior. La forma más antigua fue la realizada sobre
las paredes de las cavernas prehistóricas (Aitamira, Lascaux). Por su función
estética, estas pinturas pueden clasificarse en dos grupos, según subrayen el
muro o lo perforen idealmente. Pertenecen al primer grupo (cuya función es
acentuar la arquitectura) las pinturas de las civilizaciones egipcia (tumbas de
Menna y Nakhat), minoica y micénica (frescos del Palacio de Cnossos), etrusca
(frescos de Tarquinia), romana antigua (estilo pompeyano I); todas ellas
corresponden a una pintura plana, sin noción aún de perspectiva. Pero en los
frescos del Pompeya III (tras la transición del Pompeya II) hay el primer
intento histórico de atravesar el muro para crear un ilusionismo
arquitectónico. Sin embargo, el románico prosiguió la tradición de la pintura
plana, subsidiaria de la arquitectura (Tahúll, Saint-Savin), que a su vez
recogieron los murales góticos. Con Piero Della Francesca la pintura mural
tiende de nuevo hacia el ilusionismo del Pompeya III, que pasará al Renacimiento
(Mantegna y sus cúpulas de cielo imaginario) y al barroco (escuela de Bolonia).
El s. XX reniega de la pintura mural que crea la ilusión de dar dimensión
espacial al muro y la convierte definitivamente en arte en función de la
arquitectura (capilla de Vence, Francia, de Matisse; Lincoln Center, en Nueva
York, de Chagall; Palacio de Justicia de México, de Orozco).
Fuente: Historia del Arte. Editorial
Salvat. Artistas muralistas
La Organización del Movimiento Agrario, 1926 de Diego Rivera
Realismo social es una expresión
utilizada a una corriente con el propósito de expandir y hacer énfasis a
problemas sociales, los escritores realistas usaban las problemáticas de la
sociedad para realizar sus novelas, designando muy diferentes conceptos en la
historia del arte y de la literatura, mediante la asociación de los términos
"realismo" y "social", especialmente la denominada "cuestión
social" (la situación de los más desfavorecidos).
Doctrina de la plástica pura, derivada del cubismo, que se caracteriza por adoptar como forma básica el rectángulo y como colores, los primarios, azul, rojo y amarillo.
Contador composición XIII de Theo van Doesburg
El movimiento neoplástico, activo entre 1917 y 1931, surgió en los Países bajos de la colaboración de tres pintores; Piet Mondrian, Theo van Doesburg y el arquitecto Gerrit Rietveld. El primer manifiesto del grupo fue publicado en la revista De Stjil en 1918. Sus principios eran la preeminencia cósmica del rectángulo como forma básica que resulta de la vertical y la horizontal –“los dos extremos absolutos fundamentales que conforman nuestro planeta: la línea de fuerza horizontal, es decir la trayectoria de la Tierra alrededor del Sol, y el movimiento vertical de los rayos que tiene su origen en el centro del Sol”- y la reducción a los colores primarios, amarillo, azul y rojo. En 1925 Piet Mondrian rompió con el grupo a causa de las modificaciones introducidas por Theo van Doesburg, que defendía la necesidad de aceptar también las diagonales entre los elementos básicos de la composición pictórica. Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat. Artistas del Neoplasticismo
Nombre dado por Kazimir Malevic, hacia 1913, a una tendencia del cubismo cuyos elementos formales son el rectángulo, la cruz, el círculo y el triángulo. La bases doctrinales se formularon públicamente a través de un manifiesto (Del cubismo al suprematismo. San Petesburgo, 1915), en el que colaboró Vladimir Maiakovski. En él se defendía la pura abstracción geométrica como forma idónea para expresar los sentimientos, prescindiendo de la apariencia de los objetos. En un principio la pintura suprematista se limitó a forma geométricas simples y a los colores rojo, negro, blanco, azul y verde. El experimento culminó con el Cuadrado blanco sobre blanco, de Malevic, expuesto en Moscú en 1918, donde se había eliminado el color. El movimiento tuvo pocos seguidores en Rusia, donde a partir de 1920 dominaron las tendencias realistas, pero ejerció una gran influencia en los Países Bajos y en la Bauhaus alemana a través de Wassily Kandinsky y El Lissitzky.
Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat. Artistas de Suprematismo
Tendencia pictórica creada en
1911 por Larionov en Moscú. Puede considerarse la primera expresión de un arte
radicalmente abstracto: mediante paralelismo y oposición de líneas de color (a
modo de rayos) el rayonismo intenta dar una sensación de cuarta dimensión.
Fuente: Historia del Arte.
Editorial Salvat Artistas del Rayonismo
