Martín Malharro (1865-1911)

 

Impresionismo

Malharro, Martín (Azul, 25 de agosto de 1865 – Buenos Aires, 17 de agosto de 1911) Fue un ilustrador y pintor argentino. Conocido por sus paisajes, fue uno de los primeros artistas en introducir el impresionismo en Argentina a principios del siglo XX después de una estadía en Francia.

Biografía

Dejó su casa familiar para la ciudad de Buenos Aires en 1879. Con dificultades económicas, en 1885 conoció al editor Roberto Payró quien le ofreció trabajo como ilustrador, del diario La Nación y lo animó a tomar clases en la Asociación Estímulo de Bellas Artes, donde recibió lecciones del pintor realista ítalo-argentino Francisco Romero y luego de los artistas locales Ángel Della Valle y Reynaldo Giudici. En 1887 fue invitado a quedarse en la estancia de José María Ramos Mejía en la provincia de Córdoba, donde trabajó como paisajista.

En 1892, durante un viaje a la provincia de Tierra del Fuego, conoció al litógrafo Antonio Bosco quien le enseñó su oficio. En 1894 recibió una mención de honor durante el salón organizado en el Ateneo, lo que le permitió viajar al año siguiente a París, donde trabó amistad con el escultor Rogelio Yrurtia. En el lugar, observó las obras de muchos pintores, como Camille Pissarro, Claude Monet o Pierre-Auguste Renoir, y descubrió más ampliamente el trabajo de los pintores de la escuela de Barbizon y el impresionismo. Viaja por la capital francesa para acercarse a la naturaleza, entre los que destaca el cuadro El Arado en la ciudad de Auvers-sur-Oise, hoy famosa por haber acogido a muchos pintores, entre ellos Vincent Van Gogh y Charles-François Daubigny.

De regreso a Buenos Aires en 1901, instaló su estudio en el barrio de Belgrano y al año siguiente organizó una exposición en la galería Witcomb del fotógrafo británico Alexander Witcomb . El público argentino descubrió entonces el impresionismo. A pesar de la respuesta mixta de la crítica del público, a veces entusiasta o mordaz, estas escenas nocturnas fueron especialmente elogiadas por la crítica y el presidente argentino Julio Argentino Roca le compró el cuadro La Argentina. Con los pintores Fernando Fader y Cesáreo Bernaldo de Quirós, fundó el grupo Nexus en la década de 1900 y evolucionó hacia el posimpresionismo.. Su nueva fama le permitió obtener una cátedra en la Universidad Nacional de La Plata y en la Academia Nacional de Bellas Artes de la ciudad. Con el grupo Nexus, incluyendo nuevos miembros como el pintor Pío Collivadino, participó en una segunda exposición en la Galería Witcomb en 1908. Murió prematuramente en su ciudad adoptiva en 1911 a la edad de 46 años. Durante su carrera, impulsó o en particular para sus alumnos a los pintores Walter de Navazio, Carlos Giambiagi), Alfredo Guttero y Ramón Silva.

Estas obras son especialmente visibles o conservadas en la Colección de Arte Fortabat, en el Museo Casa de Rogelio Yrurtia y en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y en el Museo de Bellas Artes Juan B. Castagnino en Rosario.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

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Parmigianino (1503-1540)

 

Renacimiento. Cinquecento. Manierismo.

Parmigianino, Francesco Mazzola, llamado il (Parma, 11 de enero de 1503- Casalmaggiore, 24 de agosto de 1540) Pintor italiano. 

Ejerció gran influencia en las escuelas florentina y veneciana y en la francesa de Fontainebleau. Su pintura, manierista, se caracteriza por la elegancia y la gracia de sus figuras. Se formó con Correggio, quien trabajó en Parma en 1518; sus obras juveniles más notables datan de 1521. En Roma trabajó para Clemente VII (1523) y el mismo año pintó la Sagrada Familia (Uffizi, Florencia), obra influida por el manierismo rafaelesco. Se trasladó a Bolonia, donde realizó, para la Capilla Gamba de San Petronio, la Virgen con el Niño y santos (Pinacoteca de Bolonia). En 1531 pintó, en el castillo de Fontanellato, un fresco con escenas mitológicas (Diana y Acteón), en 1534 la Virgen del cuello largo y un año más tarde Cupido (Viena); poco antes de morir pintó para la iglesia de San Esteban un retablo con San Esteban y San Juan Bautista.

Después de unos principios bajo la influencia de Rafael y de Correggio (visibles en las preciosas figuras desnudas que pintó hacia 1524 en los muros del castillo de Fontanellata, cerca de Parma, con la Historia de Diana y Acteón), se dirige a Roma. 

Allí conoce la obra de Miguel Ángel, de la que toma su "figura serpentinata" y la desarrolla en busca de la máxima gracia y elegancia. Esto es visible en su Virgen con el Niño y Santos (Gallería degli Uffizi) y, sobre todo, en su célebre Madonna del collo lungo, pintada hacia el final de su vida y que quedó inacabada. En esta tela famosa, las líneas alargadas y sinuosas, en busca de la forma pura, rayan en la abstracción. En el fondo del cuadro, una columna, sobre la que resbala la luz, da una imagen concreta del sentido de la forma perfecta que ha dirigido la mano del pintor al trazar el largo cuello de la Virgen, los óvalos perfectos de los rostros y la pierna desnuda del ángel. 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obra comentada

Retrato de Galeazzo Sanvitale

Galería

Descanso de la huida de Egipto, 1524

Retrato de un hombre con un libro, 1524

Femme debout de Jacques Lipchitz

Tras una etapa realista influida por Rodin, su relación con los cubistas le llevó a crear una escultura de formas geometrizantes, arquitectónica y monumental muy expresiva. Esta obra de 1918 muestra la tendencia de Lipchitz por las composiciones angulares y verticales.

(Kunstmuseum, Basilea)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

La escultura transparente de Jacques Lipchitz

Mujer recostada con guitarra de Jacques Lipchitz (Tate Modern, Londres). Realizada en 1928, en esta obra, enormemente representativa, el autor se vale con libertad expresiva del lenguaje cubista, ya en su fase sintética. El personaje se reduce a lo esencial, al perfil y a las superposiciones, tan importantes en su personalidad. Hay, además, de modo indiscutible, una predilección por la escultura de los pueblos primitivos, que el propio escultor confesaba abiertamente.

El lituano Jacques Lipchitz (1891-1973), amigo de Picasso, de Gris y de "Modi", formado en la escuela de Montparnasse, antes de que hiciese carrera en los Estados Unidos como tantos otros emigrados de su mismo medio, asimiló el cubismo a partir de 1913, pero no retuvo de él más que una rigidez geométrica algo exterior. En 1915-1916 confirió esa severidad a ciertas composiciones verticales y angulares, casi abstractas, que necesitan la puntuación de un ojo o el saliente insinuado de la nariz para que aparezcan todavía como cabezas.

Hacia 1925, después de una serie de bajos relieves policromados, influidos por el gusto decorativo a base de instrumentos musicales que entonces estaban de moda, Lipchitz cede al atractivo del arabesco e inicia la invención que nadie le discute: la famosa "escultura transparente". De los volúmenes desgarrados, a través de los que circula el aire, desprende los elementos constitutivos hasta el punto de que casi llega a desaparecer toda cohesión. Su Pareja (1928-1930) es como la compenetración de dos contornos curvados, robustos signos caligráficos que se abrazan en el espacio. El Canto de las vocales (Zurich, 1932), perforado como un enorme bretzel, subraya intencionadamente por su mismo título esta sustitución celebrada por Kahnweiler, de la densidad por la escritura.

A continuación, este escultor se alejará del cubismo a través de la germinación barroca y espesa de sus realizaciones para la arquitectura, como es el caso del Prometeo (1942-1944) que cuelga como un racimo de la fachada del Ministerio de Educación Brasileño (Río de Janeiro).

Mujer recostada con guitarra de Jacques Lipchitz (Tate Modern, Londres). Realizada en 1928, en esta obra, enormemente representativa, el autor se vale con libertad expresiva del lenguaje cubista, ya en su fase sintética. El personaje se reduce a lo esencial, al perfil y a las superposiciones, tan importantes en su personalidad. Hay, además, de modo indiscutible, una predilección por la escultura de los pueblos primitivos, que el propio escultor confesaba abiertamente.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Jacques Lipchitz (1891-1973)

Cubismo

Lipchitz o Lipschitz, Jacques (Druskiéniki, 22 de agosto de 1891 - Capri, 16 de mayo de 1973) Escultor cubista de origen lituano.

Biografía

Jacques Lipchitz nació como Chaim Jacob Lipchitz en Druskininkai, entonces bajo el dominio de la Rusia zarista y hoy Lituania, hijo de un contratista judío. Primero, bajo influencia de su padre, estudió ingeniería, pero poco después, apoyado por su madre, se trasladó a París (1909) para estudiar en la École des Beaux-Arts y la Académie Julian.

Fue allí, en las comunidades artísticas de Montmartre y Montparnasse cuando se unió a un grupo de artistas que incluían a Juan Gris y Pablo Picasso y donde su amigo, Amedeo Modigliani, pintó El escultor Jacques Lipchitz y su mujer Berthe Lipchitz. Entró a formar parte del grupo de artistas cubistas en 1911. En 1912 expuso en el Salón Nacional de las Bellas Artes y el Salon d'Automne siendo su primera exposición individual en la galería L'Effort Moderne, de Léonce Rosenberg en París en 1920. En 1922 la Barnes Foundation en Merion, Pennsilvania le encargó cinco bajorrelieves. En esta primera etapa sus composiciones estaban reducidas a los elementos estructurales.

Hacia 1925 fueron más dinámicas, experimentando con el arabesco y las transparencias. Llamaba esculturas transparentes a experimentos con formas abstractas. Más tarde desarrolló un estilo más dinámico, que aplicó con elocuente efecto a composiciones animales y figuras de bronce.

Con la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial, y la deportación de judíos a los campos de exterminio nazis, Jacques Lipchitz tuvo que huir de Francia. Con la ayuda del periodista estadounidense Varian Fry en Marsella, escapó del régimen nazi y, en 1941, se exilió a Estados Unidos. Allí acabó estableciéndose en Hastings-on-Hudson, Nueva York.

Su trabajo en el exilio frecuentemente adoptó caracteres monumentales y ejecutó obras próximas al Barroco y al Expresionismo.

Fue uno de los 250 escultores que expusieron en la Tercera Internacional de Escultura celebrada en el Museo de Arte de Filadelfia en el verano de 1949. Se le ha identificado en la fotografía de la revista LIFE que mostraba a 70 de ellos. En 1954 una retrospectiva de Lipchitz viajó desde el MoMA en Nueva York hasta el Centro de Arte Walker en Minneapolis y el Museo de Arte de Cleveland. En 1959, su serie de pequeños bronces titulado «To the Limit of the Possible» (Hacia el límite de lo posible) se mostró en Fine Arts Associates en Nueva York.

Lipchitz enseñó a uno de los artistas contemporáneos más famosos, Marcel Mouly.

A partir de 1963 regresó a Europa donde trabajaba varios meses al año en Pietrasanta, Italia. En 1972 se publicó su autobiografía, con ocasión de una exposición de escultura suya en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Jacques Lipchitz murió en Capri, Italia. Su cuerpo fue llevado a enterrar a Jerusalén.

Fuente:  https://es.wikipedia.org/

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Obra comentada

Femme debout

La escultura transparente 

Galería

Desnudo sentado, 1915

Hombre con una guitarra, 1915

Andreu Alfaro (1929-2012)

Constructivismo

Alfaro Hernández, Andreu (Valencia, 5 de agosto de 1929 – 13 de diciembre de 2012) Escultor español. 

Biografía

Andreu Alfaro Hernández nació en Valencia en 1929. Artista autodidacta, era hijo de un carnicero.

Relacionado con el Grupo Parpalló (1957) e influido por los constructivistas, como Constantin Brâncuşi o Antoine Pevsner, y por Jorge Oteiza. Sus obras, expuestas en la Bienal de Venecia del 1966 My Black Brother, lograron un eco internacional.

A finales de la década de 1960 experimentó profusamente con materiales metálicos como el acero y el aluminio. En 1980 experimentó con el alambre y el mármol. El mismo año recibió el Premi d’Honor Jaume I y en 1981 el Premio Nacional de Artes Plásticas. En 1991 la diputación de Valencia le concedió el Premio Alfons Roig d’Arts Plástiques.

Existen obras de Andreu Alfaro en museos de todo el mundo y en las vías públicas de muchas localidades, particularmente en España. Sus obras más importantes fueron La rella (1961), La veu d'un poble (1964-1965), Monument a l’amor (1965-1967), Bon dia llibertat (1975) y Catalan power (1976).

El cantante Raimon le dedicó una canción en 1978 (Andreu, amic).

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obra

Dos rombos, Parque de Cervantes, Barcelona

Exposición en el IVAM

Francisco Bayéu (1734-1795)

 

Rococó. Neoclasicismo.

Bayéu y Subías, Francisco (Zaragoza, 9 de marzo de 1734 - Madrid, 4 de agosto de 1795) Pintor español, miembro de una notable familia de pintores entre los que se encontraban sus hermanos Ramón y Manuel.

Biografía

Nació en Zaragoza en 1734. Fueron sus maestros Juan Andrés Merklein, José Luzán y Antonio González Velázquez. Laureado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1758, pintó para iglesias y conventos de Zaragoza, como la cartuja de Aula Dei.

En 1763, Anton Raphael Mengs lo llamó a Madrid para colaborar en la decoración del Palacio Real. Bajo la protección de Mengs, consiguió ser el artista más influyente de Madrid. En 1767 es nombrado pintor de la corte de Carlos III de España.

Junto con su hermano Ramón y bajo la dirección de Mengs, realizó cartones para la Real Fábrica de Tapices o Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. Muchos tapices estaban destinados a los palacios reales, pudiendo encontrarse algunos elaborados sobre dibujos de Bayeu en el Salón de Consejos del Palacio de El Pardo, entre otros.

Protegió a Goya, introduciéndolo en la corte. Goya se casó con la hermana de Francisco, Josefa Bayeu, en 1773.

Pintó decoraciones para distintos palacios reales, especialmente con alegorías: Palacio Real de Madrid, Palacio de Aranjuez, Palacio de El Pardo, Palacio de La Granja de San Ildefonso (Segovia). Igualmente, pintó para diversas iglesias: Colegiata de San Ildefonso, Convento de la Encarnación (Madrid), Basílica del Pilar (Zaragoza), claustro de la Catedral de Toledo.

En 1783 es nombrado director de pinturas para la Real Fábrica de Tapices y, en 1788, director de la Academia de Bellas Artes. Dedicó sus últimos años al retrato y falleció en Madrid en 1795.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obra comentada

El paseo de las Delicias

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Obra

Asunción de la Virgen, 1760

Caridad de San Elladius de Toledo, 1770

El paseo de las Delicias de Francisco Bayeu

 

Es un boceto que su hermano Ramón amplió hasta el tamaño de cartón para tapiz. La escena está realizada con un delicado colorido de finos grises, azules y rosados. 

(Museo del Prado, Madrid).

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Carlos Enríquez (1900-1957)

Expresionismo

Enríquez Gómez, Carlos  (Zulueta, antigua provincia de las Villas, Cuba, 3 de agosto de 1900 - 2 de mayo de 1957) fue un pintor a quien se considera uno de los artistas de la Primera Vanguardia Cubana.

Fue un pintor de grandes cualidades naturales cuyo único estudio formal lo realizó por poco tiempo en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y luego regresó a su país en 1925. En 1927 dos de sus obras consistentes en desnudos femeninos fueron retiradas de la Exposición de Arte Nuevo por "realismo exagerado", lo que le movió a volver al extranjero y se dirigió a España y Francia, viaje en el que recibió influencia que incidió en su obra. Alejo Carpentier afirmó que ese viaje le apartó de toda su potencialidad de escándalo y, según los críticos, fue la época donde realizó sus mejores obras, tales como Primavera bacteriológica, Crimen en el aire con Guardia Civil y su Virgen del Cobre, cuadro en el que el tópico afrocubano asume un sincretismo religioso, símbolo del mestizaje antillano que se contrapone a la imagen tradicional de la Patrona de Cuba, dada por el cristianismo.

En 1935 se radicó en forma definitiva en su país y comenzó a definir nuevas orientaciones plásticas, referidas al ambiente rural de Cuba, etapa que identificó como "el romancero guajiro". En ella, sin abandonar el erotismo y la anatomía femenina, recogió en sus obras las leyendas del campo, la imagen de héroes y bandidos, el recuerdo de los patriotas y una fina denuncia social. Pertenecen a ese período, entre otros, los cuadros Las bañistas de la laguna, Campesinos felices, Dos Ríos, El rapto de las mulatas, Rey de los Campos de Cuba y Combate, que lo ubican a la vanguardia del modernismo cubano. En 1935 fue premiado en el Salón Nacional de Pintura y Escultura con su óleo Manuel García, rey de los campos de Cuba.

Además de la pintura incursiona en la literatura y le pertenecen las novelas Tilín García, La Feria de Guaicanama y La Vuelta de Chencho. Hace exposiciones en países como Estados Unidos y México.

Carlos Enríquez fue un rebelde del pincel; en su discurso pictórico tomaron protagonismo los símbolos propios de la nacionalidad cubana: la Palma Real, lo mestizo, la luz del trópico y, además, se destacó por su forma de reflejar en sus obras la belleza del cuerpo femenino, razón por la que chocó con sus contemporáneos. Considerado como uno de los mejores artistas de la plástica cubana de la primera mitad del siglo XX, sus cuadros se encuentran en el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana.

Murió en mayo de 1957.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

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Galería

Las tetas de la guajira, 1930

Campesinos felices, 1953