Rubens (1577-1640)

 

Barroco

Rubens, Pedro Pablo (Siegen, Alemania, 28 de junio de 1577 - Amberes, Flandes, 30 de mayo de 1640) Pintor flamenco. Fue el máximo representante del barroco en el norte de Europa. Nacido en Siegen (Westfalia), residió en Colonia hasta 1589, en que pasó a Amberes. Recibió educación clásica y estudió con T. Verhaecht, Adam van Noort y Otto van Veen. En 1598 figuraba como miembro de la guilda de Amberes y en 1600 se decidió a viajar a Italia, donde trabajó para el duque de Mantua y se dedicó al estudio de los maestros italianos (Miguel Ángel, Rafael, Correggio, Caravaggio). Las obras más importantes de este período italiano son el Tríptico de la Santa Cruz de Jerusalén (1602; Roma), Los doce apóstoles (1603; Prado) y el retablo de la Santísima Trinidad (1605; Mantua). En 1603 el duque de Mantua le envió a Madrid, donde pudo admirar los cuadros de Tiziano de la colección real, y pintó el magnífico retrato del Duque de Lerma a caballo (Prado). Regresó a Amberes en 1608 y fue nombrado pintor de la corte de la gobernadora de los Países Bajos, Isabel Clara Eugenia, cargo que conservó hasta su muerte. Se casó con Isabel Brandt, de la que tuvo dos hijos, e inició un período de espléndidos triunfos, que constituyó la más fructífera carrera de la historia del arte.

En este segundo período la influencia de la pintura italiana dejó paso a un estilo más personal, de mayor claridad en el tratamiento de los temas y de la luz; las mejores obras de esta época son Erección de la Cruz (1610) y Descendimiento de la Cruz, ambas en la catedral de Amberes. Una mayor fluidez en la plasmación de los volúmenes y mayor dinamismo en las escenas son las características de su tercer período (1614-1622), en el que pintó de preferencia batallas, cacerías y escenas mitológicas: Rapto de las hijas de Leucipo (1615; Munich), Juicio final (1616; Munich), Batalla de las amazonas (1617; Munich), Caza del león (1617; Munich). Son también de este período sus vastos proyectos decorativos, representados en primer lugar por las pinturas de la iglesia de los jesuitas de Amberes (1620).

A partir de 1620 Rubens se vio absorbido por grandes encargos internacionales: ciclo de la historia de María de Médicis para el Palacio de Luxemburgo (1622-1624), que comprende 21 composiciones gigantescas (Louvre); el ciclo de Enrique IV (1630; Uffizi); tapicerías de Luis XIII (1622-1623), entre otros. En esta época, además de trabajar en su ingente obra pictórica, desempeñó numerosas misiones diplomáticas que le llevaron a Países Bajos, Francia, Gran Bretaña, Italia, y de nuevo a España en 1627; en Madrid pudo copiar los cuadros de Tiziano que tanto había admirado y entabló una buena amistad con Velázquez.

En 1626 murió su primera esposa y en 1630 contrajo matrimonio con una bella y exuberante joven de dieciséis años, Elena Fourment, que pasó a ser su musa y modelo en retratos de gran colorido y de estilo ligero y fluido; la pintó con ricos ropajes y en sensuales desnudos (Elena Fourment con abrigo de piel, Museo de Viena), o en escenas mitológicas (Las tres Gracias, El juicio de París, ambas en el Prado).

Rubens realizó una obra ingente que puede ser admirada en los más importantes museos del mundo, pero en su realización contó con magníficos colaboradores y discípulos, como Antoon van Dyck, Jacob Jordaens o Frans Snyders.

Rubens, el pintor de la mujer

Peter Paul Rubens nació en Siegen (Alemania), de padres flamencos desterrados, el 28 de junio de 1577. Jan Rubens, su padre, se había hecho calvinista, lo que ponía en peligro su vida en la Amberes dominada por el yugo católico del ocupante español. Así que con su mujer, Maria Pypelinckx, y sus cuatro hijos se establece en Colonia como un refugiado más. Pero en Alemania daría muestras de lo más inconsciente de su carácter, pues se convierte en amante de la princesa Ana de Sajonia, quien lo ha tomado a su servicio como secretario. El padre del artista hubo de purgar una pena de reclusión en el castillo de Dillenburg. Por fin, la condena terminada, Jan y los suyos se instalan en Siegen, en donde va a nacer Philip -el futuro humanista- en 1573, y cuatro años más tarde nuestro Peter Paul, alemán involuntario, aunque siempre flamenco de alma. Un año después, los Rubens pueden volver a Colonia, y tras la muerte del padre la familia se instala en el Meir, centro de Amberes, tratando de casar a la hija mayor sin dejar por eso de ocuparse de la educación de los hijos más jóvenes.

⇦ Retrato ecuestre del duque de Lerma de Rubens (Museo del Prado, Madrid). Con este cuadro Rubens será de los primeros pintores que aborde el tema del personaje montando a caballo y en escorzo frontal.



Corre el año 1589; Peter Paul empieza a frecuentar la escuela latina de Rombaut Verdonck. Desgraciadamente, pocos meses pudieron durar esos estudios. No había para tanto en casa de Maria Pypelinclx, y para dotar a su hija Blandirse hubo que sacar a Peter Paul de la escuela y colocarlo de paje en casa de la condesa Margarita de Ligne d' Arenberg. Finalmente, en 1590 su misma madre consiguió hacerlo entrar de aprendiz en el taller de un pintor local.

Se ha llegado así a un punto espinoso, el de los estudios del joven pintor dentro ya de su propia especialidad.

Lo clásico era, hasta hace relativamente poco, decir que Rubens había estudiado con tres maestros sucesivos: Tobías Verhaecht, Van Noort y Octavio van Veen, más conocido quizá como Otto Venius. Para Leo van Puyvelde, el gran especialista belga, nada de esto es cierto, y lo que le hace dudar es que hasta el siglo pasado casi no se conocían obras seguras de los presuntos maestros, aunque parece casi seguro que Rubens trabajó con Venius.

Giorgio Vasari (1511-1574)

 

Renacimiento. Cinquecento. Manierismo.

Vasari, Giorgio (Arezzo, 30 de julio de 1511- 27 de junio de Florencia, 1574) Arquitecto, pintor y escritor italiano.

Considerado uno de los primeros historiadores del arte, es célebre por sus biografías de artistas italianos, colección de datos, anécdotas, leyendas y curiosidades recogidas en su libro Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos (Le vite de' più eccellenti pittori, scultori, e architettori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri, 1550; segunda edición ampliada en 1568). Se le atribuye el haber acuñado el término Renacimiento.

Biografía

Formación

Fue hijo de Antonio Vassari y Maddelena Tacci. A edad muy temprana se convirtió en alumno de Guglielmo da Marsiglia —destacado pintor de vidrieras—, a quien fue recomendado por su pariente el pintor Luca Signorelli. A los dieciséis años el cardenal Silvio Passerini lo envió a estudiar a Florencia, donde frecuentó el estudio del escultor Baccio Bandinelli y trató con el círculo de Andrea del Sarto y sus alumnos Rosso Fiorentino y Jacopo Pontormo. En Florencia conoció a Miguel Ángel, que preparaba su marcha a Roma y cuyo estilo de pintura le influyó poderosamente.

En 1529 visitó Roma y estudió las obras de Rafael y de otros artistas romanos de la generación anterior. Fue empleado regularmente por patronos de la familia Médicis en Florencia y Roma, trabajando también en Nápoles, Arezzo, Pisa, Bolonia y Módena.

Infancia y pubertad

Fama

Vasari disfrutó de una alta reputación durante su vida y logró una considerable fortuna. También disfrutó de la consideración de sus paisanos de Arezzo, ciudad dependiente de Florencia, donde terminó de construir en 1547 una bella casa a cuya decoración dedicó mucho esfuerzo y que actualmente es su museo. Fue nombrado representante del consejo municipal de su ciudad natal y finalmente ostentó el cargo supremo de confaloniero. Fue también coleccionista de dibujos, que en algunos casos le sirvieron para formular los juicios artísticos que incluyó en sus Vidas.

El manierismo de Vasari fue más admirado durante su vida que después. Se debe entender que Vasari era en cierto modo un romántico, lúcido y entusiasta ante el papel novedoso que estaba desempeñando en el arte el movimiento realista en el que participaba y al que puso nombre, en cierto modo de ruptura con el pasado.

Obra arquitectónica

Como arquitecto, su obra principal fue el Palacio de los Uffizi, en Florencia, edificio de un clasicismo simétrico y muy elegante.​ También levantó en 1559 el Corredor vasariano, un largo pasaje que conecta los Uffizi con el palacio Pitti a través del puente Vecchio. También hizo obras en las iglesias medievales de Santa Maria Novella y Santa Croce, en las que no respetó el coro y el trascoro, y que remodeló al gusto manierista de la época. En Roma colaboró en la construcción de la Villa del papa Julio III, Villa Giulia, iniciada en 1552, con Giacomo Barozzi da Vignola y Bartolomeo Ammanati. Varios edificios de Pistoia fueron diseñados por él.​ Se encargó además de la remodelación de la Piazza dei Cavalieri de Pisa.

Obra pictórica

Cristo conducido al sepulcro 1532, Retrato del duque Alejandro de Medicis1534 y Alegoría de la Inmaculada Concepción 1540.

Se le deben también los frescos del gran salón del palacio de la Cancillería en Roma y especialmente algunos de los frescos decorativos del Palazzo Vecchio en Florencia​ (Cronos castrando a su padre Urano). Comenzó los frescos de la cúpula de la catedral de Florencia, que no logró completar. Cabe destacar la pieza La adoración de los pastores, que conserva una estrecha relación con el fresco del convento de Santa Margarita en Arezzo. El soporte de piedra que el artista eligió cuenta con una delgada preparación. El óleo matizado logra expresar una profundidad de planos, típico recurso del Barroco Neoclásico. «Yo recuerdo que realicé una pequeña pintura de la natividad de Cristo, la cual regalé a mi Señora Costanza de Medici».

En 1563 fundó la Accademia delle Arti del Disegno en Florencia, bajo la protección del duque Cosme I de Médicis y con Miguel Ángel como cabeza de la institución, y treinta y seis artistas elegidos como miembros.

La obra pictórica de Vasari se muestra en todo su esplendor en el interior del Palacio Vecchio, en la conocida Sala de los Quinientos. En 1563 la sala es encomendada a Vasari a fin de llevar a cabo una remodelación decorativa acorde con la grandeza del palacio. Como resultado tenemos un impresionante salón de 52x23 metros, cuyas paredes están decoradas con obras del pintor: la conquista de Siena, la toma de Porto Ercole, la victoria de Cosme I de Marciano della Chiana, la derrota de Pisa en San Vincenzo, el ataque de Mazimiliano de Austria en Livorno y Pisa atacada por las tropas de Florencia. La decoración del techo representa, en 39 paneles, los episodios más importantes de la vida de Cosme I, los barrios de la ciudad y, en el centro, la escena de su nombramiento como gran duque de Toscana. A ambos lados, junto a las paredes, encontramos seis estatuas, incluyendo el Genio de la Victoria de Miguel Ángel.

Hay una polémica por la existencia de una obra de Leonardo da Vinci conocida como La batalla de Anghiari, que en su tiempo se encontraría pintada al fresco en estos muros pero que actualmente está perdida. Se baraja la posibilidad de que al redecorar la sala, Vasari la ocultase bajo sus pinturas. Uno de los elementos que refuerzan esta teoría es la existencia de una expresión italiana situada en la bandera de uno de los frescos de Vasari, que dice Cerca Trova (literalmente: busca y hallarás).

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Obra comentada

Vista de Florencia

Galería

Entierro, 1532

Vista de Florencia, 1530

Edward Wadsworth (1889-1949)

 

Vorticismo

Wadsworth, Edward Alexander (Cleckheaton, West Yorkshire, 29 de octubre de 1889 – 21 de junio de 1949) fue un pintor inglés, relacionado con el vorticismo.

Biografía

Formación y evolución artística

Se educó en el Fettes College de Edinburgh.​ Estudió ingeniería en Múnich entre 1906 y 1907, donde en su tiempo libre estudió arte en la escuela Knirr. Ese contacto con el mundo del arte le hizo cambiar de carrera, y de vuelta en el Reino Unido asistió a la Bradford School of Art y posteriormente a la Slade School of Art de Londres.​ En esa escuela conoció a Stanley Spencer, Christopher Nevinson, Mark Gertler, Dora Carrington y David Bomberg.

Obras suyas se incluyeron en la segunda exhibición postimpresionista de Roger Fry en la Galería Grafton (1912). Poco tiempo después abandonó ese estilo, a raíz de su amistad con Wyndham Lewis, y exhibió algunas pinturas influenciadas por el futurismo en las exposiciones futuristas de la galería Doré. Fue miembro del comité que organizó una cena en honor de Filippo Tommaso Marinetti en 1913. A pesar de ello, se fue distanciando de la arrogancia italiana del movimiento. En junio de 1914 formó parte, junto a Lewis, del grupo de artistas que sabotearon la representación pública de Zang Tumb Tumb (poema sonoro sobre la batalla de Adiranópolis).​ El mes siguiente firmó con otros artistas el manifiesto vorticista publicado en BLAST, y suministró a la misma revista un ejemplar de De lo espiritual en el arte de Wassily Kandinsky para su reproducción.​

Primera Guerra Mundial

33 días después de la publicación de la revista, se declaró la guerra entre Alemania y el Reino Unido. Los vorticistas consiguieron cierta continuidad hasta junio de 1915, cuando se celebró una exposición en la galería Doré y, coincidiendo con ella, se publicó una segunda edición de BLAST. Wadsworth contribuyó en ambas. Al poco tiempo, se alistó en la marina. Dos de sus compañeros vorticistas: Henri Gaudier-Brzeska y T. E. Hulme, murieron en el frente; Bomberg y Lewis encontraron que su confianza en la pureza de la máquina había quedado seriamente cuestionada con la realidad de las trincheras. Wadsworth pasó la guerra en la Royal Naval Volunteer Reserve ("Reserva Real Naval Voluntaria") en la isla de Mudros, hasta que fue declarado inválido en 1917, diseñando un tipo específico de camuflaje (dazzle camouflage) para los barcos del bando aliado.​ Estos barcos camuflados (dazzle ships) no eran poco visibles, sino que confundían a los submarinos sobre su velocidad y dirección. Los diseños eran una obvia aplicación de formas cubistas y vorticistas.​ Su interés por la náutica fue una constante en la pintura de Wadsworth durante el resto de su carrera.

Obra posterior

Su principal obra: Dazzle Ship In Dry Dock, de 1919, le situó como un referente del vanguardismo; pero lo cierto es que a partir de entonces adoptó un estilo más realista. En los últimos años de su vida, sus obras se fueron haciendo cada vez más extrañas, con cierto toque surrealista, aunque en ningún momento tuvo contacto con ese movimiento.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Galería

Puerto marítimo, 1923

La Rochelle, 1923

Robert Campin (h.1375-1444)

Renacimiento del Norte. Pintura flamenca.

Campin, Robert (Valenciennes?, 1378?Tournai, 26 de abril de 1444) Pintor flamenco. Identificado modernamente con el Maestro de Fiémalle o de Mérode, fue, junto con Van Eyck, uno de los creadores de la pintura flamenca del s. XV. Se caracteriza por su plasticidad dinámica, casi violenta, con un sentido muy acusado del claroscuro, y por el acentuado escorzo con que traza las figuras, de expresión patética. Por sus contrastes lumínicos es el precedente de los pintores holandeses del s. XVII. Fue maestro de Van der Weyden. Sus obras más importantes, aparte las tres tablas que estuvieron en la abadía de Flémalle y hoy se hallan en el Stadelsches Kunstinstitut de Frankfurt, son el tríptico de la Anunciación (Metropolitan Museum, Nueva York) y las tablas de la Natividad (Museo de Dijon) y de San Juan Bautista y el maestro Francisco Enrique de Werl, Santa Bárbara, Anunciación y Desposorios de la Virgen, las cuatro en el Museo del Prado de Madrid.

⇨ San Juan Bautista y el donante de Robert Campin (Museo del Prado, Madrid). Campin fue llamado también el Maestro de Flémalle antes de ser identificado. Es casi un predecesor de los Van Eyck, y en él se aprecian ecos del estilo gótico internacional. Esta obra de 1438, muestra un gran espejo convexo que le señala como un admirador de "Los desposorios de los Arnolfini" que se muestra unas páginas antes. El donante, humildemente arrodillado, es Enrique de Werl; por ello esta obra se . conoce también como "Retablo de Werl".

La excelencia de la obra de Campin y su independencia prueban que la escuela flamenca de pintura era algo inevitable. Las circunstancias favorables de la corte de Borgoña favorecieron a artistas como Robert Campin, que pintó para esta corte una hermosa tabla de la “Adoración del Niño” (Museo de Dijon). Por de pronto se repite el fenómeno de la perfección técnica, debido a las experiencias acumuladas de siglos en la pintura francesa medieval; pero además, percibimos en la acumulación de detalles domésticos preciosos, en un aristocrático localismo de los fondos, algo que es exclusivamente flamenco. Esta tabla del Museo de Dijon, pintada hacia 1425, es una de las obras más encantadoras y lozanas del siglo.

Su “Virgen amamantando al Niño” (Nacional Gallery, Londres) es más tardía, quizá posterior a 1430. Las santas figuras son humanas hasta el exceso y nos transmiten un sabor de fidelidad y de cordialidad hogareñas. En estas obras y en la “Santa Bárbara leyendo” (Museo del Prado), los personajes que en ellas figuran ofrecen una de las más altas visiones de paz interior por la predilección que demuestran por los interiores de sus casas o paisajes de la región de Flandes, donde han descendido a habitar como simples mortales. Están sumidos en mística unción, mas siempre revelan carácter terrenal.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

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Más obras

Vestimentas litúrgigas de la Orden del Toisón de Oro:
La Copa de la Virgen María, 1442

Vestimentas litúrgigas de la Orden del Toisón de Oro:
La Copa de la Virgen María, 144201

Jenaro Pérez Villaamil (1807-1854)

Romanticismo

Pérez de Villaamil y d'Hugueta​, Jenaro (Ferrol, 3 de febrero de 1807-Madrid, 5 de junio de 1854) fue un pintor romántico español especializado en la pintura del paisaje.

Biografía

Pérez Villaamil fue un niño prodigio y a los ocho años ya ocupaba el puesto de profesor ayudante de dibujo en el Colegio Militar de Santiago a las órdenes de su propio padre, quien era profesor de fortificaciones, topografía y dibujo. Su vida fue una auténtica aventura ya que, tras vivir en Madrid con su familia, tenía dieciséis años cuando se unió al movimiento liberal y se alistó en el Ejército para repeler la invasión conservadora de los Cien Mil Hijos de San Luis en 1823 . En Sanlúcar la Mayor ( Sevilla ) fue herido y hecho prisionero de guerra. Llevado a Cádiz, su cautiverio no le impidió estudiar pintura en la academia de esa ciudad bajo la dirección del profesor José García y al ser liberado en 1830 se trasladó a Puerto Rico para realizar los decorados del techo del Teatro Tapia , el gran teatro de San Juan .

Pérez Villaamil pasó por dos etapas plásticas en las que se dividió su vida. El primero fue el prerromántico y el segundo, que ocupó los últimos años de su vida, ya plenamente romántico .

De regreso a España en 1833 , recorrió Andalucía y trabó amistad con el pintor y dibujante inglés David Roberts , con quien perfeccionó su técnica, y poco después marchó a Madrid, donde conoció a la reina Isabel II , y aplicó a la Real Academia de Bellas Artes. Artes de San Fernando , que obtuvo en 1835 .

Meses después participó en la fundación del Ateneo de Madrid y en la creación del Liceo Artístico y Literario Español , que fue el epicentro del romanticismo en Madrid.

También en esa época conoció a Ramón de Mesonero Romanos y comenzó a ilustrar las obras habituales de este escritor español.

En 1837 vendió cuadros al rey Luis Felipe I de Francia y también a la reina Isabel de España, y fue reconocido como uno de los mejores paisajistas de la época. Y en esa época empezó a cambiar de amigos: de las costumbres de Mesonero Romanos pasó a salir con jóvenes de su tiempo que estaban triunfando en la literatura, como José Zorrilla , a quien dedicó el poema La noche de invierno . Y en 1840, tras un viaje por Castilla , se trasladó a París , donde emprendió un viaje por Europa ( Francia , Bélgica , Países Bajos ) que se prolongó durante cuatro años. La excusa del viaje fue la publicación deEspaña artística y monumental , un álbum de litografías.

La temática de este pintor siempre ha sido el paisaje, a veces con vistas urbanas y también con exteriores arquitectónicos monumentales y trayendo figuras populares que representan personajes de la época lo que le da a sus pinturas un toque humano y costumbrista. En estos viajes europeos entró en contacto con la crítica internacional ( Charles Baudelaire habló de su obra en el Salón de París de 1845 , por ejemplo), aprendió de los maestros del romanticismo europeo y aprovechó para vender cuadros a diversas casas reales. Así que entre sus principales influencias estuvieron David Roberts , pero también los británicos Joseph William Turnery John Martin .

Fue nombrado teniente director de la Real Academia de San Fernando en febrero de 1845 , y también catedrático de paisaje. Y cuando se creó la Escuela Preparatoria para las carreras de ingenieros civiles y arquitectos , Villaamil fue nombrado profesor de paisaje.

Regresó a Galicia en 1849 y viajó por las provincias de A Coruña y Pontevedra .

Continuó viajando por España hasta 1852 , cuando comenzó a sufrir problemas hepáticos . Dos años después moría en Madrid a los 47 años.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

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Galería

Fuente De Isabel II En La Calle De La Montera, 1835

Patio del Palacio del Infantado en Guadalajara (España), 1837

Karlo Zvirynsky (1923-1997)

Arte abstracto

Zvirynsky, Karlo (Lavriv, condado de Turka, Ucrania, 14 de agosto de 1923, Lviv, 8 de octubre de 1997). Pintor y educador.

Biografía

Estudió en la efímera Academia de Arte de Lviv en 1942–3 bajo Mykola Butovych , Volodymyr Balias y otros. Bajo el dominio soviético, estudió en el Instituto de Arte Aplicado y Decorativo de Lviv con Roman Selsky y se graduó en 1953. Más tarde enseñó en el instituto (1959-1982), pero fue despedido de su cargo como consecuencia de su postura inconformista. Durante años, Zvirynsky impartió lecciones privadas (conocidas informalmente como la 'academia Zvirynsky') a sus estudiantes más talentosos y tuvo una poderosa influencia en la próxima generación de pintores ucranianos. Entre los estudiantes más destacados en su 'academia privada' estaban Zenovii Flinta, Oleh Minko, Ivan Marchuk , romano Petruk y Vasyl Bazhai. En Ucrania independiente, Zvirynsky trabajó, desde 1993, como profesor en la Academia Nacional de las Artes de Lviv .

Zvirynsky experimentó con los aspectos formales de composición, forma, línea, textura y color. Algunas de sus obras de la década de 1960 son paralelas a los logros formales de los abstraccionistas occidentales. Zvirynsky también ha pintado paisajes semiabstractos (por ejemplo, Forest Motif , 1966) y bodegones complejos, en los que una variedad de objetos llena el lienzo (por ejemplo, Small Objects , 1982). Sus numerosos collages y construcciones en relieve sobre paneles exploran las relaciones formales de forma y color. También decoró varias iglesias en Galicia y pintó iconos en un estilo tradicional. Suprimido durante la época soviética, Zvirynsky comenzó a exhibir sus obras solo en la década de 1990. Un libro de sus memorias y artículos seleccionados fue publicado en Lviv en 2017.

Fuente: http://www.encyclopediaofukraine.com

Renoir (1841-1919)

Impresionismo

Renoir, Pierre-Auguste (Limoges, 25 de febrero de 1841 - Cagnessur-Mer, 3 de diciembre de 1919) Pintor francés. Nacido en el seno de una familia de tradición artesana, se formó como pintor de porcelanas, pero su aptitud para el dibujo le llevó a estudiar pintura en el estudio del pintor suizo de tendencia clasicista Charles Gleyre. En su estudio trabó amistad con los jóvenes pintares Alfred Sisley, Claude Monet y Jean-Frédéric Bazille. En el verano de 1864 los cuatro estudiantes de pintura se reunieron en el bosque de Fontainebleau para dedicarse a pintar directamente de la naturaleza, prescindiendo de la segunda etapa de ejecución del cuadro, que tradicionalmente se realizaba en el estudio a partir de esbozos previos. Esta inic1ativa marcó el comienzo del movimiento impresionista, que se dio a conocer al público en la exposición colectiva de 1874. De esta época son su Diana cazadora (1867), La familia Sisley (1868) y La bañista y el grifón (1870), que denotan todavía una influencia directa de la obra de Courbet. 

La pintura de Renoir ilustra a la perfección la técnica impresionista, que consiste en sugerir la vibración de la luz mediante multitud de pequeñas pinceladas de colores muy brillantes, de los que se excluye el negro. Los impresionistas fueron duramente criticados en sus inicios y Renoir pasó muchas penurias en sus comienzos como pintor profesional. Sin embargo, su interés preferente por la figura humana, en detrimento del paisaje, le apartó del grupo originario y le sirvió para labrarse cierta reputación como retratista de mujeres y niños de la clase media adinerada. Sus obras más destacadas de esta primera etapa son El Palco, Le Moulin de la Galette, El Almuerzo de los barqueros y Mme. Charpentier y sus hijos. 

La obra de Renoir del período 1880-1890 supone una ruptura con la técnica impresionista, ruptura surgida a raíz de un viaje a Italia y a su admiración por el clasicismo de Rafael. Posteriormente, y a partir de diversas estancias en el sur de Francia, consolidó un estilo propio caracterizado por pinturas llenas de luz y de color, cuyo tema central son las bañistas. A pesar de padecer un grave reumatismo, que poco a poco le haría perder la movilidad, trabajó con éxito la escultura del cuerpo femenino (Venus, Lavandera agachada, etc.), gracias a la colaboración de su asistente Richard Guino, que dio forma a sus concepciones escultóricas. Se retiró a la pequeña población de Cagnes-sur-Mer, en el sur de Francia, y siguió pintando hasta el final de su vida a su mujer y a sus hijos con la misma intensidad vital de sus comienzos. 

Renoir, la voluptuosidad del color

En todas esas virtudes le igualó Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), nacido en Limoges, en el seno de una familia numerosa y de muy modesta condición. El padre de este futuro extraordinario artista trabajaba para un sastre, y con el fin de mejorar de situación, en 1845 se había trasladado con toda la familia a París.

Pierre-Auguste era el penúltimo de los cinco hijos de aquella familia, un mozalbete alegre, pero de carácter muy formal, el cual a los trece años hubo de buscarse empleo, ya que en los hogares como el que tuvo Renoir en su infancia y adolescencia todos deben contribuir a aliviar y hacer menos penoso el esfuerzo paterno.

El chico parecía mostrar buena disposición para la música, pero como también demostraba tener mucha afición a hacer dibujos, se le empleó en un taller de pintura de porcelanas.

Hay muchas y buenas biografías de Renoir, especialmente el gran volumen que publicó su íntimo amigo Georges Riviére.

⇦ Lise con sombrilla de Pierre-Auguste Renoir (Folkwanmuseum, Essen). En Marlotte, el pueblo donde se aloja en 1865, Renoir conoce a Courbet y se une a Lise Tréhot, su compañera y modelo favorita hasta 1872. Lise está ataviada con un elegante vestido blanco que tiene como contrapunto el largo lazo de raso negro que le envuelve la cintura y cuelga hasta el suelo. La sombrilla, como el lazo, es de color negro, contrastando con el pequeño sombrero de color claro. 

Hay muchas y buenas biografías de Renoir, especialmente el gran volumen que publicó su íntimo amigo Georges Rivière. Renoir era afable, un alma diamantina, aunque en sus últimos años con los achaques se tornó algo huraño. Fue un hombre extraordinario que, como Monet y como Cézanne, en su madurez gustaba de explicar las cosas de su mocedad. En lo referente a su profesión de pintor de porcelanas, le contaba a Ambroise Vollard lo siguiente: “Mi cometido consistía en diseminar sobre el fondo blanco de los ejemplares que decoraba pequeños ramilletes que se me pagaban a razón de cinco sous la docena. Cuando se trataba de adornar grandes piezas, los ramitos eran mayores. Esto suponía un aumento del precio -mínimo, en verdad, porque el dueño del negocio era de la opinión que, en interés de sus propios “artistas”, había que guardarse de “cubrirlos de oro”-. Todas esas piezas de vajilla se destinaban a los países de Oriente. Añadiré que el patrono no descuidaba de poner en ellas la marca oficial de la manufactura de Sèvres”.

Obra de Renoir. Impresionismo (1871-1880)

Capitán Edouard Bernier, 1871

Capitán Edouard Bernier, 1871

Ramo en el palco del teatro, 1871

Naturaleza muerta con ramo, 1871

Mujer con un loro (Henriette Darras), 1871

Madame Marie Octavie Bernier, 1871

Jarrón de flores, 1871

Jacques Eugene Spuller, 1871

Edmond Maitre (El lector), 1871

Capitán Edouard Bernier, 1871

Viento fuerte (ráfaga de viento), 1872

Rosas en un jarrón, 1872

Pont Neuf, 1872

Madame Monet, 1872

Madame Monet leyendo, 1872

Madame Claude Monet, 1872

Madame Claude Monet, 1872

La ráfaga de viento, 1872

El harén (las mujeres parisinas se visten como argelinas), 1872. Orientalismo

Claude Monet leyendo, 1872

Calle de pueblo, Louveciennes, 1872

Barco de lavandería a orillas del Sena, cerca de París, 1872-1873

Canotaje en Argenteuil, 1873

El estanque de patos, 1873

Los cosechadores, 1873

Madame Darras como una amazona, 1873

Montar en el Bois de Boulogne (Madame Henriette Darras o La amazona), 1873. Realismo

Mujer en el jardín, 1873

Pintura de Monet en su jardín en Argenteuil, 1873

Primavera en Catou, 1872-1873

Camille Monet y su hijo Jean en el jardín de Argenteuil, 1874

Claude Monet (El lector), 1873-1874

El jardín en Fontenay, 1874

El palco, 1874

El pescador, 1874

En el Sena, cerca de Argenteuil, 1874

La bailarina, 1874

La dama azul, 1874

La niña de Duval sirviendo, 1874

Madame Henriot, 1874

Mme. Georges Hartmann, 1874

Pequeño palco del teatro, 1873-1874

Retrato de Charles Le Coeur, 1874

Veleros en Argenteuil, 1874

Autorretrato, 1875

Camino en el bosque, 1875

El café, 1874-1875

El jardín, 1875

El puente en Chatou, 1875

El Sena en Argenteuil, 1875

Gladiolas en un jarrón, 1874-1875

Huerto en Louveciennes, el peral inglés, 1875

Jeanne Sisley, 1875

Lavadero en el Meudon inferior, 1875

Los amantes, 1875

Los grandes bulevares, 1875

Madame Victor Chocquet, 1875

Mademoiselle Legrand, 1875

Madre e hijas, 1875

Monsieur Fornaise, 1875

Mujer con un gato, 1875

Mujer joven en un banco, 1875

Niña con un aro, 1875

Niña con un perro, 1875

Orillas del Sena, 1875

Paisaje con nieve, 1774

Pensativa, 1875

Pierre de la Pommeraye, 1874-1875

Place de la Trinite, 1875

Place de la Trinite, 1875

Place de la Trinite, 1875

Por el fogón, 1875

Recogiendo flores, 1875

Retrato de Claude Monet, 1875

Retrato de Lucien Daudet, 1875

Retrato de una niñera anónima, 1875

Retrato de Victor Chocquet, 1875

Verano, 1875

Alfred Sisley, 1876

Autorretrato a la edad de treinta y cinco, 1876

Baile en el Moulin de la Galette, 1876

Cabeza de mujer, 1876

Cabeza de una mujer joven con un pañuelo azul (Madame Henriot), 1876

Camino a través de la hierba alta, 1876

Conversación en un jardín de rosas, 1876

Dama con un vestido negro, 1876

Desnuda sentada en el bosque, 1876

El columpio (La Balançoire), 1876

El estudio del artista, Rue Saint Georges, 1876

El invernadero, 1876

El paseo, 1876

El primer paso, 1876

En el jardín, 1876

Georges Riviere y Margot, 1876

Georgette Charpentier sentada, 1876

Hombre en una escalera, 1876

Hombre joven y mujer joven, 1876

Jardín en la Rue Cortot, 1876

Jeanne Durand Ruel, 1876

La primera salida, 1875-1876

Leyendo, 1876

Madame Alphonse Daudet, 1876

Madame Chocquet leyendo, 1876

Madame Henriot, 1876

Margot, 1876

Modelo del Moulin de la Galette, 1876

Muchacha con una pluma rosa, 1876

Muchacha con una regadera, 1876

Mujer con una rosa, 1875-1876

Mujer en una escalera, 1876

Mujer joven al piano, 1876

Mujer joven con un perro, 1876

Mujer joven con una sombrilla japonesa, 1876

Mujer joven trenzando su cabello, 1876

Mujer que ganchilla, 1974-1976

Nini en el jardín, 1875-1876

Nini Lopez, 1876

Orilla del río, 1874-1876

Orillas del Sena en Champrosay, 1876

Retrato de Mme. Alphonse Daudet, 1876

Retrato de una joven, 1876

Retratos de Marie Sophie Chocquet, 1876

Rosas en un jarrón chino, 1876

Rosas en un jarrón, 1876

Tama el perro pequinés, 1876

Victor Chocquet, 1876

Camino a través de la hierba alta, 1876-1877

Canotaje (muchacha en un bote), 1877

El paje, 1875-1877

En el café, 1877

Eugene Murer, 1877

Jeanne Samary con un vestido de cuello bajo, 1877

Jeanne Samary, 1877

La ingenua, 1877

La pensadora, 1876-1877

Mujer joven con un sombrero de paja, 1877

Mujer joven con velo, 1875-1877

Mujer joven de azul brillante en el conservatorio, 1877

Mujer joven levantando su falda, 1877

Pareja leyendo (Edmond Renoir y Marguerite Legrand), 1877

Paul Meunier, 1877

Primer retrato de Madame Georges Charpeitier, 1877

Ramo delante de un espejo, 1876-1877

Reflexión, 1877

Retrato de Georges Riviere, 1877

Retrato de la condesa Pourtales, 1877

Retrato de Margot (Retrato de una modelo), 1877

Retrato de una mujer, 1877

Saliendo del Conservatorio, 1877

Cabeza de muchacha, 1878

Chica joven sosteniendo en el ramo de tulipanes, 1878

En el Milliner`s, 1878

Flores en un jarrón, 1878

Flores en un jarrón, 1878

Jeanne Samary, 1878

La costa de Bretaña, barcos de pesca, 1878

La granja, 1878

La sombrilla, 1878

La taza de chocolate, 1878

Madame Georges Charpentier y sus hijos, 1878

Mademoiselle Georgette Charpentier, 1878

Mujeres jóvenes hablando (confidencias), 1878

Niña sonriente, 1878

Peonías, 1878

Ramo de flores, 1878

Retrato de Eugene Pierre Lestringuez, 1878

Retrato de Madame Charpentier, 1878

Retrato de una anciana, 1878

Una valla en el bosque, 1878

Acantilados en la costa cerca de Pourville, 1879

Acróbatas en el Cirque Fernando (Francisca y Angelina Wartenberg), 1879

Alphonsine Fournaise en la isla de Chatou, 1879

Atardecer en el mar, 1879

Conversación, 1879

Cosechadoras de uva, 1879

El almuerzo, 1879

El final del almuerzo, 1879

El jardín de rosas en Wargemont, 1879

El loge, 1879

El pequeño escolar, 1879

El Sena en Asnieres, 1879

El Sena en Bougival, 1879

Ellen Andree, 1879

Faisán muerto en la nieve, 1879

Madame Paul Berard, 1879

Margot Berard, 1879

Mariquera de mejillones, 1879

Marthe Berard (Muchacha con una banda azul), 1879

Muchacha gitana, 1879

Naturaleza muerta con Fuscias, 1879

Paisaje en Wargemont, 1879

Paisaje marino cerca de Berneval, 1879

Pequeña pescadora, 1879

Primavera (Las cuatro estaciones), 1879

Remeros en Chatou, 1879

Retrato de Lucie Berard, 1879

Retrato de Therese Berard, 1879

Retrato de un niño, 1879

Retrato de una niña pequeña (Elizabeth Maitre), 1879

Un ramo de rosas, 1879