Castellanos, Carlos Alberto (Montevideo, 28 de enero de 1881 – 26 de octubre de 1945) Fue un destacado pintor uruguayo, reconocido por su versatilidad y su capacidad para integrar influencias europeas con temáticas americanas.
Formación y primeros años
Castellanos inició sus estudios artísticos bajo la tutela de Carlos María Herrera en el Círculo de Bellas Artes de Montevideo. En 1907, viajó a España y se formó en el taller de Joaquín Sorolla y Bastida en Madrid, donde profundizó en técnicas impresionistas y en el uso de la luz.
Trayectoria artística
A lo largo de su carrera, Castellanos exploró diversos estilos y temáticas. Su obra abarca desde paisajes y escenas mitológicas hasta representaciones de arlequines y saltimbanquis. Su pintura se caracteriza por un decorativismo refinado y una paleta de colores variada, adaptándose a las diferentes etapas de su producción artística.
En 1914, tras recorrer Paraguay, Bolivia y Brasil, se estableció en Pollensa, Mallorca, donde continuó desarrollando su obra. Durante su estancia en Europa, también residió en París, participando en diversos salones y exposiciones.
Reconocimientos y premios
Castellanos obtuvo varios galardones a lo largo de su carrera, entre los que destacan:
Medalla de Plata en la Exposición Panamá Pacific de San Francisco en 1915.
Gran Premio Medalla de Oro en los Salones Nacionales de 1943 por su óleo "El Taller".
Legado
Carlos Alberto Castellanos es considerado una figura clave en la pintura uruguaya del siglo XX. Su capacidad para fusionar influencias europeas con temáticas locales le permitió crear una obra única que continúa siendo valorada y estudiada en la actualidad.
Su legado perdura en colecciones y museos, como el Museo Nacional de Artes Visuales de Uruguay, donde se conservan varias de sus obras más representativas.
Angus, Rita (12 de marzo
de 1908 - 25 de enero de 1970), conocida como Rita Cook al principio de su
carrera, fue una pintora neozelandesa que, junto con Colin McCahon y Toss
Woollaston, es considerada una de las principales figuras del arte neozelandés
del siglo XX.. Trabajó principalmente con óleo y acuarela, y se hizo conocida
por sus retratos y paisajes.
Biografía
Angus nació como Henrietta
Catherine Angus el 12 de marzo de 1908 en Hastings, Nueva Zelanda. Era la mayor
de siete hijos de William McKenzie Angus y Ethel Violet Crabtree. En 1921, su
familia se mudó a Palmerston North y ella asistió a la escuela secundaria para
niñas de Palmerston North de 1922 a 1926.
En 1927, Angus comenzó a estudiar
en la Escuela de Arte del Canterbury College. Nunca completó su diploma en
bellas artes, pero continuó estudiando hasta 1933, incluidas clases en la
Escuela de Bellas Artes Elam de Auckland. Durante sus estudios conoció el arte
renacentista y medieval y recibió una formación tradicional en dibujo al
natural, naturaleza muerta y pintura de paisajes.
Angus se casó con Alfred Cook, un
colega artista, el 13 de junio de 1930, pero se separaron en 1934 y se
divorciaron en 1939. Angus firmó muchas de sus pinturas como Rita Cook entre
1930 y 1946, pero después de descubrir en En 1941, cuando Alfred Cook se volvió
a casar, cambió su apellido mediante escritura pública a McKenzie, el apellido
de su abuela paterna. Como resultado, algunas de sus pinturas también están
firmadas por R. Mackenzie o R. McKenzie, pero la mayoría están firmadas por
Rita Angus.
Después de un breve período
enseñando arte en Napier, Angus vivió principalmente en Christchurch durante
las décadas de 1930 y 1940.En una situación financiera difícil después de su
divorcio, aceptó diferentes trabajos, incluido el de profesora y como
ilustradora para la prensa. A finales de la década de 1940 sufrió una
enfermedad mental y ingresó en el Sunnyside Mental Hospital en 1949. En 1950 se
mudó a Waikanae para convalecer y luego se instaló en Wellington en 1955.
A principios de la década de
1940, Rita Angus tuvo un romance con el compositor Douglas Lilburn, a quien
conoció en 1941; quedó embarazada pero abortó. La aventura como tal fue breve,
pero la conexión permaneció, y Lilburn estuvo presente cuando murió en 1970. La
aventura entre los dos sólo se conoció después de que se descubrieron cartas en
2002.
A partir de diciembre de 1969, el
estado de Angus se deterioró rápidamente; Murió en el Hospital de Wellington de
cáncer de ovario el 25 de enero de 1970, a la edad de 61 años
Arte
Cass, que Angus realizó en 1936,
ha sido llamada "una de las imágenes icónicas de la pintura neozelandesa
del siglo XX".
Entre las influencias de Angus se
encuentran el arte bizantino y el cubismo. También fue influenciada por la
pintura del monte Taranaki de 1931 del pintor inglés Christopher Perkins, una
respuesta a la iluminación clara distintiva de Nueva Zelanda. Sus paisajes
llegaron en una época en la que mucha gente estaba preocupada por crear un
estilo claramente neozelandés, pero a la propia Angus no le interesaba tanto
definir un estilo nacional como su propio estilo. Sus pinturas son claras, de
bordes duros y claramente definidas. En las décadas de 1930 y 1940 pintó
escenas de Canterbury y Otago. Uno de los más famosos es Cass (1936) en
el que retrató el vacío desnudo del paisaje de Canterbury utilizando formas
simplificadas y colores en su mayoría sin mezclar, dispuestos en secciones en
un estilo que recuerda al arte del cartel. Cass fue votada como la
pintura más querida de Nueva Zelanda en una encuesta televisiva de 2006.
Durante un tiempo vivió junto al
artista Leo Bensemann. Sus pisos adyacentes se convirtieron en una especie de
centro de la escena artística local y se dice que se estimularon mutuamente en
su arte. Se ha dicho que Angus produjo algunas de sus mejores piezas durante
este tiempo, incluidos muchos retratos. También produjo cómics, firmados con el nombre
de Rita Cook.
Las creencias pacifistas de Angus
se pueden ver en su arte de la década de 1940, cuando evitaba cualquier tipo de
trabajo bélico. Angus declaró: "Como artista, mi trabajo es crear vida y
no destruirla". Creó tres imágenes de diosas que simbolizan la paz, de las
cuales "Rutu" es la más conocida.
A principios de la década de
1950, Angus pasó algún tiempo viajando por Nueva Zelanda. Uno de sus viajes fue
a Central Otago, donde pintó su conocida pieza Central Otago. En 1955
Angus se mudó a Wellington y desde ese momento sus paisajes se centraron en
Wellington y la Bahía de Hawke, que visitaba regularmente. Barcos, Island
Bay es una de esas pinturas icónicas de Wellington. Pintó una gran cantidad
de retratos, entre ellos "Cabeza de un niño maorí" (1938) y
"Retrato ( Betty Curnow )" (1942). Pudo capturar la
personalidad de sus sujetos, yendo más allá de una mera representación de su
forma. Angus también pintó 55 autorretratos, particularmente durante sus
últimos años cuando sufrió ataques cada vez más graves de trastorno narcisista.
En 1958, ganó una beca de las
Sociedades de Arte de Nueva Zelanda y viajó a Londres para estudiar en la
Escuela de Arte de Chelsea y el Instituto de Arte Contemporáneo. También visitó
Escocia y Europa y estudió arte europeo moderno y tradicional. Angus dedicó
gran parte de 1960 a pintar un mural en la escuela secundaria para niñas de
Napier que ahora se puede ver en el frente del salón de la escuela. El mural
fue encargado para conmemorar a las niñas que murieron en el terremoto de
Hawke's Bay de 1931.
Cuatro de las pinturas de Angus
aparecieron en una serie de sellos postales emitidos por New Zealand Post en
1983 para conmemorar el 75 aniversario del nacimiento del artista
Caba, Antonio (Barcelona,
1838 - Barcelona, 25 de enero de 1907) Pintor español. Destacó por su realismo y
la precisión con que cultivó el retrato. Influyó en la pintura de su tiempo.
Biografía
Se formó en la Escuela de la
Lonja durante los años 1850, donde recibió formación de la mano de Gabriel
Planella, Pau Milà i Fontanals y de Claudio Lorenzale . Gracias a una pensión
de la diputación, posteriormente estudió en la Real Academia de Bellas Artes de
San Fernando de Madrid, donde recibió lecciones de Federico de Madrazo. En 1864
se presentó por primera vez en la Exposición Nacional de Bellas Artes con La
heroína de Peralada, óleo por el que obtuvo segunda medalla y que compró el
Estado con destino al Museo de la Trinidad (Museo del Prado, depositado en el
Ayuntamiento de Peralada).3
Durante un tiempo se formó en la
Academia de Bellas Artes de París, donde estuvo bajo las órdenes del pintor
suizo Charles Gleyre. En 1874 ganó la posición para la plaza de profesor de la
clase de Colorido y Composición de la Escuela de la Lonja, que consiguió con su
obra Arrepentimiento de Judas, y entre 1887 y 1901 fue el director de esta
Escuela. Durante este tiempo se dedicó a realizar retratos para la burguesía
catalana y barcelonesa en particular, que recibieron el apodo de fotográficos.
Fue socio del Real Círculo Artístico de Barcelona.
Obra
Su obra está relacionada con el
academicismo pictórico con influencia del romanticismo. Realizó decoraciones
murales, entre otros lugares en el Gran Teatro del Liceo y fue un reconocido
retratista, con un estilo muy sobrio. En el Museo Nacional de Arte de Cataluña
se conservan los retratos que dedicó a los pintores Joaquím Vayreda, Sebastià
Junyent y Ramón Padró junto con su propio Autorretrato
y el del niño Josep María Brusien su lecho de muerte, entre otros,
además de algunos asuntos alegóricos y estudios para decoraciones murales como El Tiempo, la Fortuna y el Amor. Otro
retrato de artista conserva el Museo del Prado: el llamado El escultor Samsó. En la Real Academia Catalana de Bellas Artes de
San Jorge, a parte de las dos obras reproducidas, se conservan las siguientes
pinturas: El tributo del César, Copia
de El príncipe Baltasar Carlos de Velázquez, Retrato de Frederic Oliveras,
Retrato de Maria Moret d'Oliveras, Retrato de Narcís Oliveras, Retrato de Enriqueta Oliveras, Retrato del marqués de Alfarràs, Retrato de Beatriu Vidal de Monserdà y Retrato de Claudi Lorenzale, así como un
retrato del pintor realizado en 1907 por Arcadio Mas. También hay obra suya en
el Museo de Arte del Ampurdán de Figueras.
Yamamura Toyonari 山村豊成 (Shinagawa, Tokio, Japón, diciembre de 1885 – 25 de enero de 1942) Pintor y grabador de Meiji.
Biografía
Nacido en 1885, en el distrito Shinagawa de Tokio, Yamamura Toyonari es más conocido por sus grabados y pinturas de actores de Kabuki. Yamamura también usó el nombre Yamamura Kōka 山村耕花. A partir de 1896, estudió con Ogata Gekko (1859-1920).
En 1907, se graduó de la Escuela de Bellas Artes de Tokio (Tokyo Bijutsu Gakko) en pintura de estilo japonés (nihonga) y expuso en la primera exposición Bunten patrocinada por el gobierno. También expuso en el gobierno patrocinado por Inten y con la Cormorant Society (Ugokai). Fue miembro fundador del grupo de artistas Sango-kai (Coral Society).
Toyonari estaba muy interesado en las artes teatrales y la pintura histórica y de género, y fue un erudito y coleccionista de ukiyo-e. Diseñó varias impresiones de actores pequeños para la revista New Actor Portraits (Shin Nigao) en 1915. Los bloques fueron tallados por Igami Bonkotsu, y varios otros artistas contribuyeron al proyecto, incluidos Torii Kotondo (1900-1976), Ishii Hakutei (1882-1958) y Natori Shunsen (1886-1960). El objetivo del proyecto era llamar la atención para el teatro Kabuki.
En 1916 se convirtió en miembro del Reorganized Japan Art Institute (Saiko Nihon Bijutsuin).También en 1916, el editor Watanabe Shozaburo vio una de las pinturas de Toyonari en Inten y quedó tan impresionado que le pidió a Toyonari que creara un grabado en madera basado en la pintura. En 1920, Toyonari comenzó a producir su conocida serie de 12 grabados de actores, Flowers of the Theatrical World (Rien no hana kagatobi) para Watanabe. Inicialmente, cada diseño se produjo en una edición de 150 impresiones y se hicieron en el formato okubi-e (retrato de cabeza grande). Produjo treinta y dos impresiones para Watanabe.
En 1919 colaboró con Machida Hakuzo y publicó Compendium of Theatrical Woodblock Prints (Shibai nishiki-e shusei).A principios de los años 20, Yamamura contribuyó con un diseño, basado en la obra de teatro Tanba Yosaku, a la serie de grabados en madera Suplementos de las obras completas de Chikamatsu Manzaemon.
En los años posteriores al Gran Terremoto de Kanto de 1923, y la destrucción resultante de su trabajo en Watanabe, Toyonari comenzó a centrarse en otros temas, como bijinga(estampados de mujeres hermosas) y paisajes, y terminó su relación laboral con Watanabe después de 1926. En 1924, Toyonari talló y publicó la impresión, Dancing at the New Carlton Hotel en Shanghai (que se muestra a la izquierda), una obra que encarna el espíritu de los locos años veinte. Fue uno de los primeros grabados japoneses en mostrar los cambios sociales extremos que se estaban produciendo en el país en ese momento. A lo largo de su carrera, Toyonari produjo alrededor de 30 bloques de madera, dieciséis de los cuales fueron publicados por Watanabe. Además del bloque de madera, también trabajó en el medio de litografía.
Coypel, Noël (París, 25 de diciembre de 1628 - 24 de diciembre de 1707) fue un pintor y decorador de estilo clásico francés.
Biografía
Miembro de la Real Academia de Pintura y Escultura en 1663, ejerció como profesor en 1664. Fue director de la Academia Francesa en Roma de 1673 a 1675.
Participó en la decoración del Palacio de Versalles bajo la dirección de Charles Le Brun, del parlamento de Rennes, de las Tullerías y de los Inválidos de (1700 a 1707)
Sus dos hijos, Antoine y Noél Nicolás, así como su nieto Charles Antoine fueron también pintores.
Crespi, Giovanni Battista, llamado el Cerano (Romagnaro Sesia, 23 de diciembre de 1573 - Milán, 23 de octubre de 1632) Pintor, arquitecto y escultor italiano, activo durante el manierismo tardío y el primer barroco.
Biografía
Hijo de Raffaele Crespi, un pintor ornamental menor, se trasladó joven con su familia a la población de Cerano, a la que debe su apelativo. Parece que fue Raffaele el único maestro de Giovanni y de Ortensio Crespi (1578-1631), que fue siempre el principal colaborador de su hermano mayor.
En 1591 Giovanni ya se encuentra en Milán realizando labores decorativas en el Palazzo Borromeo, hoy perdidas. De esta época primeriza provienen diversas obras para iglesias de la Lombardía que revelan su vinculación con el arte de Gaudenzio Ferrari y probablemente a través de él de los maestros nórdicos. En 1596 emprende un viaje de aprendizaje a Roma, patrocinado por su mecenas Federico Borromeo.
De vuelta en Milán, entre 1602 y 1603 trabaja en una serie de cuatro lienzos sobre la Vida de San Carlos Borromeo para el Duomo de Milán. El ciclo fue completado en 1610 con los Milagros de San Carlos Borromeo. Este mismo año se materializó la canonización del santo. Cerano pintó una serie de telas para la ceremonia de San Pedro del Vaticano, de las cuales solo se conserva el San Ambrosio de la Pinacoteca Ambrosiana.
Crespi también se dedicó a la docencia, ocupando el puesto de profesor de pintura (1621-1623) en la Accademia Ambrosiana fundada por el Cardenal Borromeo, de la que sería el primer director. Allí figuraron entre sus alumnos artistas como Carlo Francesco Nuvolone o Daniele Crespi.
A partir de 1630 se ocupó de la dirección del proyecto de decoración escultórica de la fachada de la Catedral de Milán. Como arquitecto también realizó diversos proyectos, entre ellos la fachada de la iglesia milanesa de San Paolo Converso.
Crespi fue un artista muy valorado en su tiempo. Son múltiples los encargos que realizó para las autoridades civiles y eclesiásticas de Milán.
El estilo de Cerano es complejo; combina el colorido y una elegancia en la postura de las figuras típica del manierismo tardío al que por nacimiento pertenece, con una intensidad mística y un gusto por los detalles realistas que prefiguran el barroco.
Masaccio, Tommasso di Giovanni,llamado (San Giovanni Valdarno, 21 de diciembre de 1401-Roma, otoño de 1428) Pintor italiano. Fue el primero y el más importante de la larga sucesión de grandes maestros de la pintura del quattrocento florentino. Junto con Brunelleschi en arquitectura y Donatello en escultura, se le considera creador del nuevo estilo llamado del Renacimiento. La pintura de Masaccio es realista, sobria, posee un gran poder narrativo y ofrece prodigiosos efectos de perspectiva de espacio y de luz, que confieren solidez y grandiosidad a sus figuras.
En 1422 aparece mencionado en la guilda de pintores de Florencia. En 1424 inició, junto a Masolino da Panicale, los frescos de la capilla Brancacci, en Santa Maria del Carmine de Florencia, conjunto en el que trabajaría hasta 1428 y que sería su obra cumbre; de esos frescos corresponden a Masaccio Adán y Eva expulsados del Paraíso (tal vez la más genial de sus pinturas), El tributo, Bautismo de neófitos y San Pedro curando a los enfermos con su sombra. En estas escenas se manifiesta plenamente su conocimiento de la perspectiva científica, y su capacidad de penetración psicológica, que le permite caracterizar a sus personajes de modo realista, sin falsas idealizaciones. También en Florencia, en la iglesia de Santa Maria Novella, entre 1425 y 1427, pintó el fresco de La Trinidad, en el que por vez primera aparece el ilusionismo arquitectónico que confiere una majestuosa grandeza a las figuras de Dios Padre y de Cristo. Hacia 1426 pintó el Políptico del Carmine, en Pisa, cuyas escenas se hallan dispersas por diversos museos europeos, y del que cabe destacar La Madonna con el Niño, que se conserva en la National Gallery de Londres, y La Crucifixión, en el Museo de Nápoles. No se sabe con seguridad la fecha en que Masaccio, junto con Masolino, viajó a Roma, pero se sabe que murió allí en 1428, a los 27 años de edad; también es segura su participación en el tríptico de Santa María la Mayor, pintado por Masolino, cuyas alas, representando a San Jerónimo y San Juan Bautista, son obra suya.
Van Loo, Jean-Baptiste (14
de enero de 1684 - 19 de diciembre de 1745), pintor francés.
Biografía
Nació en Aix-en-Provence, en el
seno de una familia de artistas de origen holandés. Junto a su padre,
Louis-Abraham van Loo, realizó sus primeros trabajos destinados principalmente
a la decoración pictórica de templos provenzales.
Su valía fue reconocida muy
pronto por el Príncipe de Carignan, quien le envió a Roma para que avanzara en
sus estudios artísticos de la mano de Benedetto Luti. En Italia realizaría
grandes obras, como los frescos de Santa María de Monticelli, o cuadros para la
corte del Duque de Saboya en Turín. Después marcharía a París, donde fue
elegido miembro de la "Académie Royale de Peinture et de Sculpture".
En la capital francesa ejecutaría varios lienzos para retablos y sería el
encargado de restaurar las obras de Francesco Primaticcio en Fontainebleau.
En 1737 marcha a Inglaterra,
donde Jean-Baptiste desarrolla definitivamente y con gran éxito su faceta de
retratista. Su repentina vuelta a París por motivos de salud en 1742, truncó su
trayectoria como pintor de la aristocracia inglesa, falleciendo en 1745.
Tres de sus hijos continuaron el
oficio paterno con éxito, Louis-Michel van Loo (1707-1771), Charles-Amédée-Philippe
van Loo (1719-1795) y François van Loo (1708–1732). Otra de sus discípulas
sería Françoise Duparc, pintora de origen hispano-francés que lo tuvo como
maestro durante su etapa inglesa.
Friedrich Stowasser (Viena, Austria, 15 de diciembre de 1928 - Océano Pacífico, 19 de febrero de 2000), más conocido como Friedensreich Hundertwasser (en una creación suya se autodenomina "Friedensreich Regentag Dunkelbunt Hundertwasser") fue un artista austriaco multifacético. Nieto del conocido filólogo Joseph Maria de Stowasser, se desempeñó en diversas áreas de conocimiento como la pintura y la escultura haciendo algunos diseños de edificios.
Biografía
Nació el 15 de diciembre de 1928 en Viena, en el seno de una familia mixta, madre judía y padre protestante que murió a los pocos meses de su nacimiento. Con la llegada del nazismo su madre decidió bautizarlo como católico para salvarlo y lo alistó en las Juventudes hitlerianas. En la escuela llevaba el brazalete amarillo obligatorio con la estrella magen David de judío y en su casa el brazalete nazi, cuando a medianoche irrumpían de inspección nocturna en su casa, donde vivieron escondidos en el sótano hasta 1944. Cuando terminó la guerra estaba en un estado grave de desnutrición y fue enviado al campo a vivir, pero el resto de su familia fue delatada y asesinada por los nazis.
Adoptó el prefijo Sto (en checo significa "cien") que es lo mismo que "Hundert" en alemán, siendo esta la razón por la que es denominado Hundertwasser o Stowasser. El nombre de Friedensreich tiene el significado de "lugar de paz" o "reino de la paz" (en el sentido de 'relajado'). Los otros nombres que eligió para sí fueron Regentag y Dunkelbunt que se traducen como "Día lluvioso" y "Oscuro, multicoloreado". Su nombre Friedensreich Hundertwasser significa "Reino de la paz con cientos de aguas". En algunas pinturas aparece su firma como 百水 (hyaku-sui), la traducción al japonés de su apellido.
Características e influencias
Las características originales de Hundertwasser son la expresión del shock en el arte pictórico, la filosofía del ambientalismo, el diseño de fachadas, sellos postales, banderas y vestidos (entre otros campos). Los temas comunes en este trabajo son el rechazo a las líneas rectas, colores brillantes, formas orgánicas, una reconciliación de los humanos con la naturaleza y un fuerte individualismo. Aunque se mantiene constantemente en su estilo sui generis, sus diseños arquitectónicos a veces recuerdan a los del arquitecto catalán Antoni Gaudí debido al uso de formas biomórficas. Desde muy joven fue inspirado por el trabajo de Egon Schiele, y su estilo a menudo es comparado con el de Gustav Klimt. Su principal inspiración eran las espirales, y llegó a denominar a la línea recta como la "herramienta del diablo". Denominó a su teoría del arte "transautomatismo", basada a su vez en el Surrealismo automático.
Hundertwasser adquirió notoriedad por sus pinturas de múltiples colores, y hoy en día es muy conocido por sus diseños arquitectónicos revolucionarios, que suelen incorporar características de los paisajes naturales, mediante el uso de formas irregulares en el diseño de sus edificios. Los denominados: Hundertwasserhaus son apartamentos de bajo coste en Viena, cuyos pisos ondulantes constituyen la principal característica ("un piso ondulado es una melodía para los pies"), tejados recubiertos de tierra y vegetación, y grandes árboles creciendo dentro de las habitaciones, con sus ramas extendiéndose por las ventanas. El artista nunca cobró por el diseño de dichos edificios.
Sintió que la arquitectura estándar no podía denominarse como arte y declaró que el diseño de cualquier edificio debería estar influenciado por la estética de cada uno de sus habitantes. Hundertwasser fue conocido por su performance art, en el que, por ejemplo, se puede ver cómo aparece en público desnudo promocionando una toilete más ecológica y ahorrativa de agua. El 4 de julio de 1958 celebró un controvertido manifiesto Verschimmelungs-Manifest, denominado también Manifiesto Mould en contra del racionalismo en la arquitectura, en la abadía de Seckau. En 1972 publicó otro manifiesto Your window right — your tree duty, en el que sugería que plantar árboles en entornos urbanos debía ser obligatorio.
Su trabajo se ha empleado en la elaboración de banderas, sellos, monedas, pósteres, escuelas, iglesias, lavabos públicos y ha sido adoptado en Nueva Zelanda en el diseño de edificios. Su bandera más famosa es la Bandera de Koru; diseñó sellos para las islas de Cabo Verde y para las Naciones Unidas, así como la administración postal de Ginebra. El 14 de febrero de 1981 pronunció un discurso en la ceremonia de entrega del Gran Premio de Austria a las Artes Visuales, en el que señalaba que "el arte de hoy en día es una degeneración. Hace mucho tiempo que los artífices y tratantes de lo artístico no son ya los artistas propiamente dichos, sino una pequeña "mafia" internacional, compuesta de intelectuales frustrados, frustrados porque tales imposturas no interesan al gran público y tampoco les contentan a ellos mismos. Esos artífices y tratantes, que hacen de directores de museos, de periodistas y teorizadores, son parásitos de nuestra sociedad. Nuestro auténtico enemigo es esa necedad incapaz de distinguir lo verdadero de lo falso. Habría que detener y encerrar en la cárcel a todo director de museo que gastase fondos públicos comprando mamarrachos".
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