Bartolomé Esteban Murillo, uno de los artistas más populares de España, trabajó principalmente para iglesias y conventos, por lo que la mayoría de sus obras son esencialmente religiosas, de las que esta Inmaculada Concepción, realizada hacia 1678, supone uno de los más bellos ejemplos.
En el Barroco se concreta la iconografía de la Inmaculada Concepción que tuvo un papel muy importante en toda España. En el siglo XVII se discute obsesivamente si la Virgen fue creada sin mácula, sine macula, es decir, sin contacto carnal. Una vieja controversia que había comenzado ya en el siglo XII con San Bernardo de Claraval.
Francisco Pacheco como teórico concreto esta iconografía a nivel plástico. Al final de su tratado el Arte de la Pintura, publicado en 1649, realiza una serie de recomendaciones para representar la Inmaculada Concepción de María. Entre estos consejos dice que no debe aparecer con el Niño en los brazos; ha de estar coronada de estrellas con la luna a sus pies; ha de ser pintada en la flor de su edad, de doce a trece años, y con las puntas de la media luna hacia abajo; ha de estar adornada con serafines y ángeles, y se ha de pintar con túnica blanca y manto azul.
Las Inmaculadas de Murillo se caracterizaron por una delicadeza y una gracia especial a la figura femenina e infantil. El sentimiento, lo amable y lo tierno son calificativos característicos de su obra. Precisamente, aquí se aprecian con claridad. El artista sevillano creó una pintura serena y apacible, en la que priman el equilibrio compositivo y expresivo, con una delicadeza nunca conmovida por sentimientos extremos. Colorista excelente y buen dibujante, concibe sus cuadros con un fino sentido de la belleza y con armoniosa mesura, lejos del dinamismo de Rubens o de la teatralidad italiana.
María viste túnica blanca, símbolo de pureza, y manto azul, símbolo de eternidad. Lleva sus manos al pecho y eleva la mirada al cielo. Una refinada gama de colores cálidos donde predominan los claros amarillentos y luminosos del fondo de la composición, hacen resaltar la silueta de la joven, el manto de la cual, dispuesto en diagonal, acrecienta el movimiento ascensional. La composición se inscribe en un triángulo perfecto, cuyo vértice es la misma cabeza de la Virgen.
El estatismo de la figura de la Inmaculada contrasta con el movimiento de los querubines que le sirven de peana, en posturas retorcidas. Este revoloteo de ángeles en espiral ha llevado a considerar la obra un preludio del rococó.
Fue encargada por el canónigo de la catedral de Sevilla, Don Justino de Neve, para la iglesia del Hospital de los Venerables Sacerdotes de dicha ciudad, motivo por el cual se la conoce también como la Inmaculada de los Venerables. El cuadro permaneció en ese lugar hasta que el mariscal francés Soult se la llevó a París durante la guerra de la Independencia. A su muerte se vendió en subasta, siendo adquirida en 1852 por el Museo del Louvre.
Desde 1941 esta Inmaculada Concepción, llamada con el sobrenombre de Soult, un óleo sobre lienzo de 27 4 x 190 cm, pasó al Museo del Prado por una política de intercambio con el gobierno francés.
El automatismo es un método de
producir arte en el cual el artista suprime el control consciente sobre el
proceso de producción, permitiendo que el inconsciente tenga gran influencia.
Dadaistas de comienzos del siglo XX tales como Hans Arp, hicieron algún uso de
este método a través de operaciones casuales. Artistas surrealistas,
especialmente André Masson, adaptaron al arte el método escritura automática de
André Breton y Philippe Soupault que compuso con él Les Champs Magnétiques (Los
Campos Magnéticos) en 1919. The Automatic Message (1933) fue una de las
obras significativas de Breton sobre automatismo.
Se parte del hecho de que se
puede crear de y a partir de todo, la creatividad pura solo pertenece a la
naturaleza y por tanto se aprende a copiar a través de la observación atenta,
la intuición y la atención suspicaz a nuestro inconsciente. Por tanto todos los
medios de expresión son válidos. Se nutre estéticamente de todas las corrientes
y estilos artísticos, así como del inconsciente colectivo universal arquetipos
que versa sobre nuestro pasado, presente y futuro, unidos en una misma línea de
tiempo cuya duración es de un instante infinito.
Enzima verde, 1978 (Pierre Gauvreau)
Principios básicos
1. Lo no racional es la base. 2. El inconsciente predomina y domina. 3. La memorización tiene una importancia secundaria; se le da preponderancia al instinto 4. El conocimiento y la información es la base fundamental de la creación. 5. La observación es la piedra angular del diseño. 6. La toma de decisiones debe ser inmediata sin propósitos concretos, asumiendo todos los riesgos necesarios. 7. No hay errores, solo oportunidades; el error mínimo se debe convertir en la pieza fundamental de una obra maestra.
Dibujo y pintura automática
El dibujo automático fue iniciado
por el artista inglés Austin Osman Spare, quien escribió un capítulo, Dibujo
automático como un medio para el arte, en su libro, "El libro del
placer" (1913). Otros artistas que también practicaron el dibujo
automático fueron Hilma af Klint, André Masson, Joan Miró, Salvador Dalí, Jean
Arp, André Breton y Freddy Flores Knistoff.
La técnica del dibujo automático
se transfirió a la pintura (como se ve en las pinturas de Miró, que a menudo
comenzó como dibujos automáticos), y se ha adaptado a otros medios; incluso ha
habido "dibujos" automáticos en gráficos de computadora. También se
piensa que Pablo Picasso utilizó un tipo de dibujo automático en su trabajo
posterior, y particularmente en sus grabados y suites litográficas de la década
de 1960.
El dibujo automático (distinguido
de la expresión dibujada de los medios) fue desarrollado por los surrealistas,
como un medio para expresar el subconsciente. En el dibujo automático, la mano
puede moverse "al azar" a través del papel. Al aplicar la casualidad
y el accidente a la creación de marcas, el dibujo se libera en gran medida del
control racional. Por lo tanto, el dibujo producido puede atribuirse en parte
al subconsciente y puede revelar algo de la psique, que de otro modo sería
reprimido. Ejemplos de dibujo automático fueron producidos por médiums y
practicantes de las artes psíquicas. Algunos espiritistas pensaban que era un
control espiritual que producía el dibujo mientras tomaba físicamente el
control del cuerpo del médium.
Hunt, WilliamHolman (Londres, 2 de abril de 1827 - íd, 7 de septiembre de 1910) fue un pintor
británico, uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita. Aunque estudió
en la Royal Academy of Arts, rechazó el estilo impuesto por su fundador, Sir Joshua Reynolds. Fundó en 1848, junto con Dante Gabriel Rossetti y John Everett Millais, la Hermandad Prerrafaelita, asociación que propugnaba un retorno a lo
espiritual y sincero en el arte, despreciando la pintura académica, que
consideraban una mera repetición de clichés. Para ello, proponían inspirarse en
los primitivos italianos y flamencos del siglo XV, anteriores a Rafael.
Biografía
En 1865 se casó con Fanny Waugh,
quien moriría a las pocas semanas de dar a luz al primogénito de Hunt, Cyril
Benone. Esta mala experiencia se unió a que Hunt jamás fue propuesto, a pesar
de su fama, como miembro de la Royal Academy, lo que le llevó a desistir de
participar en más muestras anuales y a tomar la decisión de mostrar su obra por
libre, en galerías como Grosvenor Gallery y New Gallery. En 1875 contrajo
matrimonio con Edith, hermana de su difunta esposa, lo cual le ocasionó
numerosos problemas con la familia de esta,que se oponía a la unión, y con las
leyes británicas, que por entonces no permitían tal tipo de matrimonio. En 1879
nació su segundo hijo, Hilary. Los años siguientes fueron muy fructíferos para
Hunt: en 1886 tuvo lugar una retrospectia de su obra en la Fine Art Society de
Londres y escribió en algunas revistas, como la Contemporary Review.
Las obras de Hunt no tuvieron al
principio demasiado éxito, siendo calificadas por la crítica de feas y
torpemente ejecutadas. En los comienzos de su carrera su interés por el
realismo le llevó a pintar varios cuadros que reflejaban escenas de la vida
cotidiana tanto en el campo como en la ciudad, tales como Pastor veleidoso
(The Hireling Shepherd, 1851) o El despertar de la conciencia (The
Awakening Conscience,1853). Esta última escandalizó al público por mostrar sin
ambages una relación extramatrimonial. Fue también un notable paisajista, con
obras como Dunas de Fairlight (1858) o la acuarela Isla de Asparagus
(1850). Sin embargo, la fama le llegó con sus obras de temática religiosa, como
La luz del mundo (The Light of the World). Viajó a Palestina con el
objeto de documentarse sobre el terreno para realizar obras religiosas como El
chivo expiatorio (The Scapegoat, 1854), Cristo hallado en el templo
(The Finding of the Saviour in the Temple, 1860) y La sombra de la muerte (The
Shadow of Death, 1873), así como para pintar varios paisajes de la región.
Hunt pintó también obras basadas
en poemas, como Isabella o La dama de Shalott, y en la tradición
literaria inglesa, de Shakespeare a Keats.
Todas sus pinturas concedían una
gran atención al detalle, y mostraban un vívido colorido y un elaborado
simbolismo religioso, a menudo inspirado en los textos bíblicos. Su trabajo
recibió la influencia de los escritos de John Ruskin y Thomas Carlyle; como
ellos, Hunt creía que el mundo podía ser descifrado como un sistema de signos
visuales. Para Hunt, la tarea del artista consistía en revelar la
correspondencia entre signo y realidad. De todos los componentes de la
Hermandad Prerrafaelita, fue Hunt el que mostró más fidelidad a sus
planteamientos a lo largo de toda su vida.
Al final de su carrera se vio
obligado a abandonar la pintura, por problemas de visión. Su última obra de
importancia, The Lady of Shalott (1892), tuvo que ser completada por uno
de sus ayudantes.
La autobiografía de Hunt,
Prerrafaelismo y la Hermandad Prerrafaelita (Pre-Raphaelitism and the
Pre-Raphaelite Brotherhood) fue escrita para corregir a otros libros aparecidos
sobre el movimiento, en los que no se reconocía debidamente su contribución al
mismo.
Se exhibió en la Royal Academy en
1850 y ahora se encuentra en el Ashmolean Museum de Oxford . Fue un compañero
del Cristo en la casa de sus padres de John Everett Millais . Ambos
artistas buscaron representar episodios similares de la historia cristiana más
temprana, retratando familias que ayudan a una persona herida. Ambos también
destacaron el primitivismo de la escena.
La pintura de Hunt representa a
una familia de antiguos británicos que ocupan una choza toscamente construida
junto a la orilla del río. Están atendiendo a un misionero que se esconde de
una turba de paganos celtas británicos . Un druida es visible en el fondo a la
izquierda apuntando hacia otro misionero, que está siendo llevado por uno de la
multitud.
Se nota un círculo de piedras
detrás del misionero, pero solo es visible a través de los huecos en la parte
trasera de la cabaña que usa la familia cristiana. El contraste entre los
símbolos cristianos y druídicos se identifica con la pintura de una cruz roja
sobre una piedra dentro de la cabaña de la familia cristiana.
La presencia del druida
presumiblemente ubica el período pretendido de la escena antes de la conquista
romana de Britania a mediados del siglo I, lo que convierte a los misioneros en
unos muy tempranos, aunque la vestidura -como la ropa que usan, incluso hasta
el pozo- Victoriano informado, sugieren un período mucho más tarde.
La pintura de Hunt fue menos controvertida
que la pieza complementaria de Millais, pero Hunt aún fue fuertemente criticado
por la extraña composición y las poses retorcidas de las figuras. En 1860, el cuadro de Florence Claxton La
elección de París: un idilio parodiaba la composición del cuadro de Hunt junto
con otras obras de los artistas prerrafaelitas de los años anteriores.
El propio Hunt siguió creyendo
que era una de sus mejores obras. En 1872, refiriéndose a la pintura como
"los primeros xtianos", escribió en una carta a Edward Lear ,
afirmando que "a veces, cuando miro a los primeros xtianos, me siento
bastante avergonzado de no haber llegado más allá de lo que me han traído los
años posteriores. , pero la verdad es que a los veinte años, la salud, el
entusiasmo y, sin embargo, la confianza impune en uno mismo lleva a un hombre
muy cerca de su límite máximo".
Pintura alegórica del artista
prerrafaelita inglés William Holman Hunt (1827–1910) que representa la figura
de Jesús preparándose para llamar a una puerta cubierta de maleza y sin abrir
durante mucho tiempo, ilustrando Apocalipsis 3: 20: "He aquí, yo estoy a
la puerta y llamo; si alguno oye mi voz y abre la puerta, entraré a él, y
cenaré con él, y él conmigo". Según Hunt: "Pinté el cuadro con lo que
pensé, por indigno que fuera, que era un mandato divino, y no simplemente un
buen tema". La puerta en la pintura no tiene manija y, por lo tanto, solo
se puede abrir desde adentro, lo que representa "la mente obstinadamente
cerrada". La pintura fue considerada por muchos como la interpretación de
Cristo más importante y culturalmente influyente de su tiempo.
Versiones
Se dice que el original fue
pintado de noche en una choza improvisada en Worcester Park Farm en Surrey, y en
el jardín de Oxford University Press , mientras que se sugiere que Hunt
encontró la luz del amanecer que necesitaba fuera de Belén en una de sus
visitas a Tierra Santa. En óleo sobre lienzo, se comenzó alrededor de 1849 o
1850 [5] y se completó en 1853. Se exhibió en la Royal Academy en 1854 y ahora
se encuentra en la capilla lateral del Keble College, Oxford . La pintura fue
donada a la universidad por Martha Combe , la viuda deThomas Combe , impresor
de la Universidad de Oxford, Tractarian y mecenas de los prerrafaelitas, en el
año siguiente a su muerte en 1872, en el entendimiento de que colgaría en la
capilla (construida entre 1873 y 1876), pero el arquitecto del edificio,
William Butterfield , se opuso y no hizo ninguna provisión en su diseño. Cuando
se inauguró la biblioteca de la universidad en 1878, se colocó allí y se
trasladó a su posición actual solo después de la construcción de la capilla
lateral para acomodarla, en 1892-1895, por otro arquitecto, JT Micklethwaite .
Una segunda versión más pequeña
de la obra, pintada por Hunt entre 1851 y 1856, se exhibe en la Manchester City
Art Gallery , Inglaterra, que la compró en 1912. Hay pequeñas diferencias entre
esa y la primera versión, como el ángulo de la mirada, y la cortina de la
esquina de la capa roja.
El hecho de que, en ese momento,
Keble College cobrara una tarifa para ver la imagen, convenció a Hunt de pintar
una versión más grande, de tamaño natural, hacia el final de su vida. La
comenzó alrededor de 1900 y la terminó en 1904. El armador y reformador social,
Charles Booth , compró la obra y se colgó en la Catedral de San Pablo , Londres
. Se dedicó allí en 1908, luego de una gira mundial de 1905 a 1907, durante la
cual la imagen atrajo a grandes multitudes. Se afirmó que las cuatro quintas partes de la
población de Australia lo vieron. Debido a la creciente enfermedad y glaucoma
de Hunt, el pintor inglés Edward Robert Hughes lo ayudó a completar esta
versión.(quien también ayudó con la versión de Hunt de La dama de Shalott ). La
tercera versión difiere más de la original que la segunda.
Trachsel, Albert, (Nidau, 23 de diciembre de 1863 -Ginebra, 26 de enero 1929) Arquitecto, pintor y poeta suizo.
Sus padres se mudaron a Ginebra
cuando aún era un niño pequeño. Comenzó su educación artística estudiando
arquitectura en la École des Beaux-Arts de Ginebra y luego, en 1881, continuó
en el Polytechnikum Zürich y completó sus estudios en París en 1882. Mostró
algunos de sus primeros diseños arquitectónicos en 1885. Mientras estuvo en
París, conoció a Paul Gauguin, Stéphane Mallarmé, Paul Verlaine y Jean Moréas.
También se hizo amigo de por vida de Ferdinand Hodler. En 1890, presentó
diseños para el propuesto Palais de Rumine.
Tuvo su primera exposición
individual de dibujos en 1891 en la Société des Artistes Indépendants. Un artículo
sobre él de Stuart Merrill apareció en 1893 en La Plume, una revista simbolista.
Ese mismo año, publicó unos diseños arquitectónicos imaginarios, acompañados de
poesía, bajo el título Les fêtes réelles (Las verdaderas fiestas), que
pretendía ser el primer volumen de una trilogía llamada Poesía. Esto fue
seguido por Le Cycle ; el comienzo de otra trilogía incompleta llamada Armonía.
En 1901 regresó a Ginebra y, sin
ninguno de sus diseños realizados, se dedicó a la pintura. Viajó por toda Suiza
en 1903, creando acuarelas. De 1905 a 1914, pintó una serie de cuentos
fantásticos ilustrados llamados Paysages de rêve ("paisajes de
ensueño") que constituyen su obra principal. A partir de 1910 también
realiza bodegones con flores y frutas. Después de 1915, se dedicó por completo
a las acuarelas que representaban los alrededores de Ginebra.
Además de los escritos
anteriores, fue autor de una obra de teatro; Le Gnome Hombax chez les sorcières
( Hombax the Gnome and the Sorcerers ) y una novela; La Montagne fantastique
(La montaña fantástica).
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