Tani Bunchō (1764-1842)

Nanga o Bunjinga

Bunchō, Tani (Yedo o Edo, 1764 – 6 de enero de 1842) Pintor y tratadista japonés, discípulo de la escuela de Kano. Perteneció al movimiento Bunjinga, literatos pintura japonesa y poetas. Más tarde se estableció en Edo (la actual Tokio), donde trabajó.

Biografía

El Bunjinga, a veces también llamada Nanga, o "la pintura del Sur", es una pintura que se inspiró en gran medida por la pintura letrada china, pintura de paisaje y de tinta monocroma.

El padre de Tani Bunchō, Rokkoku, formaba parte de la casa de Tayasu, y era un poeta muy conocido. Tani Bunchō fue patrocinado por Matsudaira Sadanobu, un hijo de la familia Tayasu que fue uno de los principales asesores de Shōgun a mediados del periodo Edo.

Tani Bunchō empezó pintando en el estilo oficial de Kanō, antes de inclinarse hacia el estilo Bunjinga y Nanga. Sin embargo mantuvo una actitud más bien ecléctica, incorporando otros estilos con el suyo propio (la pintura "del Norte" oficial, la pintura occidental, Yamato-e y la antigua pintura tradicional japonesa).​

Tani Bunchō cuenta entre sus alumnos a Tachihara Kyosho y Watanabe Kazan.

Fuente: https://es.wikipedia.org/
           

Más obras

Vista de los ríos Xiao y Xiang (detalle), 1788

Paraíso terrenal de Wuling, 1790

Bernard Buffet (1928-1999)

Expresionismo. Escuela de París. 

Buffet, Bernard (París, 10 de julio de 1928 - Tourtour, 4 de octubre de 1999) Pintor, grabador e ilustrador francés.

Biografía

Buffet nació en París, Francia, estudió arte en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts (Escuela Nacional de Bellas Artes) y trabajó en el estudio del pintor Eugène Narbonne. Entre sus compañeros estaban Maurice Boitel y Louis Vuillermoz.

Contratado en exclusiva por Emmanuel David, luego extendido a Maurice Garnier, que le garantizaban exposiciones periódicas, Buffet produjo piezas religiosas, paisajes, retratos y algunas naturalezas muertas.

Buffet se casó con la escritora y cantante Annabel Schwob. Un discípulo de Buffet, Jean Claude Gaugy, fue el padre del Expresionismo lineal.

Se suicidó en su casa en Tourtour, al sur de Francia, el 4 de octubre de 1999. Buffet estaba sufriendo de Parkinson y no podía trabajar. La policía dijo que Buffet murió alrededor de las 16 después de meter su cabeza en una bolsa de plástico atada a su cuello con una cinta.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Obra comentada

Un puerto

Obra

El travesti, 1953

Montagne Sainte-Victoire, 1958

Un puerto de Bernard Buffet

Este conocido pintor y grabador francés otorgó a sus obras, con la ayuda de un cromatismo de tonos fríos, una atmósfera de melancólica, que le permitió transmitir la visión desoladora que tenía del mundo. Además de esta obra, fechada en 1972, realizó varias series de grandes cuadros, ilustraciones para obras literarias y decorados para el teatro. A pesar de la repetición incansable de la misma fórmula, la vasta obra de Buffet alcanzó una alta cotización en el mercado. Este hecho pone de manifiesto las contradicciones entre arte y especulación que vivimos actualmente y a las cuales no escapa ningún país.

(Galerie Garnier, París).

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Etapas de crueldad de Ford Madox Brown

El cuadro refleja una intensa preocupación por el contenido literario y el pintoresquismo folclórico. Estas características, transmitidas a través de Millais a todo el movimiento prerrafaelista, permiten considerar a Brown como padre de toda una escuela pictórica. Muy marcado por la influencia de los maestros flamencos barrocos y los románticos franceses, tras un período de aprendizaje en Italia volvió a Londres en 1848 y comenzó a relacionarse con Rossetti y otros colegas de su mismo círculo. Sus máximas cotas artísticas, sin embargo, las alcanzaría con los murales que le encargó el ayuntamiento de Manchester y sus diseños para muebles y vidrieras.

(City Art Gallery, Manchester). 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Antoine Bourdelle (1861-1929)

Escultura

Bourdelle, Émile-Antoine (Montauban, 30 de octubre de 1861-Le Vésinet-Yvelines, 1 de octubre de 1929) Escultor francés, discípulo y colaborador de Rodin. 

Biografía

Hijo de un ebanista, comenzó a adquirir conocimientos prácticos de talla siendo aún niño, haciendo figuras en el taller de su padre. Debido a estos conocimientos, no le fue difícil ingresar en la Escuela de Bellas Artes de Toulouse. En 1884, pasó a estudiar por medio de una beca a la Escuela Superior de Bellas Artes, donde fue discípulo de Falguiére, Dalou y de Carpeaux. En 1893 recibió el encargo de realizar el monumento commemorativo de la guerra en Montauban. En esta época su obra estaba muy influida por Rodin, a quien había conocido en París, y con quien trabajó como ayudante desde 1893 a 1898. Sin embargo, más tarde se reveló como un artista independiente, de categoría, desarrollando el estilo monumental, al que debe gran parte de su fama. La originalidad de este artista ha quedado a veces ensombrecida por su relación con Rodin, pero su amplia influencia sobre otros escultores más jóvenes ha sido muy importante. Sus obras se inspiraban en los escultores románicos y en los de la Grecia arcaica. Entre las más famosas se cuentan Hércules arquero, expuesto por primera vez en 1910; los relieves de la fachada del teatro de los Champs-Elysées en 1911 y del teatro de Marsella en 1924; el monumento ecuestre al general Alvear en Buenos Aires, y el Centauro moribundo, 1914.

Fuente: http://www.mcnbiografias.com/

 

Obra comentada

Rostro de Beethoven

Galería

Monumento a los muertos de
 la guerra de 1870, 1902

La Maternidad, 1893

Rostro de Beethoven de Antoine Bourdelle

Obra realizada en bronce en 1901, que demuestra la línea vanguardista de este escultor, discípulo de Rodin y, a su vez, maestro de grandes artistas como Giacometti y Maillol. 

(Museo del Ermitage, San Petersburgo). 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Fernando Botero (1932)

Arte Naíf

Botero, Fernando (Medellín, 19 de abril de 1932) Dibujante, pintor y escultor colombiano, el más importante artista colombiano de las últimas décadas, nacido en la ciudad de Medellín el 19 de abril de 1932.

Biografía

Aparte de los breves estudios realizados en la Academia de San Fernando de Madrid y luego en la de San Marcos en Florencia, hay que señalar que Fernando Botero es un autodidacto. Desarrolló un estilo personal: figurativo y realista. Empezó a los dieciséis años como dibujante del suplemento literario del periódico El Colombiano, cuando aún cursaba sus estudios en el colegio. A los dieciocho años, Botero fue expulsado del colegio de los jesuitas donde estudiaba bachillerato por haber publicado un artículo titulado Picasso y el no conformismo en el Arte. En 1951, realizó su primera exposición individual en Bogotá. Con el dinero allí recaudado, se estableció luego en Tolú. Después de participar en el IX Salón de Artistas Colombianos (Bogotá, 1952), donde obtuvo el segundo premio con su cuadro Frente al mar, y tras realizar dos exposiciones de sus obras en Santafé de Bogotá, a los 20 años viajó a Europa (Barcelona, Madrid, París, Florencia).

Ingresó en la Academia de San Fernando y trabajó durante un año en el Museo del Prado. Cuando volvió a su país, repitió sus éxitos en las exposiciones: en 1957, consiguió el segundo premio en pintura del X Salón de Artistas Colombianos, con su óleo Contrapunto; en 1958, primer premio en el XI Salón Nacional con el óleo La Camera degli Sposi. Aunque desde 1960 reside en el extranjero (doce años en Nueva York y luego en París e Italia), se siente el más colombiano de los artistas colombianos. Algunos de sus cuadros más famosos son: La comida con Ingres y Piero della Francesca (1972), Obispos muertos (1965), Dictador tomando chocolate (1969), Familia con animales colombianos (1970), Toro muriendo (1985), Muerte de Ramón Torres (1986), La Mona Lisa de doce años, Sillón con mandolina, El niño de Vallecas, Los músicos (1979), La madre priora (1980), La casa de los gemelos Arias y La apoteosis de Ramón Hoyos.

A partir de 1976, Botero se dedicó a la escultura. Su primera exposición como escultor tuvo lugar en el Gran Palais de París en 1977, con trece esculturas. Luego, en 1978, el artista presentó una serie de 32 obras en la Galería Brusberg de Hannover. La calidad de sus esculturas se hace más manifiesta cuando agiganta un fragmento del cuerpo humano o lleva al absurdo el contraste entre dos figuras o partes del cuerpo. Los más grandes reconocimientos al valor de su trabajo escultórico lo representan su exposición en los Campos Elíseos de París (1992) y en la Quinta Avenida de Nueva York (1993). Todos sus trabajos tridimensionales tienen un carácter arcaizante. Ello se debe, según explicaciones del propio artista, a su deseo de buscar las raíces en el arte precolombino y a cierta influencia del arte popular mejicano. Algunas de las características de sus obras son el feísmo, la monstruosidad y la deformación. El centro de sus obras es el hombre, pero el hombre que sobrevive atrapado en las convenciones de una sociedad. Muchas de estas figuras fueron posteriormente regaladas a algunos de los países que acogieron dichas exposiciones. Así, y por votación popular, Botero dejó dos esculturas en Madrid tras la gran exposición en 1994 en el Paseo de Recoletos, una Mano y una Maja desnuda. También dejó, asimismo, una escultura en el aeropuerto madrileño de Barajas titulada El rapto de Europa.

En abril de 2005 inauguró una exposición en el Palacio Venecia de Roma en la que presentó más de cincuenta pinturas cuyo motivo eran las torturas infringidas por soldados estadounidenses a presos iraquíes en la cárcel de Abu Ghraib durante la ocupación de Irak en 2003. Botero volvió a aparecer en las noticias en noviembre de 2009, saberse que una escultura suya, Mujer Fumando, fue subastada en la galería Christie´s de Manhattan, por un precio de 1 millón de dólares, el mayor importe pagado por una obra suya, superando al resto de artistas latinoamericanos que vendían sus obras.

Fuente: http://www.mcnbiografias.com/

Obras comentadas

Niña recién envejecida

Pintura

Obra

Mujer llorando, 1949

Retrato de un joven indio, 1952

Pintura de Fernando Botero

La imagen es un detalle de una de las obras de la primera época pictórica de este artista colombiano, en la que abundaban las referencias a la religiosidad y las figuras de monjas y obispos con una intención satírica. A pesar de haber vivido durante años en un exilio voluntario, Botero siempre ha insistido en llevar a su obra plástica sujetos que están cerca de la idiosincrasia colombiana.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Niña recién envejecida de Fernando Botero

En esta obra de uno de los máximos exponentes del arte hispanoamericano actual se puede apreciar una característica constante en su producción como es su afán por casar una aparente ingenuidad infantil con una sordidez en los contenidos, como pone de manifiesto en su serie de lienzos sobre las torturas de Abu Ghraib.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Escuela de Umbría

La llamada Escuela de Umbría es la denominación que recibe la escuela pictórica formada en el renacimiento en la región italiana de Umbría. Esta escuela es problemática, seguramente porque no es una escuela de iniciación o de plenitud, sino de transición. Ni siquiera están de acuerdo los historiadores del arte en sus límites cronológicos (para unos se inicia con Piero Della Francesca, para otros es la escuela de Perugino), ni aun geográficos estrictos; basta pensar que sus maestros son viajeros y reparten su producción, y aun la centran, en otros lugares; por ejemplo, Perugino tenía al mismo tiempo taller en Perugia y Florencia.

Ese momento de transición a que nos referimos acusa, y ésta es la personalidad de la Escuela de Umbría, un menor rigor del dibujo y la línea, y una preferencia cada vez más creciente por la luz y la atmósfera, traduciéndolas en la belleza y delicadeza del color, considerado en primer plano. Frente a la intelectualización y rebúsqueda de lo antiguo, de lo florentino, lo umbro sigue el camino tradicional de lo religioso cristiano, llegando incluso a lo piadoso y devocional; a severidad se opone ternura, a monumentalidad, gracia y, con frecuencia, un arte más superficial que el florentino, más limitado y, a veces, tocando con lo decorativo. Pero constituye el paso decidido, el camino a la pintura romana del pleno Renacimiento y el arranque de Rafael.

Se considera frecuentemente a Piero della Francesca como fundador de esta Escuela. Podría serlo en el sentido del color y la luz, pero a este excepcional y personalísimo maestro no podemos verle completamente lejos de la nobleza, severidad y monumentalidad florentinas; en todo caso, su producción queda al margen de todo lo posterior umbro. Los que son reputados como sus dos mejores discípulos se orientan de modo diferente al maestro. Uno de ellos es Melozzo da Forli (1438-94), así llamado por el lugar de nacimiento (Marco degli Ambrosio, en realidad); se pone en relación con Giovanni Santi, el padre de Rafael, que le introduce en la Corte papal, para la que trabaja abundantemente, decorando con grandes murales iglesias romanas y la de Loreto, siendo el precedente de Correggio en la representación de figuras planeando en el espacio; entre ellas, los bellísimos ángeles músicos, parte de un gran fresco desmontado, ahora en S. Pedro. El otro discípulo de Piero es Luca Signorelli, fuerte y dramático, incluso violento, gran dibujante y ajeno en general a las blanduras umbras; sus frescos en la catedral de Orvieto cuentan entre las obras fundamentales del quatrocento. En definitiva, es un heredero del arte florentina.

En sentido estricto y más justo, la Escuela umbra es Perugino y su influencia, su estilo concreto y amanerado es importante como nuevo concepto del espacio pictórico; su taller hubo de tener fama indudable; allí envía Giovanni Santi de Urbino -pintor modesto- a su hijo Rafael. En cierto modo, la originalidad de Perugino es el resumen de las experiencias del xv y allí estaba la base de la forma pictórica del XVI. Aquí se apoya sin duda Rafael, que también mantiene contactos con el boloñés Francesco Raibolini, llamado el Francia- muy nutrido también de Perugino-, y con Timoteo Viti, que ya no es peruginesco, pero que puede ofrecer algún contacto con Bernardino Betti, el Pinturicchio, alumno -como Perugino- de Fiorenzo di Lorenzo y que es un delicioso narrador, banal en ocasiones, entusiasta de las bellas imágenes, de lo lujoso y elegante, colorista fastuoso para el que el oro es un color también. Su obra es con frecuencia esencialmente decoración, pero desde luego de primer orden, como lo testimonia en las estancias Borgia del Vaticano, donde bordea un sentido preciosista de orfebre, que aparece también en sus cuadros, tales corno El regreso de Ulises (Londres), que ocupa en la pintura umbra el mismo puesto que en la veneciana puede ocupar la Historia de S. Úrsula de Carpaccio.

El arte umbro, especialmente el peruginesco, aparece después, sobre todo en el paisaje y su modo de interpretarlo, como estilización de vegetales y espacio. Esto ocurre principalmente en Roma, también en Florencia e incluso en la Venecia anterior a lo tizianesco. Los límites y las clasificaciones se hacen difíciles frecuentemente al tratar de separar las escuelas italianas de los s. XV y XVI.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Richard Parkes Bonington (1802-1828)

Pintado por Margaret Sarah Carpenter

Romanticismo

Bonington, Richard Parkes (Arnold, 25 de octubre de 1802 - Londres, 28 de septiembre de 1828) Pintor británico.

Biografía

Abandonó su país natal para instalarse con su familia a Calais, Francia. Mostró una fuerte vocación artística que le llevó a trasladarse, con dieciocho años de edad, a París, ciudad que se había convertido en el centro cultural de Europa y a la que acudían artistas de todos los puntos del continente, para ingresar en su Escuela de Bellas Artes, donde recibió la formación académica al uso que completó con las clases particulares del barón Antoine-Jean Gros, un artista que había sido alumno de David y que practicaba la tradición pictórica del retrato y el cuadro de historia. En estos años de formación en París cultivó la amistad de Delacroix que, con su concepto moderno del arte -en completa oposición al academicismo- y su carismática personalidad, influyó poderosamente en el joven artista.

Su muerte, a la temprana edad de veintiséis años, impidió que este prometedor artista desarrollase plenamente su potencial artístico. No obstante, su obra ha dejado una huella imborrable en la historia del arte. Fue uno de los primeros artistas en introducir la técnica inglesa de la acuarela (ver acuarela) en Francia y realizó una serie de paisajes con esta técnica muy notables, en los que mostraba su gran habilidad. Aunque también pintaba al óleo, fueron estas acuarelas las que le dieron fama. También introdujo la técnica del pochade, que practicó, junto con W. Turner y John Constable, un tipo de boceto rápido tomado del natural que más tarde se pondría de moda.

El carácter poético de su obra, espontánea y sensible, influyó mucho en la Escuela de Barbizón (escuela realista que, siguiendo las propuestas teóricas de Constable, se retiró al campo para observar la naturaleza con ojos limpios; pertenecieron a ella Jean-François Millet, Paul Huet y Corot, entre otros) y, de un modo indirecto, su obra contribuyó al nacimiento del impresionismo.

Sus obras se pueden contemplar en París, en el Museo del Louvre (Francisco I); en Londres, en la colección Wallas (Enrique IV) y en Nueva York, en el Museo Metropolitano (Escena costera, Normandía y Descanso al borde del camino), entre otros.

Fuente: http://www.mcnbiografias.com/

           

Obra

La costa adriatica, 1820

Vista frontal de la catedral, 1822