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Artistas de la A a la Z

Mary Beale (1633-1699)

Barroco

Beale, Mary (Barrow, Suffolk, 26 de marzo de 1633 - Pall Mall o Londres, 8 de octubre de 1699) fue una pintora inglesa de retratos y una de las retratistas más importantes del siglo xvii en Inglaterra. Ha sido reconocida como la primera pintora profesional inglesa.

Biografía

Beale nació en Barrow, Suffolk, hija de John Cradock, un rector puritano. Su madre, Dorothy, murió cuando ella tenía 10 años. Con 18 años, contrajo matrimonio con Charles Beale, un comerciante de telas de Londres. Su padre y su marido fueron pintores aficionados, y su padre fue miembro del Gremio de Pintores Tintoreros de Inglaterra, y estaba familiarizado con artistas locales como Nathaniel Thach, Matthew Snelling, Robert Walker y Peter Lely. Ella se convirtió en retratista casi profesional en las décadas de 1650 y 1660, trabajando desde su casa, primero en Covent Garden y más tarde en Fleet Street.

La familia de Mary Beale se trasladó a una granja en Allbrook (Hampshire) en 1665 debido a dificultades financieras (su marido perdió su empleo como empleado de patentes) y también debido a la Gran Plaga de Londres. Vivió los siguientes cinco años en un aserradero de madera que adaptó como vivienda para su familia y como estudio de pintura.

Regresó a Londres en 1670 y estableció su estudio en Pall Mall, donde su marido trabajó como su asistente, mezclando pinturas y llevando sus cuentas. La empresa fue un éxito y el matrimonio hizo un círculo de amigos destacados de la época, incluidos el poeta Thomas Flatman, Samuel Woodford, el Arzobispo de Canterbury John Tillotson y los obispos Edward Stillingfleet y Gilbert Burnet. Mary Beale se reencontró con Peter Lely, quien era ahora Miembro del Tribunal de Justicia y artista exclusivo de Carlos II de Inglaterra. Su trabajo posterior estuvo fuertemente influido por Lely, en especial sus retratos suelen ser copias o miniaturas de las obras de Lely.

Uno de sus hijos, Bartolomé, murió joven. Su segundo hijo, también llamado Bartolomé, se dedicó a la pintura antes de convertirse en médico. Un tercer hijo, Charles Beale también fue pintor y se especializó en la creación de miniaturas. Los problemas económicos de la familia no se solucionaron pese a la popularidad de Mary como retratista debido los grandes egresos en la compra de insumos y obras de arte y los gastos que implicaba atender a sus numerosos invitados y patrocinadores. En los últimos años de su carrera la pintora experimentó con soportes más económicos, que incluían bolsas de cebollas, por ejemplo, y Charles realizó un detallado registro de estos experimentos y del resultado obtenido con los nuevos soportes e imprimaciones.

El estilo de retrato de Corte comenzó a perder popularidad y la clientela de Mary se redujo considerablemente hacia 1680, viendo reducidos sus encargos a un promedio de 39 anuales. En el tiempo que no trabaja en algún encargo, Mary practicaba realizando pequeños estudios. Utilizó varios técnicas, que incluían el óleo, la acuarela y los pasteles. Trabajó hasta el año de su muerte, en 1699. Su hijo Bartholome pintó retratos antes de dedicarse por completo a la medicina y Charles se dedicó a la pintura, especialmente de miniaturas. Mary Beale está enterrada en St. James, Piccadilly. Su marido murió en 1705.

Fuente: https://es.wikipedia.org/ 

Galería
Anna María, condesa de Shrewsbury (1642-1702), 1659

El joven Baco, 1660

Jack Youngerman (1926-2020)



Youngerman, Jack (St. Louis, Missouri, 25 de marzo de 1926 - Stony Brook (New York), 19 de febrero de 2020) es un artista conocido por sus construcciones y pinturas.

Biografía

Jack Youngerman nació en 1926 en St. Louis, Missouri, y se mudó a Louisville, Kentucky en 1929 con su familia. Estudió arte en la Universidad de Carolina del Norte de 1944 a 1946 bajo un programa de entrenamiento de la armada en tiempos de guerra, y se graduó en la Universidad de Missouri en 1947. En el otoño de 1947, Youngerman se mudó a París con una beca GI; se matriculó en la Ecole des Beaux-Arts donde estudió con Jean Souverbie. Viajó a los Países Bajos, Bélgica, España, Italia y Grecia, para visitar museos de arte y sitios históricos. En 1948 formó una amistad de por vida con Ellsworth Kelly y también conoce a Eduardo Paolozzi y César, cada uno de los compañeros de la Ecole des Beaux-Arts. En 1950, Youngerman se casó con la actriz francesa Delphine Seyrig (1932-1990).

Ese mismo año, Youngerman tuvo su primera exposición grupal, Les Mains eblouies en Galerie Maeght en París, que también incluyó a Pierre Alechinsky, Eduardo Chillida y Corneille. Visitó los estudios de Constantin Brancusi y Jean Arp con Kelly, y se vio influenciado por su sentido de la forma orgánica. Conoció a Alexander Calder a través de su suegro, Henri Seyrig, un reconocido arqueólogo y agregado cultural de la delegación francesa libre en los Estados Unidos. Durante este tiempo se interesó en el resurgimiento de la abstracción geométrica en París, especialmente en exposiciones como el Salon des Réalités Nouvelles.que incluía a Max Bill, Auguste Herbin y Richard Lohse. Youngerman también visitó el Salón de Mai para ver el trabajo más actual de los artistas de la Escuela de París, entre ellos maestros como Henri Matisse.


Galaría 
Construcción azul blanco, 1951

Centering, 1952


Hans Hofmann (1880-1966)



Hofmann, Hans (Weissenberg, Baviera, 21 de marzo de 1880 – Nueva York, 17 de febrero de 1966) Pintor estadounidense de origen alemán.

Biografía

En 1904, marchó a París y pasó diez años nutriéndose del arte moderno europeo, relacionándose con los principales artistas de la vanguardia de movimientos como el fauvismo y el cubismo. En 1915 abrió una escuela de arte en Múnich y hasta 1936 se consagró a la enseñanza sobre todo en los Estados Unidos, especialmente en las sesiones de verano de la Universidad de California - Berkeley y en la Art Student League de Nueva York, después abrió su propia escuela de arte en esta última ciudad.

Jackson Pollock, Lee Krasner, Clement Greenberg, Mark Rothko son algunos de sus alumnos. Antiguo ayudante de Robert Delaunay, Hans Hofmann conoció muy bien la escena parisina de los años 1930, en particular los otros asistentes de Delaunay que se quedaron en París durante la guerra. Él sintetizó la pintura francesa mediante la teoría de «Push and Pull». En 1958 dejó la enseñanza para consagrarse a la pintura hasta su muerte en 1966.

Influyó en el desarrollo del Expresionismo abstracto. Introdujo la tercera dimensión en sus cuadros y los transformó en campos de fuerzas dinámicas.

Hofmann pensó que el acto de pintar comportaba significaciones psicológicas. Se distingue de la pintura pesimista de los expresionistas abstractos de su época por la expresión de su alegría de vivir.


Obra comentada


Galería


Expresionismo abstracto
Sin título, 1943

Formas en negro, 1944

Obra de Hans Hofmann. Cubismo.

Ciudad de provincias, 1942

Ciudad de provincias, 1942

Sin título, 1942

El ventana, 1950

Magenta y azul, 1950

 

Obra de Hans Hofmann. Expresionismo.

Saint Tropez, 1928

Sin título, 1928

Sin título, c.1929

Autorretrato, 1932

Autorretrato con pinceles, 1942
 

Obra de Hans Hofmann. Fovismo.

Mesa con tetera, florero verde y flores rojas, 1936

Composición interior, 1935

Muchacha japonesa, 1935

Paisaje, 1935

Suburbio, 1936
Mesa con tetera, florero verde y flores rojas, 1936

Tabla de color amarillo en verde, 1936

Naturaleza muerta interior, 1941

Sin título, 1941

Obra de Hans Hofmann. Pintura de acción.

El viento, 1942 - 1944

Don Quijote, 1963

En la inmensidad del dolorosos pensamientos, 1963

Obra de Hans Hofmann. Puntillismo.

Autorretrato, 1902

 

Rapsodia azul de Hans Hofmann


Pintado en 1963, Hofmann fue un excelente maestro y un notable teórico que formó a la joven generación del expresionismo abstracto estadounidense. Con influencias del fauvismo, del cubismo y del expresionismo alemán, la gran variedad de su temática le lleva del romanticismo lírico hasta la exacta geometría. Aquí lo que importa no es tanto la pintura como el acto mismo de pintar.

(Fogg Art Museum, Harvard)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

George Caleb Bingham (1811-1879)

Arte naíf. Romanticismo.

Bingham, George Caleb (Condado de Augusta, Virginia, 20 de marzo de 1811 - Kansas City, Misuri, 7 de julio de 1879) fue un pintor estadounidense.

Biografía

Bingham pasó su infancia en Franklin, Misuri, donde su padre tenía una plantación de tabaco. Se formó como ebanista. Trabajó como retratista por todo el país. Luego estudió teología, derecho y arte, esto último en la Academia de Arte de Filadelfia, entre 1837 y 1838.

George Bingham es el pintor del mito americano, representando escenas que destacan el papel positivo de los colonos en la contribución de la civilización a las tierras salvajes. Escenas de caza y vida diaria sobre los ríos (serie de los «barqueros») contribuyeron a forjar su renombre nacional a partir de 1840. Fue contratado por el Partido Demócrata y expresó su pasión por la política pintando una serie de cuadros que representan la alegría popular en los períodos de elecciones.

George fue elegido para la Asamblea General del Estado de Misuri en 1848. Acudió a estudiar y formarse en Europa en 1856. Hasta 1859 estudió arte con los miembros de la escuela de Düsseldorf en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, Alemania. Según los críticos, esto hizo que abandonara su estilo estadounidense rústico y evolucionara hacia un trazo más incisivo. A su regreso, comenzó a pintar menos, volviéndose hacia la política en los años posteriores a la Guerra Civil y sirviendo como tesorero del estado. También fue presidente del Consejo de comisionados de policía para Kansas City, Misuri en 1874, siendo nombrado primer jefe de policía. Hacia el final de su vida fue profesor de arte en la Universidad de Misuri–Columbia.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Galería
Dr. John Sappington, 1834

Jane Breathitt Sappington, 1834

Germain Boffrand (1667-1754)



Boffrand, Germain (Nantes, 16 de mayo de 1667-París, 19 de marzo de 1754) Arquitecto y decorador francés. 

Colaborador de Jules Hardouin-Mansart, Boffrand fue uno de los principales arquitectos del estilo Regencia que él contribuyó a crear. Ayudó a introducir el estilo rococó en Francia por su integración con la arquitectura clásica del reinado de Luis XIV. Deseoso de conservar la monumentalidad clásica, en sus exteriores mantuvo un clasicismo barroco tardío con algunas innovaciones en la ordenación del territorio que eran excepcionales en Francia1​ y trató de limitar la ornamentación rococó a los apartamentos interiores, que utilizó con gran maestría y que culminó en sus interiores del Hôtel de Soubise. Autor de un tratado, Le livre d'architecture [El Libro de Arquitectura] (1745), en el que se grabaron sus principales edificios, sus obras popularizaron el gusto francés en Europa.

Biografía

Nieto de Mathurin Boffrand, pintor y maestro escultor en Machecoul en Bretaña, hijo de Jean Boffrand maestro escultor y arquitecto en Nantes, Germain Boffrand era el segundo hijo de una familia de doce hijos. Durante su infancia participó en las obras de su padre, que era un reconocido retablista nantés.

Adolescente, siguió estudios superiores en la Universidad de Nantes, para convertirse en maestro de las artes al igual que su hermano mayor Guillaume. Llegó a París acompañado de su madre, hermana del poeta Quinault, después de 1682. La primera mención atestiguada de Boffrand en París es de fecha 19 de septiembre de 1685, cuando asistió con su madre a la boda de la hija mayor de Philippe Quinault con Charles Le Brun, sobrino y ahijado del gran pintor Charles Le Brun, premier peintre del rey Luis XIV y director de la Académie royale de Peinture et de Sculpture.

Introducido por su tío, Philippe Quinault, en los círculos de la Corte y de la Villa, era académico y artista, pero también interesado en el proceso de construcción, en el corte de las piedras, la metalurgia y las nuevas tecnologías (los proyectos de motor de vapor para la elevación del agua). Se unió a la agencia de Jules Hardouin-Mansart, y al año siguiente, en 1686, ya aparece en las cuentas de los Bâtiments du Roi [edificios del rey] donde está ocupado dibujando la plaza Vendôme2​ y luego en la Orangerie del Palacio de Versalles, siendo un colaborador valioso.

Dejó los Bâtiments du Roi en 1699 y comenzó a trabajar para una clientela privada esencialmente parisina. En ese año 1699 Charles II Le Brun, su pariente, había heredado los bienes de su célebre tío y confió a Boffrand la construcción de un hôtel particulier para su propio uso. Boffrand todavía era poco conocido, pero esa residencia le proporcionó una cierta notoriedad entre la aristocracia parisina. El hôtel presenta una planta masiva, bastante nueva en el momento. Sus cuatro fachadas recibieron un tratamiento decorativo, pero carente de pilastras o columnas. En el lado de la calle, la fachada principal se centra en un antecuerpo de tres vanos, coronado por un frontón triangular que tiene las armas de los Le Brun rematado con una corona condal.

El éxito le llegó rápidamente y le llegaron encargos de princesas de sangre y príncipes extranjeros. De manera general, Boffrand apenas trabajó para el rey, sino para clientes privados, iluminados y ricos, dispuestos a aceptar audacias arquitectónicas impensable en los edificios oficiales. París le debe muchas de sus más bellas mansiones, diseñadas con tanto virtuosismo como diversidad: el Petit Luxemburgo (1709), construido para la princesa Palatina, viuda del príncipe de Condé, el hotel Amelot (1710) con la impresionante fachada cóncava cubierto de pilastras, el palacio del Arsenal con su ordenación varonil coronada de cañones (1712), los hôteles en Torcy y Seignelay (1713) cuyas fachadas gemelas se elevan por encima del Quai d'Orsay.

En 1709, fue el responsable del diseño interior de los apartamentos del hôtel de Soubise (trabajos retomados en 1732) y luego reconstruyó en el ducado de Lorena, el castillo de Aulnois para la familia de los Armoises.

Fue admitido en la Académie royale d'architecture en 1709, puesto que conservaría hasta su muerte. En 1710, participó en la ampliación del Palais Bourbon. En 1732 fue nombrado inspecteur général des ponts et chaussées [Inspector General de Puentes y Caminos] e hizo proyectos para reestructurar y consolidar el barrio de les Halles. Participó en el concurso para la plaza de Luis XV. Nombrado arquitecto jefe del Hospital General en 1724, construyó en la île de la Cité el nuevo hospital de Enfants-Trouvés (expósitos) (1748, destruido). También trabajó en los hospitales, en la Salpêtrière, en Bicêtre, en el Hôtel-Dieu.

En el extranjero Boffrand participó en la construcción del castillo de los duques de Lorena en Lunéville desde 1709 y después fue nombrado «Premier Architecte» del duque Leopold I en 1711. Al mismo tiempo, construyó para el marqués de los Armoises, gobernador de los hijos del duque, el castillo de Aulnois en Aulnois sur Seille. También construyó una fuente y un pabellón de caza en los jardines de un castillo del príncipe elector de Baviera Maximiliano II Emmanuel y trabajó con Balthasar Neumann en 1724 en la Residencia de Wurzburgo (1719–1744).

Boffrand se convirtió en miembro de la Royal Society el 10 de enero de 1745.

Tuvo por alumnos a François Dominique Barreau de Chefdeville, Charles-Louis Clérisseau y Emmanuel Héré, arquitecto de la plaza Stanislas de Nancy. Murió en París a los 87 años.


Obra comentada

Galería


Vista del Hôtel Le Brun, Paris, 1700

Château d'Aulnois-sur-Seille, Moselle, Lorraine, 1703

Salón oval del Hotel Soubise, de G. Boffrand, París

 


Esta sala es una buena muestra de la decoración rococó en todos sus elementos, desde la ornamentación pictórica hasta los estucos de las paredes y la decoración escultórica del mobiliario, que se unifican de manera abarrocada conformando un espacio interior muy característico de la época.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Alejandro Bustillo (1889-1982)




Bustillo, Alejandro (Buenos Aires, 18 de marzo de 1889 – 3 de noviembre de 1982) Arquitecto, pintor, escultor y académico argentino. Uno de los arquitectos más relevantes de la historia de Argentina.

Fue el autor de numerosas obras arquitectónicas públicas y privadas, entre las que se cuentan el Hotel Llao Llao, el Complejo Bristol que incluye el Hotel Provincial y el Casino de Mar del Plata. En Buenos Aires diseñó la casa central del Banco de la Nación Argentina, el banco Tornquist, el Hotel Continental, viviendas como la de Victoria Ocampo.

Biografía

Nacido en la ciudad de Buenos Aires, Argentina el 18 de marzo de 1889, Alejandro Bustillo era hijo de María Luisa Madero y del doctor José María Bustillo, perteneciendo a una familia de estrato social alto y de largo arraigo en América, pues según declaraciones suyas, desciende en línea directa por rama materna de las hijas de Túpac Inca Yupanqui y Huayna Cápac, quienes se casaron con conquistadores. Su hermano Exequiel Bustillo fue propulsor de los Parques Nacionales argentinos.

Durante su infancia pasó largas temporadas en estancias pampeanas junto a su familia y donde comenzó su interés por la construcción.

Terminó sus estudios secundarios en el Instituto Politécnico Superior Otto Krause. Luego estudió en la Escuela de Arquitectura, que por entonces dependía de la Facultad de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales de la Universidad Nacional de Buenos Aires: escuela de clara orientación academicista donde fue alumno del hispano-noruego Alejandro Christophersen, el beauxartiano más notable de la época, del eclecticista Pablo Hary en Teoría de la Arquitectura, del francés Eduardo Le Monnier, y ya en los tramos finales de la carrera, de René Karman, un entusiasta difusor del neoclasicismo francés.

En 1912 interrumpió sus estudios temporalmente para dedicarse a su otra pasión, la pintura. Tras esto, en 1912 obtuvo el Primer Premio del Salón Nacional de Pintura del Museo de Bellas Artes con su autorretrato.

Finalmente se graduó en 1914 de arquitecto. El 8 de agosto de 1917 se casó con Blanca Ayerza (1892-1978), con quien tuvo 8 hijos; César, Jorge, Alejandro, Mario, Nelly, Marta, Blanca e Inés.​

En los comienzos de su carrera se inclinó notablemente por los cánones compositivos de la arquitectura griega, y su gran referente de inspiración fue Albert Speer, el arquitecto de Hitler. De este último emuló los lineamientos austeros pero monumentales, y los plasmó en sus mayores obras como el Hotel Provincial de Mar del Plata, y la sede central del Banco Nación en Buenos Aires, entre otros.​

Fue nombrado miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes.

           
Obra
Edificio tornquist, 1925

Hotel Continental, 1927

Jost Amman (1539-1591)

 


Amman, Jost (Zurich, 12 de junio de 1539 - Nuremberg, 17 de marzo de 1591) Grabador y dibujante suizo. Se le considera el creador del libro ilustrado alemán. De su obra destaca la ilustración de la Biblia de Frankfurt (1564-79), así como una serie de retratos de príncipes de Baviera.

Hijo de un profesor de lógica y estudios clásicos, se sabe poco de su historia personal más allá del hecho de que se trasladó a Núremberg en 1560, donde continuó residiendo hasta su muerte en marzo de 1591. Trabajó inicialmente con Virgil Solis, entonces un prolífico grabador e ilustrador de libros. La productividad de Amman fue muy notable, como se desprende de la declaración de uno de los alumnos de su taller, que señalaba como los grabados realizados durante cuatro años habrían llenado un carro de heno. Un gran número de sus originales se encuentran en el Kupferstichkabinett de Berlín. Se le atribuyen unos 1500 dibujos. Fue uno de los últimos grandes productores de grabados en madera para ilustrar libros, ya que durante esa época la matriz de los grabados pasó paulatinamente de la madera al metal. Aunque, al igual que la mayoría de los artistas de grabado en madera, normalmente dejaba a un tercero especialista el corte del bloque con el grabado, la aparición de un cuchillo de cortar madera y una pluma de ave en algunas de sus obras, sugiere que, en ocasiones, Amman cortó sus propios bloques.

Entre sus trabajos destacan una serie de grabados de los reyes de Francia, con una breve biografía de cada uno, que apareció en Fráncfort del Meno en 1576. También ejecutó muchos de los grabados en madera que ilustran la Biblia publicada en Fráncfort por Sigismund Feierabend. Otra serie de gran valor es la Panoplia Omnium Liberalium Mechanicarum et Seden-tariarum Artium Genera Continens, con 115 ilustraciones. Los dibujos de Ammán son minuciosos y precisos en los detalles, sobre todo en la vestimenta.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obra
Constructor, 1536

Libro de los Oficios, 1539

Constantin Brancusi (1876-1957)



Brancusi, Constantin (Hobita, Rumanía, 19 de febrero de 1876 - París, 16 de marzo de 1957) Escultor rumano, pionero de la escultura abstracta. 


Fue uno de los grandes innovadores y creadores de la escultura moderna.

Biografía

Entre 1894 y 1898 estudió en Cracovia, en la Escuela de Artes Oficios, donde se especializó en escultura y se graduó con honores. A partir de 1898 hasta 1901 estudió en Bucarest, en la Escuela de Bellas Artes. En 1903 abandonó Bucarest y viajó por Europa. Llegó a París en 1904 y al año siguiente se inscribió en la Escuela de Bellas Artes. De esta época datan Retrato de Nicolae Darascu (1906) y Tormento, donde se deja ver la influencia de Rodin, a quien conoció en 1906, con motivo de su participación en el Salón de Otoño y en cuyo estudio trabajó durante algún tiempo.

En 1907 comenzó su madurez artística. Abandonó la Escuela de Bellas Artes y recibió el encargo de hacer un mausoleo para Petre Stanescu, fruto de sus frecuentes contactos con su país de origen. Las figuras son de bronce y están modeladas en formas atrevidas y simples, mostrando un alejamiento de Rodin y de la tradición. En este mismo año hizo El beso, como contestación a la famosa pieza de Rodin; es una antítesis de ésta y en ella desarrolla ya su propio lenguaje. La obra está tallada directamente, con forma de bloque. Esta pieza, la primera de seis versiones, marcó el cambio de rumbo de Brancusi. En París frecuentó a Modigliani (a quien enseña a esculpir), LégerMatisse, Duchamp y Rousseau.

En los tres años siguientes experimentó con estilos primitivistas al igual que sus contemporáneos Picasso, Derain y Epstein. En 1913 expuso cinco piezas en el Armory Show de Nueva York y al año siguiente realizó su primera exposición individual en la galería de Alfred Stieglitz. Conoció a su protector y mayor coleccionista, el abogado John Quinn.

La guerra no le afectó, debido a su nacionalidad, y se quedó en París, trabajando normalmente. Aunque Brancusi nunca fue miembro de ningún movimiento artístico organizado, en los años veinte frecuentó a Tristan Tzara, Picabia, Duchamp y a muchos otros dadaístas. Su fama se consolidó en estos años y, en 1921, The Little Review le dedica un número especial.

Por estos años Brancusi había desarrollado sus imágenes en bronce y mármol. Parecen a primera vista abstractas y muy simples, geométricas y simétricas, pero de hecho son siempre representaciones, y sus formas son alusivas y sutiles. Como Brancusi dijo: "hay imbéciles que dicen que mi obra es abstracta; eso que ellos llaman abstracto es lo más realista, porque lo que es real no es el exterior sino la idea, la esencia de las cosas".

En 1920 Princesa X fue sacada del Salón de los Independientes, porque sus formas parecían indudablemente fálicas. En 1926 las aduanas estadounidenses declararon que Pájaro en el espacio, una pieza de bronce pulido, no era una obra de arte sino un objeto manufacturado en el extranjero y, por tanto, sujeto al pago de una tasa. En 1928, empero, los jueces sentenciaron que se trataba de una obra de arte.

Paralelamente a estas obras, Brancusi desarrolló, a partir de 1913, importantes trabajos en madera tallada. La imagen de éstos es bastante distinta: sus tallas en madera son primitivistas y remiten al arte tribal. Algunas veces creó también en madera formas suaves, como en mármol o bronce; es el caso de Torso de joven (1922), Gallo (1924) o Retrato de Nancy Cunard (1928).

La temática de Brancusi durante los años posteriores está basada en los mismos motivos que ya había desarrollado excepto algunas imágenes nuevas, como Animal nocturno (1930), La gaviota (1936) y Tortuga (1941). Éstas se deben a que su imaginación tomó un nuevo rumbo durante los años treinta, a consecuencia de sus viajes por Europa y, más significativamente, por Egipto y La India. Se interesó por el misticismo oriental y, por ello, el maharajah de Indore, que le había comprado tres versiones de Pájaro en el espacio, le propuso que diseñara un templo de meditación que nunca fue construido. Sin embargo, sí se llevó a cabo otro gran encargo, El monumento a los héroes de la Primera Guerra Mundial (1934) en Tirgu Jiu, la ciudad donde Brancusi pasó su adolescencia.

En 1937 ejecutó tres monumentos que fueron tan arquitectónicos como escultóricos, diseñados para la contemplación espiritual y estética. La columna infinita es un rosario rígido de prismas romboidales de 32 metros de altura, mientras que La mesa de silencio es como una gigantesca piedra de molino sobre la hierba rodeada por doce estelas de piedra. La puerta del beso está constituida por dos columnas monolíticas de sección rectangular y el dintel es un desarrollo de su obra de 1907, El beso. Ahora estilizada como si fuera un jeroglífico, convertida en un símbolo de fusión de los opuestos, una unión de sexualidad trascendida, donde lo masculino y lo femenino son partes iguales de un universo. Es la antítesis de la Puerta del infierno de Rodin. Es, pues, la antítesis de la Puerta del infierno de Rodin.

A partir de 1939 trabajó sólo en París. Su última escultura está fechada en 1949 (El gran gallo). En 1952 adquirió la nacionalidad francesa.

Murió en París el 16 de marzo de 1957, después de haber legado su estudio y las obras que contenía al Patrimonio Nacional de Francia.

En mayo de 2005 su escultura L'oiseau dans l'espace alcanzó la cifra récord de 21 millones de euros en una subasta realizada en la casa Christie's de Nueva York, lo que convirtió a Brancusi en el escultor más caro de la historia.


Obras comentadas


Galería


Expresionismo
El beso, 1907

El orador, 1907

Ignacio Asúnsolo (1890-1965)



Asúnsolo, Ignacio (Hacienda de San Juan Bautista, Durango, 15 de marzo de 1890 - Ciudad de México, 21 de diciembre de 1965) Escultor mexicano. Estudió en París. Participó activamente en la Revolución mexicana (1913-17), cuyas incidencias reflejó en algunas de sus obras de aquel tiempo. Creador de muchos monumentos de la ciudad de México (entre ellos los dedicados al general Orellana y a Emiliano Zapata) y en otros lugares del país. Fue catedrático en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en la Escuela de Artes Plásticas de la Univ. Nacional Autónoma.

A poco de nacer su familia se instala en Hidalgo del Parral, Chihuahua. Comenzó a modelar en barro a los seis años de edad, imitando a su madre, quien lo hacía con destreza y placer. Ingresa al Seminario Conciliar. En 1904 toma clases de escultura con el italiano Pellegrini, en la ciudad de Chihuahua. En 1908 ingresa en la Escuela Nacional de Bellas Artes.​ Continuó sus estudios desde 1919 en L'Ecole des Beaux-Arts en París. A su regreso a México en 1921 comenzó una productiva carrera como maestro y artista, usando un naturalismo académico a monumentos oficiales públicos de inspiración nacionalista tales como el monumento a la Paternidad (1924, Cd. de México, Museo Nacional de Historia). Sus trabajos más ambiciosos relativos a la Revolución son el Monumento a Obregón (1933, Cd. de México, Av. Insurgentes), La Familia Proletaria (1934, Cd. de México, Instituto Politécnico Nacional), y el Monumento a Francisco Villa (1957, Chihuahua, Av. División del Norte). Asúnsolo esculpió la estatuilla denominada Ariel con la que se premia a lo mejor del cine mexicano, inspirado en el libo del mismo nombre escrito por José Enrique Rodó y la obra La Tempestad, de William Shakespeare2​. También trató otros temas, tales como desnudos femeninos y retratos, a veces en madera o bronce, que contienen referencias al arte precolombino. En esencia fue un artista que opuso resistencia al cambio, un tradicionalista inteligente y brillante.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obra
Desnudo, 1919

Monumento a Álvaro Obregón, 1935

Punto al Arte