Alfaro Hernández, Andreu (Valencia, 5 de agosto de 1929 – 13 de diciembre de 2012) Escultor español.
Biografía
Andreu Alfaro Hernández nació en Valencia en 1929. Artista autodidacta, era hijo de un carnicero.
Relacionado con el Grupo Parpalló (1957) e influido por los constructivistas, como Constantin Brâncuşi o Antoine Pevsner, y por Jorge Oteiza. Sus obras, expuestas en la Bienal de Venecia del 1966 My Black Brother, lograron un eco internacional.
A finales de la década de 1960 experimentó profusamente con materiales metálicos como el acero y el aluminio. En 1980 experimentó con el alambre y el mármol. El mismo año recibió el Premi d’Honor Jaume I y en 1981 el Premio Nacional de Artes Plásticas. En 1991 la diputación de Valencia le concedió el Premio Alfons Roig d’Arts Plástiques.
Existen obras de Andreu Alfaro en museos de todo el mundo y en las vías públicas de muchas localidades, particularmente en España. Sus obras más importantes fueron La rella (1961), La veu d'un poble (1964-1965), Monument a l’amor (1965-1967), Bon dia llibertat (1975) y Catalan power (1976).
El cantante Raimon le dedicó una canción en 1978 (Andreu, amic).
Bayéu y Subías, Francisco (Zaragoza, 9 de marzo de 1734 - Madrid, 4 de agosto de 1795) Pintor español, miembro de una notable familia de pintores entre los que se encontraban sus hermanos Ramón y Manuel.
Biografía
Nació en Zaragoza en 1734. Fueron sus maestros Juan Andrés Merklein, José Luzán y Antonio González Velázquez. Laureado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1758, pintó para iglesias y conventos de Zaragoza, como la cartuja de Aula Dei.
En 1763, Anton Raphael Mengs lo llamó a Madrid para colaborar en la decoración del Palacio Real. Bajo la protección de Mengs, consiguió ser el artista más influyente de Madrid. En 1767 es nombrado pintor de la corte de Carlos III de España.
Junto con su hermano Ramón y bajo la dirección de Mengs, realizó cartones para la Real Fábrica de Tapices o Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. Muchos tapices estaban destinados a los palacios reales, pudiendo encontrarse algunos elaborados sobre dibujos de Bayeu en el Salón de Consejos del Palacio de El Pardo, entre otros.
Protegió a Goya, introduciéndolo en la corte. Goya se casó con la hermana de Francisco, Josefa Bayeu, en 1773.
Pintó decoraciones para distintos palacios reales, especialmente con alegorías: Palacio Real de Madrid, Palacio de Aranjuez, Palacio de El Pardo, Palacio de La Granja de San Ildefonso (Segovia). Igualmente, pintó para diversas iglesias: Colegiata de San Ildefonso, Convento de la Encarnación (Madrid), Basílica del Pilar (Zaragoza), claustro de la Catedral de Toledo.
En 1783 es nombrado director de pinturas para la Real Fábrica de Tapices y, en 1788, director de la Academia de Bellas Artes. Dedicó sus últimos años al retrato y falleció en Madrid en 1795.
Es un boceto que su hermano Ramón amplió hasta el tamaño de cartón para tapiz. La escena está realizada con un delicado colorido de finos grises, azules y rosados.
Enríquez Gómez, Carlos (Zulueta,
antigua provincia de las Villas, Cuba, 3 de agosto de 1900 - 2 de mayo de 1957)
fue un pintor a quien se considera uno de los artistas de la Primera Vanguardia
Cubana.
Fue un pintor de grandes
cualidades naturales cuyo único estudio formal lo realizó por poco tiempo en la
Academia de Bellas Artes de Pensilvania y luego regresó a su país en 1925. En
1927 dos de sus obras consistentes en desnudos femeninos fueron retiradas de la
Exposición de Arte Nuevo por "realismo exagerado", lo que le movió a
volver al extranjero y se dirigió a España y Francia, viaje en el que recibió
influencia que incidió en su obra. Alejo Carpentier afirmó que ese viaje le
apartó de toda su potencialidad de escándalo y, según los críticos, fue la
época donde realizó sus mejores obras, tales como Primavera bacteriológica,
Crimen en el aire con Guardia Civil y su Virgen del Cobre, cuadro
en el que el tópico afrocubano asume un sincretismo religioso, símbolo del
mestizaje antillano que se contrapone a la imagen tradicional de la Patrona de
Cuba, dada por el cristianismo.
En 1935 se radicó en forma
definitiva en su país y comenzó a definir nuevas orientaciones plásticas,
referidas al ambiente rural de Cuba, etapa que identificó como "el
romancero guajiro". En ella, sin abandonar el erotismo y la anatomía
femenina, recogió en sus obras las leyendas del campo, la imagen de héroes y
bandidos, el recuerdo de los patriotas y una fina denuncia social. Pertenecen a
ese período, entre otros, los cuadros Las bañistas de la laguna, Campesinos
felices, Dos Ríos, El rapto de las mulatas, Rey de los
Campos de Cuba y Combate, que lo ubican a la vanguardia del
modernismo cubano. En 1935 fue premiado en el Salón Nacional de Pintura y
Escultura con su óleo Manuel García, rey de los campos de Cuba.
Además de la pintura incursiona
en la literatura y le pertenecen las novelas Tilín García, La Feria de
Guaicanama y La Vuelta de Chencho. Hace exposiciones en países como Estados
Unidos y México.
Carlos Enríquez fue un rebelde
del pincel; en su discurso pictórico tomaron protagonismo los símbolos propios
de la nacionalidad cubana: la Palma Real, lo mestizo, la luz del trópico y, además,
se destacó por su forma de reflejar en sus obras la belleza del cuerpo
femenino, razón por la que chocó con sus contemporáneos. Considerado como uno
de los mejores artistas de la plástica cubana de la primera mitad del siglo XX,
sus cuadros se encuentran en el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana.
Moore, Henry (Castleford, 30 de julio de 1898 -Much Hadhman, 31 de agosto de 1986) Escultor y dibujante británico.
Hijo de un minero, estudió en la Escuela de Arte de Leeds y en el Royal College of Art de Londres. En su obra temprana se percibe el impacto de la escultura moderna europea pero, sobre todo, del arte arcaico egipcio, etrusco, precolombino y africano. A partir de 1926 trabajó preferentemente el motivo de la mujer reclinada, que procede de la escultura del dios maya de la lluvia Chac Mool, cuya composición le había impresionado profundamente. A partir de 1930 evolucionó hacia la abstracción, que entonces era la tendencia más extremista, pero siempre conservando referencias a formas que derivan de la naturaleza. Son de destacar sus dibujos de tiempos de guerra que describen el interior de los metros londinenses. convertidos en refugio, de los que posee una buena muestra la Tate Gallery de Londres.
Trabajó preferentemente el mármol, que tallaba personalmente con los utensilios tradicionales. A menudo abría zonas cóncavas o, incluso, dejaba grandes vacíos en sus figuras para fundir la forma en el espacio que ocupaba. A partir de 1943 empezó a recibir encargos de esculturas monumentales destinadas a lugares públicos: volvió a las formas naturalistas, en particular la de la mujer reclinada, con el tema de la maternidad, del que realizó muchas versiones. Este tipo de esculturas fueron la base de su reputación internacional, que se consagró con la gran exposición retrospectiva celebrada en 1946 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1948 fue premiado por la Bienal de Venecia. Sus esculturas monumentales más importantes son la de la sede de la UNESCO en París (1957-58), la del Lincoln Centre de Nueva York (1963- 65) y la del ala este de la Galería Nacional de Arte de Washington (1978). Sus esculturas se encuentran en los mejores museos de arte contemporáneo de todo el mundo.
Este escultor trabajaba
al aire libre y prefería
colocar su obra en espacios
abiertos. Huyó de
especulaciones intelectuales
para concentrarse en
los modelos que le ofrecía
la vida, seducido por una
forma de vitalismo que
tomaría su temática principal
de la familia, de la
madre y el hijo, o de una
figura aislada reclinada.
Realizada en
1938, esta famosa obra de
Moore, el escultor británico
más importante del
siglo xx, representa uno de
sus temas favoritos: la
figura humana. El arte de
Moore tiene elementos del
surrealismo, el expresionismo
y el cubismo sin que
pueda ser encuadrado en
ningún movimiento en
concreto, porque se vale
de todas estas corrientes
artísticas para elaborar un
estilo inconfundible.
Grosz, George (Berlín, 26 de julio de 1893 - Berlín Oeste, 6 de julio de 1959) Pintor alemán, uno de los máximos representantes de la Nueva Objetividad.
Biografía
Asiste a la escuela de gramática de Stolp entre 1902 y 1908. Estudia en la Academia de Arte de Dresde (1909-1912), en la Escuela de Artes y Oficios de Berlín (1912) y en el estudio Colarossi de París en 1913. Le influyen el cubismo, Delaunay y el futurismo italiano.
En 1914 es dado de baja en el servicio militar por enfermedad. Reliza muchas caricaturas, donde se revela una personalidad amarga, ahora fortificada por sus observaciones de la autocracia, la corrupción y los horrores de la guerra.
En 1917 se llamado de nuevo a la milicia para volver a ser enviado a un hospital militar, donde protagoniza un grave incidente con un sargento. Escapa de una sentencia a muerte por deserción por la intervención de su mecenas Harry Countkeßler, y es enviado a un hospital para víctimas de guerra mentalmente discapacitadas, haciendo comentarios devastadores del personal administrativo. Es declarado definitivamente no apto para el servicio.
En 1917 realiza sus primeras series de litografías, aparecidas en diferentes publicaciones, en las que ya desarrolla un estilo y una temática característica de toda su obra gráfica. Sus cuadros de esta época, como Dedicado a Oscar Panizza (1917-1918), demuestran la influencia del futurismo y su capacidad para representar datos históricos, críticas a la sociedad y un diagnóstico de la crisis consecuente a la guerra. Sus dibujos mordaces y sus colaboraciones en happenings y publicaciones dadaístas hicieron de él una figura popular en los años veinte. Esta notoriedad provoca su enfrentamiento con grupos reaccionarios burgueses, que incluso le amenazan de muerte. El dibujo Apto para el servicio activo (1916-1917) muestra el sentido de Grosz de lo macabro y su odio a la burocracia, con una economía de medios gráficos que expresa un espacio contraído al modo cubista. Sus cuadros de estos tiempos tienen las mismas características. En Autómatas republicanos de 1920, aplica el estilo de De Chirico y la escuela metafísica a la sátira política, acercándose de este modo al espíritu fantástico de dadaístas y surrealistas; sin embargo, el modo que mejor se adapta a sus apasionadas convicciones es el que viene de la tradición expresionista de denuncia salvaje de la decadente Alemania. Durante un breve espacio de tiempo, en los años veinte, emplea un estilo realista preciso en los retratos, acercándose más a la Nueva Objetividad de Otto Dix.
En los años treinta escapa a los Estados Unidos, " ...donde su personalidad se transfoma. Aunque ocasionalmente caricaturizara pesonajes americanos, éstas eran bastante suaves, incluso afectivas. América fue para él un sueño hecho realidad y pintó los rascacielos de Nueva York y la dunas de Provincetown en un clima sentimental... El crecimiento del nazismo reavivó su habilidad para el comentario brutal, pintando, con motivo de la Segunda Guerra Mundial, series en las que expresa un odio amargo y a veces un profundo desengaño personal... Grosz perdió en su tierra prometida algo que jamás recuperaría... " (Arnason).
En 1954 tiene una retrospectiva en el Museo Whitney de Nueva York. Muere el 6 de julio de 1959 en Berlín oriental.
Pintado en 1917-1918, se inspira indudablemente en el
“Funeral del anarquista Galli”, que en 1910 pintó Carrá. El funeral se
convierte aquí en un motín dominado por un rojo de sangre y de fuego. Grosz se
consideraba un propagandista de la revolución social. De estilo muy incisivo,
la obra del autor ataca, según sus propias palabras, “a una sociedad dominada
por los galones, la levita, la sotana y la caja fuerte” (1926).
Carolus-Duran, seudónimo de Charles Durand (Lille, 4 de julio de 1837 - París, 17 de febrero de 1917) Pintor e instructor de arte francés. Es
conocido por sus pinturas de la alta sociedad en la Tercera República de
Francia.
Biografía
Carolus-Duran nació en Lille.
Estudió en la Academia de su ciudad y luego en la Académie des Beaux-Arts en
París. En 1861, viajó a Italia y España para cursar estudios superiores, sobre
todo dedicados a las pinturas de Velázquez. Su pintura dramática Asesinados o
El asesinato (1866), fue uno de sus primeros éxitos, ahora en el Palais des
Beaux-Arts de Lille.
Carolus-Duran es muy conocido
como pintor de retratos, maestro de algunos de los artistas más brillantes de
la siguiente generación, como es el caso del español Ramón Casas. Su pintura
Virgen con el guante (1869), un retrato de su esposa, fue comprado por el
Musée du Luxembourg en París.
En 1889, fue nombrado comandante
de la Legión de Honor. En 1890 participó en la creación de la Sociedad Nacional
de Arte Francés (Société Nationale des Beaux Arts). Se convirtió en un miembro
de la Académie des Beaux-Arts en 1904, y al año siguiente fue nombrado director
de la Academia de Roma. Murió en París.
Rubens, Pedro Pablo (Siegen, Alemania, 28 de junio de 1577 - Amberes, Flandes, 30 de mayo de 1640) Pintor flamenco. Fue el máximo representante del barroco en el norte de Europa. Nacido en Siegen (Westfalia), residió en Colonia hasta 1589, en que pasó a Amberes. Recibió educación clásica y estudió con T. Verhaecht, Adam van Noort y Otto van Veen. En 1598 figuraba como miembro de la guilda de Amberes y en 1600 se decidió a viajar a Italia, donde trabajó para el duque de Mantua y se dedicó al estudio de los maestros italianos (Miguel Ángel, Rafael, Correggio, Caravaggio). Las obras más importantes de este período italiano son el Tríptico de la Santa Cruz de Jerusalén (1602; Roma), Los doce apóstoles (1603; Prado) y el retablo de la Santísima Trinidad (1605; Mantua). En 1603 el duque de Mantua le envió a Madrid, donde pudo admirar los cuadros de Tiziano de la colección real, y pintó el magnífico retrato del Duque de Lerma a caballo (Prado). Regresó a Amberes en 1608 y fue nombrado pintor de la corte de la gobernadora de los Países Bajos, Isabel Clara Eugenia, cargo que conservó hasta su muerte. Se casó con Isabel Brandt, de la que tuvo dos hijos, e inició un período de espléndidos triunfos, que constituyó la más fructífera carrera de la historia del arte.
En este segundo período la influencia de la pintura italiana dejó paso a un estilo más personal, de mayor claridad en el tratamiento de los temas y de la luz; las mejores obras de esta época son Erección de la Cruz (1610) y Descendimiento de la Cruz, ambas en la catedral de Amberes. Una mayor fluidez en la plasmación de los volúmenes y mayor dinamismo en las escenas son las características de su tercer período (1614-1622), en el que pintó de preferencia batallas, cacerías y escenas mitológicas: Rapto de las hijas de Leucipo (1615; Munich), Juicio final (1616; Munich), Batalla de las amazonas (1617; Munich), Caza del león (1617; Munich). Son también de este período sus vastos proyectos decorativos, representados en primer lugar por las pinturas de la iglesia de los jesuitas de Amberes (1620).
A partir de 1620 Rubens se vio absorbido por grandes encargos internacionales: ciclo de la historia de María de Médicis para el Palacio de Luxemburgo (1622-1624), que comprende 21 composiciones gigantescas (Louvre); el ciclo de Enrique IV (1630; Uffizi); tapicerías de Luis XIII (1622-1623), entre otros. En esta época, además de trabajar en su ingente obra pictórica, desempeñó numerosas misiones diplomáticas que le llevaron a Países Bajos, Francia, Gran Bretaña, Italia, y de nuevo a España en 1627; en Madrid pudo copiar los cuadros de Tiziano que tanto había admirado y entabló una buena amistad con Velázquez.
En 1626 murió su primera esposa y en 1630 contrajo matrimonio con una bella y exuberante joven de dieciséis años, Elena Fourment, que pasó a ser su musa y modelo en retratos de gran colorido y de estilo ligero y fluido; la pintó con ricos ropajes y en sensuales desnudos (Elena Fourment con abrigo de piel, Museo de Viena), o en escenas mitológicas (Las tres Gracias, El juicio de París, ambas en el Prado).
Rubens realizó una obra ingente que puede ser admirada en los más importantes museos del mundo, pero en su realización contó con magníficos colaboradores y discípulos, como Antoon van Dyck, Jacob Jordaens o Frans Snyders. Rubens, el pintor de la mujer
Peter Paul Rubens nació en Siegen (Alemania), de padres flamencos desterrados, el 28 de junio de 1577. Jan Rubens, su padre, se había hecho calvinista, lo que ponía en peligro su vida en la Amberes dominada por el yugo católico del ocupante español. Así que con su mujer, Maria Pypelinckx, y sus cuatro hijos se establece en Colonia como un refugiado más. Pero en Alemania daría muestras de lo más inconsciente de su carácter, pues se convierte en amante de la princesa Ana de Sajonia, quien lo ha tomado a su servicio como secretario. El padre del artista hubo de purgar una pena de reclusión en el castillo de Dillenburg. Por fin, la condena terminada, Jan y los suyos se instalan en Siegen, en donde va a nacer Philip -el futuro humanista- en 1573, y cuatro años más tarde nuestro Peter Paul, alemán involuntario, aunque siempre flamenco de alma. Un año después, los Rubens pueden volver a Colonia, y tras la muerte del padre la familia se instala en el Meir, centro de Amberes, tratando de casar a la hija mayor sin dejar por eso de ocuparse de la educación de los hijos más jóvenes.
⇦ Retrato ecuestre del duque de Lerma de Rubens (Museo del Prado, Madrid). Con este cuadro Rubens será de los primeros pintores que aborde el tema del personaje montando a caballo y en escorzo frontal.
Corre el año 1589; Peter Paul empieza a frecuentar la escuela latina de Rombaut Verdonck. Desgraciadamente, pocos meses pudieron durar esos estudios. No había para tanto en casa de Maria Pypelinclx, y para dotar a su hija Blandirse hubo que sacar a Peter Paul de la escuela y colocarlo de paje en casa de la condesa Margarita de Ligne d' Arenberg. Finalmente, en 1590 su misma madre consiguió hacerlo entrar de aprendiz en el taller de un pintor local.
Se ha llegado así a un punto espinoso, el de los estudios del joven pintor dentro ya de su propia especialidad.
Lo clásico era, hasta hace relativamente poco, decir que Rubens había estudiado con tres maestros sucesivos: Tobías Verhaecht, Van Noort y Octavio van Veen, más conocido quizá como Otto Venius. Para Leo van Puyvelde, el gran especialista belga, nada de esto es cierto, y lo que le hace dudar es que hasta el siglo pasado casi no se conocían obras seguras de los presuntos maestros, aunque parece casi seguro que Rubens trabajó con Venius.
