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William Holman Hunt (1827-1910)

Romanticismo

Hunt, William Holman (Londres, 2 de abril de 1827 - íd, 7 de septiembre de 1910) fue un pintor británico, uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita. Aunque estudió en la Royal Academy of Arts, rechazó el estilo impuesto por su fundador, Sir Joshua Reynolds. Fundó en 1848, junto con Dante Gabriel Rossetti y John Everett Millais, la Hermandad Prerrafaelita, asociación que propugnaba un retorno a lo espiritual y sincero en el arte, despreciando la pintura académica, que consideraban una mera repetición de clichés. Para ello, proponían inspirarse en los primitivos italianos y flamencos del siglo XV, anteriores a Rafael.

Biografía

En 1865 se casó con Fanny Waugh, quien moriría a las pocas semanas de dar a luz al primogénito de Hunt, Cyril Benone. Esta mala experiencia se unió a que Hunt jamás fue propuesto, a pesar de su fama, como miembro de la Royal Academy, lo que le llevó a desistir de participar en más muestras anuales y a tomar la decisión de mostrar su obra por libre, en galerías como Grosvenor Gallery y New Gallery. En 1875 contrajo matrimonio con Edith, hermana de su difunta esposa, lo cual le ocasionó numerosos problemas con la familia de esta,que se oponía a la unión, y con las leyes británicas, que por entonces no permitían tal tipo de matrimonio. En 1879 nació su segundo hijo, Hilary. Los años siguientes fueron muy fructíferos para Hunt: en 1886 tuvo lugar una retrospectia de su obra en la Fine Art Society de Londres y escribió en algunas revistas, como la Contemporary Review.

Las obras de Hunt no tuvieron al principio demasiado éxito, siendo calificadas por la crítica de feas y torpemente ejecutadas. En los comienzos de su carrera su interés por el realismo le llevó a pintar varios cuadros que reflejaban escenas de la vida cotidiana tanto en el campo como en la ciudad, tales como Pastor veleidoso (The Hireling Shepherd, 1851) o El despertar de la conciencia (The Awakening Conscience,1853). Esta última escandalizó al público por mostrar sin ambages una relación extramatrimonial. Fue también un notable paisajista, con obras como Dunas de Fairlight (1858) o la acuarela Isla de Asparagus (1850). Sin embargo, la fama le llegó con sus obras de temática religiosa, como La luz del mundo (The Light of the World). Viajó a Palestina con el objeto de documentarse sobre el terreno para realizar obras religiosas como El chivo expiatorio (The Scapegoat, 1854), Cristo hallado en el templo (The Finding of the Saviour in the Temple, 1860) y La sombra de la muerte (The Shadow of Death, 1873), así como para pintar varios paisajes de la región.

Hunt pintó también obras basadas en poemas, como Isabella o La dama de Shalott, y en la tradición literaria inglesa, de Shakespeare a Keats.

Todas sus pinturas concedían una gran atención al detalle, y mostraban un vívido colorido y un elaborado simbolismo religioso, a menudo inspirado en los textos bíblicos. Su trabajo recibió la influencia de los escritos de John Ruskin y Thomas Carlyle; como ellos, Hunt creía que el mundo podía ser descifrado como un sistema de signos visuales. Para Hunt, la tarea del artista consistía en revelar la correspondencia entre signo y realidad. De todos los componentes de la Hermandad Prerrafaelita, fue Hunt el que mostró más fidelidad a sus planteamientos a lo largo de toda su vida.

Al final de su carrera se vio obligado a abandonar la pintura, por problemas de visión. Su última obra de importancia, The Lady of Shalott (1892), tuvo que ser completada por uno de sus ayudantes.

La autobiografía de Hunt, Prerrafaelismo y la Hermandad Prerrafaelita (Pre-Raphaelitism and the Pre-Raphaelite Brotherhood) fue escrita para corregir a otros libros aparecidos sobre el movimiento, en los que no se reconocía debidamente su contribución al mismo.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

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Obras comentadas

Una familia británica convertida que protege a un sacerdote cristiano de la persecución de los druidas de William Holman Hunt

 

Se exhibió en la Royal Academy en 1850 y ahora se encuentra en el Ashmolean Museum de Oxford . Fue un compañero del Cristo en la casa de sus padres de John Everett Millais . Ambos artistas buscaron representar episodios similares de la historia cristiana más temprana, retratando familias que ayudan a una persona herida. Ambos también destacaron el primitivismo de la escena.

La pintura de Hunt representa a una familia de antiguos británicos que ocupan una choza toscamente construida junto a la orilla del río. Están atendiendo a un misionero que se esconde de una turba de paganos celtas británicos . Un druida es visible en el fondo a la izquierda apuntando hacia otro misionero, que está siendo llevado por uno de la multitud.

Se nota un círculo de piedras detrás del misionero, pero solo es visible a través de los huecos en la parte trasera de la cabaña que usa la familia cristiana. El contraste entre los símbolos cristianos y druídicos se identifica con la pintura de una cruz roja sobre una piedra dentro de la cabaña de la familia cristiana.

La presencia del druida presumiblemente ubica el período pretendido de la escena antes de la conquista romana de Britania a mediados del siglo I, lo que convierte a los misioneros en unos muy tempranos, aunque la vestidura -como la ropa que usan, incluso hasta el pozo- Victoriano informado, sugieren un período mucho más tarde.

La pintura de Hunt fue menos controvertida que la pieza complementaria de Millais, pero Hunt aún fue fuertemente criticado por la extraña composición y las poses retorcidas de las figuras.  En 1860, el cuadro de Florence Claxton La elección de París: un idilio parodiaba la composición del cuadro de Hunt junto con otras obras de los artistas prerrafaelitas de los años anteriores.

El propio Hunt siguió creyendo que era una de sus mejores obras. En 1872, refiriéndose a la pintura como "los primeros xtianos", escribió en una carta a Edward Lear , afirmando que "a veces, cuando miro a los primeros xtianos, me siento bastante avergonzado de no haber llegado más allá de lo que me han traído los años posteriores. , pero la verdad es que a los veinte años, la salud, el entusiasmo y, sin embargo, la confianza impune en uno mismo lleva a un hombre muy cerca de su límite máximo".

Fuente: https://es.wikipedia.org/

La luz del mundo de William Holman Hunt

 

Pintura alegórica del artista prerrafaelita inglés William Holman Hunt (1827–1910) que representa la figura de Jesús preparándose para llamar a una puerta cubierta de maleza y sin abrir durante mucho tiempo, ilustrando Apocalipsis 3: 20: "He aquí, yo estoy a la puerta y llamo; si alguno oye mi voz y abre la puerta, entraré a él, y cenaré con él, y él conmigo". Según Hunt: "Pinté el cuadro con lo que pensé, por indigno que fuera, que era un mandato divino, y no simplemente un buen tema". La puerta en la pintura no tiene manija y, por lo tanto, solo se puede abrir desde adentro, lo que representa "la mente obstinadamente cerrada". La pintura fue considerada por muchos como la interpretación de Cristo más importante y culturalmente influyente de su tiempo.

Versiones

Se dice que el original fue pintado de noche en una choza improvisada en Worcester Park Farm en Surrey, y en el jardín de Oxford University Press , mientras que se sugiere que Hunt encontró la luz del amanecer que necesitaba fuera de Belén en una de sus visitas a Tierra Santa. En óleo sobre lienzo, se comenzó alrededor de 1849 o 1850 [5] y se completó en 1853. Se exhibió en la Royal Academy en 1854 y ahora se encuentra en la capilla lateral del Keble College, Oxford . La ​​pintura fue donada a la universidad por Martha Combe , la viuda deThomas Combe , impresor de la Universidad de Oxford, Tractarian y mecenas de los prerrafaelitas, en el año siguiente a su muerte en 1872, en el entendimiento de que colgaría en la capilla (construida entre 1873 y 1876), pero el arquitecto del edificio, William Butterfield , se opuso y no hizo ninguna provisión en su diseño. Cuando se inauguró la biblioteca de la universidad en 1878, se colocó allí y se trasladó a su posición actual solo después de la construcción de la capilla lateral para acomodarla, en 1892-1895, por otro arquitecto, JT Micklethwaite .

Una segunda versión más pequeña de la obra, pintada por Hunt entre 1851 y 1856, se exhibe en la Manchester City Art Gallery , Inglaterra, que la compró en 1912. Hay pequeñas diferencias entre esa y la primera versión, como el ángulo de la mirada, y la cortina de la esquina de la capa roja.

El hecho de que, en ese momento, Keble College cobrara una tarifa para ver la imagen, convenció a Hunt de pintar una versión más grande, de tamaño natural, hacia el final de su vida. La comenzó alrededor de 1900 y la terminó en 1904. El armador y reformador social, Charles Booth , compró la obra y se colgó en la Catedral de San Pablo , Londres . Se dedicó allí en 1908, luego de una gira mundial de 1905 a 1907, durante la cual la imagen atrajo a grandes multitudes.  Se afirmó que las cuatro quintas partes de la población de Australia lo vieron. Debido a la creciente enfermedad y glaucoma de Hunt, el pintor inglés Edward Robert Hughes lo ayudó a completar esta versión.(quien también ayudó con la versión de Hunt de La dama de Shalott ). La tercera versión difiere más de la original que la segunda.

Fuente: https://es.wikipedia.org/


Albert Trachsel (1863-1929)


Trachsel, Albert, (Nidau, 23 de diciembre de 1863  -Ginebra,  26 de enero 1929) Arquitecto, pintor y poeta suizo.

Sus padres se mudaron a Ginebra cuando aún era un niño pequeño. Comenzó su educación artística estudiando arquitectura en la École des Beaux-Arts de Ginebra y luego, en 1881, continuó en el Polytechnikum Zürich y completó sus estudios en París en 1882. Mostró algunos de sus primeros diseños arquitectónicos en 1885. Mientras estuvo en París, conoció a Paul Gauguin, Stéphane Mallarmé, Paul Verlaine y Jean Moréas. También se hizo amigo de por vida de Ferdinand Hodler. En 1890, presentó diseños para el propuesto Palais de Rumine. 

Tuvo su primera exposición individual de dibujos en 1891 en la Société des Artistes Indépendants. Un artículo sobre él de Stuart Merrill apareció en 1893 en La Plume, una revista simbolista. Ese mismo año, publicó unos diseños arquitectónicos imaginarios, acompañados de poesía, bajo el título Les fêtes réelles (Las verdaderas fiestas), que pretendía ser el primer volumen de una trilogía llamada Poesía. Esto fue seguido por Le Cycle ; el comienzo de otra trilogía incompleta llamada Armonía.

En 1901 regresó a Ginebra y, sin ninguno de sus diseños realizados, se dedicó a la pintura. Viajó por toda Suiza en 1903, creando acuarelas. De 1905 a 1914, pintó una serie de cuentos fantásticos ilustrados llamados Paysages de rêve ("paisajes de ensueño") que constituyen su obra principal. A partir de 1910 también realiza bodegones con flores y frutas. Después de 1915, se dedicó por completo a las acuarelas que representaban los alrededores de Ginebra.

Además de los escritos anteriores, fue autor de una obra de teatro; Le Gnome Hombax chez les sorcières ( Hombax the Gnome and the Sorcerers ) y una novela; La Montagne fantastique (La montaña fantástica).

Fuente: www.wikipedia.org

Galería
Colina azul, 1910

Paisaje de montaña, 1930

Jan Toorop (1858-1928)



Toorop, Jan Theodorus (Poeworedjo, isla de Java, 20 de diciembre de 1858-La Haya, 3 de marzo de 1928) Pintor y dibujante holandés. 


Biografía

En 1872 se trasladó con su familia a Holanda y estudió en Delft y Ámsterdam. En 1880 estudió pintura en la Rijksakademie de Ámsterdam. De 1882 a 1886 vivió en Bruselas, donde se unió al grupo Les XX, cuyo máximo exponente era James Ensor. Toorop, en esa época, realizó una pintura que fluctuó de estilos: realismo, impresionismo, neo-impresionismo y post-impresionismo. Se casó con una inglesa en 1886, Annie Hall, y vivió a caballo entre La Haya, Inglaterra y Bruselas. Tras 1890 también pasó temporadas en Katwijk aan Zee, pueblo marinero holandés. En esta época desarrolló su personal estilo simbólico, que conjugaba motivos javaneses y simbólicos. Sus dibujos de álamos y figuras curvilíneas fueron en parte precursores de los patrones pictóricos del art Nouveau. Su hija Charley Toorop también fue pintora.


Obra comentada


Galería
Autorretrato, 1883. Impresionismo

Preparando la comida, 1883. Impresionismo

Las tres esposas de Jan Toorop

Las tres esposas de Jan Toorop


El holandés Jan Toorop se inspiró en el arte japonés en esta estilizada composición de 1892 de trazo sinuoso y hiératico al servicio de la alegoría representada. Su estilo, que conjugaba el simbolismo y los motivos javaneses, sería precursor de los patrones pictóricos del Art Nouveau.

(Rijksmuseum, Amsterdam)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Narciso Tomé (1690-1742)


Barroco

Tomé, Narciso (1690 - Toro, 1742) Arquitecto y escultor español, nacido en Toro. Junto con su hermano Diego esculpió en 1715 la fachada de la Universidad de Valladolid. Trabajó en Salamanca con los Churriguera.

Biografía

En el 27 de octubre de 1721 fue nombrado maestro de la catedral de Toledo, a las órdenes de Teodoro Ardemans y a su muerte le sucedió como maestro mayor. En esta iglesia mayor construyó, junto con cuatro hijos suyos, el célebre Transparente (1721-1732), uno de los ejemplos más notables del barroco español. También en este templo realizó otras labores escultóricas, como el retablo marmóreo de los Santos Vicente, Sabina y Cristeta que se encuentra frente al Transparente.

Narciso Tomé terminó el Transparente en 1732 y justo entonces una delegación de Orgaz le visita en Toledo para hacerle el encargo de una imagen de Jesús Nazareno, encargo que Tomé aceptó y cumplió en un plazo corto, ya que la nueva imagen llegó a Orgaz el 19 de marzo de 1733.

Conocemos el origen de la imagen y cómo fue su festivo traslado desde Toledo a Orgaz gracias a un memorial escrito en 1734 por D. José Gómez Manzaneque, vecino de Orgaz, que está incluido en las "Ordenanzas, Privilegios y Concesiones de Indulgencias de la Esclavitud de Jesús Nazareno", que se conservan en el Archivo parroquial de Orgaz. El memorial está fechado en Orgaz el 18 de marzo de 1734, y está legalizado por el Notario Apostólico don Juan de Segovia Miguel, vecino de Orgaz, y a la vez secretario de la Esclavitud de Jesús Nazareno.


Obra comentada


Galería

El Transparente

El Transparente

El Transparente de Narciso Tomé

 


Esculpido entre 1721 y 1732, este grandioso conjunto decorativo absolutamente integrado en la arquitectura del edificio queda perpetuamente iluminado cenitalmente por un orificio abierto en la bóveda del templo. Con esta obra, su creador manifiesta su hondo aprecio por el expresionismo barroco, aún latente en el rococó más manierista. 

Catedral de Toledo

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Mark Tobey (1890-1976)



Tobey, Mark (Centerville, Wisconsin, 11 de diciembre de 1890 - Basilea, 24 de abril de 1976).Pintor estadounidense. Ampliamente reconocido en Estados Unidos y Europa, Tobey es el más destacado entre «los pintores místicos del Noroeste». Mayor en edad y experiencia, Tobey tuvo una fuerte influencia sobre los otros. Amigo y mentor, Tobey compartió sus intereses en filosofía y religiones orientales. Junto con Guy Anderson, Kenneth Callahan, Morris Graves, y Willem de Kooning, Tobey fue fundador de la Escuela del Noroeste.

Estudiando la caligrafía china y la pintura zen, desarrolla a partir de 1935 una pintura meditativa constituida de un hormigueo de señales.

Biografía

En 1893, su familia se instaló en Chicago. Después de haber frecuentado el Instituto de Arte de Chicago de 1906 a 1908, marchó en 1911 a Nueva York, donde trabajó como retratista y delineante de una casa de modas. Realizó su primera exposición en 1917 en la galería Knoedler. La Primera Guerra Mundial lo afectó profundamente, haciendo nacer en él el odio a la capacidad destructiva de la cultura occidental.

Tobey se convirtió en 1918 al bahaísmo. Después de haberse divorciado, se instaló en 1922 en Seattle. Conoció en 1923 a Teng Kuei, estudiante y pintor chino, que lo inició en la caligrafía. Desde 1922 hasta 1925, Tobey se dedicó a dar clases de arte. Luego efectuó un viaje por Francia (París, Châteaudun) y por España (Barcelona), Grecia, Constantinopla, Beirut, Haifa, donde se interesó por las escrituras árabe y persa.

En 1927, Tobey regresó a Seattle y participó en 1928 en la fundación de la «Free and Creative Art School». En 1929 Alfred Barr presentó sus obras en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. De 1930 a 1937 se instaló en Devonshire, enseñando en la Dartington Hall School. Viajó por Europa y también a México en 1931 y a Palestina en 1932. En 1934, para estudiar caligrafía y pintura, residió en China con Teng Kuei y luego pasó a Japón donde vivió en un monasterio zen de Kioto. En 1935, de vuelta en Inglaterra, pintó, en noviembre o diciembre, varias telas (Broadway, Welcome Hero, Broadway Norm con una «escritura blanca» (White writing) que sería la característica esencial de su obra y que, según los críticos, tuvo una influencia decisiva en la evolución de Jackson Pollock. Los «escritos blancos» (White Writings) de Tobey se caracterizan por ser «una red de finos signos caligráficos»,​ que poco a poco se van haciendo cada vez más abstractos e ininteligibles. Estas obras de gran sensibilidad son la mejor expresión de su estilo de vida introspectivo y meditativo. Su estilo contrasta con la expresividad propia de la action painting.

He buscado un mundo unificado en mi obra y utilizo un vórtice móvil para conseguirlo.

Mark Tobey.

De 1938 data su primera composición musical. En 1939 Tobey regresó a Seattle, estudió piano y la teoría de la música, desarrolló en 1942 su experiencia caligráfica, expuso en Nueva York en 1944 y 1951, París, galería Jeanne Bucher, en 1955. Recibió en 1956 el Guggenheim International Award (Premio Internacional Guggenheim), presentó en 1958 una exposición retrospectiva en el Museo de Arte de Seattle y obtuvo el Gran Premio de pintura en la Bienal de Venecia.

En 1959 pintó un fresco para la biblioteca nacional de Washington, se estableció en Basilea en 1960, recibió en 1961 el Primer Premio del Instituto Carnegie de Pittsburgh y expuso en París en el Museo de las Artes Decorativas. Participó en la documenta II y III de Kassel (años 1959 y 1964). En 1962 el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una nueva retrospectiva de su obra. En 1966 Tobey viajó a Haifa y a Madrid donde su visita al Museo del Prado lo marcó profundamente.

Siguió exponiendo en Nueva York, 1967, Dallas, 1968 y retrospectiva en el Instituto Smithsoniano de Washington, 1974. Mark Tobey, a quien se llamó «el viejo maestro de la joven pintura estadounidense», murió en Basilea el 24 de abril de 1976.


Obras comentadas


Galería
Pike Market Street Boceto, 1941. Expresionismo

Pike Market Street, 1942. Expresionismo

Sin título de Mark Tobey


Pese a que las obras más conocidas del autor son las que conforman las white writigs (trama de líneas blancas sobre fondo oscuro) renunciará a ellas para adoptar un estilo oscuro que profundizará hasta 1953, año en el que resurgirá el blanco como predominante. Puede observarse cómo el autor lleva a cabo en sus obras la tarea de exploración, un arte de expresión descubierto recientemente, influenciado por la mística oriental, que le permite ser flexible en sus composiciones.

(Colección particular)

Fuente: Texto extraído de Historia del Arte. Editorial Salvat

Por encima de la tierra de Mark Tobey


Aunque su estilo es una síntesis de los mundos oriental y occidental, evoluciona hacia la abstracción. Convertido a la fe Bahai, que predica la unidad de toda la humanidad, a modo de realidad indivisible que no deja lugar a la multiplicidad, Tobey afirma que, por encima de todo, en la pintura le interesa el espacio, no como vacío, sino como un enorme almacén de energía.

(Instituto de Arte, Chicago)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Punto al Arte