James Ward (1769-1859)

 

Romanticismo

Ward, James (Londres, 23 de octubre de 1769 - Cheshunt, Herefordshire, 17 de noviembre de 1859) fue un pintor inglés, especialmente de animales, y grabador.

Biografía

Nacido en Londres de James Ward y Rachael Goldsmith, y hermano menor del grabador William Ward, James Ward fue influenciado por muchas personas, pero su carrera se divide convencionalmente en dos períodos: hasta 1803, su mayor influencia fue su cuñado George. Morland; a partir de ese momento, fue Rubens .

A partir de 1810 más o menos, Ward se especializó en pintar caballos dentro de paisajes; un poco más tarde, recurrió a paisajes de muy gran escala, de los cuales Gordale Scar ( Tate , Londres ), completado en 1814 o 1815 y que representa a Gordale Scar ( Yorkshire ) como un ejemplo de lo sublime, se considera su obra maestra.

Ward dedicó gran parte del período 1815-1821 a la pintura de una obra gigantesca titulada Alegoría de Waterloo (ahora perdida); esto no fue muy elogiado ni generó los ingresos que Ward esperaba. La experiencia puede haberlo amargado, y la muerte de su primera esposa y una hija fueron otras tragedias. Como muchos artistas de la época, Ward buscó encargos de la nobleza adinerada de sus caballos favoritos, sus perros de caza favoritos o sus hijos.

Una de esas familias que Ward pintó y dibujó repetidamente, y a quienes contó entre sus amigos, fue la familia Levett de Wynchnor Park, Staffordshire. Uno de los retratos más conocidos de Ward fue su Theophilus Levett cazando en Wychnor, Staffordshire de 1817. Otro fue la pintura de Ward de 1811 titulada El reverendo Thomas Levett y sus perros favoritos, cazando gallos . Ward también pintó un retrato grupal de tres niños Levett: John, Theophilus y Frances Levett. (Para los Levett, vea el enlace a la exhibición de Ward en el Yale Center for British Art.)

Familia

James Ward se casó por primera vez con Mary Ann Ward (sin relación conocida) en 1794, y después de su muerte con Charlotte Fritche en 1827 (supuestamente pariente de su primera esposa).

James y Mary Ann Ward tuvieron varios hijos, entre ellos:

Matilda Louisa Ward, quien se casó con el artista John Jackson.

George Raphael Ward, n. 1798, m. 1879

James Ward fue el abuelo paterno de la pintora Henrietta Ward y el bisabuelo de Leslie Ward , la caricaturista de Vanity Fair .

En 1830, Ward se mudó a Cheshunt (Hertfordshire) con su segunda esposa, pero continuó trabajando, particularmente en temas religiosos. Un derrame cerebral en 1855 acabó con su trabajo y murió en la pobreza. Está enterrado en el cementerio de Kensal Green. Su monumento fue esculpido por John Henry Foley en 1866.

Estilo

James Ward fue uno de los artistas destacados de la época, su singular estilo y gran destreza lo colocaron por encima de la mayoría de sus contemporáneos, influyendo notablemente en el crecimiento del arte británico. Considerado como uno de los grandes pintores de animales de su tiempo, James produjo pinturas de historia, retratos, paisajes y géneros. Comenzó como grabador, entrenado por William, quien luego grabó gran parte de su trabajo. La asociación de William y James Ward produjo lo mejor que el arte inglés tenía para ofrecer, su gran habilidad técnica y su arte dieron lugar a imágenes que reflejan la gracia y el encanto de la época. Fue admitido como miembro de la Royal Academy en 1811.

Una de las pinturas más conocidas de Ward, The Deer Stealer, fue encargada en 1823 por la suma de 500 guineas por el mecenas de Ward, Theophilus Levett. Cuando el trabajo estuvo terminado, Levett se declaró encantado con los resultados y, en consecuencia, elevó la remuneración a 600 guineas. Posteriormente, se dijo que Ward recibió 1.000 guineas por la pintura de 'un noble', que rechazó. La pintura ahora cuelga en Tate en Londres.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Galería

Cerdos, 1793

Cazadores, 1797

Francesco Hayez (1791-1882)

Romanticismo

Hayez, Francesco (Venecia, 10 de febrero de 1791 - Milán, 21 de diciembre de 1882). Pintor italiano, considerado el máximo exponente del romanticismo histórico.

Originario de una familia humilde, el padre, Giovanni era de origen francés, mientras su madre, Chiara Torcella, era natural de Murano. El pequeño Francesco, último de cinco hijos, fue ahijado por una tía materna que había casado con Giovanni Binasco, armador y marchante de arte, propietario de una discreta colección de pintura.

Ya de pequeño mostró predisposición por el diseño, por lo que su tío lo confió a un restaurador para que le enseñase el oficio. Posteriormente fue discípulo del pintor Francisco Magiotto, con quien permaneció durante tres años. Hizo el primer curso de desnudo en 1803 y en 1806 fue admitido a los cursos de pintura de la Nueva Academia de Bellas Artes, donde fue discípulo de Theodore Matteini.

En 1809 ganó un concurso de la Academia de Venecia para ser alumno de la Academia de San Luca cerca de Roma. Por ello se trasladó a la capital, donde pasó a ser discípulo de Canova quien fue su guía y protector durante los años romanos.

En el 1814 se marchó de Roma tras una agresión, al parecer por una relación sentimental. Fue a vivir a Nápoles donde le fue encargada por Joachim Murat la pintura Ulises en la corte de Alcínoo.

Desde 1850 dirigió la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán.

Fuente: Texto extraído es.wikipedia.org

Galería

Retrato de familia, 1807

Aristóteles, 1811

Federico Madrazo (1815-1894)

Romanticismo. Retrato.

Madrazo y Kuntz, Federico de (Roma, 9 de febrero de 1815 - Madrid, 10 de junio de 1894) fue un pintor español, especializado en los retratos de estilo romántico.

Biografía

Hijo del pintor neoclásico José de Madrazo, y de Isabel Kuntz Valentini, hija del pintor polaco Tadeusz Kuntz, estudió en la escuela de Alberto Lista, en Madrid, y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Su cuadro La continencia de Escipión le valió el ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando a la edad de diecinueve años.

Marchó pensionado a París a estudiar pintura con Ingres, amigo de su padre. Allí adquirió un estilo romántico a la manera francesa. Tras una estancia de dos años en Roma, regresó a España, y desde 1842 desarrolló una intensa labor artística y docente, rodeado de algunos artistas que como él se habían formado en Francia e Italia, entre los que destaca el maestro catalán Joaquín Espalter.

Ya en Madrid, fue pintor de cámara de la reina Isabel II, del mismo modo que su padre había sido pintor de la Corte con Fernando VII. Fue nombrado director del Museo del Prado, pero perdió el cargo con la Gloriosa, revolución liberal de 1868. Fue repuesto en este cargo en 1881. Fue director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Colaboró en algunas revistas de su tiempo, sobre todo con grabados y dibujos para grabar, y en contadas ocasiones publicó algunas reflexiones teóricas sobre pintura y arte en general.

Dirigió la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y el Museo del Prado en dos ocasiones, donde se exponen algunas de sus obras maestras, entre las que destaca el Retrato de María Amalia del Llano y Dotres, Iª condesa de Vilches.

Obra

Madrazo pintó retratos, sobre todo del mundo aristocrático y de la cultura (Carolina Coronado, Manuel Rivadeneyra, Gertrudis Gómez de Avellaneda, Ramón de Campoamor, la condesa de Vilches, la marquesa de Espeja, el general Evaristo San Miguel, Larra) y algunos cuadros de historia, si bien casi todos estos son de su etapa juvenil. Cuando se asentó profesionalmente, se dedicó casi por completo a los retratos. Gozó de gran prestigio y tuvo diversos aprendices, como los franceses Léon Bonnat y Jean-Léon Gérôme. En la publicación El Artista, a cuya creación contribuyó, insertó poemas y artículos, y allí publicó algunos grabados. Su hija Cecilia fue madre del también pintor Mariano Fortuny y Madrazo.

Destacan en su obra el retrato de Isabel II, de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando,-de excelente factura-, y el del marido de la reina Isabel, Francisco de Asís, el del rey Alfonso XII, el de quien fuera Presidente del Gobierno Juan Bravo Murillo, el del Presidente de la Primera República Española Nicolás Salmerón, y los de Ramón de Campoamor o José de Espronceda.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obra comentada

La condesa de Vilches

Galería

Las tres Marías ante el sepulcro vacío de Cristo, 1829

La continencia de Escipión, 1831

La condesa de Vilches de Federico de Madrazo

Retrato en el que Madrazo expresa toda la belleza, gracia y distinción de la aristocracia madrileña con que el autor se complacía en oponerse al mundo de gitanos, tratantes, capeas y coros de mendigos, cuya autenticidad tan bien expresaron otros románticos españoles.

(Museo del Prado, Madrid)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

John Ruskin (1819 -1900)

Romanticismo

Ruskin, John (Londres, Inglaterra, 8 de febrero de 1819 - Brantwood, Cumbria, Inglaterra, 20 de enero de 1900) Ensayista, crítico de arte y sociólogo británico. Hijo de un rico comerciante, fue educado dentro de la severidad de la Iglesia anglicana. Inclinado en un principio al dibujo y la pintura, pronto se dio cuenta de que le faltaban condiciones; en 1843, dado su interés por la naturaleza, intentó dar una base científica e incluso moral a la obra de Turner en su libro Modern Painters (1843), que constaría de 5 vals, no concluidos hasta 1860. 

Escritor, crítico de arte, sociólogo, artista y reformador social1​ británico, uno de los grandes maestros de la prosa inglesa. Influyó notablemente en Mahatma Gandhi. Abogó por un socialismo cristiano.

Biografía

John Ruskin era hijo de un rico comerciante de vinos, cosa que influyó mucho para que él pudiese viajar a distintos lugares de Europa durante su juventud. Se crio en el sur de Londres y fue uno de los promotores de la constitución de la compañía Ruskin, Telford y Domecq. Con su trabajo, influyó notablemente en los gustos de los intelectuales victorianos. Entre sus amistades personales, se contaba la familia de Robert Baden-Powell, a quien enseñó y vio crecer.

En 1837 ingresó en Oxford, universidad a la que le legó, una colección de grabados, dibujos y fotografías; también fundó una escuela de dibujo para los estudiantes. En la actualidad, se conservan parte de sus obras entre dibujos de la naturaleza y otros más de distintas catedrales góticas.

Ganó un importante premio con su poema «Salsette and Elephanta» en 1839 y se graduó en 1842. En 1843 apareció el primer volumen de Modern Painters, by a Graduate of Oxford, en el que Ruskin sostenía la superioridad de los paisajistas modernos sobre los viejos maestros. Descubrió al famoso William Turner, al que dedicó un famoso ensayo. Sucesivos volúmenes dilataron el tema hasta convertir la obra en un amplio tratado acerca de los principios que debían constituir los fundamentos del arte, lo que contribuyó a consolidar su prestigio como maestro esteta y crítico de arte. Su teoría sobre la arquitectura es meramente moral, una filosofía que está en busca de la verdad. En tanto que aplicó consideraciones parecidas a otro dominio del arte en sus Seven Lamps of Architecture (1849), donde apuntaba una especie de leyes o bases, que todo artista al momento de crear debe obedecer, y enumera siete:

Sacrificio, Verdad, Poder, Belleza, Vida, Memoria y Obediencia. Ruskin considera estas cuestiones como extra arquitectónicas.

En cada capítulo contiene abundantes principios técnicos y agudas observaciones sobre arte clásico y medieval. Ejemplos tomados de obras maestras de la arquitectura francesa e italiana. También sus Stones of Venice (1851-1853), donde analiza la importancia religiosa, moral, económica y política de la arquitectura doméstica.

Su The Seven Lamps of Architecture (1849) resume sus estudios sobre el gótico. En 1852 salió en defensa de los prerrafaelistas, dura e injustamente atacados por la crítica británica, y su victoria al lograr prestigiarlos asentó su fama. En The Political Economy of Art (1857) atacó el espíritu mercantilista de la época. Su autobiografía, Praeterita (1885-89), es quizá su obra más atractiva.

Fuente:https://es.wikipedia.org/ 

            Historia del Arte. Editorial Salvat.

Galería

Árboles y charca,1832

Hotel de Ville Brussels, 1833

Baccio Bandinelli (1488-1560)

 

Renacimiento. Manierismo.

Bandinelli, Baccio (Florencia, 17 de octubre de 1488 - 7 de febrero de 1560) Pintor y escultor manierista italiano, influido por Miguel Ángel y protegido por los Médicis.

Biografía

Hijo de un orfebre eminente, de quien aprendió los primeros rudimentos de dibujo, mostró una precoz inclinación hacia las bellas artes y fue puesto bajo la tutela de Francesco Rustici, escultor amigo de Leonardo da Vinci con quien hizo rápidos progresos.

La motivación predominante en su vida parece haber sido los celos que le causaban otros artistas, como Benvenuto Cellini y Miguel Ángel. Parecía seguro de sus cualidades, y era famoso por su arrogancia, pero a la vez recelaba de sus colegas y tuvo encontronazos con ellos. Se dice que por envidia troceó el cartón de Miguel Ángel para La batalla de Cascina con la excusa de reproducirlo en unas decoraciones efímeras para la ciudad.

Su estilo es muy cuestionado por sus formas pesadas, que intentan ser imponentes y expresivas pero caen en un canon culturista un tanto torpe y rostros con muecas teatrales.

Fundó una academia en Roma (1531) y otra en Florencia (ca. 1550)

Fuente: https://es.wikipedia.org

Galería

Retrato de Michelangelo, 1522

Autorretrato, 1530

Antoni Tàpies (1923-2012)

Expresionismo abstracto. Informalismo.

Tàpies, Antoni (Barcelona, 13 de diciembre de 1923 – 6 de febrero de 2012) Pintor español. En 1946 abandonó sus estudios en la Facultad de Derecho de Barcelona para dedicarse por entero a pintar. Fue cafundador del grupo barcelonés "Da u al Set", que representó una enérgica y eficaz reacción contra la pintura en boga. Su contacto con la marchante Martha Jackson -en cuya galería de Nueva York expuso en 1953- significó su lanzamiento internacional. En 1958 se le dedicó una sala especial en la Bienal de Venecia, obtuvo el premio Carnegie de Pittsburgh y el de la UNESCO. Admirador de la música romántica y de las filosofías orientales, su pintura parte de experiencias de tipo dadaísta y surrealista para pasar paulatinamente a un tipo de pintura matérica muy personal. Utiliza colores mezclados con sustancias como mármol pulverizado y látex, con lo que sus cuadros toman el aspecto de muros en que se insertan trozos de paja, cabellos, cuerdas, telas, cartones, o muros en que la huella del gesto humano está presente, a menudo a manera de graffiti. La referencia a elementos figurativos (puertas, mesas, camas, 263 etc.) o abstractos (cruces, aspas, arcos, etc.), o a la huella humana (pies, manos, dedos, etc.) ocupa también buena parte de su producción. Al margen de esta pintura maté rica, utiliza también el assemblage o la simple presentación de objetos cotidianos, a veces sórdidos, que, fuera de su contexto habitual, adquieren una presencia poética singular. Ha dedicado especial atención al cartel, el grabado y, desde 1982, a la escultura. Trabajador infatigable, cuenta con una obra ingente de la que hay muestra en buen número de museos de todo el mundo. Destaca también como analista de la creación plást1ca en estudios como La práctica de l 'art (1970), L'art contra l'estética (1974) y La realitat coma art (1983) Autor asimismo del libro de memorias Memória personal (1977). En 1990 se creó en Barcelona la fundación que lleva su nombre y que alberga una importante colección de obras del artista. Premio Príncipe de Asturias de la Artes 1990.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obra comentada

Pintura

Galería

Autorretrato, 1945. Expresionismo

Personaje, 1947.  Surrealismo

Pintura de Antoni Tàpies

Una de las más destacadas personalidades de la pintura europea de la década de 1950. Su obra ha evolucionado constantemente, manteniéndose siempre en la primera línea de la vanguardia mundial. Su interés por la materia y la textura no justifica su inclusión entre los pintores abstractos, ya que siempre en su obra hay una clara referencia al mundo real, si bien es la ambigüedad un elemento básico que guía su creación por caminos que la pintura tradicional no había podido presentir. La materia lograda por la mixtura de polvo de mármol triturado y los pigmentos, ha adquirido un aspecto de entramado lineal denso, gracias al laborioso trabajo de "grattage" efectuado por el artista sobre la superficie aún húmeda. En muchas de sus obras se aprecian elementos figurativos (puertas, mesas, camas, etc.) o abstractos (cruces, aspas, arcos, etc.) o la huella humana (pies, manos, dedos, etc.).

(Colección particular, Barcelona)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Albert Ráfols-Casamada (1923-2009)

Informalismo

Ráfols-Casamada, Albert (Barcelona, 2 de febrero de 1923 – 17 de diciembre de 2009) Poeta y pintor español. 

Biografía

Inició los estudios de arquitectura pero los abandonó para dedicarse de lleno a las artes plásticas gracias al apoyo de su padre, Albert Ràfols i Cullerés. En 1950 obtuvo una beca para poder viajar a Francia, donde se instaló a París hasta 1954 junto a su esposa, la también pintora Maria Girona i Benet.

En 1980 fue galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas concedido por el Ministerio de Cultura y en el 2003 con el Premio Nacional de Artes Visuales de Cataluña concedido por la Generalidad. Así mismo en 1983 fue distinguido con la Creu de Sant Jordi y en 1991 con la Legión de Honor del Gobierno de Francia. Es académico honorario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Sus primeras obras son de una figuración poscubista, con temas urbanos y de paisaje. Hacia 1954 inició un período abstracto y fue eliminando paulatinamente el dibujo. En la década de 1960 tendió a un expresionismo abstracto con influencia de Kline, de la que posteriormente se liberó a través de la matización poética de los elementos plásticos. De su obra destacan Libertad (1962), Homenaje a Scott Fitzgerald (1964), Espacio ocre con columnas blancas ( 1977), Abril transparente (1982) y Nausica (1989). Autor de algunos libros de poesía -Notes nocturnes (1976), Angle de llum (1984)- y el volumen de prosa L'escorrça deis dies (1984)). 

Fuentes: Historia del Arte. Editorial Salvat.
               https://es.wikipedia.org

Galería

Azul profundo, 1958

Composición, 1960

Auguste Herbin (1882-1960)

Posimpresionismo. Cubismo. Arte abstracto.

Herbin, Auguste (Quiévy, 29 de abril de 1882 - París, 30/ 31 de enero de 1960) Pintor y teórico francés enmarcado en el concretismo.

Biografía

Nacido en Quiévy, departamento del Norte, estudió dibujo en la École des Beaux-Arts, de Lille, desde 1898 hasta 1901, cuando se estableció en París.

La influencia inicial del impresionismo y del postimpresionismo visible en los cuadros que envió al Salon des Indépendants en 1906 gradualmente dio paso a su implicación en el cubismo después de su traslado en 1909 a los talleres de Bateau-Lavoir, donde conoció a Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris; también se vio animado con su amistad con Wilhelm Uhde. Su obra se expuso en la misma sala que la de Jean Metzinger, Albert Gleizes y Fernand Léger en el Salon des Indépendants de 1910.

En 1912 y 1914 Herbin tiene sus primeras exposiciones individuales en la Galerie Clovis Sagot, donde llamó la atención de Léonce Rosenberg quien, en plena guerra le ofrece un contrato de exclusividad. A partir de entonces Herbin se incorpora al núcleo de artistas de la Galerie de l'Effort Moderne y expuso su obra allí en varias ocasiones en 1918 y 1921. Después de crear sus primeras pinturas abstractas en 1917, Los relieves radicales de Herbin de simples formas geométricas en madera pintada desafiaban no sólo el estatus de la pintura de caballete sino también lñas relaciones tradicionales entre el fondo y la figura. La incomprensión que acogió estos relieves y los diseños para mobiliario relacionado con ellos, incluso de aquellos críticos más favorables al cubismo, fue tal que hasta 1926 o 1927 siguió el consejo de Rosenberg de volver a un estilo representativo. El propio Herbin más tarde repudió sus paisajes, bodegones y escenas de género de este periodo, como Jugadores de bolos (1923; París, Museo Nacional de Arte Moderno), en el que los objetos estaban representados como volúmenes esquematizados.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Galería

Paisaje verde, 1901. Impresionismo

Los tejados de París onc nieve, 1902. Impresionismo, Puntillismo

Composición sobre fondo amarillo de Auguste Herbin

Pintado cuando ya contaba con más de sesenta años, en 1940, Herbin se vio obligado en este cuadro a emplear un rigor que debido al reducido vocabulario formal con el que trabaja, con las tres únicas figuras del círculo, el rectángulo y el triángulo, tan sólo puede desbordar por el uso del color, basándose en la teoría cromática de Goethe.

(Galería Denise René, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat