Rafael (1483-1520)

Renacimiento. Cinquecento.

Raffaello Santi o Sanzio, llamado Rafael (Urbino, Roma 1483-1520).  Pintor y arquitecto italiano. Fue, junto con Leonardo y Miguel Ángel, uno de los tres grandes creadores de la pintura del alto Renacimiento y el más ecléctico de los grandes artistas de la época; su obra ejerció una profunda influencia en la posterior pintura europea. Hijo del pintor G. Santi, en Urbino tuvo su primera formación pictórica, influida por la vigorosa personalidad de Piero Della Francesca. La vida artística de Rafael se puede dividir en tres etapas o períodos: perusino (1500-04), florentino (1505-08) y romano (1508-20).

En Perugia entró en el taller de Perugino, cuyo estilo algo sentimental, pleno de delicadeza y dulzura, así como el uso de colores claros y de fondos con bellos jardines, dominó la obra rafaelesca de este período. Obras maestras del arte juvenil de Rafael son tres pequeñas tablas: el Sueño del caballero (National Gallery, Londres), la Madona del libro (Ermitage, San Petesburgo), Las tres Gracias (Chantilly), de gran pureza de color y dulzura de ritmos. Su primera obra firmada es la Crucifixión (1503; Londres); del mismo año es la Coronación de la Virgen (Vaticano), y de 1504 la obra maestra de este período, los Desposorios de la Virgen (Galería Brera, Milán).

En 1505 se estableció en Florencia; allí entró en contacto con el arte de Leonardo, de Miguel Ángel y de Fra Bartolomeo della Porta, quienes influyeron en su obra; al igual que había aprovechado la gracia de Perugino, del mismo modo asimiló el sfumato leonardesco (Madona del Gran Duque; Palacio Pitti, Florencia) y la construcción piramidal (La Bella jardinera, Louvre, París), así como la anchura constructiva de Fra Bartolomeu y el linealismo de Miguel Ángel; de 1507 es el Descenso del cuerpo de Cristo (Galería Borghese, Roma). Otras obras de arte de este período son, entre otras, el altar Ansidei (National Gallery), la Madona Northbrook y el San Jorge del Louvre, estas dos últimas inspiradas en la obra de Leonardo; esta influencia se hace más patente en los retratos del primer período florentino, retratos de Angelo Doni y su esposa Maddalena Strozzi (Palacio Pitti). De esta época son también sus íntimas y poéticas madonas de medio cuerpo: la Madona del jilguero (Galería de los Uffizi), la Madona Cowper  (Washington), la Madona Goldfinch (Galería de los Uffizi), etc.; asimismo, las pinturas de un tamaño mayor: la Madona del Baldaquino (hacia 1508; Palacio Pitti), Santa Catalina (National Gallery).

El último período, en Roma, se caracteriza por una nueva y clásica monumentalidad influida por Miguel Ángel. Inició su ciclo romano con la decoración de las estancias del Vaticano, donde se manifiesta la claridad lógica y la unidad constructiva que distinguen todas las composiciones de Rafael. El trabajo lo inició en la estancia de la Segnatura (1509-11), destinada  a cobijar la biblioteca de Julio II, representando la Disputa del Sacramento, el Parnaso, la Escuela de Atenas y las Tres Virtudes. Entre 1511 y 1514 decoró la estancia de Heliodoro con la Misal del Bolsena, la Prisión de Atila y la Liberación de San Pedro y, entre 1514 y 1517, la del Incendio del Borgo; la estancia de Constantino la inició Rafael (1517), pero fue terminada por sus discípulos después de su muertes. Mientras pintaba las estancias, en 1514 pintó en el palacio de la Farnesina el Triunfo de Galatea; la logia de este palacio la decoró con el Triunfo de Psique y Amor (1518); en este período realizó también los grandes cartones para tapices que debían decorar el Vaticano and Albert Museum, de Londres. Realizó también grandes pinturas para decorar altares como el de la Madona de Foligno (1512), la Madona de San Sixto (1512-14; Dresde) y la Transfiguración (1519; Vaticano). Entre sus retratos del período romano, destacan los de Julio II (1511-12; Galería de los Uffizi), Baltasar de Castiglione (1515-16; Louvre), Baltasar de Castiglione (1515-16; Louvre) y León X (1517-19; Palacio Pitti).

Rafael fue también un extraordinario arquitecto; presentó un proyecto para la basílica de San Pedro, oponiendo una planta de cruz latina al proyecto de cruz griega presentado por Bramante; acabó la parte occidental de la logia de lpatio de San Dámaso, en el Vaticano, iniciada por aquél; se le atribuye también el proyecto de villa Madama.

El arte de Rafael apasionadamente admirado por todos sus contemporáneos y su genio, mezcla de mesura, sutil belleza y gracia, tuvo una gran influencia con la posteridad.

Es una de las personalidades más eminentes del siglo XVI, que debía aprovecharse de los esfuerzos de todas las escuelas y ser como el feliz resultado de la larga evolución de la pintura italiana: el famosísimo Rafael (1483-1520), hijo de un pintor de Urbino, Giovanni Sanzio o Santi, que en sus cuadros se manifiesta mediano artista, tanto por su técnica como por su estilo. Rafael, que ayudaba a su padre en las obras y encargos que ejecutaba, en la región de Urbino, recibió, además de las enseñanzas de éste, las de otro pintor, un tal Timoteo Viti, discípulo de otro pintor boloñés llamado il Francia, que a su vez había aprendido en la escuela de Leonardo y de los primitivos pintores venecianos.

Las Tres Gracias de Rafael (Museo Condé, Chantilly). Esta obra estuvo, al parecer, unida en un díptico a la tabla del Sueño del Caballero, que se halla en Londres, como segunda escena de la historia. Castitas, Pulchritudo y Amor ofrecen lánguidamente las manzanas de las Hespérides, con sutil equilibrio de ritmos que destaca en el fondo ondulante de las colinas. La obra denota un maduro clasicismo estrictamente vinculado, sin embargo, a los hallazgos de la cultura florentina. 

Retrato de mujer (La Muda) de Rafael

Retrato de mujer (La Muda) de Rafael (Palacio

Ducal, Urbino). óleo pintado en 1507. 

En el breve tiempo que Rafael Sanzio estuvo en Florencia realizó una magnífica serie de retratos entre los que destaca el de esta mujer, conocida con el nombre de La Muda (Ritratto di donna), fechada en 1507, antes de su ida a Roma para trabajar en la decoración del Vaticano.

En la ciudad del Arno Rafael comenzó a imitar a Miguel Ángel, a Fra Bartolomeo della Porta, y sobre todo, como es evidente en esta obra y en sus demás géneros pictóricos, a Leonardo da Vinci.

El esquema está sensiblemente inspirado en el retrato de La Gioconda, pero aquí se ha perdido el misterio de la luz y la enigmática expresión de la sonrisa. A pesar del influjo leonardesco, los retratos florentinos de Rafael representan por sí solos obras maestras de una elevada exquisitez.

El pintor de Urbino presenta sobre un fondo oscuro, sin ninguna visión paisajística, la imagen de una mujer ataviada con ricas vestimentas que denota por supuesto su origen burgués. La minuciosidad del detalle, relegado especialmente en el cuidado de las perlas de las manos y en el traje, da un aspecto más enriquecedor al conjunto.

Si comparamos este cuadro con el de la Maddalena Doni, realizado en 1506, se aprecia como Rafael ya no realiza una interpretación textual de la modelo de Monna Lisa, aunque la posición de sus manos, serenamente plegadas, pueden denotar una cierta reminiscencia.

Aquí, la figura femenina, de medio cuerpo y mostrada casi de frente, contrasta con la oscuridad del fondo. El cuerpo y el rostro de la joven concentran toda la luz visible en la pintura. El volumen, la trama pictórica y el color asumen una nueva importancia en la obra.

Maddalena Doni de Rafael (Galleria deqli

Uffizi, Florencia) Retrato pintado en 1506.

La mirada intensa proporciona una imagen de misterio y, al mismo tiempo, un carácter sereno y más bien infeliz del personaje. Esta mirada penetrante evidencia la madurez de Rafael para captar la interioridad y expresividad de la retratada. A partir de esta obra, Rafael se dirige a una penetración psicológica cada vez mayor y hacia una visión más objetiva de la realidad.

En esta magnífica obra se ha querido ver ciertos paralelismos con Rogier van der Weyden. En sus retratos, el pintor flamenco penetra en el alma del retratado hasta lo más profundo, al mismo tiempo que otorga a sus personajes una minuciosidad y detallismo extraordinarios. Su influjo también se observa en el refinamiento de la ejecución.

El aire exquisito de la joven ha inducido a algunos autores a formular la hipótesis según la cual se trata de una de dama de la corte de Urbino, concretamente de Giovanna Feltria Delia Rovere, la gran protectora de Rafael, viuda de Giovanni Delia Rovere, fallecido en 1501. Otros, en cambio, han intentado reconocer en la figura a una Strozzi o a Isabel Gonzaga. Indistintamente de la identidad del personaje, en su conjunto, este retrato ha sido aclamado por la crítica moderna como uno de los más expresivos y supremos logros de la maestría rafaelesca.

El Retrato de mujer, muy próximo ya a las obras de 1508, se conserva en la Galería de las Marcas, de Urbino, y mide 64 x 48 cm.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Henry Raeburn (1756-1823)

Romanticismo

Raeburn, sir Henry (Stockbridge, 4 de marzo de 1756 - Edimburgo, 8 de julio de 1823) Pintor escocés. 

Biografía

Nacido en Stockbridge, una antigua ciudad en las afueras de Edimburgo, Raeburn fue hijo de un fabricante. Huérfano, se coloca bajo la tutela de su hermano mayor, y se educa en el hospital de la universidad de Heriot, donde recibe instrucción. A los quince años se coloca de aprendiz con un orfebre. Por primera vez tiene ocasión de practicar una forma de arte. Realiza piezas de joyería, las cuales aún existen. Pronto se lanza a la fabricación de retratoss en miniatura que lograron un gran éxito y puede prolongar su trabajo a la pintura al óleo, que aprende de modo autodidacta. Observando con interés los progresos de su aprendiz, el orfebre le presenta a David Martin, que era el ayudante favorito de Allan Ramsay, el principal retratista de Edimburgo. Éste presta retratos a Raeburn, para que los copie, lo que favorece netamente su aprendizaje y pronto le permite consagrarse únicamente a la pintura.

Hacia 1785 es invitado a pintar el retrato de una joven dama a la que había observado y admirado mientras dibujaba paisajes campestres. Era hija de Peter Edgar de Bridgelands y la viuda del conde Leslie. Fascinada por el joven artista, se casa al cabo de un mes. Gracias a la dote de su mujer, Raeburn adquiere un conocimiento completo de su profesión. En Londres es recibido por Joshua Reynolds, que le aconseja sobre los sitios donde estudiar en Roma, recomendándole particularmente los trabajos de Miguel Ángel. Como era habitual en los artistas de la época, hace un viaje a Italia. En Roma encuentra a Gavin Hamilton, Pompeo Batoni y al marchante y coleccionista James Byers. Tras dos años de estudio en Italia, vuelve a Edimburgo en 1787 y comienza una exitosa carrera de retratista. El mismo año ejecuta un retrato del segundo lord presidente Dundas.

Después de su estancia en el extranjero, Raeburn pasa casi todo su tiempo en Edimburgo, visitando raramente Londres, y solo durante breves periodos, lo que tiene por efecto preservar su originalidad. Su repugnancia a abandonar su tierra natal fue particularmente favorable para el arte escocés que se desarrollaba en los primeros años del siglo XIX y del que fue la principal figura. En 1812, es elegido presidente de la Sociedad de Artistas de Edimburgo. Igualmente es asociado en 1814, y miembro al año siguiente, de la Real Academia Escocesa. Finalmente, en 1822, es armado caballero por Jorge IV y nombrado retratista del rey para Escocia.

La pintura de Raeburn se distingue por su carácter poderoso, su rígido realismo, y sus efectos dramáticos de luz, que anuncian los desarrollos del romanticismo y el impresionismo.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obra comentada

Inocencia

Galería

El contraalmirante Charles Inglis, c.1783

El Ministro de patinaje (El reverendo Robert Walker patinando sobre Duddingston Loch), 1784

Inocencia de Henry Raeburn

 

Retrato de una candorosa niña llamada Nancy Graham. Raeburn fue muy aficionado a pintar a niños en poses muy convencionales con un paisaje de fondo, y éste es un ejemplo de esa temática que el artista realizaba con gran maestría.

(Musée du Louvre, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Lee Quinones (1960)

Arte urbano

Quinones, Lee George (Ponce, Puerto Rico, 1960), a menudo llamado Lee, nacido en Ponce (Puerto Rico) en 1960 y criado en Nueva York, es uno de los artistas de graffiti estadounidenses más famosos. Después de asumir todos los riesgos para pintar los trenes subterráneos de la ciudad, pintó sobre lienzo y exhibió sus obras con éxito: algunas de sus pinturas ahora forman parte de la colección permanente del Museo de Arte Americano Whitney.

Lee Quinones interpreta el papel de Raymond / Zoro en la película Wild Style.

En 2005, viajó en bicicleta desde Nueva York a Miami para recaudar fondos para las víctimas del huracán Katrina. Se fue en27 de octubre de 2005y llegó el 29 de noviembre.

La bicicleta que se usó para hacer este viaje (obviamente pintada por él) se exhibió en la feria de arte contemporáneo Art Basel Miami Beach.

Fuente: https://es.wikipedia.org

John Quidor (1801-1881)

Romanticismo

Quidor, John (Tappan (Nueva York), Estados Unidos, 26 de enero de 1801 - Jersey City (Nueva Jersey), 14 de diciembre de 1881)​ fue un pintor de temas históricos y literarios estadounidense.

Biografía

Nacido en Tappan en 1801, nueve años después la familia se trasladó a Nueva York donde, con diecisiete años, estudio brevemente pintura con John Wesley Jarvis teniendo como condiscípulo a Henry Inman. Enfrentado con Jarvis, trabajó en tareas decorativas menores. A mediados de la década de 1820 comenzó a realizar y exponer pinturas de carácter romántico basadas en relatos literarios, especialmente cuentos de Washington Irving (entre ellos Rip van Winkle y La leyenda de Sleepy Hollow) y James Fenimore Cooper.1​ Tras un incendio en su taller neoyorquino abandonó la ciudad después de 1835 y en 1844 se instaló en una granja cerca de Quincy, Illinois, que pagó con la pintura de ocho cuadros de asunto religioso basados en grabados de Benjamin West. Regresó a Nueva York en 1851. Hacia 1868 abandonó la pintura, posiblemente a causa del menguado éxito obtenido con ella en vida, instalándose hasta su muerte en Jersey City, donde residía su hija mayor.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Nikos Hadjikyriakos-Ghikas (1906-1994)

 

Cubismo

Hadjikyriakos-Ghikas, Nikos (en griego: Νίκος Χατζηκυριάκος – Γκίκας ; Atenas, 26 de febrero de 1906 - 3 de septiembre de 1994), también conocido como Niko Ghika, fue un destacado pintor, escultor, grabador, escritor y académico griego. Fue miembro fundador de la Asociación de Críticos de Arte Griegos, AICA-Hellas, Asociación Internacional de Críticos de Arte.

Estudió arte antiguo y bizantino, así como arte popular debido a su adoración por el paisaje griego. Durante su juventud expuso en París según las tendencias artísticas europeas de vanguardia y ganó reconocimiento como el principal artista cubista griego.

Su objetivo era centrarse en la armonía y la pureza del arte griego y deconstruirlo, así como la intensa luz natural en formas geométricas simples y planos entrelazados.

Sus obras se exhiben en la National Gallery (Atenas), el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, la Tate Gallery de Londres, el Metropolitan Museum de Nueva York y en colecciones privadas de todo el mundo.

Biografía

Hadjikyriakos-Ghikas nació en Atenas en 1906. Su padre fue el almirante Alexandros Hadjikyriakos y su madre, la princesa Eleni Ghika. Su padre, durante su adolescencia (1918-1922), tanto como su familia, reconoció el potencial de su talento y se las arregló para que estudiara pintura con el artista Parthenis. En 1923 fue a París para estudiar Literatura y Estética Francesa en la Universidad de la Sorbona. Durante sus primeros meses en París participó en una exposición que tuvo lugar en el Salon des Indépendants. En 1924 prosigue sus estudios de pintura y grabado en la Academie Ranson. En 1927 tuvo su primera exposición en Gallerie Percier. El propio Picasso notó y comentó las obras del joven artista griego.

En 1933 organizó en Atenas el IV Simposio Internacional de Arquitectura. En 1934 organizó otra exposición de sus pinturas y esculturas en la Gallerie des Cahiers d 'Art y en las exposiciones internacionales de París y Venecia. De 1935 a 1937 fue coeditor de la revista de arte 3rd Eye. En 1941 se le ofreció un puesto en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Técnica Nacional de Atenas, en 1949, formó, con otros artistas como Yiannis Moralis, Yannis Tsarouchis, Nikos Nikolaou, Nikos Engonopoulos y Panayiotis Tetsis., el grupo de arte "Armos". En 1950 fue el participante griego en la Bienal de Venecia donde exhibió 17 de sus pinturas.

Durante 1950-1968 organizó doce exposiciones en Atenas, París, Londres (Whitechapel Gallery), Berlín, Ginebra y Nueva York.

En 1961 se casó con Barbara Hutchinson, quien anteriormente había estado casada con Victor Rothschild, tercer barón Rothschild y con el clasicista Rex Warner.

En 1973 se convirtió en miembro de la Academia de Atenas y en 1986 en la Royal Academy de Londres. También fue miembro de la Academia Tiberiana en Roma y recibió el título de Officier des Arts et des Lettres del gobierno francés.

En 1988 tuvo su última exposición en la Royal Academy de Londres. Su esposa, Barbara, murió en 1989. Murió el 3 de septiembre de 1994 en Atenas.

Hoy en Grecia es célebre como uno de los pintores griegos modernos más importantes. Su casa ha sido convertida en museo y está a cargo del Museo Benaki. En 2018, el Museo Británico acogió una exposición que se centra en la amistad de Ghika, el artista John Craxton y el escritor Patrick Leigh Fermor ; su amor compartido por Grecia fue fundamental para su trabajo.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Artus Quellinus el Viejo (1609-1668)

Barroco

Quellinus, Artus el Viejo (Amberes, 30 de agosto de 1609 – 23 de agosto de 1668). Escultor flamenco. A pesar de su nacimiento en Amberes, realizó la mayor parte de sus obras en Ámsterdam, siendo considerado por sus contemporáneos como uno de los mejores artistas de la época.

Biografía

Nacido en Amberes, era hijo del escultor Erasmus Quellinus el Viejo y hermano del pintor Erasmus Quellinus II. Después de un aprendizaje inicial junto a su padre en Amberes, viajó a Roma para recibir las enseñanzas del afamado escultor bruselés François Duquesnoy.

Regresó a Amberes en 1640, el mismo año de la muerte del pintor flamenco Pedro Pablo Rubens en la misma ciudad.

Desde 1648, con ocasión de la unión de las Provincias Unidas se trasladó a la ciudad de Ámsterdam, ciudad floreciente en el siglo XVII, donde su talento fue reconocido como el de uno de los mejores escultores de su siglo. Recibió por ello muchos encargos de la aristocracia de Ámsterdam sin dejar de esculpir asuntos religiosos. En un entorno propicio para las artes, pudo recibir numerosos encargos de escultura y decorar los muros de numerosas fachadas. Realizó, de hecho, la mayoría de las esculturas del nuevo Ayuntamiento y del futuro Palacio Real entre 1650 y 1664. Produjo también numerosos retratos de aristócratas de Ámsterdam, como los de Andries de Graeff y Johan de Witt.

Regresó en 1664 a su ciudad natal, sólo cuatro años antes de su muerte ocurrida en 1668.

Su sobrino Artus Quellinus II fue uno de sus discípulos más fieles, aunque acabaría desarrollando un estilo de mayor barroquismo.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Galería

Sansón y Dalila, 1640

Cibeles, 1650

Giacomo Quarenghi (1744-1817)

 

Neoclasicismo

Quarenghi, Giacomo (Bérgamo, 20 de septiembre de 1744 - San Petersburgo, 2 de marzo de 1817) Arquitecto neoclasicista italiano. Comenzó estudiando pintura con Mengs y Pozzi en Roma. Formado como arquitecto con Derizet y Giansimoni, su obra está influida por Palladio. En 1771 empezó la reconstrucción de la iglesia de Santa Escolástica en Subiaco y en 1779 fue llamado por Catalina II de Rusia. Establecido en San Petersburgo, realizó, como arquitecto oficial de Pablo I y Alejandro I, el Teatro del Ermitage (1782-85), el edificio de la Bolsa (comenzado en 1784) y la capilla de los Caballeros de Malta (1798-1800). Trabajó también en Tsarskoié-Selo (Palacio Alejandro, 1792-96) y en Peterhof (Palacio Inglés, 1781).

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Puvis de Chavannes (1824-1898)

Simbolismo

Puvis de Chavannes, Pierre (Lyon, 14 de diceimbre de 1824 - París, 24 de octubre de 1898) Pintor simbolista francés. Es referido brevemente por Max Beerbohm en su relato Enoch Soames. 

Biografía 

Tras estudiar en la École polytechnique, pasó una temporada en Italia. Decidió consagrarse a la pintura estudiando la obra de Eugène Delacroix y Thomas Couture. Al principio expuso en el Salón de 1850, pero tuvo problemas para hacerlo después. 

En 1854 y 1855, Puvis de Chavannes realizó frescos y pinturas murales en Amiens y en el Panteón de París. Sus obras son representativas del simbolismo pictórico; tratan temas mayormente fantásticos y alegóricos con figuras de aspecto atemporal pero cuyo primitivismo recuerda a antiguas culturas mediterráneas y a veces también a la Edad Media. 

En Montmartre, tuvo una relación con una de sus modelos, Suzanne Valadon , que se convertiría más tarde en una de las artistas más importantes de su época. En París, fue maestro de varias pintoras noruegas como Betzy Akersloot-Berg, Helga Marie Ring Reusch, Lisbeth Bergh, Ingerid Dahl, Signe Scheel o Marie Tannæs. 

En 1890, fue uno de los fundadores de la Société Nationale des Beaux-Arts de la que más tarde sería presidente, y que pondría su nombre a unos premios, primero en el Musée d'art moderne du Trocadero y luego en el Grand Palais de los Campos Elíseos. Principales galardonados: Maurice Boitel (1963), Pierre-Henry (1968), Louis Vuillermoz (1969), Daniel du Janerand (1970), André Hambourg (1987). 

Puvis fue un autor de éxito, que abordó decoraciones en edificios públicos de Europa y Estados Unidos. Concitó al mismo tiempo elogios y furibundas críticas; su éxito y proximidad a las altas esferas disgustaban a muchos pintores impresionistas que estaban pugnando simplemente por subsistir. Sin embargo, los maestros entonces realmente rompedores, como Gauguin y Picasso, así como el grupo de los Nabis, admiraron a Puvis por su fantasía y por el uso libre que hacía del color y de las formas. 

Simbolismo de Chavannes 

A la exuberancia neobarroca de Moreau, Puvis de Chavannes contrapuso un simbolismo simplificado del gusto de los sectores academicistas e innovadores. Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898) pretendió revitalizar la tradición del muralismo, lo que consiguió con sus proyectos decorativos, como El bosque sagrado querido por las Artes y las Musas (1884-1889, escalera de la Universidad de la Sorbona, París). Bajo el influjo de su fructífera experiencia como muralista realizó cuadros como el admirado y polémico El pobre pescador (1881, Museo del Louvre, París), resuelto sintéticamente en unas líneas perfectamente delimitadas y con una gama reducida de colores. En El sueño (1883, Museo del Louvre, París) es más evidente todavía el carácter visionario que se atribuye a su pintura: en un paraje desolado, y bajo la luz lunar, tres figuras alegóricas (Amor, Gloria y Riqueza) esparcen sus dones ante la figura tendida de una mujer somnolienta. Puvis logra transmitir una sensación de serenidad intemporal en estas composiciones, donde prevalece un lenguaje alegórico y se tratan temas universales. La obra de Puvis de Chavannes ejerció una notable influencia en los nabíes (profetas) y en los simbolistas. 

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Obras comentadas

El pobre pescador

Jóvenes a la orilla del mar

Galería

La guerra, 1861

La paz, 1861

Jóvenes a la orilla del mar de Puvis de Chavannes

        Se trata de la clásica composición de este artista: la figura de pie y de espaldas marcando el eje de la composición, ligeramente descentrado. Puvis consiguió difundir nueva vida a la tradición académica restituyéndole la seriedad y nobleza primitivas y situándola más allá del tiempo. Su interés obsesivo por la composición, cuyos maestros creyó ver en Rafael y Poussin, sorprende siempre por la insólita colocación de la figura central y la fría serenidad del ambiente.

(Musée d’Orsay)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.