Gagnon, Clarence Alphonse (Montreal, 8 de noviembre de 1881 - 5 de enero de 1942) fue un pintor, dibujante, grabador e ilustrador francés canadiense de la provincia de Quebec. Es conocido por sus pinturas de paisajes de los Laurentianos y la región de Charlevoix, en el este de Quebec.
Biografía
Clarence Alphonse Gagnon nació en Montreal, Quebec, el 8 de noviembre de 1881. Era hijo de Alphonse E. Gagnon, un gerente de molienda, y una madre culta inglesa, interesada en la literatura. Parte de su infancia la pasó en Sainte Rose, un pueblo al norte de Montreal. Temprano en la vida, su madre lo había animado a aprender a dibujar y pintar, pero su padre quería que se convirtiera en un hombre de negocios.
Estudió con William Bremner en la Asociación de Arte de Montreal en 1897. Deseoso de mejorar su conocimiento sobre el arte, fue a la Academia Julian en París, y estudió con Jean-Paul Laurens de 1904 a 1905. Antes de regresar a Canadá en 1909, Gagnon pasó un tiempo pintando en Francia e Italia.
Luego vivió en Baie-Saint-Paul, donde produjo muchas pinturas que representan la naturaleza y el pueblo canadiense. Inventó un nuevo tipo de paisaje invernal que consistía en montañas, valles, fuertes contrastes, colores vivos y líneas sinuosas. Se convirtió en miembro de la Real Academia de Artes de Canadá en 1922.
Gagnon hizo viajes a Venecia, Rouen, Saint-Malo y los Laurentianos en Quebec para pintar paisajes. Ilustra las páginas de la novela Maria Chapdelaine de Louis Hémon. Además, fue el ilustrador de Louis-Frédéric Rouquette en 1929 en Le Grand silence blanc. Vivió en Francia desde 1924 hasta 1936.
En 1919 Gagnon se casó con Lucile Rodier, también alumno de William Bremner. Gagnon avanzó en la pintura modernista dentro de Canadá. Uno de sus discípulos fue el pintor René Richard. Las obras de Gagnon se exhibieron en la Galería L'Art français. Sus pinturas y grabados se incluyen en colecciones en The National Gallery (Ottawa), The Art Gallery of Toronto, Montreal Art Association Gallery, Vancouver Art Gallery, Victoria and Albert Museum (Londres), Walker Gallery (Liverpool), Manchester Art Galería (Inglaterra) y Petit Palais (París). Sus obras también se encuentran en colecciones en Halifax, Saint John (NB), La Haya, Dresde, Florencia y Venecia.
Gagnon murió el 5 de enero de 1942 en el Royal Victoria Hospital de Montreal. Está enterrado en el cementerio de Notre-Dame-des-Neiges en Montreal. La Galerie Clarence Gagnon erigió en su memoria un busto en la ciudad de Quebec.
Buigas Monravá, Cayetano (Barcelona, 21 de julio de 1851 – 7 de noviembre de 1919) Arquitecto español, padre del
ingeniero Carles Buïgas y del historietista Joaquín Buigas. Es conocido
principalmente por ser el autor del Monumento a Colón de Barcelona, realizado
para la Exposición Universal de Barcelona de 1888.
Biografía
Nació en Barcelona el 21 de julio
de 1851, siendo hijo de un abogado de cierto prestigio.
Fue militar entre 1873 y 1877,
alcanzando el rango de coronel de ingenieros en el ejército de Don Carlos
durante la Tercera Guerra Carlista. Terminada la guerra, mantuvo su militancia
carlista y fue diputado provincial de Barcelona por el distrito de Vich.
Realizó estudios de arquitectura,
obteniendo su título en 1879. En 1881 ganó el concurso para el proyecto de un
monumento dedicado a Cristóbal Colón en Barcelona; las obras se iniciaron ese
mismo año, y finalmente sería inaugurado en 1888. Esta constituyó su principal
obra, y en la actualidad es una de las más conocidas, si bien no es la única.
Ejerció como arquitecto municipal o asesor en los ayuntamientos de Masnou,
Alella, Barberá del Vallés, Vilasar de Dalt, Cardona, Tortosa y Sitges.
En 1903 se trasladó a Argentina,
instalándose en Buenos Aires, donde realizó diversas obras.
El 1 de enero de 1919 fue
designado primer jefe de los Requetés de la provincia de Barcelona por Joaquín
Llorens.
En el año 2011 se le dedicó una
exposición retrospectiva en la Biblioteca de Cataluña.
Clarà, Josep i Ayats (Olot , 16 de diciembre de 1878 - Barcelona , 4 de noviembre de 1958 ) Escultor español .
Biografía
Su obra se encuentra enmarcada en el «mediterraneísmo», término para designar especialmente a los artistas plásticos del movimiento noucentista del ambiente catalán, su obra es figurativa, sólida y compacta. Inició su formación en la Escuela de Dibujo de Olot con el profesor Josep Berga i Boix (1837-1914) y allí el elogio que le hizo de un dibujo el pintor Joaquín Vayreda (1843-1894), fue un gran estímulo y uno de sus recuerdos infantiles más gratos. Más tarde, en 1897 ingresó en la escuela de Bellas Artes de Toulouse (Francia). Sus inquietudes artísticas y después de ganar una mención en un concurso, le hicieron marcharse a París en 1900, donde conoció a Auguste Rodin, lo que le hizo decidirse definitivamente por el arte de la escultura. Conoce entre otros artistas al escultor Arístides Maillol con quien mantendrá una gran amistad y una afinidad en el sentido de la escultura, en 1907 presentó la obra Turment(Tormento) en la que se aprecia la influencia y admiración que sentía por Rodin. Es alumno también de Louis-Ernest Barrias. Como dibujante destacan los dibujos-apuntes, que realizó a la bailarina Isadora Duncan, en distintos movimientos de danza. Isadora murió en 1927. Después, otra gran bailarina le sirvió de modelo para sus dibujos: Antonia Mercé «La Argentina».
Viajes a Londres, y sobre todo a Italia completan su formación. Vuelve a París donde se convierte en un escultor acreditado. Realiza numerosas exposiciones en galerías y salones de París, Londres, Berlín, Roma y Barcelona. Se traslada definitivamente en 1932 a Barcelona, donde sigue trabajando y exponiendo hasta su muerte, ocurrida el 4 de noviembre de 1958.
Su última escultura fue Estática (1954-1958). La gran parte del legado de sus obras están en el Museo Comarcal de la Garrotxa en Olot (Gerona) y en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) en Barcelona.
Cellini, Benvenuto (Florencia, 3 de noviembre de 1500 – 13 de febrero de 1571) Escultor y orfebre renacentista italiano. Trabajó en Florencia y Roma y, por encargo del rey Francisco I de Francia, en Fontainebleau. En 1545 se estableció definitivamente en Florencia bajo el mecenazgo de Cosme de Médicis. Entre sus obras más importantes, caracterizadas por una gran perfección dBenvenuto Cellinientro del estilo manierista, destacan el Salero de oro (Kunsthistorisches Museum, Viena), Perseo (Loggia dei Lanzi, Florencia), Ninfa de Fontainebleau (Louvre) y el Crucifijo para Felipe II (El Escorial). Escribió su Vita (no publicada hasta 1728), autobiografía de gran valor como retrato de un aventurero del Renacimiento, y Due trattati dell'oreficeria e della scultura (1568).
Laurence Stephen
"L.S." Lowry (1 de noviembre de 1887, Stretford, Lancashire - 23
de febrero de 1976, Glossop, Derbyshire) fue un artista Inglés. Muchos de sus
dibujos y pinturas representan Pendlebury, donde vivió y trabajó durante más de
40 años y también Salford y sus alrededores.
Lowry es famoso por pintar
escenas de la vida en los distritos industriales del Noroeste de Inglaterra a
mediados del siglo XX. Desarrolló un estilo de pintura muy distintivo y es
especialmente conocido por sus paisajes urbanos, poblados con figuras humanas a
menudo se refiere como "Matchstick Men". Pintó paisajes misteriosos
despoblados, retratos melancólicos y las obras no publicadas llamadas
"marioneta", que sólo se encontraron después de su muerte.
Debido a su uso de figuras
estilizadas y a la falta de efectos del tiempo en muchos de sus paisajes que a
veces se caracteriza como un ingenuo "pintor de domingo", aunque
esto no es la posición de las galerías que han organizado retrospectivas de sus
obras.
Una gran colección de la obra de
Lowry está en la exhibición pública permanente en The Lowry, una galería de
arte especialmente diseñada en el Puerto de Salford, que lleva su nombre. Lowry
rechazó cinco honores durante su vida, incluyendo el título de caballero en
1968, y por lo tanto tiene el récord de los más honores británicos rechazados.
El 26 de junio de 2013 abrió una gran retrospectiva en la Tate Britain de
Londres, su primera en este museo.
Lowry fue galardonado con un
Máster Honoris Causa en Artes, por la Universidad de Mánchester en 1945 y
Doctor en Letras en 1961, en abril de 1955 Lowry fue elegido como miembro
asociado de la Royal Academy of Arts y en abril de 1962 se convirtió en un
miembro de pleno derecho de la Real Academia10 y al final de diciembre del
mismo año, su condición de miembro evolucionó a la de senior académico después
de haber alcanzado la edad de 75 años. Se le dio las llaves de la ciudad de
Salford en 1965 . En 1975 se le concedió el título honorario de Doctor en
Letras por las universidades de Salford y Liverpool. En 1964, el mundo del arte
celebra su 77 cumpleaños con una exposición de su trabajo y el de 25 artistas
contemporáneos que habían presentado los tributos en el Salón Museo de Monk,
Eccles. La Orquesta Hallé realizó un concierto en su honor y el primer
ministro, Harold Wilson, utiliza la pintura de Lowry "The Pond" como
su tarjeta oficial de Navidad. La pintura de Lowry sa"Coming Out
School" fue representado en un sello de denominación más alta de una serie
emitida por la Oficina de Correos que representa grandes artistas británicos en
1968.
Lowry se negó dos veces a la cita
(Orden del Imperio Británico): como Oficial (OBE) en 1955, y como Comandante
(CBE) en 1961.
Cuixart i Tàpies, Modest
(Barcelona, 2 de noviembre de 1925-Palamós, 31 de octubre de 2007) fue un
pintor español, uno de los más representativos de la posguerra española,
cofundador del grupo Dau al Set junto con Joan Brossa, Antoni Tàpies, Joan
Ponç, Arnau Puig y Joan-Josep Tharrats. Juntos fundaron uno de los grupos de
pensamiento y arte más importante de la década de 1950, trayendo consigo las
segundas vanguardias del siglo XX.
Biografía
Nació en la ciudad de Barcelona.
Estudió inicialmente medicina, pero finalmente se decantó por la pintura con su
ingreso en la Acadèmia Lliure de Pintura de Barcelona.
En 1948 participa en la fundación
del grupo Dau al Set, junto con Joan Brossa, Joan Ponç, Antoni Tàpies, Arnau
Puig y Joan-Josep Tharrats, con la intención de sacudir el yermo panorama
artístico y cultural de la postguerra, y en la edición de la revista del mismo
nombre que alcanzó un eco internacional inesperado.
En 1950 participa activamente en
los coloquios de la segunda Semana de Arte de Santillana del Mar .En diciembre
gracias a una beca concedida por el Instituto Francés a los pintores de Dau al
set, se traslada a París junto con su primo Antoni Tapies.
Desde París, donde asiste a la
Universidad, viaja a diversos países europeos. Ante la imposibilidad de
subsistir en la capital francesa se traslada a Lyon, ciudad decisiva para el
paso de su magicismo de la época de Dau al Set al informalismo matérico.
En 1953 se casa con Mariona Goday
Barba. Ese mismo año participa en la exposición colectiva "Arte
Fantástico" en la galería Clan de Madrid organizada por Antonio Saura.
En 1955 forma parte del efímero
grupo Taüll, junto con Josep Guinovart, Antoni Tàpies, Joan-Josep Tharrats,
Jordi Mercadé, Jaume Muxart y Marc Aleu.Realiza su primera exposición
individual en Barcelona (galerías Layetanas) además de una retrospectiva en el
Museo de Mataró. El crítico Alexandre Cirici Pellicer conoce su obra a la que
desde entonces va a dedicar grandes elogios llegando a considerarle hacia
1959-60 el gran renovador del informalismo internacional que logra cerrar el
ciclo que en su día abrieron Dubuffet y Fautrier.
En 1956, en Lyon contacta con la
activa vanguardia de la ciudad, expone en la galería Folklore que dirige el
poeta Marcel Michaud. Tanto este como el crítico Jean Jacques Lerrant se
entusiasman con su obra. Michaud le presenta el célebre galerista René Drouin
que lo introduce en su galería de París.
En 1958 recibe el Premio Torres
García y en París efectúa su primera exposición individual en René Drouin.
Visita a Picasso. Es invitado a la XXIX Bienal de Venecia y participa en la
Bienal del Carnegie Institut en Pitsburgh. Inicia una muy activa etapa
expositiva a nivel internacional.
En 1959 gana el primer premio de
la Bienal de São Paulo (Brasil) por delante de los finalistas Francis Bacon y
Alberto Burri., obtiene asimismo la medalla de oro del del Premio de Pintura
Abstracta de Lausanne y expone en la Documenta de Kassel .
En 1960-61 participa en una
exposición de vanguardia española en la Tate Gallery de Londres y en el Museo
Guggenheim de Nueva York entre muchas otras exposiciones individuales y
colectivas por toda Europa, América y Japón.
En 1963 , su abandono del
informalismo por considerarlo algo agotado y su creciente interés por la
problemática de lo humano en su pintura se plasma en la exposición "Nens
sense nom " (Niños sin nombre),en la galería René Metras de Barcelona,
"preso de la tentación de lo humano " en palabras de Pierre Restany,
realiza trágica composiciones con muñecas destrozadas que producen un gran
impacto mediático. Jean André Fieschi le dedica un film documental en la línea
del cinema verité. Se considera su aportación al pop art mezclada con el new
dada y el nouveau réalisme.
En 1964 presenta en la galería
René Metras una exposición homenaje a Bertolt Brecht (autor que desde su etapa
de Lyon influye mucho en su pensamiento) la cual incluye configuraciones de
objetos y assemblages. Ese mismo año, su exposición individual en la galeria
Bonino de nueva York, que se prorroga por el éxito obtenido, pone en evidencia
su giro intelectualista hacia la figuración y abre un ciclo de acento orgánico,
erótico y siniestro en el que técnicamente combina el grafismo con lo matérico.
En 1966 expone su nueva y
originalísma tendencia en Barcelona en René Metras bajo el título Realisme
pictòric actual , comisariada por Arnau Puig, que ocasiona el desmedido repudio
del crítico Cirici y genera una intensa polémica en la prensa en la que
intervienen entre otros a su favor Joan Perucho y Rafael Santos Torroella.
En 1968 es seleccionado y
participa en la histórica exposición The Art of Organic Forms en el Smithsonian
Museum de Washington, pionera en la vinculación de arte y ciencia y al año
siguiente participa en el Salón Internacional de Arte de Basilea.
En 1971 se instala en
Palafrugell, donde conoce a Josep Pla. En los siguientes años de esa década
hará exposiciones en numerosas capitales nacionales e internacionales como
París, Madrid, São Paulo, Ámsterdam, Tokio, Basilea, Gerona, Barcelona, Milán y
otras. Inicia una etapa de efusiva creatividad que se inicia con un sesgo
fantasmagórico y fluctua hacia un barroquismo decadente en los 80.
En la década de los 80 participará
en una exposición colectiva en el Palacio de la Unesco de París, recibe la Cruz
de San Jorge de la Generalidad de Cataluña, y la Cruz de Isabel La Católica. En
1988 realiza una exposición antológica en Japón, en las ciudades de Kōbe y
Tokio.
A final de la década recobra todo
su vigor creativo y profundidad conceptual en una etapa que se sumerge en la
naturaleza en su vertiente más recóndita.
En 1991 la Generalidad de
Cataluña patrocina una exposición antológica en el Palacio Robert de Barcelona
y en 1995 hace otra exposición antológica en el “Centro Cultural de la Villa de
Madrid” con motivo de su 70 aniversario. En 1998 se crea la "Fundació Cuixart",
con sede en Palafrugell, y en 1999 se le concede la “Medalla de Oro al mérito
en las Bellas Artes” del Ministerio de Cultura. Finalmente en 2000 recibe la
“Medalla al Mérito en las Bellas Artes” de manos del rey Juan Carlos I.
El 31 de octubre de 2007 muere en
Palamós, dos días antes de cumplir 82 años.
A partir de 1733, aproximadamente, Jean-Baptiste-Siméon Chardin inició una nueva etapa en su carrera al empezar a componer escenas intimistas como La institutriz (La Gouvernante), realizada en 1738.
El número de figuras que aparecen en sus pinturas siempre es reducido. Aquí, coloca a dos personajes en el ambiente de una casa burguesa sencilla, con una decoración sobria, austera, en un ambiente casi religioso. El pintor ha sabido materializar muy amablemente la cotidianidad de una pequeña burguesía parisina en su intimidad: fa criada dedicada a sus tareas y el niño como tal con los juguetes por el suelo. Es imposible imaginar mayor contraste simbólico entre los juguetes esparcidos a la izquierda del cuadro y el costurero abierto con la labor de la mujer a la derecha.
La joven institutriz reprende al niño de una forma estrictamente íntima y la lección aprendida para su futuro comportamiento queda clara. Se suele pasar por alto el marcado aspecto moralizante del tema: una criada asume el deber de amonestar a una persona que puede llegar a convertirse en su señor y por tanto su superior en la escala social.
La mujer ya no es sensual, sino que es una criada, que representa el papel educativo de la madre. En las escenas de género de Chardin no solemos encontrar al padre ni a ninguna otra figura masculina y si hay niños se da por supuesto que son disciplinados. Son las madres y las mujeres de aspecto maternal las que destacan imbuidas en sus tareas domésticas. Sus obras contrastaban con los temas heroicos y las alegres escenas del rococó que constituyeron la corriente artística principal durante la primera mitad del siglo XVIII.
El cuadro emana reposo, como todas sus obras. La escena es siempre algo bien hecho, bien construido. El gesto natural y preciso de los cuerpos nos transmite tranquilidad y calma. Resalta la delicadeza del colorido y la luz tenue que irradia en los personajes proyectando un aura de humanidad.
Chardin es un realista, pinta aquello que ve, los ambientes sencillos, el trabajo y los gestos cotidianos. Se mueve totalmente al margen de la moda galante y recoge la tradición interiorista de la Holanda del siglo XVII. Al igual que Vermeer, sitúa la mujer como centro de las casas modestas. Como el pintor de Delft, la luz será otra de sus grandes preocupaciones.
En sus pinturas es más importante las-formas que el contenido. Con eso y con todo, su mérito reside en la fusión extraordinaria de la técnica y la temática. Sus personajes son, de hecho, naturalezas muertas; inexpresivos, serios, y tan íntegros como un objeto artesanal.
Fue admirado por Denis Diderot por su técnica minuciosa y perfecta y por plasmar los valores morales. Tanto él como Greuze eran algunos de sus favoritos, mientras que despreciaba a Boucher por su vida depravada, que se reflejaba en sus cuadros. "¡Otra vez quí, gran mago, con vuestras composiciones mudas! ¡Cuántas cosas le dicen sobre la imitación de la naturaleza, la ciencia del color, y la armonía! ¡Cómo circula el aire alrededor de esos objetos! ¡La luz del sol cubre mejor los contrastes de los seres que ilumina! ¡Chardin no conoce colores amigos ni enemigos!", escribiría el filósofo refiriéndose al pintor.
Por sus naturalezas muertas y retratos intimistas se le considera el pintor de la burguesía francesa y el continuador de la pintura holandesa. Su obra La institutriz, de 46 x 37,5 cm actualmente se conserva en la Galería Nacional de Canadá, en Ottawa.
La pasta pictórica, en manos de Chardin, podía sugerir las cualidades táctiles de cualquier materia como nadie había conseguido antes de él: véanse la loza, el vidrio, el metal y la madera de su célebre cuadro de 1763.
El sentido de la intimidad, que en Boucher o Fragonard tiene una significación soñadora y sensual, en este autor reviste la humilde densidad de las tradiciones artesanas de Flandes y de Holanda. Nadie mejor que él ha buceado en el alma infantil y ha evocado la calma y la ternura de la vida en el hogar. Buena prueba de ello son este famoso cuadro, penetrante observación del mundo de la pequeña burguesía francesa.
Despiau, Charles (Mont-de-Marsan, 4 de noviembre de 1874 - París, 30 de octubre de 1946) Escultor francés.
Biografía
Charles Despiau se trasladó a París a la edad de 17 años, con motivo de una beca del departamento de las Landes, y entró en la Escuela de Artes Decorativas siendo alumno de Georges Lemaire y posteriormente en la Escuela de Bellas Artes así como en el estudio el escultor Louis-Ernest Barrias. En 1904 se casó con Marie Rudel.
El retrato es la preferencia de Despiau —lo cual no le impide crear estatuas sobre todo en los últimos tiempos— y expone cada año en el Salón de la Société Nationale des Beaux-Arts. A través de su poder plástico y su verdad psicológica, sus retratos son muy notables, gracias a un largo y apasionado trabajo. En 1907, animado por el busto en yeso de Paulette, Auguste Rodin le pidió que trabajara con él. Este fue el comienzo de un período de práctica profesional hasta 1914 año de su movilización por la Gran Guerra. Se vio forzado a abandonar entonces la talla del mármol que le había confiado Rodin del Génie du Repos Éternel, destinado al monumento conmemorativo del pintor Puvis de Chavannes. El yeso, que mide dos metros, había hecho necesaria la contratación de un segundo taller, Villa Corot, donde Despiau se había instalado con su esposa, María. Desmovilizado después de la guerra y Rodin que había muerto en 1917, se negó a terminar la talla del mármol del Genio. El mármol inacabado se expone actualmente en la galería de los jardines del museo Rodin en París. Frecuentó, de vuelta a París con un grupo de artistas, que un día un periodista especializado en arte nombró con gran éxito la «banda Schnegg» , un grupo de escultores donde Lucien Schneg, hermano de Gaston Schnegg, era su motor principal: Antoine Bourdelle, Robert Wlérick, Leon-Ernest Drivier, François Pompon, Louis Dejean, Alfred Jean Halou, Charles Malfray, Auguste de Niederhäusern, Henry Arnold, Jane Poupelet, Yvonne Serruys... Después de la muerte de Lucien en 1909, la banda sigue reuniéndose en torno a Gaston.
El yeso del Genio, donado a Despiau por Auguste Rodin, se quedó en la Villa Corot, a continuación, se trasladó en 1930, a la calle Brillat-Savarin donde hizo construir su casa y taller, cuando Charles Despiau finalmente conoce el éxito con su primera exposición-venta en Nueva York. Los herederos, de este yeso, los señores Alain Kotlar, después de haberla limpiado y restaurado, donaron este «original» al museo de yesos de Meudon en 2001. La fundición del original en bronce del Genio están a la venta en el taller Despiau.
A partir de 1932, el encuentro con Assia Granatouroff, modelo profesional que muchos artistas desde Dora Maar a Germaine Krull pasando por Soutine, hace que Despiau le pida que pose para él, lo que le permite sublimar el cuerpo de la mujer. Surge, en su escultura, a la vez, fuerza, belleza, serenidad, sencillez, Assia, se convierte así en la moderna Venus del renacimiento italiano, que incluso en el arte del siglo XX un periodista comparó el arte de Despiau como: «El Donatello del siglo XX» ", dijo Anatole de Monzie. Assia es uno de los desnudos femeninos más bellos de la historia de la escultura. Se ajusta a los cánones de la hermosa joven, responde a la concepción que se hace de la mujer ideal.
Viollet-le-Duc, Eugène-Emmanuel (París,
27 de enero de 1814 - Lausana, 17 de septiembre de 1879)1 fue un arquitecto,
arqueólogo y escritor francés. Famoso por sus "restauraciones"
interpretativas de edificios medievales, fue un importante arquitecto del
renacer gótico. Representa una de las más importantes figuras de la escuela
francesa, que rechazó la enseñanza de la Escuela de Bellas Artes,
sustituyéndola por la práctica y los viajes por Francia e Italia.
Se dedicó principalmente a la
restauración e invención de conjuntos monumentales medievales como la Ciudadela
de Carcasona o el Castillo de Roquetaillade, siendo muy criticado por el
atrevimiento de sus soluciones y añadidos no históricos, y la pérdida de
autenticidad de muchos monumentos. Sus restauraciones buscaron en menor medida
recuperar sino más bien mejorar el estado original del edificio, con un interés
centrado más en la estructura y en la propia arquitectura que en los elementos
decorativos. Utilizó el estudio arqueológico en el examen crítico inicial de
los edificios, como paso previo para conocer su realidad y defendió el uso del
hierro y la coherencia de la arquitectura gótica, en contra del eclecticismo.
Se opuso con vehemencia al estilo de arquitectura Beaux-Arts que estaba en boga
en esa época. Gran parte de sus trabajos de diseño eran menospreciados por sus
contemporáneos.
Más importante es su aportación
teórica, en la que defendió el uso de una metodología racional en el estudio de
los estilos del pasado, contrapuesta al historicismo romántico. Sus teorías
ejercieron una gran influencia en artistas posteriores, como Guimard, Gaudí,
Horta o Vilaseca.
Fue el arquitecto contratado para
diseñar la estructura interna de la Estatua de la Libertad, pero falleció antes
de que finalizara el proyecto.
Biografía
Nacido en el seno de una familia
muy culta de clase media, desde muy joven se interesó por la Arquitectura de la
Edad Media y aunque fue discípulo de Aquiles Leclère, rechaza ingresar en la
escuela de Bellas Artes deliberadamente para autoformarse recorriendo Francia e
Italia con un bloc de notas en mano. En 1834 se casó con Elisabeth Cabrera.
En 1836 partió hacia Italia donde
visitó Sicilia y se dedicó al estudio del arte griego y romano, regresando a
París en 1837 para recorrer Francia y estudiar sus monumentos más
sobresalientes. Su erudición le valió el nombramiento en 1840 de inspector de
los trabajos de restauración de la Sagrada Capilla bajo la dirección de Félix
Duban. Ese mismo año la Comisión de Monumentos históricos, de la mano de
Prosper Merimée, le encargó la restauración de la iglesia de Vezelay a la que
seguirían otros trabajos que tuvieron gran resonancia, incluyendo Notre-Dame de
París, la basílica de San Denise y la basílica de Madeleine de Vézelay.
En 1842 logró mediante concurso
la restauración de Nuestra Señora de París junto con Jean-Baptiste-Antoine
Lassus. Fue nombrado arquitecto de la abadía de San Dionisio en 1846, inspector
general del servicio diocesano en Francia en 1853 y profesor de Historia del
Arte y Estética de la Escuela de Bellas Artes, recién reorganizada por
Vaillant, en 1863 aunque dimitió al año siguiente debido a la violenta
oposición que suscita su proyecto reformista de la formación de arquitectos,
del cual nace el libro Entretiens sur l'architecture
Supervisó todos los edificios
medievales franceses que fueron restaurados siguiendo los principios
arquitectónicos que se derivaban de sus formas (Castillo de Roquetaillade).
Entre otros reconocimientos fue
nombrado oficial en 1858 y comendador en 1869 de la Legión de Honor y miembro
de la Real Academia de Bellas Artes de Bélgica en 1863.
En los comienzos del sitio de
París en 1870 organizó la legión auxiliar de ingenieros y con el grado de
teniente coronel recibió el encargo del servicio exterior. Gran amigo de
Napoleón III, se declaró librepensador provocando la reacción del clero y
obligándole a dimitir de sus cargos de inspector general diocesano y arquitecto
de las catedrales de Amiens, Clermont, Reims y París.[cita requerida]
Eugène Viollet-le-Duc falleció en
Lausana, Suiza el 17 de septiembre de 1879.
Obra
A comienzos de la década de 1830,
en Francia se desarrolló un interés por la restauración de edificios
medievales. Viollet-le-Duc, que regresa en 1835 de sus estudios en Italia, fue
contratado por Prosper Mérimée para restaurar la abadía románica de Vézelay.
Este trabajo fue el primero de numerosas restauraciones; las restauraciones de
Viollet-le-Duc de Notre Dame de París lo hicieron conocido. Entre sus otras
obras importantes se encuentran los trabajos realizados en Mont Saint-Michel,
Carcasona, Roquetaillade y Pierrefonds.
A menudo las
"restauraciones" de Viollet-le-Duc combinaban hechos históricos con
modificaciones creativas. Por ejemplo, bajo su dirección, Notre Dame no solo
fue limpiada y restaurada, sino también "actualizada", agregándosele
la tercera torre que la distingue (un tipo de espiral) además de otras
modificaciones menores. Otra de sus restauraciones famosas, la ciudad
fortificada de Carcasona, fue mejorada de manera análoga, agregando en la parte
superior de cada una de las torres de la muralla techos en forma de cono que en
realidad son propios del norte de Francia.
