La última Cena de Andrea del Castagno

Esta pintura se considera la obra cumbre de Andrea del Castagno, sin que por ello alcance la monumentalidad espléndida de las obras de Masaccio. El logro de esta Última Cena se halla en la perspectiva móvil. El prisma que encierra la escena parece poco profundo si se mira de cerca, pero de lejos se alarga de forma extraordinana. Asimismo, si el espectador se coloca a la derecha o a la izquierda del cuadro, la perspectiva que obtiene del mismo es totalmente sesgada. 

(Refectorio del convento de Santa Apolonia, Florencia).

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

El condotiero Pippo Spano, Francesco Petrarca y la Sibila de Cumas de Andrea del Castagno

Estos retratos pertenecen al conjunto de pinturas murales que solicitó Carducci para su Villa della Legnaia trasladadas hoy al museo florentino. En los tres retratos existe el mismo impulso de salir del marco del cuadro para entrar en más directo contacto con el espacio real. Por primera vez en la historia de la pintura los personajes apoyan el pie en el borde de una cornisa, introduciéndose en el espacio que hasta entonces había pertenecido al espectador.

(Galleria degli Uffizi, Florencia).

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Mary Cassatt (1844-1926)

Impresionismo 

Cassatt, Mary (Allegheny City, Pensilvania, 1844 - Château de Beaufresne, cerca de Paris, 1926) Pintora estadounidense que vivió y trabajó en Francia, donde se adscribió al grupo de los impresionistas.

Biografía

Nacida en Allegheny City, Pensilvania, en 1844, muy pronto sintió vocación artística y, en 1861, se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, en Filadelfia, donde cursó estudios de pintura. Decidió viajar a Francia, el centro artístico más importante de Europa considerado por los artistas estadounidenses la meca del arte. Recorrió Europa visitando los museos del viejo mudo y estudiando las obras de los grandes maestros. Finalmente, hacia 1872, decidió instalarse definitivamente en París.

Su obra atrajo la atención de Edgar Degas, que por entonces compartía su interés por el teatro como tema para su obra (así como otros artistas de la corriente impresionista). Gracias a Degas expuso con el grupo de los impresionistas y participó en casi todas las muestras organizadas en torno a esta corriente.

En su madurez artística y alentada por sus colegas, Mary Cassatt participó plenamente en las innovaciones plásticas que se producían día a día en el grupo de los impresionistas. Influida por los grabados japoneses que tanto llamaron la atención de estos pintores, su pintura dio un giro hacia una forma de hacer más dibujística y más expresiva, a través de figuras que muestran una actitud natural en su compostura y con composiciones poco convencionales, fruto del abandono definitivo de la premisa académica de planear el cuadro antes de pintarlo.

Su temática empezó a concentrarse en escenas domésticas, hogareñas, especialmente la maternidad (al igual que hicieran sus colegas femeninas Berthe Morisot y Eva Gonzales) que retrató sin insulsez sentimental, como expresión de vida y de salud. Sus modelos a menudo eran los miembros de su familia.

Su presencia en las exposiciones impresionistas fue decisiva a la hora de exportar este estilo a Estados Unidos. A través de su familia y amigos contribuyó enormemente a que los coleccionistas americanos se interesaran por la obra de los impresionistas franceses (al igual que otros artistas norteamericanos que viajaron a París en aquella época, como el dibujante John Singer Sargent, que, aunque no participó de esta estética, fue un importante propagandista de la obra de Manet o Monet en USA). El hermano de Mary, A. J. Cassatt, flamante director de la Compañía de Ferrocarriles de Pensilvania, introducido por su hermana en la nueva estética, se convirtió en un importante coleccionista de obras impresionistas, así como Mrs. Havemayer, amiga de Mary y una de las más importantes coleccionistas de esta pintura. Directa e indirectamente, Mary Cassatt contribuyó al enorme éxito de las primeras exposiciones de los impresionistas en Estados Unidos, que crearon una primera generación de aficionados a esta pintura, sin duda el origen del coleccionismo moderno. A pesar de esta importante contribución, Mary Cassatt tardó en recibir el reconocimiento como artista en su país. No ocurrió lo mismo en Francia, donde siempre fue muy apreciada su pintura, como demuestra el hecho de que le fuese concedida la Legión de Honor en 1904. Mary Cassatt pintó incansablemente hasta la edad de 74 años, en que tuvo que dejar los pinceles debido a un problema con la vista. Murió ocho años más tarde, en 1926.

Sus obras pueden contemplarse en museos norteamericanos (como la National Gallery de Washington, así como en museos europeos (como la colección de impresionistas del Museo del Louvre en París).

Fuente: http://www.mcnbiografias.com/

Obras comentadas

Joven madre cosiendo

Paseo en barca

Más obras

Leche para niños, 1868

Dos mujeres sentadas, 1869

Paseo en barca de Mary Cassatt

Esta pintora estadounidense fue un enlace entre el mundo artístico de París y el de Nueva York. El misógino Degas hace una excepción y la incita a tomar parte en el primer Salón impresionista. En medio de los arrebatados genios que la rodean, Mary Cassatt conserva una personalidad propia. Huye del formulismo y deja escapar libremente su tierna inspiración, en telas como la que comentamos, donde la pincelada gruesa y limpia, la gracia precisa del trazo -aprendida de los japoneses- convierten la trivial escena en un cuadro vigoroso, pleno de atractivos. 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Joven madre cosiendo de Mary Cassatt

Los temas más recurrentes de Mary Cassatt eran las mujeres en la sociedad o en la privacidad de su propio hogar con sus hijos, o pasar el tiempo solos. Para la década de 1890, se había decidido principalmente por pintar madres y sus hijos, o hijos solos. Los temas de los niños y la infancia reflejaban el profundo afecto de Cassatt por su familia, incluidos muchos sobrinos y sobrinas. Joven madre cosiendo representa a una joven madre, cosiendo con atención, mientras su pequeña hija se deja caer descuidadamente sobre su regazo. Sin desanimarse, la madre continúa terminando su trabajo. La pintura se colocó en el conservatorio de la casa de Cassatt en Le Mesnil-Theribus, Oise, Francia.

Fuente:  https://www.wikiart.org/

Ramon Casas (1866-1932)

Modernismo catalán

Casas y  Carbó, Ramón (Barcelona, 5 de enero de 1866-Barcelona, 29 de febrero de 1932) Pintor y dibujante español. Inició sus estudios artísticos en Barcelona, su ciudad natal, y los continuó a partir de 1881 en París, primero en el taller de Carolus-Duran y luego en otra academia, en la que coincidió con Zuloaga y Rusiñol. Su pintura recibió influencias del movimiento simbolista y de Toulouse-Lautrec. Logró exponer en el Salón de París en 1883; de esta época destaca la obra Plein Air (1891 ). De regreso a Barcelona, las conmociones sociales de fin de siglo le llevaron a cultivar temáticas de tipo realista en telas de gran formato como El garrote vil (1894) y La carga (1902). En la plenitud del modernismo se mantuvo fiel al realismo, pero con una pincelada suave y abierta de tipo impresionista. Presidió las fiestas modernistas celebradas en Sitges en la residencia del Cau Ferrat comprada por Santiago Rusiñol. Destaca en su obra la galería de retratos al carboncillo de personalidades ilustres de la cultura y la política de la época. También realizó una gran actividad como cartelista publicitario y como ilustrador. Fundó la revista Pèl & Ploma (1899-1903), que más tarde sería sustituida por Els Quatre Gats y finalmente por Forma (1904-1908).

Casas y Els Quatre Gats

El desastre colonial y la crisis del fin de siglo producen un desgaste del decorativismo simbolista cuya muestra más evidente es el grupo de artistas catalanes que se reúnen en la cervecería de Els Quatre Gats de Barcelona, inaugurada el 12 de junio de 1897. Els Quatre Gats respondía a una idea de Miguel Utrillo, un ferviente modernista, y hecha realidad por Pere Romeu, que quiso inagurar en Barcelona un local polivalente que pudiera acoger obras teatrales, recitales de música o incluso exposiciones, según el modelo de Le Chat Noir de París, en el que Pere Romeu había actuado como cabaretier. Ocupaba los bajos de un edificio muy significativo del gusto del momento, la Casa Martí, de la calle Montsió, y estaba presidido por la famosa pintura El Tándem, de Ramon Casas.

Ramon Casas y Pere Romeu sobre un tándem de Ramon Casas (Museu Nacional d'Art de Catalunya, Barcelona). Esta obra presidía el salón de la cervecería Els Quatre Gats de Barcelona. En este óleo de tema humorístico el genial cartelista catalán altera el monocromatismo con leves pinceladas rojas y las masas de color blanco que conforman los cuerpos de los dos ciclistas. Ambas figuras son las caricaturas del pintor y de un amigo, al que parodió con unos jocosos versos, hoy borrados, sobre la postura torcida del acto del pedaleo.

Madelaine de Ramon Casas (Museo de Montserrat). Pintado en 1892 durante su estancia en Montmartre, este retrato manifiesta la atracción que sentía su autor por los temas populares y sus evidentes referencias al impresionismo de Degas, cuya obra descubrió probablemente en esa época.

En estos años, Casas disfrutará del protagonismo que había tenido Rusiñol durante el triunfo del Cau Ferrat. Mientras triunfaba el simbolismo, Casas se había mantenido fiel a corrientes más veristas, acordes con la nueva visión del entorno que, junto con Rusiñol, había aportado de París a principios de los noventa. Casas evoluciona de los temas de Montmartre a visiones más directas de la sociedad, como Garrote vil (1894, Centro de Arte Reina Sofía, Madrid) o Corpus. Sortida de la processó de l'esglesia de Santa Maria (1898, Museu Nacional d'Art de Ca talunya, Barcelona). El Casas del fin de  siglo es el creador de un nuevo cartelismo muy directamente inspirado en Toulouse-Lautrec, el que triunfa como dibujante en Pel i Ploma y el que inicia una temática que le haría famoso, las manolas, que alterna con su faceta de retratista y de magnífico cronista de la sociedad catalana del momento.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Obra comentada

Plein air

Más obras

Corrida de toros, 1884

Autorretrato, 1885

Plein air de Ramon Casas

La coloración grisácea de la paleta del pintor queda rota por los leves toques amarillos, blancos y asalmonados. En esta pintura, el autor contrapone una situación bien definida en primer término sobre un fondo desdibujado en el que sólo resaltan un molino y la figura de un hombre, dando a la escena una sensación de instantánea fotográfica.

(Museu Nacional d' Art de Catalunya, Barcelona).

Bibliografía: Historia del Arte. Editorial Salvat. Diario “El País”

Eugene Carrière (1846-1906)

Simbolismo

Carrière, Eugene (Gournay, 18 de enero de 1849-París, 27 de marzo de 1906) Pintor y litógrafo francés. Perteneciente al movimiento simbolista, su nombre ha pasado a la historia del Arte por sus famosos retratos.

Biografía

Criado en el seno de una familia de comerciantes de escasos medios económicos, su familia se trasladó a Estrasburgo, donde, a pesar de no manifestar especial interés por el arte, se matriculó en la escuela de dibujo de la ciudad. Aunque durante su formación no manifestó ningún entusiasmo por las artes plásticas, finalizó sus estudios como alumno aventajado y obtuvo todas las menciones honoríficas de la escuela.

En 1864 comenzó a cultivar la técnica del grabado, concretamente la litografía, en la que se inició como aprendiz, para luego establecerse en San Quintín donde comenzó su producción litográfica. Sin embargo su viaje a París en 1869, despertó en él su vocación artística, sobre todo tras su visita al museo del Louvre, que aprovechó para estudiar las obras de los grandes maestros, con especial predilección por la obra de Rubens. Ese mismo año se matriculó en la Academia de Bellas Artes.

Fue llamado a filas en 1870, durante la Guerra Franco-Prusiana, pero al poco tiempo de incorporarse a las luchas, fue hecho prisionero en Neuf-Brisach e internado en un campo para prisioneros en Dresde. Con la finalización del conflicto, regresó a París e ingresó en 1870 en el taller de Cabanel. Posteriormente presentó obra al concurso de Roma, aunque no fue seleccionado.

En 1877 contrajo matrimonio y tras una breve y desafortunada estancia en Londres, regresó a París. Hasta el año de 1885 en el que se inició su período de éxito, realizó dibujos de encargo para sobrevivir, pero a partir de este año su reconocimiento público se concretó al adquirir el Estado francés una de sus obras el Enfant malade, y en 1889 llegó su consagración al recibir la Medalla de honor de la Exposición de 1889. Un cáncer de garganta provocó su fallecimiento en 1906.

Fuente: http://www.mcnbiografias.com/

Obra

L'Enfant malade, 1885

Roger Marx, 1886

Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875)

Realismo

Carpeaux, Jean-Baptiste (Valenciennes, 11 de mayo de 1827 - Courbevoie, 12 de octubre de 1875) Escultor francés.

Biografía

Sus primeros estudios los hizo con François Rude. Su iniciación artística fue a los 9 años en Valenciennes, su ciudad natal. Mientras realizaba sus estudios en la Escuela de Bellas Artes en París en 1843, conocería a Jean-Baptiste Foucart, quien tiempo después se convertiría en su mentor que lo acompañaría durante toda la vida.

Carpeaux ganó el Prix de Rome en 1854, y se trasladó a la Villa de Medici en Roma para encontrar inspiración, allí estudió las obras de Miguel Ángel, Donatello y Verrocchio. Permaneció en Roma desde 1854 hasta 1861, obtuvo un gusto por el movimiento y la espontaneidad, que él más tarde unió con los grandes principios del arte barroco.

En 1861 hizo la Bacante con rosas en Valenciennes durante el tiempo que vivía con su amigo Paul Foucartun, al cual en forma de agradecimiento esculpió un busto de la hija de Paul llamada Anne.​ Después realizó un busto de la princesa Mathilde, y esto más tarde le trajo diversos encargos por parte de Napoleón III. Trabajó en el Pavillon de Flore en las Tullerías y en la Ópera Garnier.

En 1866, las facciones de Anne aparecieron en la fachada de la Ópera de París. Su grupo La Danza (en francés, La Danse, 1869), situado en el lado derecho de la fachada, fue criticado como una ofensa a la decencia. El original se encuentra en el Museo de Orsay, en París.

Nunca consiguió acabar su última obra, la famosa Fuente de las Cuatro Partes de la Tierra, en la plaza Camille-Jullian. Acabó el globo terrestre, apoyado por las cuatro figuras de Asia, Europa, Norteamérica y África, y fue Emmanuel Frémiet quien acabó la obra al añadir los ocho caballos, las tortugas y los delfines de la base.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obras comentadas

La Danza

Ugolino y sus hijos

Más obras

El baño de Venus, 1855

Figura femenina dormida, 1855

Ugolino y sus hijos de Jean-Baptiste Carpeaux

El gusto de los escultores románticos por el bronce se refleja aquí en la expresividad que Carpeaux logra a partir de este material como trasunto de las emociones de sus figuras. Los rostros muestran un gran interés por la expresión y la gestualidad propios de la escultura del momento y una fuerte deuda con el carácter dramático de la otra tridimensional de Miguel Ángel.

(Musée d'Orsay, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

La Danza de Jean-Baptiste Carpeaux

Grupo escultórico realizado por J.-B. Carpeaux en 1869. Un bailarín de belleza andrógina salta entusiasmado en medio de una ronda de bacantes desnudas, de risa nerviosa y mirada extraviada, entrelazadas con guirnaldas de rosas. De fuerte modelado y expresividad, la obra de Carpeaux abre las puertas a una nueva manera de concebir la escultura.

(Musée d'Orsay, París), 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.