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| Barco con marineros, 1950 |
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| Paisaje, 1960. Expresionismo |
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| Paisaje con puente, 1962. Expresionismo |
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| Composición con figuras, 1965. Cubismo |
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Bañistas, 1969
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| Desnudo femenino |
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| Fútbol americano |
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| Marina con botes |
Obra de Mário Zanini. Expresionismo.
Francisco Iturrino (1864-1924)
Iturrino González, Francisco (Santander, 9 de septiembre de 1864 - Cagnes-sur-Mer, Francia, 20 de junio de 1924) fue un pintor y aguafortista español que junto con Juan de Echevarría es el máximo cultivador del fauvismo en España. Es conocido mayormente por sus desnudos femeninos de vivo colorido y por su amistad con Henri Matisse.
Nació en Santander, aunque su familia era de procedencia vasca. En 1867 toda la familia se traslada a Bilbao y allí Francisco recibe clases de dibujo. Una vez terminados sus estudios de bachillerato se traslada a Bélgica en 1884 para continuar con sus estudios, pero no llega a retomarlos y comienza a contactar con artistas, lo que le lleva a dedicarse a la pintura.
Realiza varios viajes y en París hace varios amigos, entre ellos Picasso con el que realiza dos exposiciones en 1901. En 1903 vuelve al País Vasco, a Motrico, pero no cesa de viajar por toda la geografía española con sus exposiciones. Sus obras se venden a bajo precio y vive problemas económicos aunque no para de viajar por Bilbao, Madrid, Salamanca, Málaga o Barcelona entre otras ciudades importantes.
Mantuvo una relevante amistad con Matisse, absorbiendo su influencia. En 1910 recibió al pintor francés en su viaje a Sevilla. André Derain le hizo un retrato en 1914 (París, Centre Georges Pompidou).
En 1920 le operan de una pierna en Madrid y más tarde le será amputada lo que le dará un duro golpe, por lo que en 1922 viaja a Cagnes-sur-Mer a vivir. En 1924 muere por la enfermedad.
Fuente: Texto extraído de es.wikipedia.org
Obra comentada
Galería
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| Caballo muerto, 1898 |
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| Muchachas iniciando una carrera, 1895-1898 |
Desnudos de Francisco lturrino
Considerado uno de los
introductores del fauvismo en España, en esta obra de la década de 1900, el
autor aborda uno de sus temas favoritos: los desnudos femeninos en grupo. Su
dominio del dibujo y de los juegos de luz dan a este cuadro un intenso
movimiento lleno de sensualidad.
(Museo de Bellas Artes de Bilbao)
Federico Brandt (1879-1932)
Brandt, Federico (Caracas, 17 de mayo de 1879 – 25 de julio de 1932) Pintor venezolano. Sus hijas, Julia y Mary Brandt
fueron destacadas pintoras.
Biografía
Comenzó sus estudios en 1889 en
la Academia de Bellas Artes de Caracas, continuó en París y en Hamburgo,
Alemania, a donde había sido enviado por su padre para que estudiara Comercio.
En 1899 obtuvo el primer premio
del certamen de fin de curso en la Academia de Bellas Artes de Caracas, donde
fue alumno de Mauri y Antonio Herrera Toro. En París figuró inscrito en el
curso de Jean-Paul Laurens en la Academia Julian y estudió con el gran pintor Antonio
de La Gandara. En sus tiempos de estudiante estuvo durante una temporada en
Bélgica y pintó en Brujas sus primeros trabajos de influencia impresionista en
1903.
Regresó a Caracas en 1904 y
empezó a asistir nuevamente a la Academia de Bellas Artes, en la cual conocería
a los futuros integrantes del Círculo de Bellas Artes. La protesta de los
alumnos de la Academia en 1909 contra los lineamientos conservadores de Herrera
Toro constituyó un cambio de enorme trascendencia en la actitud de los artistas
en general, efecto del cual, Brandt no se pudo sustraer pese a su espíritu
reservado. Contrajo matrimonio ese año con María Dolores Pérez Pimentel. De esa
unión, nacieron sus tres hijas: Julia, Mary y Lola. A partir de 1912 asociaría
su nombre al Círculo de Bellas Artes. Brandt fue un artista solitario e
insatisfecho pero, por encima de todo, un investigador que había aprendido de
la obra de Paul Cézanne.
En 1918 conoció en Caracas al
pintor rumano Samys Mützner (1869-1959), quien influyó en su decisión de consagrarse
enteramente a la pintura. En poco tiempo, desde 1918 hasta el año de su muerte
ocurrida en 1932, realizó la mayor parte de su obra, a lo largo de una rápida
evolución que lo llevó del paisaje abierto al intimismo de su obra más
reconocida: bodegones, interiores y paisajes arquitectónicos.
En el Ateneo de Caracas al año de
su muerte se organiza su primera exposición individual. En 1950 el Museo de
Bellas Artes de Caracas presentó una exposición con obras de Brandt y sus
hijas, Julia y Mary. También se organiza una exposición en la Sala Mendoza en
1956, una retrospectiva general de su obra en el Museo de Bellas Artes en 1972;
y en la Galería de Arte Nacional de Caracas en 1978. Esta última institución
conserva varias obras datadas entre 1899 y 1931.
Fuente: https://es.wikipedia.org
Galería
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| Isaac Bendice a Jacob, 1899 |
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| Paisaje con la Iglesia de Santa Teresa, 1910 |
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| Cofre de Flores, 1914 |
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| Flores, 1915 |
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| Mendigo, 1915 |
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| Reliquias coloniales, 1917 |
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| Torre de la Catedral, 1920 |
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| Retrato de Díaz, el Anticuario, 1922 |
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| Interior con maniquí, 1924 |
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| Interior con mesa colonial, 1924 |
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| Paisaje, 1924 |
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| Paisaje, 1924 |
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| Naturaleza muerta con virgen, 1925 |
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| Retrato azul con paleta, 1925 |
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| Techos de Caracas, 1925 |
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| Calle de Petare, 1927 |
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| Casa de hacienda de Bello Monte, 1927 |
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| Muñecas, 1927 |
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| Retrato de modelo, 1927 |
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| Calle con arboles Macuto, 1928 |
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| Calle con automovil, 1928 |
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| Calle con figuras, 1928 |
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| Naturaleza muerta con brocha y pinceles, 1930 |
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| Interior con mecedora, 1931 |
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| Autorretrato |
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| Autorretrato |
Vladimir Borovikovsky (1757-1825)
Borovikovsky, Vladimir Lukich (4 de agosto / 24 de julio 1757 – 18 de abril / 6 de abril 1825) fue un artista ruso de origen cosaco ucraniano. Sirvió en la corte de Catalina la Grande y dominó el retrato en Rusia a principios del siglo XIX.
Biografía
Vladimir Borovikovsky nació en
Mirgorod , Hetmanato cosaco , Imperio ruso (ahora Ucrania) el 24 de julio de
1757 en una familia de origen cosaco ucraniano . Su padre, Luka Borovik, era
pintor de iconos . Según la tradición familiar, los cuatro hijos de Borovik
sirvieron como cosacos en el regimiento de Mirgorod , pero Vladimir se retiró
temprano con el rango de poruchik y dedicó su vida al arte,
principalmente a la pintura de iconos para iglesias locales.
Borovikovsky vivió en Mirgorod
hasta 1788, donde pintó iconos y retratos en la tradición barroca cosaca . Su
amigo Vasily Kapnist estaba preparando un alojamiento para la emperatriz
Catalina II en Kremenchuk durante su viaje a la recién conquistada Crimea .
Kapnist le pidió a Borovikovsky que pintara dos cuadros alegóricos ( Pedro I
de Rusia y Catalina II como campesinos sembrando semillas y Catalina
II como Minerva ) para sus habitaciones. Los cuadros agradaron tanto a la
emperatriz que solicitó que el pintor se mudara a San Petersburgo .
Después de septiembre de 1788,
Borovikovsky vivió en San Petersburgo, donde cambió su apellido, que antes era
cosaco, por el de Borovikovsky, de tono más aristocrático . Durante sus
primeros diez años en San Petersburgo, vivió en la casa del poeta, arquitecto,
músico y teórico del arte, el príncipe Nikolai Lvov , cuyas ideas influyeron
fuertemente en el arte de Borovikovsky. A la edad de 30 años, era demasiado
mayor para asistir a la Academia Imperial de Artes de San Petersburgo , por lo
que tomó lecciones privadas de Dmitry Levitzky y más tarde del pintor austríaco
Johann Baptist Lampi .
En 1795 fue nombrado académico .
Se convirtió en un retratista popular y creó alrededor de 500 retratos durante
su vida, 400 de los cuales sobrevivieron hasta el siglo XXI. Tenía su propio
estudio y a menudo dependía de asistentes para pintar las partes menos
importantes de un retrato. Entre sus modelos se encontraban miembros de la
familia imperial, cortesanos, generales, muchos aristócratas y figuras del
mundo artístico y literario ruso. La mayoría de sus retratos son de estilo
intimista.
Características de las obras
A finales de la década de 1790, Borovikovsky alcanzó la fama como retratista. Pintaba con la mano izquierda.
En su obra predominan los
retratos de cámara. En las imágenes femeninas, Borovikovsky encarna el ideal de
belleza de su época.
El artista transmite sutilmente
el mundo interior de las personas que retrata. En un retrato íntimo y
sentimental con una expresión emocional limitada, el maestro puede transmitir
la diversidad de sentimientos y experiencias más íntimos de los modelos retratados.
Por el lienzo "Catalina II paseando por el parque Tsarskoselsky (1794),
presentado a la Academia de las Artes, Borovikovsky fue nombrado académico.
En la década de 1810,
Borovikovsky se caracteriza por una personalidad fuerte y enérgica, que
enfatiza la ciudadanía, la nobleza y la dignidad de los retratados. El aspecto
de sus modelos se vuelve más sobrio, el fondo del paisaje es reemplazado por
una representación del interior.
B. Borovikovsky pintó varios
retratos ceremoniales. En ellos se puede apreciar la maestría del pincel en el
manejo de las texturas: la suavidad del terciopelo, el brillo de las
vestimentas doradas y satinadas y el destello de las piedras preciosas.
La obra de Borovikovsky es una
fusión de estilos clasicistas y sentimentales.
En sus últimos años, Borovikovsky
volvió a la pintura religiosa, incluyendo varios iconos para la construcción en
curso de la Catedral de Kazán y el iconostasio de la Iglesia del cementerio de
Smolensk en San Petersburgo. Dio lecciones de pintura al entonces aspirante a
artista Alexey Venetsianov .
Fuente: https://en.wikipedia.org/
Galería
Rococó
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| Andréi Samborski Afanasyevich, 1790 |
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| Naryshkina Elena,1790 |
Philipp Otto Runge (1777 - 1810)
Biografía
Nacido en una familia de constructores de barcos, Runge, después de leer al poeta Ludwig Tieck, decidió seguir una carrera artística.
Runge estudió con Jens Juel en la Academia de Copenhague (1799-1801), luego se trasladó a Dresde, donde conoció a Caspar David Friedrich. En 1803 se estableció en Hamburgo. Runge era un místico, panteístico típico del romanticismo alemán, y en su obra intentó expresar nociones de la armonía del universo a través del simbolismo del color, la forma y los números, aunque no está comprobado la teoría de los colores de Runge muy probablemente está inspirada en la teoría de los colores pergeñada por Goethe.
Runge también escribió poesía y con esta finalidad planeó una serie de cuatro pinturas tituladas Las Horas del Día, pensados para verse en un edificio especial y con acompañamiento de música y poesía. Este tipo de ideas se dio bastante entre los románticos que buscaban un "arte total", o la fusión entre todas las formas artísticas. Pintó dos versiones de Morning (Kunsthalle, Hamburgo), pero los otros momentos no fueron más que dibujos. Runge fue también uno de los mejores retratistas alemanes de su época; varios ejemplos pueden verse en Hamburgo. Su estilo era rígido, intenso, a veces casi ingenuo. En 1810, después de investigar el color durante años y en correspondencia con Johann Wolfgang von Goethe, publicó Die Farbenkugel (La Esfera de color), en el que describe una esfera esquemática tridimensional para organizar todos los colores imaginables de acuerdo a su tono, brillantez, y saturación. Los tonos puros se mostraban alrededor de su ecuador. A través del eje central estaba una escala de valor gris, desde el negro del fondo hasta el blanco en lo alto. Sobre la superficie de la esfera, los colores se graduaban desde el negro al tono puro hasta el blanco, en siete pasos. Las mezclas intermedias en teoría estaban dentro de la esfera. Runge murió, debido a la tuberculosis. Su esfera fue adoptada 150 años más tarde por el profesor suizo Johannes Itten. Itten abrió la esfera para formar una estrella para mostrarla plenamente de un solo vistazo en dos dimensiones.
Fuente: https://es.wikipedia.org
Obra comentada
Autorretrato de Philipp Otto Runge
Pese a ser contemporáneo del neoclasicismo francés -murió en 1810, a los treinta y tres años de edad-, Runge, como Goethe en literatura, abre paso al romanticismo, movimiento que tuvo en Alemania uno de sus primeros focos de origen.
Fuente: Historia del Arte.
Editorial Salvat.
Jamie Wyeth (1946)
Wyeth, Jamie ( Wilmington,
Delaware, 6 de julio de 1946) Pintor realista estadounidense, hijo de Andrew Wyeth y nieto de NC Wyeth.
Biografía
Se crio en la granja de sus
padres "The Mill" en Chadds Ford, Pensilvania, de la misma manera que
su padre había sido educado, y con las mismas influencias. Él demostró las
mismas habilidades notables en dibujo que su padre había hecho a edades
comparables. Asistió a la escuela pública durante seis años y luego, a petición
suya, recibió clases particulares en casa, para poder concentrarse en el arte.
Su hermano Nicholas más tarde se convertiría en un comerciante de arte
A los 12 años, Jamie estudió con
su tía Carolyn Wyeth, una artista conocida por derecho propio, y residente en
ese momento de NC Wyeth House and Studio, llena de obras de arte y accesorios
de su abuelo. Por la mañana estudió inglés e historia en su casa, y por la
tarde se unió a otros estudiantes en el estudio, aprendiendo los fundamentos
del dibujo y la composición. Más tarde declaró: "Ella era muy restrictiva.
No era interesante, pero sí importante". A través de su tía, Jamie
desarrolló un interés en trabajar con pintura al óleo, un medio que disfrutaba
a nivel sensorial: su aspecto, olor y sensación. Carolyn Wyeth y Howard
Pylefueron sus mayores influencias tempranas en el desarrollo de su técnica al
trabajar con pintura al óleo. Si bien el trabajo de Jamie en acuarela era
similar al de su padre, sus colores eran más vívidos.
Cuando era niño, Jamie estuvo
expuesto al arte de muchas maneras: las obras de sus talentosos familiares,
libros de arte, asistencia a exposiciones, reuniones con coleccionistas y
familiarización con historiadores del arte. También desarrolló un sentido del
humor poco convencional, a veces desviándose hacia lo macabro.
Durante al menos tres años a
principios de la década de 1960, cuando Wyeth estaba en la mitad de su
adolescencia, Wyeth pintó con su padre. Sobre su relación cercana, Wyeth ha
dicho: "Simplemente, Andrew Wyeth es mi amigo más cercano y el pintor cuyo
trabajo más admiro. La relación padre / hijo se va por la ventana cuando
hablamos del trabajo del otro. Somos completamente francos "Ya que no
tenemos nada que ganar siendo amables". A los 19 años [alrededor de 1965]
viajó a la ciudad de Nueva York para estudiar mejor los recursos artísticos de
la ciudad y aprender anatomía humana visitando la morgue de la ciudad.
En 1968, Wyeth se casó con
Phyllis Mills, hija de Alice du Pont Mills y James P. Mills y una de sus modelos. Aunque había quedado
paralizada permanentemente en un accidente automovilístico y usaba muletas (y
más tarde una silla motorizada)para moverse, Wyeth descubrió que era una mujer
fuerte y decidida cuya naturaleza evasiva significaba que él descubría
continuamente algo nuevo sobre ella. Mills es el tema de muchas de sus pinturas
(que generalmente la representan sentada), incluyendo And Then into the Deep
Gorge (1975), Wicker (1979) y Whale (1978), así como, por implicación, su
pintura de Phyllis ' sombrero en Wolfbane (1984).
Phyllis había trabajado para John
F. Kennedy cuando era senador y presidente. Ella ha servido en varias juntas,
incluyendo "el Comité Nacional de Artes para los Discapacitados (también
conocido como VSA (Centro Kennedy), el Fideicomiso Nacional para la
Preservación Histórica y el Consejo de Defensa de los Recursos Naturales. Un
corredor de obstáculos cuando era joven, antes de su incapacidad accidente, que
más tarde se hizo cargo de sus padres de pura sangre de carreras de caballos y
la cría de intereses, ganando el 2012 Belmont Stakes con la Unión Rags . ella
murió el 14 de enero de, 2019 en su casa de Chadds Ford, Pensilvania.
En la década de 1960, Jamie
compró la propiedad Lobster Cove en la Isla Monhegan en Maine , que
anteriormente había sido propiedad de Rockwell Kent , el famoso pintor
estadounidense de paisajes modernistas en el desierto admirado por su abuelo y
las generaciones posteriores. Jamie ha pintado a muchas de las personas locales
en la isla Monhegan. Él y su esposa tienen una casa en Chadds Ford, Pennsylvania,
en Brandywine. En la década de 1990 sus padres, Betsy y Andrew Wyeth, vendieron
Jamie the Tenants Harbor Light en Southern Island en Maine que habían tenido
desde 1978. Como le proporciona la soledad y el tema que más disfruta de su
trabajo, la mayoría de su pintura está hecha en Tenants Harbor; el resto se
hace en Chadds Ford. La estación de luz ha estado inactiva desde 1933.
Fuente: https://es.wikipedia.org
Galería
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| Retrato de Shorty, 1963 |
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| Almacén de maíz, 1964 |
John Singleton Copley (1738-1815)
Copley, John Singleton (Boston, Massachusetts, 3 de julio de 1738 - Londres, 9 de septiembre de 1815) Pintor estadounidense famoso por sus retratos de figuras importantes de la Nueva Inglaterra colonial, en particular hombres y mujeres de clase media.
Sus retratos fueron innovadores en que tendían a mostrar a los sujetos con objetos que aportaban información sobre sus vidas.
Biografía
John Singleton Copley fue hijo de un inmigrante irlandés llamado Richard Copley y de su esposa Mary Singleton Copley. Sus padres poseían y trabajaban en una tienda de tabacos de Boston, Massachusetts. En 1749 —la fecha exacta se desconoce— Richard Copley falleció, y el 22 de mayo de 1748 Mary Copley se casó con Peter Pelham, un grabador y profesor, y se trasladó con su hijo a una parte más respetable y tranquila de Boston. John Singleton Copley tenía unos trece años cuando murió su padrastro Peter Pelham, en 1751.
En 1774, Copley emigró a Inglaterra para pintar allí. Más tarde visitaría París, Génova y Roma antes de volver a Londres nueve meses más tarde.1
John se casó con Susanna Farnham Clarke, cuyo padre, Richard, era uno de los mercaderes más ricos de Boston y agente local de la East India Company. La pareja tuvo seis hijos en los cuarenta y cinco años de matrimonio.1
Se especializó en escenas históricas que en ocasiones son criticadas por los críticos por la falta de vigor de sus primeros retratos. Se unió a la influyente Royal Academy of Art. Copley destacó tanto en su período estadounidense como en el británico por su capacidad para representar texturas y capturar emociones. Murió en Londres en 1815, a los 77 años de edad.
Fuente: https://es.wikipedia.org
Galería
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| Charles Pelham, 1753-1754 |
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| El regreso de Neptuno, 1754 |
Miguel Alandia Pantoja (1914-1975)
Alandia Pantoja, Miguel (Catavi, Potosí 27 de marzo de 1914 - Lima, 2 de octubre de 1975) Pintor boliviano.
Biografía
Nació en la zona minera de Catavi, combatió en la Guerra del Chaco (1932-1935) y fue hecho prisionero. Sus primeros trabajos están inflamados por el tema del patriotismo y la exaltación indigenista. El período que siguió a la guerra se caracterizó por la afirmación de la identidad nacional boliviana, la fractura profunda del poder oligárquico de los "barones del estaño" y los grandes propietarios de tierras; y por el ascenso de nuevas fuerzas políticas, la organización de sindicatos obreros en las minas de estaño y movilizaciones indígenas y camponesas.
Indigenismo, muralismo y socialismo
El indigenismo como movimiento cultural, atrajo la atención de Miguel Alandia para las temáticas sociales y para la obra de pintor boliviano Cecilio Guzmán de Rojas, muy ligado al indigenismo literario de Gamaliel Churata del grupo Orkopata. La obra de Alandia representó parte do resurgimiento indigenista, pero con una crítica social que incorporó nuevas influencias artísticas y políticas.
A comienzos de la década de 1940 adhirió al trotskismo influenciado por Guillermo Lora. Sufrió la represión del los gobiernos de Enrique Peñaranda, Enrique Hertzog Garaizabal y Mamerto Urriolagoitia Harriague. Participó da constitución de la Federación Sindical de Trabajadores Mineros de Bolivia (FSTMB) y de las actividades de su partido político, el Partido Obrero Revolucionario (POR). Conoció el exilio y las prisiones y participó en los debates y polémicas artísticas. Es durante ese período que se aproxima a los muralistas mexicanos, cuyas obras dieron a Alandia el hilo conductor que le faltaba, para tratar de hacer en su arte un compromiso abierto con sus ideas políticas, sin romper con el indigenismo de su primera fase artística.
Las obras de los tres grandes muralistas mexicanos José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, por el contenido, por el rescate de temáticas indigenistas y populares, incluyeron las formas y temáticas de Alandia. En especial el contacto com Orozco y Rivera, que se habían relacionado con León Trotsky, fue relevante en la obra del boliviano. Los murales de 'Alandia se reflejan también los trazos de Siqueiros, a pesar de las divergencias políticas entre ambos. De Orozco, tomó principalmente el indigenismo pictórico. Una de las mayores identidades de Alandia con Orozco y Rivera fue la visión emancipatoria del arte y la negación de la dominación del arte por la política, siguiendo el célebre Manifiesto por un Arte Revolucionario e Independente de julio de 1938, firmado por André Breton, Rivera y Trotsky.
La Revolución de 1952
Miguel Alandia empuñó un fusil junto con miles de activistas por las calles de La Paz en los combates entre el 9 y el 11 de abril de 1952. El ejército fue derrotado por las milicias populares, junto con el poder de las oligarquías. Como militante del POR, participó de la fundación de la Central Obrera Boliviana (COB), y fue el responsable de la edición de su primer periódico La Rebelión y miembro de la comisión de organización del primer congreso da COB. Con el impulso de las medidas revolucionarias, se erigieron los murales y otras obras de arte en el 'Museo Nacional de la Revolución y en otros espacios culturales, políticos y sindicales para conmemorar los acontecimientos de 1952. Fueron incentivados artistas dispuestos a tematizar el nacionalismo a partir de las imágenes de las comunidades indígenas y las masas populares. Sin embargo, emergieron grupos distintos. Uno de ellos en torno de las ideas de Alandia, del poeta Jaime Saenz, del futuro guionista y cineasta Oscar Soria, que lanzaron la revista Hombre, en 1954; otros artistas afines al MNR y a su gobierno; y otro grupo de artistas distanciados del compromiso político y dedicados a temas y formas abstractos.
Los murales de Miguel Alandia se multiplicaron en los espacios públicos. En el Palacio Quemado pintó en 1953 Historia de la Mina, con 86 m², obra que conoció Diego Rivera en su viaje a La Paz, ese año. En el auditorio principal del Hospital Obrero de La Paz está el mural Historia de la medicina, elaborado en 50 m² el año de 1956, que representa el avance de la ciencia médica, en diálogo con los saberes indígenas y la medicina tradicional. La serie de cinco murales Petróleo en Bolivia está en la sede de Yacimientos Petrolíferos Fiscales Boliviano desde 1957.
En 1957, Alandia Pantoja fue invitado a México para exponer sus pintura en el Palacio de Bellas Artes del Distrito Federal. Durante este viaje pintó el lienzo de Fidel Castro que en ese momento combatía a las tropas de Batista en la Sierra Maestra. El cuadro era exhibido en la calles de México en campañas para recaudar dinero para ayudar a financiar la revolución se gestaba en Cuba. En 1959, apenas triunfaron los revolucionario cubanos, Alandia llegó a exponer en el Museo de Arte y otros lugares de La Habana. El lienzo de 1957 está ahora en el hall de la embajada cubana en Bolivia.
Golpe y vandalismo
Tras el golpe militar del general René Barrientos, en noviembre de 1964, el mensaje de los murales pintados por Alandia se volvió insoportable para los militares. Varias obras suyas que celebraban las acciones de los mineros y los campesinos en 1952, fueron destruidas por las dictaduras militares. El Monumento a la Revolución Nacional, donde está su mural Lucha del Pueblo por su Liberación, Reforma Educativa y Voto Universal de 160 m², fue cerrado 31 años, hasta 1995. En mayo de 1965, a golpes de pica los murales del Palacio Quemado fueron tratados con la misma violencia con que se eliminaron dirigentes políticos de los sindicatos y partidos opositores a la dictadura.
La Asamblea Popular de 1971
En 1969, asciende al poder el general Alfredo Ovando Candia, que nacionalizó el petróleo. La COB y los partidos de oposición se rearticularon. Miguel Alandia participó en ese período de la reorganización del sindicato de los artistas. Una de sus obras de la época es el cuadro que retrata el asesinato dos líderes mineros, militantes del POR Isaac Camacho y César Lora. Cundo sectores militares, encabezados por el general Rogelio Miranda, derribaron al general Ovando para contener la apertura democrática, el general nacionalista Juan José Torres tomó la presidencia el 8 de octubre de 1970, apoyado por una huelga general, decretada por la COB, que organiza con estudiantes y campesinos la "Asamblea Popular". La idea de que una nueva ruptura revolucionaria se precipitaba ilusionó las organizaciones de izquierda. Sin embargo, la derecha militar se rearticuló y el gobierno Torres quedó bajo el fuego cruzado de los militares golpistas y de la Asamblea Popular.
Miguel Alandia estuvo nuevamente en el centro de los acontecimientos. Había participado del 4º congreso de la COB en mayo de 1970, como delegado del sindicato de los artistas; luchó en las "jornadas de octubre", como militante del POR y en la Asamblea Popular dirigió la 'Comisión de Defensa y Milicias, encargada de armar los sindicatos y militantes para conformar milicias populares”. En febrero de 1971, realizó una importante exposición en La Paz, la última en suelo boliviano. En una entrevista de la época reafirmaba los compromisos de su arte:
Creo que la pintura mural es la pintura del futuro, no sólo por ser monumental y expresar las esperanzas de las amplias masas, sino también porque la transformación de la sociedad impone que se exprese de forma monumental; la plástica expresa el sentimiento democrático y humano de la sociedad en su conjunto, o sea, que la pintura mural debe substituir en el futuro a los pequeños museos en que hoy se conservan las obras de los grandes maestros del pasado. Mi mayor placer es siempre pintar murales, lo que no me impide hacer pintura de caballete
El Diario, 24 de enero de 1971
Un movimiento cultural y artístico estaba en desarrollo conjuntamente con la Asamblea Popular en 1971, que en una resolución den 2 de julio de 1971 exigió la protección y preservación de las obras de los artistas revolucionarios. Se respiraba una vitalidad creativa, política y cultural. Pero, el golpe sangriento de Hugo Banzer en agosto de 1971 obligó a Miguel Alandia a refugiarse en Perú. Murió durante su exilio en un hospital de Lima. Sus restos fueran llevados a La Paz, donde el cortejo fúnebre que partió de la sede de la Federación de Trabajadoress Mineros, murmuraba: "Alandia continua vivo. Alandia es inmortal".
Fuente: https://es.wikipedia.org
Más obras
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| Historia de la mina, 1953. Mural destruido |
 |
| Diablo |
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