Albin Egger-Lienz (1868-1926)

 Expresionismo

Egger-Lienz, Albin (Stribach cerca de Lienz (Tirol del Este), Austria, 29 de enero de 1868 - St. Justina cerca de Bozen (Tirol del Sur), 4 de noviembre de 1926) fue un pintor austriaco conocido especialmente por sus pinturas históricas y de género rústico.

Biografía

Nació en Dölsach -Stribach cerca de Lienz , en lo que fue el condado de Tirol . Era hijo natural de Maria Trojer, una campesina, y Georg Egger, pintor de iglesias.De adulto usó el apellido de su padre combinado con el nombre de su lugar de nacimiento. Tuvo su primera formación artística con su padre, y posteriormente estudió en la Academia de Múnich, donde fue influenciado por Franz Defregger y el pintor francés Jean-François Millet .

De 1893 a 1899 trabajó en Munich , donde se unió a la asociación artística local. Expuso desde mediados de la década de 1890. Sus primeras obras representaban escenas de la vida campesina y escenas históricas de la rebelión tirolesa de 1809, como el Ave María después de la batalla del Bergisel (1893–1896; Museo Estatal del Tirol , Innsbruck).

En 1899 se casó con Laura Möllwald (con quien tuvo hijos Lörli, Fred e Ila) y se mudó a Viena donde trabajó al margen del ambiente artístico local. Intentó en vano conseguir un trabajo como profesor en la Academia de Bellas Artes de Viena. En 1900 participó en la Exposición Universal de París y recibió la medalla de bronce por el cuadro Feldsegen .

Durante la primera década del siglo XX frecuentó y trabajó a menudo en el Tirol, particularmente en el valle de Ötz. En 1909 se unió a la Secesión de Viena . Bajo la influencia de Ferdinand Hodler , Egger-Lienz desarrolló un lenguaje formal de expresividad monumental, mostrando una preferencia por las figuras heroicas encerradas en espacios escénicos. Se pintaron formas macizas y fuertemente delineadas usando una paleta casi monocromática de colores tierra.

En 1910, su solicitud de cátedra en la Academia de Viena fue nuevamente rechazada, debido a la oposición del heredero al trono, el archiduque Francisco Fernando.

En 1911 se mudó de Viena a Hall, cerca de Innsbruck . Durante 1911 y 1912 fue profesor en la Escuela de Arte Gran Ducal Sajona de Weimar en Weimar. Visitó los Países Bajos, donde estudió a los viejos maestros. Egger-Lienz se distanció públicamente de la obra de Hodler mediante un artículo titulado "Monumentale Kunst", escrito por el crítico de arte Otto Kunz y publicado en 1912 con el nombre de Egger-Lienz.

En septiembre de 1913 se trasladó con su familia a Santa Giustina, cerca de Bolzano.

Fue llamado al servicio militar en 1915, pero pronto fue exonerado del servicio en el frente. Fue un pintor de guerra vestido de paisano en el frente del sur de Austria en 1916. Después del final de la guerra permaneció en Tirol del Sur . En 1919 rechazó una cátedra en Viena.

Reanudó la pintura de escenas campesinas, pero con contenido religioso, como en la Resurrección de Cristo (1924; Museo Estatal del Tirol , Innsbruck). Tuvo éxito de crítica con las obras pintadas en Italia, expuestas en Roma y Venecia y en Viena, en 1925, en la Wiener Künstlerhaus. Recibió una propuesta renovada para enseñar en la Academia de Artes Aplicadas de Viena, pero nuevamente se negó.

En sus últimos años pintó una serie de pinturas y frescos para la Capilla Memorial de los Caídos en la Guerra en Lienz.

Egger-Lienz murió de neumonía el 4 de noviembre de 1926 en St. Justina-Rentsch  [ it ] , Bozen / Bolzano , Tirol del Sur / Alto Adige, Italia.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Galería

Expresionismo

Granja en Grafendorf, 1890

Interior de la Johanneskirche en Munich, 1890

Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976)

Expresionismo

Schmidt-Rottluff, Karl (Rottluff, Alemania, 1 de diciembre de 1884 1884-Berlín, 10 de agosto de 1976). Pintor expresionista alemán.

Hasta 1895 asiste a la escuela elemental, y a partir de entonces estudia en la escuela de gramática de Chemnitz donde conoce a Heckel. Comienza estudios de arquitectura en Dresde, pero los abandona para trabajar como artista independiente; funda Die Brücke junto con Heckel, Bleyl y Kirchner. En 1906 visita a Emil Nolde en Alsen. En Autorretrato con monóculo (1910) el artista (...)se presenta con un jersey de cuello alto verde con barba y monóculo sobre un fondo abstracto amarillo flanqueado por cortinas de color púrpura, la imagen perfecta de arrogancia del joven expresionista. Aunque este sea un efecto exagerado sugiere características propias de los artistas del Brücke y de Schmidt-Rottluff en particular. Aparte de Nolde, él es el colorista más atrevido del grupo, debido a sus vivos colores azules, carmines, amarillos y verdes, yuxtapuestos en disonancias vibrantes. Aunque nunca fue abstracto, fue probablemente el miembro del grupo que se movió con más convencimiento en esta dirección. Pintó interiores cubistas simplificados, paisajes fauvistas y figuras primitivas con una autoridad que recuerda al último Picasso (...) (Arnason).

En 1912 se traslada a Berlín y participa en la exposición Sonderbund en Colonia. Tras participar en la guerra, destinado en el norte de Rusia, regresa a Berlín. En los años veinte viaja por Italia, París, Dalmacia. En 1931 es nombrado miembro de la Academia Prusiana de Artes, institución que abandona dos años más tarde.

En 1937 más de seiscientas de sus obras son confiscadas y veinticinco de ella exhibidas en la exposición Arte Degenerado. Se le excluye de la Cámara de Bellas Artes del Reich en 1941 y se le prohíbe pintar, por lo que se limita a hacer acuarelas. Sus trabajos y su estudio son destruidos.

Entre 1943 y 1947 vive en Chemnitz, hasta que es invitado en 1947 por la West Berlin Hochschule für Bildende Künste a impartir clases.

En 1967, por iniciativa suya, se abre el museo Brücke en Berlín y expone sesenta obras. Muere en Berlín el 10 de agosto de 1976. Con el dinero que deja en su testamento se crea una beca que se con cede cada año a seis jóvenes artistas.

Su obra se compone de cuadros, esculturas en madera y xilografías. El paisaje es el tema principal de su pintura, aunque también pintó figuras, retratos y naturalezas muertas.

Fuente: Texto extraído de www.mcnbiografias.com

Obras comentadas

Cabeza de mujer con máscara

Tres desnudos en el juncal

Cabeza de mujer con máscara de Karl Schmidt Rottluff

Realizado en 1906, año en el que se interesó por el expresionismo monumental, Rottluff fue otro de los miembros de Die Brücke, más innovador que Pechstein. Su obsesión era la forma, que siempre tendió a simplificar. La obra de xilógrafo acabó por imprimir cierto primitivismo a su pintura.

(Gemaldegalerie, Dresde)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Tres desnudos en el juncal de Karl Schmidt Rottluff

Aquí la influencia de Matisse parece indiscutible. Van Gogh también marcó toda su obra. A partir de 1911 (este cuadro tiene fecha de 1913) el cubismo y el arte africano pasan a interesarle. El plano de sus obras es muy simplificado y los colores son de una extraña intensidad. En esta obra se aprecia esta simplificación de las formas y un colorido que se divide según contrastes enérgicos, elementos que conforman su búsqueda de la síntesis expresiva.

(Staatsgalerie, Stuttgart)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Ercole De Roberti (h.1451-1496)

Renacimiento. Escuela Ferrara.

De Roberti, Ercole (Ferrara, h. 1451 - 1496) Pintor italiano, llamado también Ercofe de'Graudi. Discípulo y colaborador de Cosimo Tura, trabajó en Bolon1a entre 1470 y 1486; sus últimos años los pasó en Ferrara al servicio de la casa de Este. Su estilo se diferencia del de su maestro por una elegancia lineal más sutil, mientras sus figuras adquieren mayor humanidad y una gama más rica de colorido, gracias posiblemente al estudio de la pintura veneciana (Giovanni Bellini); su obra más importante, la Virgen entronizada (1480; Galería Brera), así parece demostrarlo. De 1482-86 son sus frescos de la capilla Garganelli en San Pedro de Bolonia (Crucifixión, Muerte de María, etc.), de gran potencia dramática.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Galería

Septiembre , Salone dei Mesi del Palazzo Schifanoia, 1469

Septiembre , Salone dei Mesi del Palazzo Schifanoia, 1469

La toilette d’Esther de Théodore Chassériau

Es una obra perteneciente a una serie en la que el artista manifiesta su genio precoz creando un nuevo tipo femenino, a la vez extraño y turbador, inédito en la pintura francesa. Se trata de una figura alargada, de cintura estrecha y flexible. Las joyas que la adornan y los personajes que la acompañan revelan el atractivo que sentía la época por un Oriente fastuoso y legendario. La belleza del dibujo y del modelado de Chassériau procede de su maestro Ingres.

   

(Musée du Louvre, París).

Fuente: Texto extraído de Historia del Arte. Editorial Salvat

Las dos hermanas de Théodore Chassériau

Las dos hermanas (en francés, Les deux soeurs), también conocida como Las hermanas del artista, es considerada la obra maestra del pintor francés Théodore Chassériau. Está realizado en óleo sobre lienzo. Fue pintado en 1843. Mide 180 cm de alto y 135 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de París.

Théodore Chassériau pinta en este lienzo a sus dos hermanas, quienes ya en otras ocasiones le sirvieron de modelo. La de la izquierda, que lleva una exuberante rosa en la cintura, es su hermana mayor, Adèle, y la de la derecha es Aline. Se apoyan la una a la otra.

Adèle era doce años mayor que Aline, pero en el cuadro no se aprecia la diferencia de edad entre ellas. Las dos presentan un cabello oscuro, fino y de suave brillantez, con raya al medio y recogido en un moño. Dejan al descubierto la piel del rostro, el busto, los antebrazos y las manos, es una piel fina y blanca. Llevan vestido y joyas similares, en tonos rosas y marrones. Sus dos figuras, delineadas en negro, destacan respecto al fondo.

Aunque de formación clásica bajo Ingres, Chassériau no puede evitar asumir el fuego pasional de Delacroix, lo que se evidencia en este caso en el fuerte colorido de la obra. Usa colores casi violentos, especialmente en los mantones en que se envuelven, de un rojo vivo con orlas de múltiples colores.

Este cuadro se considera un profundo estudio de psicología. Se trata de una obra de finales del primer período de su obra artística, en el que el realismo clásico de las formas, aprendido de Ingres, predomina la influencia de Delacroix.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Las_dos_hermanas

Pedro Berruguete (1450-1504)

Renacimiento. Quattrocento.

Berruguete, Pedro (Paredes de Nava, h. 1450 - Avila, 1504) Pintor español.

Junto con Juan de Borgoña, representa la transición del estilo gótico al renacentista en Castilla. Inició su carrera artística bajo la influencia de los maestros flamencos y hacia 1477 pasó a Italia, a la corte de Urbino, donde el duque Federico de Montefeltro había reunido destacados artistas, como Laurana, Bramante, Piero Della Francesca, Melozzo da Forli y Justo de Gante. Según parece, Berruguete colaboró con este último en la decoración del Studiolo en el palacio ducal.

En 1483 regresó a Castilla; trabajó en Toledo durante el período 1483-99 y, a partir de 1495, en Avila, en la realización del retablo mayor de la catedral, que no pudo acabar; también en Avila pintó para el convento de Santo Tomás el retablo del altar mayor y otros dos retablos menores, los de Santo Domingo y San Pedro Mártir, en los que se puede apreciar el gusto castellano, tanto por la tradición (conservación de fondos dorados), como por el realismo con que se tratan ciertos temas (su Auto de fe constituye un importante documento histórico) y también por la expresiva sobriedad de las escenas religiosas (San Pedro Mártir en oración). Son también muy interesantes los dos retablos conservados en su pueblo natal, Paredes de Nava, en los que se manifiesta su talento como retratista (David).

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obras comentadas

Berruguete y el "caso Urbino"

San Jerónimo

Santo Domingo presidiendo el Tribunal de la Inquisición

Galería

Ezequiel, 1500

Adoración de los Magos

Berruguete y el "caso Urbino"

 

El duque de Montefeltro y su hijo de Pedro Berruguete (Museo

del Prado, Madrid). En esta obra de 1480, pintada después de

la serie de retratos de hombres ilustres, Berruguete retrata

al señor de Urbino de perfil, al parecer para evitar la desagra-

dable impresión que podía producir la cuenca vacía del ojo que

había perdido en una batalla. El pintor pone de manifiesto este

carácter de gran guerrero presentándolo con la armadura y el

casco en primer plano, pero también su afición por la cultura

y el arte. La presencia del niño con el cetro en la mano es un

indicativo de la continuidad del poder.

Pedro Berruguete, el pintor más famoso de Castilla del siglo xv, no obstante, los vínculos del arte castellano con los Países Bajos, marchó a Italia hacia 1473. Aquí conoció las obras de Piero delta Francesca, Melozzo da Forli y Antonello de Messina. Éste, que era el más "flamenco" de los italianos fue quien ejerció mayor influencia en Berruguete, cuya producción italiana, salvo las pinturas del palacio ducal de Urbino y una que se halla en el museo de Brera de Milán, se ha perdido.

Unos tres años después de su llegada a Italia, a donde fue probablemente a instancias de un tío fraile de igual nombre, Pedro Berruguete pintó para Federico Montefeltro, duque de Urbino. Durante mucho tiempo los historiadores de arte atribuyeron no sin reparos la autoría de los cuadros del palacio ducal de Urbino al artista flamenco Joos van Wassehove, más conocido como Justo de Gante.

A mediados del siglo XX, varios estudiosos, entre ellos Juan Allende Salazar, Roberto Longhi y Cario Gamba, hallaron indicios suficientes como para considerar que Pedro Berruguete era el autor de varias pinturas, en particular la Comunión de los apóstoles y los veintiocho retratos de hombres ilustres.

Aparte del personal estilo de Berruguete, Cario Gamba encontró en un elogio escrito en 1822 a Giovanni Santi, "padre e poeta, padre del gran Raffaelo di Urbino", el testimonio de la presencia de un "Pietro Spagnolo pittore" en Urbino hacia 1477.

En 1991, el "caso Urbino" pareció quedar resuelto cuando Nicole Reynaud y Claudie Réssort, tras rigurosos análisis de los retratos, informaron en la Revue du Louvre de que los mismos habían sido realizados en dos fases, la primera por Justo de Gante y la segunda por Pedro Berruguete.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Santo Domingo presidiendo el Tribunal de la Inquisición de Pedro Berruguete

La vivacidad de la escena, en la que no falta detalle, hace de esta tabla una de las obras más populares del pintor naturalista, a quien repugnaba lo espeluznante. Al describir este episodio de la vida del santo, Pedro Berruguete rehuye el tremendismo y reconstruye la anécdota buscando efectos de perspectiva y una comedida contención en rostros y actitudes de cuantos intervienen en la terrible escena de la muerte en la hoguera de dos herejes. 

Museo del Prado, Madrid

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat. 

San Jerónimo de Pedro Berruguete

 

Detalle de una tabla del altar mayor de la iglesia, pintada entre 1494 y 1499. Esta obra maestra comprende diecinueve pinturas enmarcadas en una inmensa talla de juegos geométricos góticos . 

Monasterio de Santo Tomás de Avila (Castilla y León).

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.