Zanini, Mário (São Paulo, 10 de septiembre de 1907 - el 16 de agosto de 1971) fue un pintor y decorador brasileño.
Biografía
Descendiente de familia humilde, todavía adolescente frecuentó la Escuela de Belas Artes. Participó de los principales certámenes oficiales del país. Hizo un viaje de estudios a Europa en 1950. Participó de las tres primeras Bienales de São Paulo.
Formó parte del Grupo Santa Helena, núcleo de la futura Família Artística Paulista. Lo que, sin embargo, lo distingue de los demás integrantes del Grupo Santa Helena y de la Família Artística Paulista es su colorido, intenso, profundo, casi ingenuo: al lado de Alfredo Volpi, Zanini uno de los grandes coloristas de la moderna pintura brasileña.
Iturrino González, Francisco (Santander, 9 de septiembre de 1864 - Cagnes-sur-Mer, Francia, 20 de junio de 1924) fue un pintor y aguafortista español que junto con Juan de Echevarría es el máximo cultivador del fauvismo en España. Es conocido mayormente por sus desnudos femeninos de vivo colorido y por su amistad con Henri Matisse.
Nació en Santander, aunque su familia era de procedencia vasca. En 1867 toda la familia se traslada a Bilbao y allí Francisco recibe clases de dibujo. Una vez terminados sus estudios de bachillerato se traslada a Bélgica en 1884 para continuar con sus estudios, pero no llega a retomarlos y comienza a contactar con artistas, lo que le lleva a dedicarse a la pintura.
Realiza varios viajes y en París hace varios amigos, entre ellos Picasso con el que realiza dos exposiciones en 1901. En 1903 vuelve al País Vasco, a Motrico, pero no cesa de viajar por toda la geografía española con sus exposiciones. Sus obras se venden a bajo precio y vive problemas económicos aunque no para de viajar por Bilbao, Madrid, Salamanca, Málaga o Barcelona entre otras ciudades importantes.
Mantuvo una relevante amistad con Matisse, absorbiendo su influencia. En 1910 recibió al pintor francés en su viaje a Sevilla. André Derain le hizo un retrato en 1914 (París, Centre Georges Pompidou).
En 1920 le operan de una pierna en Madrid y más tarde le será amputada lo que le dará un duro golpe, por lo que en 1922 viaja a Cagnes-sur-Mer a vivir. En 1924 muere por la enfermedad.
Considerado uno de los
introductores del fauvismo en España, en esta obra de la década de 1900, el
autor aborda uno de sus temas favoritos: los desnudos femeninos en grupo. Su
dominio del dibujo y de los juegos de luz dan a este cuadro un intenso
movimiento lleno de sensualidad.
Brandt, Federico (Caracas, 17 de mayo de 1879 – 25 de julio de 1932) Pintor venezolano. Sus hijas, Julia y Mary Brandt
fueron destacadas pintoras.
Biografía
Comenzó sus estudios en 1889 en
la Academia de Bellas Artes de Caracas, continuó en París y en Hamburgo,
Alemania, a donde había sido enviado por su padre para que estudiara Comercio.
En 1899 obtuvo el primer premio
del certamen de fin de curso en la Academia de Bellas Artes de Caracas, donde
fue alumno de Mauri y Antonio Herrera Toro. En París figuró inscrito en el
curso de Jean-Paul Laurens en la Academia Julian y estudió con el gran pintor Antonio
de La Gandara. En sus tiempos de estudiante estuvo durante una temporada en
Bélgica y pintó en Brujas sus primeros trabajos de influencia impresionista en
1903.
Regresó a Caracas en 1904 y
empezó a asistir nuevamente a la Academia de Bellas Artes, en la cual conocería
a los futuros integrantes del Círculo de Bellas Artes. La protesta de los
alumnos de la Academia en 1909 contra los lineamientos conservadores de Herrera
Toro constituyó un cambio de enorme trascendencia en la actitud de los artistas
en general, efecto del cual, Brandt no se pudo sustraer pese a su espíritu
reservado. Contrajo matrimonio ese año con María Dolores Pérez Pimentel. De esa
unión, nacieron sus tres hijas: Julia, Mary y Lola. A partir de 1912 asociaría
su nombre al Círculo de Bellas Artes. Brandt fue un artista solitario e
insatisfecho pero, por encima de todo, un investigador que había aprendido de
la obra de Paul Cézanne.
En 1918 conoció en Caracas al
pintor rumano Samys Mützner (1869-1959), quien influyó en su decisión de consagrarse
enteramente a la pintura. En poco tiempo, desde 1918 hasta el año de su muerte
ocurrida en 1932, realizó la mayor parte de su obra, a lo largo de una rápida
evolución que lo llevó del paisaje abierto al intimismo de su obra más
reconocida: bodegones, interiores y paisajes arquitectónicos.
En el Ateneo de Caracas al año de
su muerte se organiza su primera exposición individual. En 1950 el Museo de
Bellas Artes de Caracas presentó una exposición con obras de Brandt y sus
hijas, Julia y Mary. También se organiza una exposición en la Sala Mendoza en
1956, una retrospectiva general de su obra en el Museo de Bellas Artes en 1972;
y en la Galería de Arte Nacional de Caracas en 1978. Esta última institución
conserva varias obras datadas entre 1899 y 1931.
Borovikovsky, Vladimir Lukich (4
de agosto / 24 de julio 1757 – 18 de
abril / 6 de abril 1825) fue un artista ruso de origen cosaco ucraniano. Sirvió en la corte de Catalina la Grande y
dominó el retrato en Rusia a principios del siglo XIX.
Biografía
Vladimir Borovikovsky nació en
Mirgorod , Hetmanato cosaco , Imperio ruso (ahora Ucrania) el 24 de julio de
1757 en una familia de origen cosaco ucraniano . Su padre, Luka Borovik, era
pintor de iconos . Según la tradición familiar, los cuatro hijos de Borovik
sirvieron como cosacos en el regimiento de Mirgorod , pero Vladimir se retiró
temprano con el rango de poruchik y dedicó su vida al arte,
principalmente a la pintura de iconos para iglesias locales.
Borovikovsky vivió en Mirgorod
hasta 1788, donde pintó iconos y retratos en la tradición barroca cosaca . Su
amigo Vasily Kapnist estaba preparando un alojamiento para la emperatriz
Catalina II en Kremenchuk durante su viaje a la recién conquistada Crimea .
Kapnist le pidió a Borovikovsky que pintara dos cuadros alegóricos ( Pedro I
de Rusia y Catalina II como campesinos sembrando semillas y Catalina
II como Minerva ) para sus habitaciones. Los cuadros agradaron tanto a la
emperatriz que solicitó que el pintor se mudara a San Petersburgo .
Después de septiembre de 1788,
Borovikovsky vivió en San Petersburgo, donde cambió su apellido, que antes era
cosaco, por el de Borovikovsky, de tono más aristocrático . Durante sus
primeros diez años en San Petersburgo, vivió en la casa del poeta, arquitecto,
músico y teórico del arte, el príncipe Nikolai Lvov , cuyas ideas influyeron
fuertemente en el arte de Borovikovsky. A la edad de 30 años, era demasiado
mayor para asistir a la Academia Imperial de Artes de San Petersburgo , por lo
que tomó lecciones privadas de Dmitry Levitzky y más tarde del pintor austríaco
Johann Baptist Lampi .
En 1795 fue nombrado académico .
Se convirtió en un retratista popular y creó alrededor de 500 retratos durante
su vida, 400 de los cuales sobrevivieron hasta el siglo XXI. Tenía su propio
estudio y a menudo dependía de asistentes para pintar las partes menos
importantes de un retrato. Entre sus modelos se encontraban miembros de la
familia imperial, cortesanos, generales, muchos aristócratas y figuras del
mundo artístico y literario ruso. La mayoría de sus retratos son de estilo
intimista.
Características de las obras
A finales de la década de 1790,
Borovikovsky alcanzó la fama como retratista. Pintaba con la mano izquierda.
En su obra predominan los
retratos de cámara. En las imágenes femeninas, Borovikovsky encarna el ideal de
belleza de su época.
El artista transmite sutilmente
el mundo interior de las personas que retrata. En un retrato íntimo y
sentimental con una expresión emocional limitada, el maestro puede transmitir
la diversidad de sentimientos y experiencias más íntimos de los modelos retratados.
Por el lienzo "Catalina II paseando por el parque Tsarskoselsky (1794),
presentado a la Academia de las Artes, Borovikovsky fue nombrado académico.
En la década de 1810,
Borovikovsky se caracteriza por una personalidad fuerte y enérgica, que
enfatiza la ciudadanía, la nobleza y la dignidad de los retratados. El aspecto
de sus modelos se vuelve más sobrio, el fondo del paisaje es reemplazado por
una representación del interior.
B. Borovikovsky pintó varios
retratos ceremoniales. En ellos se puede apreciar la maestría del pincel en el
manejo de las texturas: la suavidad del terciopelo, el brillo de las
vestimentas doradas y satinadas y el destello de las piedras preciosas.
La obra de Borovikovsky es una
fusión de estilos clasicistas y sentimentales.
En sus últimos años, Borovikovsky
volvió a la pintura religiosa, incluyendo varios iconos para la construcción en
curso de la Catedral de Kazán y el iconostasio de la Iglesia del cementerio de
Smolensk en San Petersburgo. Dio lecciones de pintura al entonces aspirante a
artista Alexey Venetsianov .
Runge, Phílípp Otto (Wolgast, 23 de julio de 1777 - Hamburgo, 2 de diciembre de 1810) Pintor y dibujante romántico alemán. Aunque comenzó tarde su carrera y murió joven, se lo considera el más destacado de los pintores románticos alemanes, después de Friedrich.
Biografía
Nacido en una familia de constructores de barcos, Runge, después de leer al poeta Ludwig Tieck, decidió seguir una carrera artística.
Runge estudió con Jens Juel en la Academia de Copenhague (1799-1801), luego se trasladó a Dresde, donde conoció a Caspar David Friedrich. En 1803 se estableció en Hamburgo. Runge era un místico, panteístico típico del romanticismo alemán, y en su obra intentó expresar nociones de la armonía del universo a través del simbolismo del color, la forma y los números, aunque no está comprobado la teoría de los colores de Runge muy probablemente está inspirada en la teoría de los colores pergeñada por Goethe.
Runge también escribió poesía y con esta finalidad planeó una serie de cuatro pinturas tituladas Las Horas del Día, pensados para verse en un edificio especial y con acompañamiento de música y poesía. Este tipo de ideas se dio bastante entre los románticos que buscaban un "arte total", o la fusión entre todas las formas artísticas. Pintó dos versiones de Morning (Kunsthalle, Hamburgo), pero los otros momentos no fueron más que dibujos. Runge fue también uno de los mejores retratistas alemanes de su época; varios ejemplos pueden verse en Hamburgo. Su estilo era rígido, intenso, a veces casi ingenuo. En 1810, después de investigar el color durante años y en correspondencia con Johann Wolfgang von Goethe, publicó Die Farbenkugel (La Esfera de color), en el que describe una esfera esquemática tridimensional para organizar todos los colores imaginables de acuerdo a su tono, brillantez, y saturación. Los tonos puros se mostraban alrededor de su ecuador. A través del eje central estaba una escala de valor gris, desde el negro del fondo hasta el blanco en lo alto. Sobre la superficie de la esfera, los colores se graduaban desde el negro al tono puro hasta el blanco, en siete pasos. Las mezclas intermedias en teoría estaban dentro de la esfera. Runge murió, debido a la tuberculosis. Su esfera fue adoptada 150 años más tarde por el profesor suizo Johannes Itten. Itten abrió la esfera para formar una estrella para mostrarla plenamente de un solo vistazo en dos dimensiones.
Pese a ser contemporáneo del neoclasicismo francés -murió en 1810, a los treinta y tres años de edad-, Runge, como Goethe en literatura, abre paso al romanticismo, movimiento que tuvo en Alemania uno de sus primeros focos de origen.
Wyeth, Jamie ( Wilmington,
Delaware, 6 de julio de 1946) Pintor realista estadounidense, hijo de Andrew Wyeth y nieto de NC Wyeth.
Biografía
Se crio en la granja de sus
padres "The Mill" en Chadds Ford, Pensilvania, de la misma manera que
su padre había sido educado, y con las mismas influencias. Él demostró las
mismas habilidades notables en dibujo que su padre había hecho a edades
comparables. Asistió a la escuela pública durante seis años y luego, a petición
suya, recibió clases particulares en casa, para poder concentrarse en el arte.
Su hermano Nicholas más tarde se convertiría en un comerciante de arte
A los 12 años, Jamie estudió con
su tía Carolyn Wyeth, una artista conocida por derecho propio, y residente en
ese momento de NC Wyeth House and Studio, llena de obras de arte y accesorios
de su abuelo. Por la mañana estudió inglés e historia en su casa, y por la
tarde se unió a otros estudiantes en el estudio, aprendiendo los fundamentos
del dibujo y la composición. Más tarde declaró: "Ella era muy restrictiva.
No era interesante, pero sí importante". A través de su tía, Jamie
desarrolló un interés en trabajar con pintura al óleo, un medio que disfrutaba
a nivel sensorial: su aspecto, olor y sensación. Carolyn Wyeth y Howard
Pylefueron sus mayores influencias tempranas en el desarrollo de su técnica al
trabajar con pintura al óleo. Si bien el trabajo de Jamie en acuarela era
similar al de su padre, sus colores eran más vívidos.
Cuando era niño, Jamie estuvo
expuesto al arte de muchas maneras: las obras de sus talentosos familiares,
libros de arte, asistencia a exposiciones, reuniones con coleccionistas y
familiarización con historiadores del arte. También desarrolló un sentido del
humor poco convencional, a veces desviándose hacia lo macabro.
Durante al menos tres años a
principios de la década de 1960, cuando Wyeth estaba en la mitad de su
adolescencia, Wyeth pintó con su padre. Sobre su relación cercana, Wyeth ha
dicho: "Simplemente, Andrew Wyeth es mi amigo más cercano y el pintor cuyo
trabajo más admiro. La relación padre / hijo se va por la ventana cuando
hablamos del trabajo del otro. Somos completamente francos "Ya que no
tenemos nada que ganar siendo amables". A los 19 años [alrededor de 1965]
viajó a la ciudad de Nueva York para estudiar mejor los recursos artísticos de
la ciudad y aprender anatomía humana visitando la morgue de la ciudad.
En 1968, Wyeth se casó con
Phyllis Mills, hija de Alice du Pont Mills y James P. Mills y una de sus modelos. Aunque había quedado
paralizada permanentemente en un accidente automovilístico y usaba muletas (y
más tarde una silla motorizada)para moverse, Wyeth descubrió que era una mujer
fuerte y decidida cuya naturaleza evasiva significaba que él descubría
continuamente algo nuevo sobre ella. Mills es el tema de muchas de sus pinturas
(que generalmente la representan sentada), incluyendo And Then into the Deep
Gorge (1975), Wicker (1979) y Whale (1978), así como, por implicación, su
pintura de Phyllis ' sombrero en Wolfbane (1984).
Phyllis había trabajado para John
F. Kennedy cuando era senador y presidente. Ella ha servido en varias juntas,
incluyendo "el Comité Nacional de Artes para los Discapacitados (también
conocido como VSA (Centro Kennedy), el Fideicomiso Nacional para la
Preservación Histórica y el Consejo de Defensa de los Recursos Naturales. Un
corredor de obstáculos cuando era joven, antes de su incapacidad accidente, que
más tarde se hizo cargo de sus padres de pura sangre de carreras de caballos y
la cría de intereses, ganando el 2012 Belmont Stakes con la Unión Rags . ella
murió el 14 de enero de, 2019 en su casa de Chadds Ford, Pensilvania.
En la década de 1960, Jamie
compró la propiedad Lobster Cove en la Isla Monhegan en Maine , que
anteriormente había sido propiedad de Rockwell Kent , el famoso pintor
estadounidense de paisajes modernistas en el desierto admirado por su abuelo y
las generaciones posteriores. Jamie ha pintado a muchas de las personas locales
en la isla Monhegan. Él y su esposa tienen una casa en Chadds Ford, Pennsylvania,
en Brandywine. En la década de 1990 sus padres, Betsy y Andrew Wyeth, vendieron
Jamie the Tenants Harbor Light en Southern Island en Maine que habían tenido
desde 1978. Como le proporciona la soledad y el tema que más disfruta de su
trabajo, la mayoría de su pintura está hecha en Tenants Harbor; el resto se
hace en Chadds Ford. La estación de luz ha estado inactiva desde 1933.
Copley, John Singleton(Boston, Massachusetts, 3 de julio de 1738 - Londres, 9 de septiembre de 1815) Pintor estadounidense famoso por sus retratos de figuras importantes de la Nueva Inglaterra colonial, en particular hombres y mujeres de clase media.
Sus retratos fueron innovadores en que tendían a mostrar a los sujetos con objetos que aportaban información sobre sus vidas.
Biografía
John Singleton Copley fue hijo de un inmigrante irlandés llamado Richard Copley y de su esposa Mary Singleton Copley. Sus padres poseían y trabajaban en una tienda de tabacos de Boston, Massachusetts. En 1749 —la fecha exacta se desconoce— Richard Copley falleció, y el 22 de mayo de 1748 Mary Copley se casó con Peter Pelham, un grabador y profesor, y se trasladó con su hijo a una parte más respetable y tranquila de Boston. John Singleton Copley tenía unos trece años cuando murió su padrastro Peter Pelham, en 1751.
En 1774, Copley emigró a Inglaterra para pintar allí. Más tarde visitaría París, Génova y Roma antes de volver a Londres nueve meses más tarde.1
John se casó con Susanna Farnham Clarke, cuyo padre, Richard, era uno de los mercaderes más ricos de Boston y agente local de la East India Company. La pareja tuvo seis hijos en los cuarenta y cinco años de matrimonio.1
Se especializó en escenas históricas que en ocasiones son criticadas por los críticos por la falta de vigor de sus primeros retratos. Se unió a la influyente Royal Academy of Art. Copley destacó tanto en su período estadounidense como en el británico por su capacidad para representar texturas y capturar emociones. Murió en Londres en 1815, a los 77 años de edad.
