Los detalles ornamentales también están presentes en esta antorcha, realizada como una pequeña obra arquitectónica, con claros elementos renacentistas.
Florencia
Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.
Henri Rousseau (1844-1910)
Rousseau, Henri Julien Félix (Laval, 21 de mayo de 1844 - París, 2 de septiembre de 1910), lamado "El aduanero
Rousseau" por su trabajo en los servicios de aduanas en París, fue un
célebre pintor francés, uno de
los máximos representantes del arte naíf. Ridiculizado por la crítica en
su época, fue sin embargo reconocido por su
talento autodidacta y calidad artística,
ejerciendo gran influencia en varios artistas de vanguardia. No confundir con
Henri Émilien Rousseau (1875-1933).
Biografía
Nació en Laval, en la región de
Mayenne, hijo de un hojalatero. Laval es también ciudad natal de Alfred Jarry,
una de las primeras personas en reconocer
su talento. Henri Rousseau vivió en su juventud
en Angers, que no era una ciudad grande en ese tiempo, de historia medieval, al
borde del río Loira. Angers tuvo una tradición de tapicerías medievales. Aunque no era buen
estudiante, ganó premios en dibujo y música. Después trabajó para un abogado y estudió Derecho, pero "intentó un pequeño perjurio y buscó refugio en el ejército". Sirvió cuatro
años, cuando al morir su padre se trasladó a París, en 1868, a sus 24 años,
para mantener a su madre viuda como empleado del gobierno. La tradición vista
en su juventud se refleja en sus visitas frecuentes al Museo Cluny, especializado en el arte
medieval francés.
Ese mismo año de 1868 se casó con
Clémence Boitard, la hija de quince años de su casera, con quien tuvo seis
hijos, pero todos los niños fallecieron en la infancia menos uno. En 1871 fue
nombrado recaudador de impuestos sobre las mercancías que entraban en París. Su
esposa murió en 1888, y se casó con Josephine Noury en 1898. Empezará a
dedicarse a la pintura
cuatro años después de su
llegada en 1868, de manera autodidacta.
Tras su jubilación en 1893,
complementó su pequeña pensión con trabajos a tiempo parcial y tocando el
violín por las calles. Trabajó también brevemente en Le Petit Journal,
produciendo varias portadas. Rousseau expuso su último cuadro, El sueño, en
marzo de 1910, en el Salón de los Independientes.
En el mismo mes, sufrió un
absceso en la pierna, el cual ignoró. En agosto, fue admitido en el hospital
Necker de París, donde había muerto su hijo, descubriéndose que había
degenerado en gangrena. Después de una operación para amputar la pierna, murió
por un coágulo en la sangre el 2 de septiembre de 1910. A su funeral asistieron
los pintores Paul Signac y Manuel Ortíz de Zárate, el matrimonio de artistas
formado por Robert Delaunay y Sonia Terk, el escultor Brancusi, el casero de
Rousseau, Armand Queval, y el poeta Guillaume Apollinaire, que escribió el
epitafio que Brancusi talló en su lápida:
"Te saludamos, gentil
Rousseau, puedes escucharnos.
Delaunay, su esposa, Monsieur
Queval y yo.
Deja que nuestro equipaje pase
libre de impuestos por las puertas del Cielo.
Le traemos pinceles, pinturas y
lienzos.
Para que pase su sagrado ocio en
la luz y la verdad de la pintura.
Como hizo una vez con mi retrato
frente a las estrellas, el león y la gitana."
Obra
Henri Rousseau dedicaba mucho
tiempo a cada uno de sus cuadros, he aquí que su obra sea relativamente escasa.
Estilo
A pesar de las intenciones
"realistas", en la obra de Rousseau destacan el tono poético, la
búsqueda de lo exótico y, sobre todo, su estilo naíf, reflejo de una aparente
sensibilidad infantil propia de los artistas con poca o nula formación académica;
esta ingenuidad otorga con frecuencia a sus trabajos un aspecto involuntario de
caricatura. En el caso del pintor de Laval, es efectivamente su formación
autodidacta junto a una primacía de la fantasía sobre lo real lo que determina
este estilo, de difícil inclusión en movimientos artísticos de la época. A
pesar de desconocer las técnicas compositivas, logró dotar a sus obras de un
sugerente y complejo colorido, muy elogiado entre sus seguidores.
Aproximadamente desde 1890 se
observa una maduración en su lenguaje pictórico. Si bien durante toda su
carrera artística pintó obras de corte realista, con frecuencia también dejó
que su fantasía se potenciara hasta casi el surrealismo. Por ejemplo, en La
gitana dormida (1897) se ve a una mujer durmiendo plácidamente en medio de un
exótico desierto mientras un león la observa muy de cerca; el paisaje y el león
podrían ser una fantasía onírica de la gitana. En El sueño (1910), esta
potencialización de lo superrealista es igual de perceptible.
A menudo se incluye a Rousseau
dentro del post-impresionismo francés. En cualquier caso, se le reconoce un
estilo naíf original y muy intuitivo que le otorga un lugar destacado en la
pintura francesa de finales del XIX y principios del XX, junto a sus coetáneos
impresionistas, fauvistas y cubistas.
Los temas exóticos
Sus cuadros más conocidos
representan escenas selváticas, a pesar de que él nunca abandonó Francia ni vio
una jungla. Carecen de rigor las historias difundidas por admiradores suyos
sobre un supuesto servicio en el ejército que incluyera la fuerza expedicionaria
francesa a México.
Su inspiración provenía de libros
con ilustraciones, de los jardines botánicos y de la ménagerie del Jardín de
las Plantas de París (la ménagerie es la «casa de fieras», el antiguo zoo de
París, aunque todavía está abierto en la actualidad), así como de dibujos de
animales salvajes disecados. También había conocido a soldados durante su
servicio militar que habían sobrevivido a la expedición francesa a México y
había escuchado sus historias del país subtropical. Según el crítico Arsène
Alexandre, el pintor describía sus visitas frecuentes al Jardín de las Plantas
de esta manera: “Cuando me introduzco en los invernaderos de cristal y veo las
extrañas plantas de tierras exóticas, tengo la sensación de entrar en un
sueño”.
Se considera que la primera (y la
más representativa) de sus "junglas" es Tigre en una tormenta
tropical (¡Sorprendido!) (1891).
Los paisajes y retratos
Junto a sus escenas exóticas hubo
una producción simultánea de imágenes topográficas más pequeñas de la ciudad de
París y sus alrededores. Estas tienen en ocasiones detalles relacionados con el
progreso técnico y científico de la época: chimeneas de fábricas, aerostatos,
dirigibles, postes de telégrafo, biplanos, etc. Ejemplos de estos paisajes son Paisaje
con el dirigible Patrie (Paysage avec le dirigeable "Patrie",
1908), La passerelle de Passy (1904) y Pescadores en línea (Pêcheurs
a la ligne, 1908). Estos cuadros, en los que la vegetación tiene un aire
atemporal, representan a menudo lugares que él frecuentaba.
Rousseau afirmó, asimismo, haber
inventado un nuevo género pictórico al que denominó retrato-paisaje, que
consistía en comenzar el cuadro con una vista general de, por ejemplo, uno de
sus lugares favoritos en París, añadiendo luego una persona en primer plano.
Así ocurre, por ejemplo, en su autorretrato titulado Moi-même (Yo
mismo, 1890).
En sus retratos, sean o no
retratos-paisajes, los personajes están rígidos, en pose, casi inexpresivos,
frecuentemente con los ojos muy abiertos y "mirando" frontalmente al
espectador. Si los personajes son varios, están yuxtapuestos: uno al lado del
otro. El paisaje de fondo, cuando lo hay, parece estar en el mismo plano por la
falta de perspectiva.
Si bien los nombres de la mayoría
de los retratos realizados por Rousseau no hacen referencia a las personas que
aparecen en ellos, existen excepciones a esta regla (como el Retrato de la
segunda esposa de Rousseau (Portrait de la seconde femme de Rousseau),
o bien se conocen indicios que permiten identificar al personaje en cuestión
(en Retrato de M. x, se sabe que la x representa a Pierre Loti).
Técnica
Rousseau frecuentemente desconoce
u olvida las perspectivas y las proporciones. En su obra, los claroscuros no
sirven para dar profundidad ni una impresión de contorno, con lo que sus
figuras suelen parecer "planas".
Su técnica habitual era la de
capas de óleo, comenzando por los cielos y el fondo y concluyendo con la
figuración de los personajes y animales. En algunas pinturas repintó ciertas
áreas (principalmente los follajes de primer plano), motivo por el que en la
actualidad tales áreas se encuentran cuarteadas o con efecto de craquelado.
Generalmente el acabado de la
superficie es con un "glaseado", una especie de satinado y/o
barnizado, sabiamente dispuesto que le aporta un brillo equilibrado a la obra.
En Tigre en una tormenta
tropical (¡Sorprendido!), logró una vía innovadora con una luz brillante
que parece atravesar las pinceladas de gris claro sesgadas sobre el lienzo.
Rousseau declaró que no tuvo otro
maestro que la naturaleza, aunque admitió haber recibido algunos consejos de
dos pintores academicistas: Félix-Auguste Clément y Jean-Léon Gérôme.
Crítica y reconocimiento
En 1886 —época en que pintaba
principalmente retratos y escenas parisinas— expone invitado por los
antiacademicistas en el Salon des Indépendants. El primer cuadro que expone es
Soirés au carnaval (Velada en carnaval). Es entonces cuando recibe los elogios
de Paul Gauguin, Georges Seurat, Félix Vallotton (que llega a afirmar que las
obras de H.Rousseau son el Alfa y Omega de la pintura) y el crítico Wilhelm
Uhde, quien lo señala en su tratado Cinco grandes maestros primitivos
(Rousseau, Bauchardt, Bondois, Séraphine, Vivies). Poco a poco Rousseau logra
hacerse reconocer por pintores vanguardistas como André Derain y Henri Matisse;
entabla amistad con Robert Delaunay, Guillaume Apollinaire y, bastante después,
con el español Pablo Picasso.
En 1905 Matisse elogia el cuadro
de Rousseau titulado El león arrojándose sobre el antílope expuesto en la primera exhibición de los "Fauves" (ver fovismo), en el Salón de Otoño de 1905.
En 1907 la madre de Robert
Delaunay, Berthe, condesa de Delaunay le encarga y compra el cuadro La
encantadora de serpientes.
En 1908 Picasso encuentra a
Rousseau intentando vender sus cuadros en las calles de París, Picasso, ya
bastante célebre, reconoce el genio de Rousseau y le ofrece un banquete de
homenaje (mitad burlesco, mitad serio) en el atelier (taller) que el español
poseía en el Bateau-Lavoir.
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/
Obras comentadas
 |
| Paisaje con puente, 1875-1877 |
 |
| Carreta delante de molino, 1879 |
Tormenta tropical con un tigre de Henri Rousseau
Ningún pintor del
siglo XX personifica la pintura naif como este artista, admirado en su época
por Toulouse-Lautrec, Picasso y Matisse. Describió escenas fantásticas cómo si
fueran la más vulgar realidad. Éste es uno de sus mejores logros compositivos.
(National Gallery, Londres).
Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat
Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat
La encantadora de serpientes de Henri Rousseau
La encantadora de serpientes (La charmeuse de serpents) es obra de Henri Rousseau, el Aduanero, un perfecto autodidacto que supo crear una obra valiosa y sincera, y cuya inspiración en la imaginación popular y en los relatos de la época le convirtieron en el pionero de un nuevo exotismo.
Comenzó a trabajar aproximadamente en torno a 1875, y sólo hacia 1884, con ya cuarenta años, se dedicó sistemáticamente a la pintura. Sus cuadros chocaron con los convencionalismos de la sociedad burguesa del momento al recurrir a las técnicas realistas consideradas pasadas de moda. Pero esta pecu liar manera de representar la realidad fue inmediatamente valorada por muchos artistas, entre ellos por el propio Kandinsky, quien consideró a Rousseau el padre del nuevo realismo. Ya Picasso y Braque sintieron la fascinación de sus pinturas por el tratamiento simple de las formas y la ignorancia de las convenciones.
Desde el punto de vista compositivo, La encantadora de serpientes, de 1907, es uno de los mejores logros de este artista, no sólo por ser una obra más en el grupo de sus Junglas, sino también por lo que supone respecto a su concepción artística. El tema exótico se halla inserto en una visión paisajística bastante compleja de planos, con contornos definidos y un extraordinario uso del color. La vegetación parece crecer enfrente mismo de los ojos del espectador.
En lo que atañe a la iluminación destaca cómo la tenue luz lunar incide sobre la vegetación del bosque y se refleja en el agua. La figura de la mujer, de piel oscura, no recibe ningún foco lumínico, viene a ser tan sólo una silueta, la cual se adivina en medio de la selva tropical. Ella toca la flauta y no sólo hace bailar a la serpiente, sino también a las plantas que aparecen iluminadas en primer término. La pintura se transforma en una misteriosa jungla llena de poesía y ensueño. El lienzo transmite un grado de irrealidad y fantasía.
A pesar de que sus fuentes de inspiración fueron tarjetas postales, cromos de almanaques e incluso fotografías, su profunda imaginación transformaba las pinturas en sueños llenos de gracia, ingenuidad y misterio. La exuberancia y el exotismo que desprende la representación hizo pensar que pudiera haber viajado hasta estos lugares que le hubieran permitido el conocimiento directo de esta naturaleza salvaje. Sin embargo, nunca viajó fuera de Francia, para él no existió más realidad que la del Jardín Botánico de París, que le sirvió de modelo y guía para sus estudios de vegetación.
De gran calidad pictórica así como un profundo espíritu simbolista, la obra se inspiró en un relato de la madre del pintor Delaunay. Parece que Rousseau ideó el cuadro tras haber oído de labios de la señora Delaunay la historia de su propio viaje a la India; pero importa recordar también que sobre aquellos años precisamente algunas encantadoras de serpientes se habían exhibido en París, en el circo Molier. Por tanto, es posible que acudiese a estos exóticos espectáculos para dar nueva forma a su arte.
Expuesto en el Salón de los Independientes de 1907, perteneció al coleccionista Jacques Doucet hasta la adquisición por el museo francés, donde ingresó en 1936.
Este óleo sobre lienzo de 169 x 189,5 cm conservado en el Musée d'Orsay, en París, de colores planos y alegres, es un magnífico ejemplo de lo que ha convenido en llamarse arte naif.
Comenzó a trabajar aproximadamente en torno a 1875, y sólo hacia 1884, con ya cuarenta años, se dedicó sistemáticamente a la pintura. Sus cuadros chocaron con los convencionalismos de la sociedad burguesa del momento al recurrir a las técnicas realistas consideradas pasadas de moda. Pero esta pecu liar manera de representar la realidad fue inmediatamente valorada por muchos artistas, entre ellos por el propio Kandinsky, quien consideró a Rousseau el padre del nuevo realismo. Ya Picasso y Braque sintieron la fascinación de sus pinturas por el tratamiento simple de las formas y la ignorancia de las convenciones.
En lo que atañe a la iluminación destaca cómo la tenue luz lunar incide sobre la vegetación del bosque y se refleja en el agua. La figura de la mujer, de piel oscura, no recibe ningún foco lumínico, viene a ser tan sólo una silueta, la cual se adivina en medio de la selva tropical. Ella toca la flauta y no sólo hace bailar a la serpiente, sino también a las plantas que aparecen iluminadas en primer término. La pintura se transforma en una misteriosa jungla llena de poesía y ensueño. El lienzo transmite un grado de irrealidad y fantasía.
A pesar de que sus fuentes de inspiración fueron tarjetas postales, cromos de almanaques e incluso fotografías, su profunda imaginación transformaba las pinturas en sueños llenos de gracia, ingenuidad y misterio. La exuberancia y el exotismo que desprende la representación hizo pensar que pudiera haber viajado hasta estos lugares que le hubieran permitido el conocimiento directo de esta naturaleza salvaje. Sin embargo, nunca viajó fuera de Francia, para él no existió más realidad que la del Jardín Botánico de París, que le sirvió de modelo y guía para sus estudios de vegetación.
De gran calidad pictórica así como un profundo espíritu simbolista, la obra se inspiró en un relato de la madre del pintor Delaunay. Parece que Rousseau ideó el cuadro tras haber oído de labios de la señora Delaunay la historia de su propio viaje a la India; pero importa recordar también que sobre aquellos años precisamente algunas encantadoras de serpientes se habían exhibido en París, en el circo Molier. Por tanto, es posible que acudiese a estos exóticos espectáculos para dar nueva forma a su arte.
Expuesto en el Salón de los Independientes de 1907, perteneció al coleccionista Jacques Doucet hasta la adquisición por el museo francés, donde ingresó en 1936.
Este óleo sobre lienzo de 169 x 189,5 cm conservado en el Musée d'Orsay, en París, de colores planos y alegres, es un magnífico ejemplo de lo que ha convenido en llamarse arte naif.
Texto extraído de: Historia del Arte. Editorial Salvat
La gitana dormida de Henri Rousseau
Realizado en 1897, el autor, con su típico
candor, lo describe así: "Una negra vagabunda, tañedora de mandolina, con
la jarra a lado ... duerme profundamente... Un león que pasa por casualidad la olfatea
sin hacerle daño".
(Museo de Arte Moderno, Nueva York)
Fuente: Historia del Arte.
Editorial Salvat.
La boda de Henri Rousseau
En este grupo familiar, la novia parece
suspendida en el aire y, del perro, en primer plano, sólo se destacan los ojos.
El grupo está enmarcado por unos árboles estilizados que, junto con el césped florido
forman el escenario natural de la composición.
(Musée de I'Orangerie, París)
Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat
La guerra de Henri Rousseau
Pintada en 1894, es una de las más
importantes obras por su fantasía, inspirada quizás en la lectura de Jarry, y
también una de sus más grandes telas (114 x 195 cm). La leyenda dice: "Pasa
aterradora sembrando desesperación, llanto y ruina".
(Musée d'Orsay, París)
Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat
Mary Beale (1633-1699)
Beale, Mary (Barrow,
Suffolk, 26 de marzo de 1633 - Pall Mall o Londres, 8 de octubre de 1699) fue una pintora inglesa de retratos y una de
las retratistas más importantes del siglo xvii en Inglaterra. Ha sido
reconocida como la primera pintora profesional inglesa.
Biografía
Beale nació en Barrow, Suffolk,
hija de John Cradock, un rector puritano. Su madre, Dorothy, murió cuando ella
tenía 10 años. Con 18 años, contrajo matrimonio con Charles Beale, un
comerciante de telas de Londres. Su padre y su marido fueron pintores aficionados,
y su padre fue miembro del Gremio de Pintores Tintoreros de Inglaterra, y
estaba familiarizado con artistas locales como Nathaniel Thach, Matthew
Snelling, Robert Walker y Peter Lely. Ella se convirtió en retratista casi
profesional en las décadas de 1650 y 1660, trabajando desde su casa, primero en
Covent Garden y más tarde en Fleet Street.
La familia de Mary Beale se
trasladó a una granja en Allbrook (Hampshire) en 1665 debido a dificultades
financieras (su marido perdió su empleo como empleado de patentes) y también
debido a la Gran Plaga de Londres. Vivió los siguientes cinco años en un aserradero
de madera que adaptó como vivienda para su familia y como estudio de pintura.
Regresó a Londres en 1670 y
estableció su estudio en Pall Mall, donde su marido trabajó como su asistente,
mezclando pinturas y llevando sus cuentas. La empresa fue un éxito y el
matrimonio hizo un círculo de amigos destacados de la época, incluidos el poeta
Thomas Flatman, Samuel Woodford, el Arzobispo de Canterbury John Tillotson y
los obispos Edward Stillingfleet y Gilbert Burnet. Mary Beale se reencontró con
Peter Lely, quien era ahora Miembro del Tribunal de Justicia y artista
exclusivo de Carlos II de Inglaterra. Su trabajo posterior estuvo fuertemente
influido por Lely, en especial sus retratos suelen ser copias o miniaturas de
las obras de Lely.
Uno de sus hijos, Bartolomé,
murió joven. Su segundo hijo, también llamado Bartolomé, se dedicó a la pintura
antes de convertirse en médico. Un tercer hijo, Charles Beale también fue
pintor y se especializó en la creación de miniaturas. Los problemas económicos
de la familia no se solucionaron pese a la popularidad de Mary como retratista
debido los grandes egresos en la compra de insumos y obras de arte y los gastos
que implicaba atender a sus numerosos invitados y patrocinadores. En los
últimos años de su carrera la pintora experimentó con soportes más económicos,
que incluían bolsas de cebollas, por ejemplo, y Charles realizó un detallado
registro de estos experimentos y del resultado obtenido con los nuevos soportes
e imprimaciones.
El estilo de retrato de Corte
comenzó a perder popularidad y la clientela de Mary se redujo considerablemente
hacia 1680, viendo reducidos sus encargos a un promedio de 39 anuales. En el
tiempo que no trabaja en algún encargo, Mary practicaba realizando pequeños
estudios. Utilizó varios técnicas, que incluían el óleo, la acuarela y los
pasteles. Trabajó hasta el año de su muerte, en 1699. Su hijo Bartholome pintó
retratos antes de dedicarse por completo a la medicina y Charles se dedicó a la
pintura, especialmente de miniaturas. Mary Beale está enterrada en St. James,
Piccadilly. Su marido murió en 1705.
Fuente: https://es.wikipedia.org/
Galería,%201659.jpeg) |
| Anna María, condesa de Shrewsbury (1642-1702), 1659 |
 |
| El joven Baco, 1660 |
Jack Youngerman (1926-2020)
Youngerman, Jack (St. Louis,
Missouri, 25 de marzo de 1926 - Stony Brook (New York), 19 de febrero de 2020) es un artista conocido por sus construcciones y
pinturas.
Biografía
Jack Youngerman nació en 1926 en
St. Louis, Missouri, y se mudó a Louisville, Kentucky en 1929 con su familia.
Estudió arte en la Universidad de Carolina del Norte de 1944 a 1946 bajo un
programa de entrenamiento de la armada en tiempos de guerra, y se graduó en la
Universidad de Missouri en 1947. En el otoño de 1947, Youngerman se mudó a
París con una beca GI; se matriculó en la Ecole des Beaux-Arts donde estudió
con Jean Souverbie. Viajó a los Países Bajos, Bélgica, España, Italia y Grecia,
para visitar museos de arte y sitios históricos. En 1948 formó una amistad de
por vida con Ellsworth Kelly y también conoce a Eduardo Paolozzi y César, cada
uno de los compañeros de la Ecole des Beaux-Arts. En 1950, Youngerman se casó
con la actriz francesa Delphine Seyrig (1932-1990).
Ese mismo año, Youngerman tuvo su
primera exposición grupal, Les Mains eblouies en Galerie Maeght en París, que
también incluyó a Pierre Alechinsky, Eduardo Chillida y Corneille. Visitó los
estudios de Constantin Brancusi y Jean Arp con Kelly, y se vio influenciado por
su sentido de la forma orgánica. Conoció a Alexander Calder a través de su
suegro, Henri Seyrig, un reconocido arqueólogo y agregado cultural de la
delegación francesa libre en los Estados Unidos. Durante este tiempo se
interesó en el resurgimiento de la abstracción geométrica en París,
especialmente en exposiciones como el Salon des Réalités Nouvelles.que incluía
a Max Bill, Auguste Herbin y Richard Lohse. Youngerman también visitó el Salón
de Mai para ver el trabajo más actual de los artistas de la Escuela de París,
entre ellos maestros como Henri Matisse.
Fuente: https://es.wikipedia.org/
Galaría
 |
| Construcción azul blanco, 1951 |
 |
| Centering, 1952 |
Hans Hofmann (1880-1966)
Hofmann, Hans (Weissenberg, Baviera, 21 de marzo de 1880 – Nueva York, 17 de febrero de 1966) Pintor estadounidense de origen alemán.
Biografía
En 1904, marchó a París y pasó diez años nutriéndose del arte moderno europeo, relacionándose con los principales artistas de la vanguardia de movimientos como el fauvismo y el cubismo. En 1915 abrió una escuela de arte en Múnich y hasta 1936 se consagró a la enseñanza sobre todo en los Estados Unidos, especialmente en las sesiones de verano de la Universidad de California - Berkeley y en la Art Student League de Nueva York, después abrió su propia escuela de arte en esta última ciudad.
Jackson Pollock, Lee Krasner, Clement Greenberg, Mark Rothko son algunos de sus alumnos. Antiguo ayudante de Robert Delaunay, Hans Hofmann conoció muy bien la escena parisina de los años 1930, en particular los otros asistentes de Delaunay que se quedaron en París durante la guerra. Él sintetizó la pintura francesa mediante la teoría de «Push and Pull». En 1958 dejó la enseñanza para consagrarse a la pintura hasta su muerte en 1966.
Influyó en el desarrollo del Expresionismo abstracto. Introdujo la tercera dimensión en sus cuadros y los transformó en campos de fuerzas dinámicas.
Hofmann pensó que el acto de pintar comportaba significaciones psicológicas. Se distingue de la pintura pesimista de los expresionistas abstractos de su época por la expresión de su alegría de vivir.
Fuente: https://es.wikipedia.org/
Obra comentada
Galería
Expresionismo abstracto
 |
| Sin título, 1943 |
 |
| Formas en negro, 1944 |
Obra de Hans Hofmann. Cubismo.
 |
| Ciudad de provincias, 1942 |
 |
| Ciudad de provincias, 1942 |
 |
| Sin título, 1942 |
 |
| El ventana, 1950 |
 |
| Magenta y azul, 1950 |
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
-
La revolución arquitectónica que se produjo en el siglo paralelamente a la mutación de la sociedad, se puso de manifiesto tanto por una reno... -
También llamado Charing Cross Bridge fue realizado en 1906. Aquí el color produce violentos contrastes, pero parece seguir ciertas... -
Renacimiento alemán Durero, Alberto, o Durer, Albrecht (Nuremberg, 21 de mayo de 1471 - 6 de abril de 1528) Pintor y grabador alemán....
