Čapek,
Josef (Hronov, 23 de marzo de 1887 - Bergen-Belsen, 1 de abril de 1945) Artista checo quien se destacó
como pintor, pero que también logró reconocimiento como escritor y poeta.
Inventó la palabra robot, que fue introducida en la literatura por su hermano,
Karel Čapek.
Biografía
Nació en Hronov, Bohemia (Imperio Austrohúngaro, más tarde
Checoslovaquia, ahora República Checa) en 1887. Comenzó siendo pintor de la
escuela Cubista, para más tarde desarrollar su propio estilo. Colaboró con su
hermano Karel en numerosas obras de teatro y cuentos; por su cuenta escribió la
obra de teatro utópica La tierra de muchos nombres y varias novelas, así como
ensayos críticos. Su hermano lo acreditó como el inventor del término
"robot".23 Como dibujante, trabajó para Lidové Noviny, un diario de
Praga. Debido a su actitud crítica hacia Adolf Hitler y el nacionalsocialismo,
fue arrestado después de la invasión alemana de Checoslovaquia en 1939.
Escribió Poemas desde un campo de concentración en el campo de concentración de
Bergen-Belsen, donde murió en 1945.
Sus historias ilustradas sobre 'El perrito y la
gatita' (Pejsek a kočička) es considerado un clásico de la literatura infantil
checa.
Trachsel, Albert, (Nidau, 23 de diciembre de 1863 -Ginebra, 26 de enero 1929) Arquitecto, pintor y poeta suizo.
Sus padres se mudaron a Ginebra
cuando aún era un niño pequeño. Comenzó su educación artística estudiando
arquitectura en la École des Beaux-Arts de Ginebra y luego, en 1881, continuó
en el Polytechnikum Zürich y completó sus estudios en París en 1882. Mostró
algunos de sus primeros diseños arquitectónicos en 1885. Mientras estuvo en
París, conoció a Paul Gauguin, Stéphane Mallarmé, Paul Verlaine y Jean Moréas.
También se hizo amigo de por vida de Ferdinand Hodler. En 1890, presentó
diseños para el propuesto Palais de Rumine.
Tuvo su primera exposición
individual de dibujos en 1891 en la Société des Artistes Indépendants. Un artículo
sobre él de Stuart Merrill apareció en 1893 en La Plume, una revista simbolista.
Ese mismo año, publicó unos diseños arquitectónicos imaginarios, acompañados de
poesía, bajo el título Les fêtes réelles (Las verdaderas fiestas), que
pretendía ser el primer volumen de una trilogía llamada Poesía. Esto fue
seguido por Le Cycle ; el comienzo de otra trilogía incompleta llamada Armonía.
En 1901 regresó a Ginebra y, sin
ninguno de sus diseños realizados, se dedicó a la pintura. Viajó por toda Suiza
en 1903, creando acuarelas. De 1905 a 1914, pintó una serie de cuentos
fantásticos ilustrados llamados Paysages de rêve ("paisajes de
ensueño") que constituyen su obra principal. A partir de 1910 también
realiza bodegones con flores y frutas. Después de 1915, se dedicó por completo
a las acuarelas que representaban los alrededores de Ginebra.
Además de los escritos
anteriores, fue autor de una obra de teatro; Le Gnome Hombax chez les sorcières
( Hombax the Gnome and the Sorcerers ) y una novela; La Montagne fantastique
(La montaña fantástica).
Toorop, Jan Theodorus (Poeworedjo, isla de Java, 20 de diciembre de 1858-La Haya, 3 de marzo de 1928) Pintor y dibujante holandés.
Biografía
En 1872 se trasladó con su familia a Holanda y estudió en Delft y Ámsterdam. En 1880 estudió pintura en la Rijksakademie de Ámsterdam. De 1882 a 1886 vivió en Bruselas, donde se unió al grupo Les XX, cuyo máximo exponente era James Ensor. Toorop, en esa época, realizó una pintura que fluctuó de estilos: realismo, impresionismo, neo-impresionismo y post-impresionismo. Se casó con una inglesa en 1886, Annie Hall, y vivió a caballo entre La Haya, Inglaterra y Bruselas. Tras 1890 también pasó temporadas en Katwijk aan Zee, pueblo marinero holandés. En esta época desarrolló su personal estilo simbólico, que conjugaba motivos javaneses y simbólicos. Sus dibujos de álamos y figuras curvilíneas fueron en parte precursores de los patrones pictóricos del art Nouveau. Su hija Charley Toorop también fue pintora.
El holandés Jan Toorop se
inspiró en el arte japonés en esta estilizada composición de 1892 de trazo
sinuoso y hiératico al servicio de la alegoría representada. Su estilo, que
conjugaba el simbolismo y los motivos javaneses, sería precursor de los patrones
pictóricos del Art Nouveau.
Tomé, Narciso (1690 - Toro, 1742) Arquitecto y escultor español, nacido en Toro. Junto con su hermano Diego esculpió en 1715 la fachada de la Universidad de Valladolid. Trabajó en Salamanca con los Churriguera.
Biografía
En el 27 de octubre de 1721 fue nombrado maestro de la catedral de Toledo, a las órdenes de Teodoro Ardemans y a su muerte le sucedió como maestro mayor. En esta iglesia mayor construyó, junto con cuatro hijos suyos, el célebre Transparente (1721-1732), uno de los ejemplos más notables del barroco español. También en este templo realizó otras labores escultóricas, como el retablo marmóreo de los Santos Vicente, Sabina y Cristeta que se encuentra frente al Transparente.
Narciso Tomé terminó el Transparente en 1732 y justo entonces una delegación de Orgaz le visita en Toledo para hacerle el encargo de una imagen de Jesús Nazareno, encargo que Tomé aceptó y cumplió en un plazo corto, ya que la nueva imagen llegó a Orgaz el 19 de marzo de 1733.
Conocemos el origen de la imagen y cómo fue su festivo traslado desde Toledo a Orgaz gracias a un memorial escrito en 1734 por D. José Gómez Manzaneque, vecino de Orgaz, que está incluido en las "Ordenanzas, Privilegios y Concesiones de Indulgencias de la Esclavitud de Jesús Nazareno", que se conservan en el Archivo parroquial de Orgaz. El memorial está fechado en Orgaz el 18 de marzo de 1734, y está legalizado por el Notario Apostólico don Juan de Segovia Miguel, vecino de Orgaz, y a la vez secretario de la Esclavitud de Jesús Nazareno.
Esculpido entre 1721 y 1732, este grandioso conjunto decorativo absolutamente integrado en la arquitectura del edificio queda perpetuamente iluminado cenitalmente por un orificio abierto en la bóveda del templo. Con esta obra, su creador manifiesta su hondo aprecio por el expresionismo barroco, aún latente en el rococó más manierista.
Tobey, Mark (Centerville, Wisconsin, 11 de diciembre de 1890 - Basilea, 24 de abril de 1976).Pintor estadounidense. Ampliamente reconocido en Estados
Unidos y Europa, Tobey es el más destacado entre «los pintores místicos del
Noroeste». Mayor en edad y experiencia, Tobey tuvo una fuerte influencia sobre
los otros. Amigo y mentor, Tobey compartió sus intereses en filosofía y
religiones orientales. Junto con Guy Anderson, Kenneth Callahan, Morris Graves,
y Willem de Kooning, Tobey fue fundador de la Escuela del Noroeste.
Estudiando la caligrafía china y
la pintura zen, desarrolla a partir de 1935 una pintura meditativa constituida
de un hormigueo de señales.
Biografía
En 1893, su familia se instaló en
Chicago. Después de haber frecuentado el Instituto de Arte de Chicago de 1906 a
1908, marchó en 1911 a Nueva York, donde trabajó como retratista y delineante
de una casa de modas. Realizó su primera exposición en 1917 en la galería Knoedler.
La Primera Guerra Mundial lo afectó profundamente, haciendo nacer en él el odio
a la capacidad destructiva de la cultura occidental.
Tobey se convirtió en 1918 al
bahaísmo. Después de haberse divorciado, se instaló en 1922 en Seattle. Conoció
en 1923 a Teng Kuei, estudiante y pintor chino, que lo inició en la caligrafía.
Desde 1922 hasta 1925, Tobey se dedicó a dar clases de arte. Luego efectuó un
viaje por Francia (París, Châteaudun) y por España (Barcelona), Grecia,
Constantinopla, Beirut, Haifa, donde se interesó por las escrituras árabe y
persa.
En 1927, Tobey regresó a Seattle
y participó en 1928 en la fundación de la «Free and Creative Art School». En
1929 Alfred Barr presentó sus obras en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
De 1930 a 1937 se instaló en Devonshire, enseñando en la Dartington Hall
School. Viajó por Europa y también a México en 1931 y a Palestina en 1932. En
1934, para estudiar caligrafía y pintura, residió en China con Teng Kuei y
luego pasó a Japón donde vivió en un monasterio zen de Kioto. En 1935, de
vuelta en Inglaterra, pintó, en noviembre o diciembre, varias telas (Broadway, Welcome Hero, Broadway Norm
con una «escritura blanca» (White writing) que sería la característica esencial
de su obra y que, según los críticos, tuvo una influencia decisiva en la
evolución de Jackson Pollock. Los «escritos blancos» (White Writings) de Tobey
se caracterizan por ser «una red de finos signos caligráficos», que poco a
poco se van haciendo cada vez más abstractos e ininteligibles. Estas obras de
gran sensibilidad son la mejor expresión de su estilo de vida introspectivo y
meditativo. Su estilo contrasta con la expresividad propia de la action
painting.
He buscado un mundo unificado en mi obra y utilizo un vórtice móvil
para conseguirlo.
Mark Tobey.
De 1938 data su primera
composición musical. En 1939 Tobey regresó a Seattle, estudió piano y la teoría
de la música, desarrolló en 1942 su experiencia caligráfica, expuso en Nueva
York en 1944 y 1951, París, galería Jeanne Bucher, en 1955. Recibió en 1956 el
Guggenheim International Award (Premio Internacional Guggenheim), presentó en
1958 una exposición retrospectiva en el Museo de Arte de Seattle y obtuvo el
Gran Premio de pintura en la Bienal de Venecia.
En 1959 pintó un fresco para la
biblioteca nacional de Washington, se estableció en Basilea en 1960, recibió en
1961 el Primer Premio del Instituto Carnegie de Pittsburgh y expuso en París en
el Museo de las Artes Decorativas. Participó en la documenta II y III de Kassel
(años 1959 y 1964). En 1962 el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una
nueva retrospectiva de su obra. En 1966 Tobey viajó a Haifa y a Madrid donde su
visita al Museo del Prado lo marcó profundamente.
Siguió exponiendo en Nueva York,
1967, Dallas, 1968 y retrospectiva en el Instituto Smithsoniano de Washington,
1974. Mark Tobey, a quien se llamó «el viejo maestro de la joven pintura
estadounidense», murió en Basilea el 24 de abril de 1976.
Pese a que las obras más conocidas del autor
son las que conforman las white writigs
(trama de líneas blancas sobre fondo oscuro) renunciará a ellas para adoptar un
estilo oscuro que profundizará hasta 1953, año en el que resurgirá el blanco
como predominante. Puede observarse cómo el autor lleva a cabo en sus obras la
tarea de exploración, un arte de expresión descubierto recientemente,
influenciado por la mística oriental, que le permite ser flexible en sus
composiciones.
(Colección particular)
Fuente: Texto extraído de Historia del Arte.
Editorial Salvat
Aunque su estilo es una síntesis de los
mundos oriental y occidental, evoluciona hacia la abstracción. Convertido a la
fe Bahai, que predica la unidad de toda la humanidad, a modo de realidad
indivisible que no deja lugar a la multiplicidad, Tobey afirma que, por encima
de todo, en la pintura le interesa el espacio, no como vacío, sino como un
enorme almacén de energía.
Tiziano Vecellio (Pieve di Cadore, h. 1490 - Venecia, 27 de agosto de 1576) Pintor italiano. Fue el más importante maestro de la gran escuela pictórica veneciana y uno de los mayores genios del arte universal. Su obra fue conocida y admirada por los grandes personajes de la época, y papas y reyes se hicieron retratar por él. Fue discípulo de Giovanni Bellini y de Giorgione, y la obra de este último influyó poderosamente en el joven Tiziano, hasta el punto que dos de las obras más bellas de Giorgione le han sido atribuidas: Venus dormida (Dresde) y Concierto campestre (Louvre). En 1510, estando en Padua, pintó los frescos de los Milagros de San Antonio de Padua (Scuola del Santo). En 1513 regresó a Venecia e inició un período de gran actividad. En esta época pintó obras como El Amor Sagrado y el Amor Profano (1515, Gallería Borghese, Roma), Las tres edades de la vida (1512, Museo de Edimburgo), y Noli me tangere (1511, National Gallery, Londres). En 1518 pintó en Venecia, para la iglesia de Santa Maria Gloriosa dei "Frari", La Asunción de la Virgen, grandiosa composición que llegó a ser prototipo de las tablas de altar venecianas; para esa misma iglesia realizó entre 1519 y 1526 La Pala Pesaro, que marca un importante paso en la conquista del espacio y la luz. En 1 516 entró en contacto con Alfonso I de Este; en 1523 se relacionó con la corte de Mantua, y pintó la Virgen y el Niño con Santa Catalina (h. 1530, Louvre) y las efigies de los Doce Césares (h. 1537), destinadas a decorar una sala del palacio. En 1532 se trasladó a Bolonia, en ocasión de la coronación imperial de Carlos V y ejecutó un retrato del emperador (perdido) y obtuvo el reconocimiento y la amistad de éste, al que retrató de nuevo tres años más tarde (Prado). A partir de ese momento Tiziano retrató a los más importantes personajes de su tiempo: el cardenal Hipólito de Medici (1533, Gallería Pitti), Isabel de Este (1534, Viena), los duques de Urbino (1536-1538, Uffizi), etc. Entre 1534 y 1538 realizó para la Scuola del la Carita, de Venecia, la Presentación de la Virgen en el Templo (Accademia de Venecia). Hacia 1540, el manierismo miguelangelesco influyó en su obra, y en el transcurso de un lustro, el color luminoso de su pintura experimentó una reducción (altar de la Coronación de Espinas, 1542). De esta época son los retratos del cardenal Pietro Bembo (1542, National Gallery, Washington) y Pietro Aretino (1545, Gallería Pitti, Florencia).
En 1545 visitó Roma y realizó dos grandes obras: Danae y el retrato del papa Paulo III hablando con sus sobrinos (Gallería de Capodimonte, Nápoles). A partir de esas fechas inició una etapa de gran producción: retablos de la iglesia de Serravalle (1547), retrato ecuestre de Carlos V (Prado), de Isabel de Portugal ( 1548, Prado), Venus con el Amor y la Música (1548, Prado), etc. Tras la abdicación de Carlos V, Tiziano siguió pintando para su sucesor Felipe II, del que realizó varios retratos (Prado, Nápoles, Milán) y para el que ejecutó diversos cuadros de tema pagano, con fuertes dosis de erotismo: Dánae, Venus con organista y perrito, Venus y Adonis (Prado).
La producción de Tiziano en sus últimas décadas comprende obras de fuerza extraordinaria, tanto en el terreno religioso como en el mitológico y en el retrato. En 1555 realizó el Martirio de San Lorenzo (Venecia, iglesia de los jesuitas) y hacia el mismo período el San Jerónimo (Brera), el Castigo de Acteón (National Gallery, Londres) y la Anunciación (San Salvatore, Venecia). En estas pinturas desarrolló un nuevo estilo (que ha sido denominado "impresionismo mágico"): el trazo es nervioso y los colores están aplicados en veladuras superpuestas. Estas características se acentúan a partir de 1570: Virgen de la Misericordia (1571, Pitti, Florencia), Piedad (1570-75, Gallería de la Accademia de Venecia).
Tiziano Vecellio nació en Pieve di Cadore, probablemente en 1488. Esta fecha es más convincente que la de 1477, justificada durante mucho tiempo por noticias tradicionales, siendo una de las principales la declaración del escribano de su parroquia que lo anotó en el libro de los muertos “a la edad de ciento tres años”. De familia muy conocida e importante en los valles de Cadore, de muchacho fue enviado a Venecia con su hermano Francesco a la escuela de pintura del mosaísta Sebastiano Zuccato. Poco o nada se sabe de su infancia, embelesada tal vez por la belleza de sus montañas que reaparecerán con frecuencia, más tarde, en los admirables paisajes de fondo de sus cuadros de amplios horizontes.
Pero quizá sintió pronto vocación por la pintura, aunque no sea del todo cierta la anécdota narrada por Ridolfi de que muy joven aún pintó una Virgen “en un capitel… con jugo de flores”, a la vista de sus Alpes rosados por los apacibles atardeceres y arropados de bosques y prados de un verde esmeralda.
No había otra razón, sino la vocación que sentía, para justificar el ingreso en un taller de pintura del hijo de una familia notable y rica. Y Venecia, con su opulencia, sus mármoles, sus mosaicos y su laguna, aviva en sus ojos y en su corazón ese gusto apasionado del color que hace de Tiziano el pintor por excelencia, casi por antonomasia.
La pintura, en Venecia, vivía aún de las últimas esplendorosas historias de Vittore Carpaccio, de la obra de Gentile Bellini, de los espacios dilatados, abiertos a las figuras sólidas y a los colores sonoros y suaves del claroscuro de Giovanni Bellini, y del mundo nuevo del joven Giorgione de Castelfranco en su atmosférica, dulcísima languidez, toda hecha de delicadeza de tonos y colores, vibración de sentimientos y apaciguamiento de los sentidos y de los dramas. Del mosaísta Sebastiano Zuccato “el muchacho, Tiziano, fue enviado a Gentile Bellini, hermano de Giovanni”, y luego “…le fue dicho por Gentile que no iba a ser de provecho en la pintura, viendo que se apartaba mucho de su camino. Por eso Tiziano, al dejar ese torpe Gentile, tuvo ocasión de acercarse a Giovanni Bellini; pero al no gustarle plenamente tampoco esa manera, eligió a Giorgio de Castelfranco” (Dolce).
Giambellino en verdad resumía en sí, para Tiziano, toda la pintura véneta del Quattrocento que con él se cerraba, mientras que con Giorgione, el de Cadore entra en el Cinquecento más esplendoroso y triunfante. Tiziano Vecellio, según se verá, tuvo una larga vida y trabajó continuamente, desde los años de su juventud a los de su extrema vejez, sin repetirse jamás, sobre todo en las expresiones y en el lenguaje, esbozando y abandonando sus obras para reanudarlas al cabo de meses, incluso de años. Resulta difícil y problemática una sucesión cronológica de sus pinturas y tampoco es posible, en estas breves páginas, reseñarlas todas, al igual que la división en períodos de su extensa vida es aproximativa y, en alguna ocasión, los tiempos se dilatan y se confunden.
Concierto campestre de Tiziano (Musée du Louvre, París). Es una obra maestra de tonalidad y atmósfera. Con ella, el artista abre un capítulo de la pintura que habrá de cerrar Manet. La composición está concebida como una visión de ensueño, en la que los desnudos se funden con el paisaje a la luz del crepúsculo.
La obra se menciona en el inventario de 1687 de la galería como una "copia de Tiziano que se cree original". En el de 1815, se atribuye a la Escuela Veneciana y en el de 1829 a un artista desconocido. Se ha reasignado a Tiziano después de la eliminación de las pinturas.
El tema se identifica tradicionalmente como Tommaso Mosti, miembro de una familia relacionada con el Este de Ferrara , basado en una inscripción en el reverso que dice "Di Thomaso Mosti in età di anni XXV l'anno MDXXVI. Thitiano de Cadore pittore". Sin embargo, el Mosti histórico siguió una carrera eclesiástica y, por lo tanto, las prendas del sujeto no son apropiadas. Probablemente, el hombre podría ser su hermano mayor Vincenzo, quien murió en 1536, o Agostino. La datación en la inscripción (1526) sería un error de transcripción de un "0" como un "6".
