Rodrigo Gil de Hontañón (1500 - 1577)

Renacimiento. Plateresco.

Gil de Hontañón, Rodrigo (Rascafría, Madrid, 23 de febrero de 1500 - Segovia, 31 de mayo de 1577) Arquitecto castellano. 

Es un representante excepcionalmente fecundo del estilo plateresco. Trabajó en las catedrales, todavía góticas, de Segovia y Salamanca. En sus obras originales prescindió de la pureza canónica de los órdenes clásico y los adaptó a la personalidad castellana: Palacio de Monterrey y Casa de la Salina, en Salamanca; Palacio de los Guzmanes, en León (1559-66) -donde por primera vez aparece el motivo típicamente castellano del balcón volado de rejería-. y su obra maestra, la Univ. de Alcalá de Henares (1541-53). Creó también gran parte del claustro de Santiago de Compostela. Su estilo influyó considerablemente en la arquitectura española posterior. 

Puede considerarse como una de las más puras encarnaciones del espíritu castellano en arquitectura, y cuya actividad se prolonga hasta su muerte en 1577. 

Este arquitecto intervino en numerosos proyectos, y entre los de renombre destacan las catedrales de Segovia, Plasencia y Astorga, pero sus mejores obras son, sin lugar a dudas, el Palacio Monterrey y la universidad de Alcalá. El Palacio Monterrey, que se encuentra en la ciudad de Salamanca, fue proyectado en 1539 y en él contrastan la valiente desnudez de los cuerpos bajos con la florida ornamentación de la parte alta, derivada de los palacios mudéjares e isabelinos. La universidad de Alcalá de Henares, por otra parte, (construida entre 1541 y 1553) es su obra maestra. Su famosa fachada, quizá el elemento más interesante de toda la construcción, no es la simple decoración de una superficie plana, sino que sugiere la articulación volumétrica del interior del edificio; en ella, la ornamentación nerviosa y dinámica alterna con silencios murales amplísimos, medidos musicalmente. Asimismo, obra suya tardía es el palacio de los Guzmanes, en León, construido en el período que va de 1559 a 1566, en el que aparece por primera vez un elemento que habría de ser muy frecuente en los años siguientes: el motivo típicamente castellano del balcón volado de rejería.

Casi al mismo tiempo que su palacio de la Alhambra, Carlos V empezó la reconstrucción del Alcázar de Toledo, en situación dominante. 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obras comentadas

Catedral de Santa María (Ciudad Rodrigo)

Fachada de la Universidad de Alcalá de Henares, en la Comunidad de Madrid

Palacio de Monterrey; en Salamanca (Castilla y León)

Galería

Palacio de Monterrey

Fachada de la Universidad de Alcalá de Henares

Catedral de Santa María (Ciudad Rodrigo)

Su construcción, promovida inicialmente por el rey Fernando II de León y continuada por sus sucesores en el trono, se llevó a cabo entre el siglo XII y el XIV. Pertenece al llamado "grupo de Salamanca", junto con la Catedral Vieja de Salamanca, la Catedral de Zamora y la Colegiata de Toro (Zamora).

Las portadas

Las puertas de la catedral son cuatro. En el crucero, en el lado de la epístola se abre la puerta de las cadenas (llamada así por haber presentado cadenas que delimitaban su atrio). Consta de un hermoso friso gótico con doce figuras del Antiguo Testamento y un tímpano en el que en la Edad Moderna se colocaron cuatro figuras románicas: de izquierda a derecha San Juan, San Pedro, Cristo Pantocrátor, San Pablo y Santiago con los atributos de peregrino. En el otro crucero se abre la Puerta de Amayuelas, con arco polilobulado. A los pies de la nave principal el Pórtico del Perdón, al estilo del Pórtico de la gloria de Santiago, con un románico arcaico contiene cinco frisos historiados centrándose en los misterios marianos y de la Pasión, representando en las arquivoltas los coros del Juicio (Santos, Mártires... Ángeles), centrando el tímpano la imagen de la coronación de María, quien también protagoniza la talla que corona el parteluz.

Las ventanas del triforio son excepcionales, a decir de Gómez Moreno "las mejores del románico", con tres ventanas reales y sólo una abierta al exterior, símbolo de la trinidad. La torre fue elevada por Juan de Sagarvinaga a finales del siglo xviii en estilo neoclásico, tras el derrumbe de la segunda torre durante el terremoto de Lisboa (la catedral había contado con otra tercera, que fue desmochada tras la guerra de las comunidades).

Escultura románica portada Este

Vista general con Portada de las Cadenas en primer plano

Las capillas

Capilla Mayor

La actual Capilla Mayor fue levantada por el arquitecto de la Catedral Nueva de Salamanca Rodrigo Gil de Hontañón en tiempos del obispo Juan Pardo Tavera (que llegaría a ser Cardenal), cuyas armas ostenta la fachada de la construcción. Albergó un buen retablo hispano flamenco, obra de Fernando Gallego y el Maestro Bartolomé, del que se conservan veintiséis tablas en la Universidad de Arizona, de Tucson, que presidía una hermosa imagen de la Virgen con niño, en alabastro, hoy en la Capilla del Santísimo. En la actualidad, tras perder el segundo retablo -de plata- durante la Guerra de la Independencia, la capilla está ornamentada por sendos cuadros barrocos de San Sebastián y San Jerónimo penitente, una Asunción de Juan Pascual de Mena procedente del Monasterio de Santa María de la Caridad a las afueras de la ciudad, San Pedro y San Pablo, probablemente también de Mena y que presidían la entrada al coro catedralicio y la cátedra del obispo, amén de otros cuadros de menor interés. Fue desprovista de sus rejas para adaptarla a la liturgia exigida por el Concilio Vaticano II en tiempos del obispo Demetrio Mansilla Reoyo y trasladadas a la Capilla del Pilar.

Capilla del Cristo de Oriente

Absidiolo románico del lado de la epístola. Primera capilla funeraria de la nobiliaria familia de los Pacheco. Varios monumentos funerarios de esta estirpe. El retablo mayor, en estuco, alberga la talla que da el nombre a la capilla, del siglo XVI.

Capilla de la Virgen de la Faja

Absidiolo románico del lado del evangelio. Antigua capilla funeraria de los Garci-López de Chaves. Hoy con retablo barroco que alberga un lienzo de la Virgen de la Faja (o Virgen de Belén) procedente del Seminario diocesano, obra del Madrileño Francisco Javier Ramos en 1764, y una modesta escultura de San Bartolomé en el ático.

Capilla del Santísimo

Estilo gótico. Primitiva capilla de San Blas, donde se celebraron los primeros cabildos. Alberga el monumento funerario del obispo Manuel López Arana. Retablo barroco, con una imagen de San Blas en el ático, y una interesante escultura en alabastro de Virgen con niño, del siglo XVI, que presidió el antiguo Retablo mayor de tablas pintadas.

Capilla de los Dolores o de la Soledad

A pesar de datar del siglo XVIII, el estilo arquitectónico es gótico a imitación de a la anterior. Obra de Larra y Churriguera, encargo de 1728. Retablo churrigueresco con la imagen de Nuestra señora de los Dolores en el centro, flanqueada por San Francisco de Asís y San Diego de Alcalá.

Capilla del Pilar

Capilla barroca. Se erigió en tiempos del obispo aragonés Clemente Comenge. Buen retablo barroco obra del ensamblador salmantino Miguel Martínez de la Quintana con las imágenes de San Juan Nepomuceno, San Pedro de Arbués y en el ático San Clemente, patrono del fundador. Además de éste está enterrado aquí el obispo de Ciudad Rodrigo y eminente historiador Demetrio Mansilla Reoyo, que se encargó del aggiornamiento del edificio tras el Concilio Vaticano II, a pesar de sus tendencias conservadoras, y responsable del traslado de las rejas de la capilla mayor a ésta durante este proceso de reforma.

El coro

Tallado a finales del siglo XV por Rodrigo Alemán en estilo plateresco, con grandes influencias del gótico del norte de Europa. Destaca la calidad de la silla episcopal, la única que cuenta con una imagen en el respaldo (San Pedro), pues las demás tienen una no menos interesante labra gótica. En las paciencias y las misericordias, así como en las barandillas de las escaleras, el autor desplegó su imaginación en un sinfín de imágenes burlescas, eróticas y alusivas a fábulas populares.

El claustro

De planta cuadrada, cada lado se divide en cinco tramos de arcos apuntados con dos o tres columnas, con capiteles decorados con motivos figurativos y vegetales.

En él trabajaron los arquitectos Benito Sánchez (siglo XIV, al que se deben más partes de la construcción) y Pedro de Güemes (siglo XVI).

(Ciudad Rodrigo, Salmanca)

Fuentes:  es.wikipedia.org

Fachada de la Universidad de Alcalá de Henares, en la Comunidad de Madrid

De Rodrigo Gil de Hontañón. Construida entre 1541 y 1553, es una obra maestra del estilo renacentista. Los órdenes se insinúan apenas mediante las columnas, que acusan en el exterior la articulación volumétrica de los interiores. Aquí, la nerviosa y dinámica ornamentación también alterna con amplias superficies murales silenciosas. 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Palacio de Monterrey; en Salamanca (Castilla y León)

Sobre la base de los planos de Rodrigo Gil de Hontañón y de fray Martín de Santiago, las obras se comenzaron en 1 539 bajo la dirección de Pedro de lbarra y Pedro de Miguel Aguirre. Es una de las obras más relevantes del renacimiento español y prototipo de los suntuosos palacios erigidos por la nobleza del siglo de oro. Tiene tres plantas rematadas con crestería de filigrana. 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Alberto Giacometti (1901-1966)

Expresionismo. Surrealismo.

Giacometti, Alberto (Stampa, 10 de octubre de 1901 - Coira, 11 de enero de 1966) Escultor y pintor suizo.

Establecido en París, en sus inicios como escultor acusó la influencia, entre otros, de escultores cubistas como Alexander Archipenko y Raymond Duchamp Villon y de los poscubistas como Henri Laurens y Jacques Lipchitz. Su obra temprana también refleja un gran interés por el el arte egipcio y las tallas en madera del África negra. En el período 1930-34 se acercó al surrealismo y realizó composiciones de tipo metafórico sobre la vida y la muerte. De esta primera etapa son El palacio a las 4 de la madrugada (1932-33), una estructura de madera, cristal, alambre y cordel, que parece una jaula aérea. En 1935 rompió con el surrealismo y volvió a trabajar temas de tipo naturalista, hasta alcanzar la definición de un estilo propio muy personal. Las esculturas de Giacometti son figuras altas y delgadas, sin apenas masa escultural, ni peso, ni volumen; parecen esqueletos que se diluyen en el espacio, como la estatua en bronce que lleva por titulo Caminante (1947). El artista pretendía lograr una evocación mágica de la realidad, recreando un espacio imaginario; su objetivo era producir en el espectador un impacto de gran intensidad vital, similiar a una experiencia real. Sus obras más emblemáticas son Cabeza de un hombre (1947) y Composición con siete figuras y una cabeza (El Bosque) (1950). En 1963 diseñó la escenografía para la obra de Samuel Beckett Esperando a Godot. Su estilo se considera relacionado con el existencialismo en literatura. 

⇦ La mesa de Alberto Giacometti (Museo Nacional de Arte Moderno, París) Escultura en yeso dorado realizada en 1933, que corresponde a la concepción surrealista del "objeto de funcionamiento simbólico" o de la "materialización de objetos soñados". Es una de sus obras más extrañamente fascinantes.



Con apenas 28 años se presentó en París atraído por el esplendor de una ciudad que bullía como pocas en el plano artístico. Desde pequeño ya conoció lo que era vivir en un ambiente artístico pues su padre, Giovanni, era un notable pintor impresionista en la Suiza de aquellos tiempos. La pulsión artística que vivió en su infancia le llevó a seguir estudios de dibujo y pintura en la Escuela de Artes y Oficios de Ginebra, que después se le quedaría pequeña, del mismo modo que Suiza, para sus deseos de convertirse en un artista importante. Así, llegado de Stampa, su ciudad natal, Alberto Giacometti se unió al llegar a París a Georges Bataille, quien dirigía en el año 1929 la revista Documents, donde volvían a encontrarse Michel Leiris, Georges Lirnbour, Robert Desnos y Roger Vitrac, que habían roto con Breton. Se aproximó a éste algo más tarde y sus intercambios fueron lo bastante privilegiados como para que fuesen objeto de uno de los capítulos de Amour fou, donde Breton describe la génesis de la escultura de Giacometti titulada Ahora, el vacío, pero más frecuentemente conocida bajo el nombre de Objeto invisible. Las obras de Giacometti del período 1929-1935, principalmente Jaulas, Objetos desagradables, Mesa en un corredor, Mujer degollada y Palacio a las 4 de la mañana, respondían a la nueva concepción del "objeto de funcionamiento simbólico", tan apreciada en aquel momento por los surrealistas. Estas obras aparecían como la materialización de objetos soñados, cuyo oscuro sentido parecía preñado de premoniciones y presagios. De ellas emanaba una fascinación singular, algo parecida a la de ciertos objetos sin edad hallados misteriosamente y de los que se desconoce su función y su uso. Más adelante, ya en la década de 1940, Giacometti daría por superado su paso por el surrealismo y regresaría al arte figurativo. No se abre para él una época de mediocridad o de ostracismo, pues en los años siguientes habría de dar a la luz algunas de las obras que con mayor merecimiento han pasado a los anales de la Historia del Arte. De este modo, durante su período figurativo crea sus conocidas figuras humanas alargadas, que aparecen sacudidas a veces por un espasmo nervioso que les recorre todo el cuerpo. Por otro lado, también sería justo señalar las no menos interesantes incursiones de Giacometti en el terreno de la pintura. Sus obras pictóricas, aparte del indudable valor artístico con el que merecen ser juzgadas, cobran especial importancia porque se convirtieron en una especie de señal de la llegada del que quizá es la corriente filosófica que define el siglo XX: el existencialismo. Efectivamente, el mismo Jean Paul Sastre afirmaba reconocer en las obras del escultor y pintor suizo algunas de las ideas que serían propias y definitorias del surrealismo. Por ejemplo, así escribía el pensador francés: "Giacometti por igual niega la inercia de la materia y la inercia de su nada pura; el vacío es lo pleno, flujo desplegado; lo pleno en el vacío orientado. Lo real fulgura".

Objeto desagradable, para echar de Alberto Giacometti (Colección particular). Entre los años 1925 y 1930, la obra de este artista es una expresión plástica surrealista como manifestación del mundo irracional de los sueños. 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obras comentadas

Hombre andando

Hombre y mujer

Galería

Autorretrato, 1921

Composición, 1927-1928

Hombre y mujer de Alberto Giacometti

Escultura en bronce de 1929, cuando el artista se relacionaba con el mundo del surrealismo en Montparnasse. 

(Museo Nacional de Arte Moderno, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Hombre andando de Alberto Giacometti

Bronce realizado en 1949, que refleja perfectamente la característica visión del hombre de este artista. Hay en esta obra un componente arcaico, una deformación expresionista de la figura, que se ha comparado no pocas veces con la que impuso en su época El Greco, y una lucha titánica por expresar la emoción con la que la visión humana explora los cuerpos en el espacio.

(Fundación Maeght, Saint-Paulde-Vence)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Anne-Louis Girodet (1767-1824)

Romanticismo

Girodet de Roussy, Anne-Louis  llamado Girodet-Trioson (Montargis, Loiret, 5 de enero de 1767 – 9 de diciembre de París, 1824). Pintor francés, discípulo de Jacques-Louis David. Su estilo preludia el romanticismo, al añadir elementos de erotismo a sus pinturas, aunque en algunas de sus obras muestra su inclinación hacia el clasicismo de su maestro. Se le recuerda porque su estilo era preciso y claro, y también por pintar a miembros de la familia napoleónica. Su nombre también aparece como Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson, Anne-Louis Girodet de Roucy-Triosson, Anne-Louis Girodet-Trioson o, simplemente, Louis Girodet. 

Sus dibujos ilustraron los escritos de Racine, Virgilio, Anacreonte, Casiano y Bernardin de Saint-Pierre; también se inspiró en episodios literarios, como muestra una de sus creaciones más conocidas: Atala en la tumba (1808).

Pintura en Italia

Nació en Montargis, Francia. Perdió a sus padres en su primera juventud, y el cuidado de su herencia y educación correspondieron a su tutor, M. Trioson, "medecin-de-mesdames," quien le adoptó con posterioridad y cuyo apellido tomó en 1812. Comenzó a estudiar arquitectura en la escuela y ejerció una carrera militar. Más tarde pasó a estudiar pintura con un pintor llamado Luquin, antes de entrar en la escuela de David, siendo uno de sus pupilos más destacados.

En 1789 ganó el Premio de Roma por la obra José reconocido por sus hermanos y se instaló en Italia durante cinco años. Gracias a esta pintura, obtuvo fama. En Roma pintó su Hippocrate refusant les presents d'Artaxerxes (Hipócrates rechazando los regalos de Artajerjes) y Endymion-dormant (El sueño de Endimión) (actualmente en el Louvre), obra que fue muy alabada en el Salón de 1792.

En 1793, Girodet asistió a la destrucción de la Academia francesa en Roma. Huyó de Roma pasando por Nápoles, Florencia y Génova, solo para volver a Francia en 1795.

Vida posterior

De vuelta en Francia, Girodet pintó muchos retratos, incluyendo algunos de miembros de la familia de Napoleón Bonaparte. En 1806 expuso Scène de déluge (Escena del diluvio), hoy en el Louvre, que obtuvo el premio decenal, en competición con El rapto de las sabinas, de David. A este éxito le siguió en 1808 la producción de la Reddition de Vienne (Rendición de Viena) y Atala au Tombeau (Los funerales de Atala), una obra que se esforzó para merecer su inmensa popularidad, por una feliz elección del tema, y una notable libertad respecto a la teatralidad del estilo habitual de Girodet, que, sin embargo, volvió pronto en su La Révolte du Caire (La revuelta de El Cairo) (1810).

En 1808 Girodet fue nombrado caballero de la Legión de Honor. Era además miembro de la Academia de Pintura y del Instituto de Francia y caballero de la orden de San Miguel.

En 1812, al heredar una cuantiosa fortuna, se dedicó mayoritariamente a ilustrar libros.

Sus habilidades comenzaron entonces a declinar, y su costumbre de trabajar por la noche y otros excesos afectaron a su constitución; en el Salón de 1812 sólo exhibió una Tête de Vierge (Cabeza de Virgen); en 1819 Pygmalion et Galatée (Pigmalión y Galatea) mostraba un mayor decaimiento de su fuerza; y en 1824, el año en el que produjo sus retratos de Jacques Cathelineau y Charles-Melchior Arthus, Marqués de Bonchamps, Girodet murió el 9 de diciembre en París. Una venta de sus efectos tuvo lugar después de su muerte, y algunos de sus dibujos alcanzaron precios elevados.

Obra publicada póstumamente

Girodet produjo una gran cantidad de ilustraciones, entre las cuales pueden citarse las que hizo para el Virgilio de Didot (1798) y para el Racine del Louvre (1801-1805). Cincuenta y cuatro de sus dibujos para Anacreonte fueron grabados por M. Châtillon. Girodet dedicó mucho tiempo a la composición literaria, su poema Le Peintre (toda una serie de lugares comunes), junto con imitaciones pobres de poetas clásicos, y ensayos sobre Le Genie and La Grâce, se publicaron después de su muerte (1829), con una nota biográfica de su amigo M. Coupin de la Couperie; y M. Delecluze, en su Louis David et son temps, también incluyó una breve vida de Girodet.

Girodet: Romantic Rebel - The Art Institute of Chicago (2006), fue la primera retrospectiva en los Estados Unidos dedicada a las obras de Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. La exposición reunió más de 100 obras seminales (entre 60 cuadros y 40 dibujos) que demostraron la variedad del artista como pintor y dibujante.

Fuente: Texto extraído de es.wikipedia.org

Galería

Malvina, muriendo en los brazos de Fingal

Autorretrato, 1790

Benozzo Gozzoli (h.1421-1497)

Bajo Renacimiento

Gozzoli, Benozzo, Benozzo di Lese di Sandro, llamado Benozzo Gozzoli (Sant'llario a Colombano, c. 1421 - Pistoia, 1497), fue un pintor cuatrocentista italiano.

Biografía

Nació en torno al año 1421 en la localidad de Sant'llario a Colombano. En 1427 se trasladó con su familia a Florencia. Las hipótesis de los diferentes historiadores sobre su aprendizaje resultan bastante discordantes. La más aceptada es la que proporciona Giorgio Vasari según la cual Benozzo habría sido discípulo de Fra Angelico, con el que habría colaborado en la decoración de alguna de las celdas del Convento de San Marcos de Florencia. Vasari es así mismo responsable del nombre con el que se le conoce en la actualidad, ya que así lo rebautizó en su obra Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori.

Entre 1437 y 1439 pintó El rapto de Elena, tabla octogonal destinada a decorar el frente de un cassone. Entre 1440 y 1445 realizó la obra Virgen con el niño y nueve ángeles de la National Gallery de Londres.

El aprendizaje con el maestro Angélico se prolongó por espacio de diez años, interrumpidos únicamente entre los años 1444-1447, en los que Benozzo colaboró con Ghiberti en la creación de la "Puerta del Paraíso" del Baptisterio de la catedral de Florencia.

El 23 de mayo de 1447 viajó a Roma, en compañía de Fra Angélico, llamados por Eugenio IV, con el encargo de decorar una capilla del Palacio Apostólico Vaticano. Bajo las órdenes de un nuevo pontífice, Nicolás V, decoraron la capilla Nicolina, en el mismo Palacio Apostólico.

Este periodo de formación, o de colaboración, finalizó en 1449 tras la decoración de la capilla de San Bricio, en la catedral de Orvieto.

En mayo de 1450 se trasladó a Umbría, donde realizó su primera obra autónoma, la Anunciación de Narni, firmada con la inscripción OPU[S] BENOT[I] DE FLORENT[IA]. En ese mismo año comenzó la decoración del Monasterio de San Fortunato, en Moltefalco, realizando, entre otras obras, el cuadro de "La Asunción de la Virgen" destinado al altar mayor, y expuesto en la actualidad en la Pinacoteca Vaticana.

En el año 1452 comenzó los frescos del ábside de la Iglesia de San Francisco. En ellos, y divididos en doce recuadros representó varias escenas de la vida del santo, así como el retrato de varios miembros famosos de la orden.

En mayo de 1459 Benozzo se casó con la hija de un comerciante de tejidos, con la que tuvo nueve hijos, entre ellos Francesco y Alessio, pintores y futuros colaboradores de Gozzoli. En julio de ese mismo año comenzó la decoración de la Capilla de los Magos, en el Palacio Médici, bajo el encargo de Cósimo de Médici. Aquí se encuentra el magnífico Viaje de los reyes magos, probablemente su obra más conocida, donde el episodio bíblico sirve de pretexto al artista para representar a numerosos miembros de la familia propietaria del palacio.

Entre 1461 y 1464 realizó numerosas obras, entre ellas el Altar de la Purificación, el Festín de Herodes y Virgen con niño, que en la actualidad se encuentra en Detroit.

En 1464 viajó a la cercana localidad toscana de San Gimignano con el encargo de realizar en el claustro de la Iglesia de San Agustín un ciclo de frescos con historias de la vida del santo. Esta decoración se realizó por encargo de Domenico Stramboli.

En 1467 abandonó la localidad de San Gimignano y se estableció en Pisa.

Alrededor del año 1468 forma un taller en Pisa destinado a ayudarle a la realización de los frescos del Camposanto de Pisa, terminados en 1484. Estos frescos se destruyeron en la II Guerra Mundial a causa de un bombardeo en el año 1944.

Fueron estos años de intensa actividad, saliendo de su bottega o taller numerosas obras, destacando entre ellas El triunfo de Santo Tomás de Aquino, del Louvre, y destinado originalmente para la catedral de Pisa.

En 1495 regresó a Florencia, y tras una breve estancia se asentó definitivamente en la vecina localidad de Pistoia donde residían dos de sus hijos, Francesco, su colaborador, y Giovanni, magistrado.

El día anterior a su muerte sus hijos vendieron al cardenal Niccolò Pandolfini, obispo de Pistoia dos tablas: la Deposición de la Cruz y la Resurrección de Lázaro.

Benozzo Gozzoli murió en Pistoia, probablemente a causa de la peste en 1497.

Fuente: Texto extraído de es.wikipedia.org

Obras comentadas

Cortejo de los Magos (detalle) I

Cortejo de los Magos (detalle) II

Milagro de Santo Domingo

San Agustín niño es llevado a la escuela

Virgen en gloria con Sermoneta en brazos

Galería

El rapto de Elena, 1437-1439

Adoración de los Magos, 1438 - 1445

Cortejo de los Magos (detalle), de Benozzo Gozzoli (I)

Representación a caballo del emperador Juan Paleólogo. Inspirándose en la tabla da Gentile da Fabriano sobre el mismo tema, que se hallaba en la iglesia florentina de la Trinidad, Gozzoli, en el apogeo del dominio de su arte, realizó un auténtico documento histórico acerca de la corte florentina del quattrocento. Los Reyes Magos se han convertido en un tema pagano, en un ardid para representar a los grandes señores de la familia Médicis, a sus amigos y a sus huéspedes ilustres, con una profusión del detalle extraordinaria. 

(Capilla del Palacio Medici-Riccardi, Florencia).

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Cortejo de los Magos (detalle), de Benozzo Gozzoli (II)

En este fragmento del fresco pintado por Gozzoli, en 1459, el joven Lorenzo de Médicis forma parte del cortejo. 

(capilla del Palacio Medici-Riccardi, Florencia).

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.