Tsuguharu Foujita (1886-1968)

Expresionismo. Realismo mágico. Escuela de París. 

Foujita, Tsuguharu o Tsuguji (Tokio, 27 de noviembre de 1885 – Zürich, 29 de enero de 1968). Pintor japonés, nacionalizado en Francia, que fue más conocido en el mundo artístico como Foujita Tsuguji. Considerado uno de los pintores japoneses de su generación que alcanzó más fama y prestigio internacional, su trabajo permitió que el arte oriental fuera conocido en Occidente.

Era miembro de una familia de samuráis de alto rango. Realizó sus estudios de pintura en la Escuela Imperial de Bellas Artes de Tokio, en la que se graduó en 1910. En 1911 logró un gran éxito con su obra El emperador de Corea.

En 1913 se trasladó a París. Durante su estancia en la capital francesa estableció estrechas relaciones con los pintores europeos más importante del arte moderno, entre los que se encontraban Picasso, Matisse y Modigliani. Se convirtió en 1919 en miembro anual del Salón de Otoño, para ser miembro permanente del mismo a partir del año siguiente. Permaneció durante 16 años en Francia, aunque realizaba viajes esporádicos a su país natal. Regresó a Japón en 1929, donde realizó una exposición que fue recibida con gran éxito de crítica. Permaneció allí durante un año, para en 1930 establecerse de forma definitiva en París. En 1931 viajó a través de América del Sur, América Central y Norteamérica, pasando brevemente por Japón en su viaje de regreso a Francia en 1933. Durante su breve estancia en Japón pintó varios murales, incluido el Evento Anual de Akita y el del Festival del Santuario de Miyosi en el Monte Taihei.

En su pintura interpretó con su peculiar estilo oriental diversos temas occidentales; aplicando las técnicas al óleo francesas a los estilos pictóricos japoneses, halló la forma de sintetizar estas dos tradiciones pictóricas de forma singular. Sus obras estaban realizadas preferentemente a la acuarela y al óleo, técnicas que dominaba con gran maestría. Entre sus temas preferidos destacaban la naturaleza, los animales domésticos, el desnudo femenino y el retrato. Siempre con la singularidad que reflejaba su formación en cuanto al dibujo y el uso de colores. Sus escenas eran francesas, sus modelos europeos y sus líneas japonesas. De la pintura oriental adoptó en sus dibujos y lienzos los grafismos precisos y delicados y la materia pictórica, que a veces adquiría calidades de laca. Algunos críticos incluyeron su obra dentro del manierismo colorista. Sus trabajos más destacados, conocidos por su base negra difuminada y un segundo plano suave y blanco que recordaba a la porcelana, fueron: Autorretrato con un gato (Neko to iru jigazo), El gato (Neko), Desnudo (Rafuzo), Mujer en la playa (Hamabe-no-onna), Café, Notre-Dame, El salón de Montparnasse, Mi Estudio y Carnavalet.

A lo largo de su vida realizó importantes exposiciones en varias capitales europeas. Algunas de sus obras figuran en las salas de los más importantes museos del mundo como el Museo de Arte Moderno de París y el Museo de Artes Decorativos de París. También muy alabada fue la decoración que realizó por encargo del gobierno japonés para el Pabellón Japonés en la Ciudad Universitaria de París. Realizó ilustraciones para numerosas obras, ente las que destacó una edición japonesa del Apocalipsis. Obra suya también fueron las vidrieras y murales de la Capilla de Nuestra Señora de la Paz en Reims, realizadas en 1966.

En 1934 entró a formar parte de la Nikakai ('Sociedad de Segunda División'), asociación de artistas japoneses de vanguardia fundada en 1914 por Yamashita Shintaro. En Francia fue miembro del Salón de Otoño.

En 1941 abandonó la Nikakai y fue nombrado miembro de la Academia de Arte Imperial. El estallido de la Segunda Guerra Mundial le obligó a regresar a Japón. Durante la contienda pintó escenas de batallas para la marina y el ministerio de Defensa japoneses. Utilizó su excelente capacidad descriptiva y de composición para describir los campos de batalla de China y el sureste asiático. En 1942 recibió el premio cultural Asahi, el máximo galardón que podía recibir un artista japonés, por su obra El último Día de Singapur. En 1949 abandonó definitivamente Japón. Antes de establecerse definitivamente en Francia, permaneció un año en Estados Unidos, estudiando el arte de dicho país. Fujita se incluyó dentro de la llamada Escuela de París. Pronto alcanzó notable celebridad como el más destacado representante del lejano arte de Oriente en Europa. En 1954 vino a España, donde expuso sus obras en salas de Madrid y Barcelona. Adoptó la nacionalidad francesa en 1955. Recibió la Legión de Honor en 1957. Aquejado de una grave enfermedad se convirtió junto a su esposa al catolicismo. Ambos fueron bautizados en la catedral de Reims el 14 de octubre de 1959, recibiendo el pintor el nombre de Leonardo. Falleció en un centro hospitalario de Zürich.

Fuente: Texto extraído de www.mcnbiografias.com

Obra comentada

Llegada de occidentales al Japón

Galería

Ciclamen, 1917

Dos pequeñas amigas Expresionismo, 1918

Llegada de occidentales al Japón de Foujita

La obra de este pintor japonés, establecido en París en 1913 , puede resumirse como una síntesis perfecta entre la tradición japonesa y el espíritu occidental, realizada con un grafismo firme y preciso y un gusto por los acabados brillantes como los del lacado.

(Maison du Japan, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.



Antonio María Esquivel (1806-1857)

Romanticismo

Esquivel y Suárez de Urbina, Antonio María (Sevilla, 8 de marzo de 1806-Madrid, 9 de abril de 1857) fue un pintor español de temas románticos y retratista,​ padre de los también pintores Carlos María Esquivel y Rivas (1830-1867) y Vicente Esquivel.

Biografía

Nació en Sevilla en 1806. De familia noble, se educó precariamente al morir su padre como héroe de la batalla de Bailén (1808). Con apenas 17 años y ya declarado liberal, sostuvo las armas contra la invasión francesa del duque de Angulema que acabó con el segundo régimen constitucional en 1823. Comenzó los estudios de pintura en la Academia de Bellas Artes de Sevilla. Allí se familiarizó con la técnica pictórica y el detallismo al estilo de Murillo. Pero se casó con Antonia Rivas o Ribas, de la que tuvo tres hijos: los pintores Carlos María y Vicente, y Julia, y no recibía suficientes encargos en Sevilla para sostener a su familia.​ Por ello, en 1831, se trasladó a Madrid junto con su amigo, el también pintor sevillano José Gutiérrez de la Vega, y allí concursó en la Academia de San Fernando, siendo nombrado académico de mérito. En contacto con el ambiente intelectual madrileño de esos años, participó activamente en la fundación del Liceo Artístico y Literario en 1837, donde daría clases de Anatomía, asignatura que impartiría también más tarde en la Academia de San Fernando.

En 1839, sufrió una enfermedad que le dejó prácticamente ciego, por lo que se sumó en una profunda depresión.​ Enterados sus compañeros y amigos poetas y artistas, sufragaron los costes de un tratamiento realizado por un oftalmólogo francés, gracias a la cual sanó y recuperó la visión.​ El artista, agradecido, pintó a sus amigos, poetas y pintores del Romanticismo. Como reconocimientos oficiales, recibió la placa del Sitio de Cádiz y fue nombrado comendador de la Orden de Isabel la Católica. En 1843 es nombrado Pintor de Cámara y en 1847 académico de San Fernando, siendo además miembro fundador de la Sociedad Protectora de Bellas Artes. Como teórico de la pintura, redactó un Tratado de Anatomía Pictórica (1848), cuyo original se guarda en el Museo del Prado. También escribió dos monografías («José Elbo» y «Herrera el Viejo», en El Artista, 1847) y cultivó la crítica de arte. Escribió sobre la pintura de historia (El Eco del Comercio, 1841) y sobre los nazarenos alemanes (El Corresponsal, 1842). Falleció en Madrid en 1857.

Sus hijos Carlos María Esquivel (1830-1867) y Vicente Esquivel también fueron pintores.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Valeriano Domínguez Bécquer (1833-1870)

Retrato. Romanticismo.

Domínguez Bécquer, Valeriano (Sevilla, 15 de diciembre de 1833 - Madrid, 23 de septiembre de 1870) fue un pintor e ilustrador español.

Biografía

Valeriano Domínguez Bastida, más conocido por el tercer apellido de su padre al igual que su hermano Gustavo Adolfo Bécquer, nació en Sevilla el 15 de diciembre de 1834 y murió en Madrid el 23 de septiembre de 1870. Fue hijo del también pintor José Domínguez Bécquer, conocido entre sus contemporáneos como el Maestro Pepe Bécquer, y Joaquina Bastida y Vargas. El padre de Valeriano también optó por utilizar el apellido Bécquer, cambiando sus apellidos Domínguez Insausti por Domínguez Bécquer. El origen del apellido Bécquer se remonta a los primeros años del siglo XVII, cuando uno de los antepasados de la familia se asentó en Sevilla desde Flandes.

Valeriano y sus siete hermanos se quedaron huérfanos de padre y madre cuando él contaba solo doce años. Él y su hermano Gustavo Adolfo fueron educados entre varios parientes, destacando la enorme influencia que sobre él ejerció su tío Joaquín Domínguez Bécquer, de quien aprendería el arte de la pintura. ​ En 1861 se casó con Winnefred Cogan, a veces llamada Winifreda Cogán, hija de un marino irlandés ya retirado y afincado en el Puerto de Santa María, con quien tendría dos hijos, Alfredo y Julia. La familia se estableció en Sevilla pero muy poco después de la boda se produjo la ruptura y separación de la pareja. Winnefred lo abandonará a pesar de la corta edad de sus hijos. Se cree que la disparidad de caracteres de los miembros de la pareja y la vida de estrecheces que el pintor podía ofrecer a su joven esposa pudieron ser los motivos de las desavenencias. Winnefred, sin embargo, heredó los derechos de autor de su marido a su muerte.

Con la ayuda económica de sus tíos, se trasladará a Madrid con sus hijos para reunirse allí con su hermano Gustavo Adolfo que había emprendido en 1854 la gran aventura de la fama literaria en la capital. El carácter entusiasta, activo y emprendedor de Valeriano era el complemento necesario para un Gustavo Adolfo aquejado de una gran soledad y un cierto desánimo, en un Madrid que resultaba frío y hostil para los artistas que llegaban buscando el éxito. ​ Antes de la fecha de su matrimonio realizó algunas obras de gran interés, como El carlista de La Esperanza y La nodriza con traje de pasiega, conservados en el Museo Romántico de Madrid.

Estableció su estudio en Madrid y conoció, gracias a su hermano Gustavo Adolfo, al pintor José Casado del Alisal. Años después en el estudio de este pintor se reunirían los amigos del poeta para tomar la decisión de publicar las obras de Gustavo Adolfo al día siguiente de su fallecimiento.

En 1864 viaja con su hermano y la esposa de este, Casta Esteban, a Veruela, en Aragón. Residieron en el monasterio de esta localidad completamente aislados; Gustavo Adolfo estaba enfermo y buscaban un lugar de reposo ideal para su recuperación. Allí Valeriano iba a pintar diferentes cuadros, algunos de los cuales muestran escenas costumbristas aragonesas. ​ Viajó también por toda Castilla, realizando numerosos dibujos. Colaboró como ilustrador en El Museo Universal y en La Ilustración de Madrid, donde aparecen muchos de sus mejores grabados, que reflejan con gran fidelidad costumbres y vestidos de la época y constituyen un auténtico material de valor arqueológico, ya que de otra manera difícilmente podríamos tener referencias sobre las escenas que recoge.

La familia sigue peregrinando por otros lugares como El Burgo de Osma, en la provincia de Soria, donde Valeriano pintará El leñador y La hilandera. También pasarán por tierras de Teruel, Burgos, Ávila y Segovia. Finalmente será en la ciudad de Toledo donde la familia encuentre un hogar. Allí ambos hermanos llegarían a ser algo propio de la ciudad quedando entre los toledanos este dicho relacionado con ellos: «es como el perro de Bécquer, que en todas partes se mete». ​

Gracias a la amistad de su hermano con el político conservador González Bravo, que fue ministro de la Gobernación durante el gobierno de Narváez, en 1865 recibió una pensión anual de 2500 pesetas para viajar por España estudiando las costumbres y los trajes nacionales, dando lugar a obras como El baile, Fiesta popular del Moncayo (Aragón) y Costumbres españolas de la provincia de Soria, que posteriormente perdería tras la Revolución de 1868. Su técnica pictórica participa de tal depuración, minuciosidad y riqueza que ha sido comparada por algunos críticos con la factura de los pintores flamencos. Además, con todas estas peregrinaciones el pintor se introducirá en la pintura al aire libre, cuando todavía no se practicaba en España. Su hermano lo presenta así: «apuntaba y dibujaba mucho, rodando de aldea en aldea; sus libros están llenos de episodios curiosos e interesantes de estos viajes»; «la costumbre de estar siempre apuntando del natural hacía que no se amanerase nunca y que hubiese en sus composiciones un sello grande de verdad».

Murió en su domicilio de Madrid el 23 de septiembre de 1870 al parecer de una afección al hígado, como consecuencia de una complicación producida por la humedad de una alameda que existía en las proximidades del barrio de la Concepción donde vivían. Sus hijos, a los que había cuidado amorosamente durante estos años, eran todavía muy pequeños cuando falleció. Sus restos fueron enterrados en la Sacramental de San Lorenzo. A los tres meses justos iba a fallecer también su hermano Gustavo Adolfo. Posteriormente, en 1913, los restos de dos hermanos fueron trasladados juntos a Sevilla.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Más obras

Antonio Díaz de Mendoza

Campesino andaluz

Jacopo della Quercia (h.1374/1367-1438)

Renacimiento. Quattrocento.

Della Quercia, Jacopo (Quercia Grossa, cerca de Siena, hacia 1374 o 1367 - Siena, 20 de octubre de 1438)

En su juventud había concursado en 1401, para la segunda puerta del baptisterio de Florencia, con Brunelleschi y Ghiberti; después, en Siena, trabajó para la Fonte Gaia, de la gran plaza, en labores de las que hoy sólo quedan fragmentos conservados en el Palazzo Comunale y que sirvieron para realizar la moderna reconstrucción de la famosa fuente; pero ya antes había realizado, para la catedral de Lucca, el bellísimo sarcófago de Hilaria del Carreto, con el robusto friso de angelones que sostienen una pesada guirnalda, y la hermosa estatua yacente.

La Fonte Gaia de Jacopo della Quercia (Siena) Esta fuente está ubicada frente al Palacio Público de Siena. Las esculturas de la Virgen con el Niño, flanqueadas por ángeles y las cuatro Virtudes, responden a un gusto típicamente medieval. El estanque, más bajo que el nivel del suelo, se adapta de manera admirable a la curva de la plaza. Esta fuente fue desmantelada y reconstruida; las esculturas de della Quercia se guardan en el Palacio Público y la fuente, que se ha desplazado hacia el centro de la plaza, es en realidad una copia de la original. 

⇨ Sarcófago de Hilaría del Carreta de Jacopo della Quercia (Catedral de Lucca). Detalle del rostro yacente, en el cual se puede descubrir la transición del gótico al Renacimiento en la obra de Jacopo della Quercia. La figura yacente es de concepción gótica, pero la decoración de cupidos con guirnaldas de flores y frutas, que no se ven en este detalle, es un tributo al arte romano. La figura de esta bella mujer tiene una serenidad y una dulzura absolutamente humanas.  



Esta figura seduce al que la contempla por su situación intermedia entre el gótico y el Renacimiento. Del primero, tiene la tradicional postura yacente y el fluido linealismo de los pliegues del traje; del segundo, un sentido clásico de la forma que hace pensar que esta joven, fallecida en 1405, dos años después de su boda, no está muerta, sino dormida.

En 1405 comenzó sus relieves marmóreos para decorar el portal central de San Petronio de Bolonia, que dejó sin terminar. Jacopo dividió el espacio a él destinado en aquella fachada en recuadros, en cada uno de los cuales trató sobriamente un tema bíblico con pocas figuras, y no sin verosimilitud se ha supuesto que Miguel Ángel se inspiró en estos relieves para su fresco de la Creación de la Capilla Sixtina.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Más obras

Acca Larenzia

Creación de Adam

Mosaico

Apl. a la obra taraceada de piedras o vidrios, generalmente de varios colores. • Suelo de baldosas en el piso de los edificios. Según sus aplicaciones arquitectónicas, existen dos tipos de mosaicos: el empleado

Según sus aplicaciones arquitectónicas, existen dos tipos de mosaicos: el empleado generalmente en los pavimentos de mármol, cerámica o piedras de colores, y el de esmalte, de gran importancia suntuaria en la decoración de bóvedas y paredes.

Jonás y la ballena

La técnica del mosaico, nacida en Caldea y Egipto, se desarrolló principalmente en Alejandría y de allí pasó, por una parte, hacia Siria, Asia Menor y Bizancio, y, por otra, hacia Sicilia y Roma, que la propagó dentro del Imperio. La escuela de mosaiquistas romanos se desarrolló a partir del s. -1 y alcanzó pleno apogeo en época de Augusto. Las fechas de los mosaicos son poco seguras, ya que sus diferentes técnicas sobreviven y se entremezclan. Plinio cita un pavimentum barbaricum, de técnica muy rudimentaria y tosca, obtenido con cantos de río. Los mosaiquistas romanos distinguían cuatro tipos de mosaico: opus tessellatum, pavimento compuesto por teselas de mármol de color, que reproducían temas ornamentales e incluso pinturas; opus vermiculatum, de teselas menores, cuya composición sirvió de partida a la gran composición musivaria; opus musivum, aplicado a la decoración de muros y bóvedas, en la que se empleaban teselas de esmalte y vidrios opacos, mediante la adición de óxidos metálicos; opus sectile, semejante al anterior, con una variedad procedente de Egipto, opus alexandricum. Los mosaicos romanos, especialmente los usados en los pavimentos, formaban combinaciones geométricas y grecas acompañadas de figuras de animales, paisajes, escenas mitológicas e históricas. Los mosaicos cristianos, a partir del s. IV, representan escenas bíblicas (Daniel entre los leones, Jonás y la ballena, etc.). Una de las composiciones romanas más importantes es la que representa a AleJandro y Daría en la batalla de lso, que adornaba la exedra de la Casa del Fauno en Pompeya (Museo Nacional de Nápoles).

Sacrificio de lfigenia, Empúries

En España, en el primer período del arte musivario (s. -1 a 11) se emplea en los recuadros una decoración a base de esvásticas, meandros y rombos, sobre un piso continuo de arcilla roja, y en el interior rectángulos y polígonos de una sola línea de teselas (Empúries, Mataró, Tarragona). Más adelante, en el centro del opus tessellatum, puramente geométrico, se incluyen los "emblemas" hechos en opus vermiculatum (Sacrificio de lfigenia, Empúries). En Elche se han encontrado piezas de temas vegetales de opus sectile. Bajo los Antoninos el tessellatum adquiere extraordinario desarollo, en detrimento del vermiculatum. El empleo del emblema de gran tamaño perduró durante largo tiempo. En España, son célebres los mosaicos de Itálica, Mérida, Carmona, Tarragona, Zaragoza, etc.

En el Imperio Bizantino, el arte musivario alcanzó una gran perfección. Entre los mosaicos bizantinos más notables, hoy desaparecidos, hay que citar los de la iglesia de los Apóstoles, en Constantinopla, y, entre los conservados, los de Chipre (iglesia de la Panagia Angeloktistos, Kiti). Constantinopla legó a Occidente el uso del mosaico a través del exarcado de Ravena, la muestra más importante de este arte (San Apolinar Nuevo, San Vitale, San Apolinar in Classe, etc.; s. VI). La segunda época de oro del arte bizantino (ss. XI-XII), creó obras muy bellas en Constantinopla (iglesia del Salvador), Kiev (Santa Sofía), Venecia (San Marcos), Salerno (catedral), etc.

Los mosaicos árabes derivan de los bizantinos, hasta el punto que los procedimientos materiales y artesanos empleados proceden de Constantinopla. Hacia 1300 la decadencia del arte musivario era casi completa. Sin embargo, en el s. XVI los papas, al decorar la basílica de San Pedro, quisieron formar una escuela, pero sólo el veneciano Luigi de Pace consiguió resultados positivos en sus mosaicos sobre cartones de Rafael.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Artistas del Mosaico

Facchina, Giandomenico

Jacques Callot (1592-1635)

Barroco

Callot, Jacques (Nancy, 1592- 24 de marzo de 1635) Dibujante y grabador barroco del Ducado de Lorena, región entonces independiente y luego anexionada a Francia.

Realizó más de 1.400 planchas que suponen un fresco y una crónica del periodo que vivió. Representó tanto a las clases populares (soldados, payasos, gitanos, mendigos) como la opulenta vida de la corte. También grabó al aguafuerte series religiosas y militares con sutiles paisajes de fondo. Han sobrevivido 2.000 dibujos y estudios preparatorios para sus estampaciones, pero no se conoce ninguna pintura de su autoría, de lo que cabe deducir que no ejerció como pintor.

Biografía

Su padre era el maestro de ceremonias en la corte del duque de Lorena. A los quince años entró de aprendiz en el taller de un orfebre. Se trasladó a Roma, donde el francés Philippe Thomassin le enseñó la técnica del grabado. Probablemente aprendió la técnica del aguafuerte con Antonio Tempesta en Florencia, donde vivió de 1612 a 1621, dejando algunos interesantes dibujos sobre los personajes de la «commedia dell'arte».1 Trabajó para Cosme II de Médicis; cuando éste falleció, regresó a Nancy, donde trabajó para la corte local, para editores parisinos e incluso para la corte española. Exceptuando algún viaje, residió el resto de su vida en esa ciudad.

Su aportación al arte del grabado no fue sólo creativa, sino también técnica, pues introdujo el uso de un barniz especial de luthiers para el grabado al aguafuerte. Este barniz, más fiable que la tradicional capa de cera, permitía someter las planchas de cobre a más baños de ácido sin miedo a accidentes que malograsen todo el trabajo. De este modo, el proceso de grabado a aguafuerte pudo abordarse en más pasos intermedios, con mayor riqueza de detalles, igualando a otras técnicas gráficas anteriores (punta seca, buril).

Creó dos series sobre Las miserias de la guerra, a partir de los sucesos de la Guerra de los Treinta Años. Su publicación en 1633 coincidió con la ocupación de la Lorena por las tropas francesas; se decía que estos hechos las inspiraron, aunque Callot había empezado a grabar las planchas tiempo antes. Algunos estudiosos consideran la posible influencia de esta obra en la de Francisco de Goya, en especial en series descarnadas como la de Los desastres de la guerra.​Asimismo, sus planchas de mendigos fueron recreadas por Rembrandt, Jan van Vliet y Pieter Quast, entre muchos otros grabadores.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Galería

Varias figuras Gobbi. El gaitero, 1616

Varias figuras Gobbi.

Tocador de chirimía, 1616

Jacopo da Ponte Bassano (h. 1518-1592)

 

Autorretrato

Renacimiento. Manierismo.

Bassano, Jacopo da Ponte (h. 1518- 13 de febrero de 1592), Pintor italiano del Manierismo, nacido y muerto en Bassano del Grappa, cerca de Venecia, lugar del que tomó su nombre. Su arte se engloba en la Escuela veneciana de pintura.

Biografía

Su padre, Francesco Bassano el Viejo, fue un «artista aldeano» y Jacopo adoptó algo de su estilo cuando introdujo en sus pinturas religiosas detalles realistas, incluyendo animales, granjas y paisajes; «hasta el extremo de que sus cuadros más parecen simples composiciones de género, que cuadros religiosos». La introducción de estos elementos que llenan las composiciones tuvieron luego gran importancia en los orígenes del naturalismo barroco.

Habiendo trabajado en Venecia y otras ciudades italianas, estableció un taller en Bassano con sus cuatro hijos: Francesco el Joven (1549–1592), Gerolamo (1566–1621), Giovanni Battista (1553–1613), y Leandro (1557–1622). Compartieron su estilo, y algunos trabajos son difíciles de atribuir con precisión.

Aprendió de otros artistas de la época, aunque sus relaciones con sus colegas no fueron siempre buenas, pues a Tiziano, por ejemplo, lo retrató como cambista en un cuadro de La Purificación del Templo; seguramente quiso insinuar que era codicioso. Otros trabajos particularmente notables fueron El regreso a Canaan de Jacob, Dives y Lázaro, Acteón y las ninfas, La última cena y Anunciación a los pastores. Son especialmente apreciadas sus composiciones nocturnas, en las que maneja los juegos de luces con gran maestría.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obra comentada

Noé después del diluvio de Jacopo

Obra

Cristo entre los doctores, 1539

Adoración de los Reyes Magos, 1544

Noé después del diluvio de Jacopo da Ponte Bassano

 

Este artista llevó hasta sus últimas consecuencias la pintura de género iniciada por el Veronés. En este detalle del cuadro demuestra que el tema es un pretexto para presentar reunido este grupo de animales, amigos fieles del hombre, con un color casi humano. Se ha dicho que la luminoSidad tenebrosa del Bassano presagia los hallazgos extraordinarios de la obra de Caravaggio.

(Museo del Prado, Madrid). 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Jaume Ferrer Bassa (h.1295-1348)

 

Gótico

Bassa, Jaume Ferrer (Las Guñolas-Avinyonet del Penedés​ h. 1295 - Barcelona, 1348) Pintor y miniaturista de la Corona de Aragón, donde trabajó intensamente para la corte de los reyes Alfonso IV y Pedro el Ceremonioso.

Ferrer Bassa abandonó la inicial influencia francogótica y, como otros pintores de la Corona de Aragón, se decantó tanto por la escuela florentina como por la escuela sienesa, después de entrar en contacto con estos movimientos durante una estancia en Italia. Se le considera, junto con su hijo Arnau, el fundador del principal obrador de italianismo pictórico en Barcelona y en toda la Corona de Aragón, bajo el impulso áulico de la corte de los reyes de Aragón.

Los historiadores de principios del siglo XX lo llamaron el «Giotto catalán».​ Hay datos de su biografía en las ciudades de Zaragoza y Barcelona entre los años 1324 y 1348, cuando se cree que murió de peste junto con su hijo y discípulo Arnau Bassa.

Biografía

Su vida personal ha sido relacionada con un estilo libertino y amante de la buena vida, considerado por algunos historiadores un «Filippo Lippi a la catalana». El rey Jaime II en 1315 y a instancias de su esposa María de Chipre, lo perdonó por el asalto a tres doncellas. ​ También se le asocia con un ciudadano con su mismo nombre de Les Gunyolese (Barcelona), que aparece mencionado en un documento de 1320 acusado de ofensas, un delito que supuso que Bernat de Fonollar ordenara la confiscación de sus bienes y un exilio temporal.​ En caso de tratarse de él, su vinculación con Las Guñolas podría ser de origen familiar, ya que consta que en 1160 los comendadores de la preceptoría del Templo de Las Guñolas otorgaron unas tierras para artigar ​ y construir unas casas en el término «del castillo» del municipio de Olèrdola. A principios del siglo XIII, un tal Pere de Bassa era el veguer de Vilafranca​ y también se conoce un derecho de propiedad a favor de un tal Ferrer Bassa en 1243, es decir, se identifican antecedentes desde casi dos siglos antes.

Entre el encargo para decorar unas capillas en Sitges de 1324, y el encargo del rey Alfonso el Benigno para pintar Usatges de Barcelona i Costums de Catalunya en 1333, hay un espacio sin referencias documentales sobre su actividad, salvo una comparecencia judicial en febrero de 1325.6​Esta etapa de entre ocho o nueve años se ha identificado con el periodo en el que viajó a Italia, es decir entre el 1325 y el 1332,3 cuando se cree que visitó la Toscana y los monasterios de Asís. Su obra indica que conoció a Giotto, aunque no se ha podido determinar el posible encuentro, pudiendo ser en Italia o bien convirtiéndose esta influencia de manera indirecta, a través de Aviñón.

Dos documentos reales de 1333 y 1335 sobre pagos, uno de ellos con la descripción pro suo salario seu labore vienen a demostrar que estaba al servicio regular del rey de Aragón Alfonso IV, fallecido en 1336.​Algunos historiadores han atribuido a Bassa el título de «pintor del rey», un cargo que Sanpere y Miquel rechaza, ya que el primero que consta con este cargo oficialmente fue Luis Dalmau.

Con su esposa Blanca. Eran padres de Arnau Bassa, el cual formó parte de su taller, y de Blanca Bassa, que se casó en marzo de 1347 con el escultor Jaume Cascalls. Este último colaboró también como pintor en el taller de los Bassa, al menos en unos trabajos en Zaragoza encargados a Bassa.​Probablemente también eran hijos suyos Bartomeu Bassa, pintor que se ha relacionado con Jaume Serra, y Berenguer, fallecido en 1363 a manos de un personaje llamado Simón Torres.​ La historiadora Rosa Alcoy considera que la falta de alguna otra referencia sobre Berenguer podría deberse a un lapsus calami en la nota de su muerte y que en realidad se trate de Bartomeu.​

A pesar de la fama y la gran actividad que tenía Ferrer Bassa, su situación económica no era muy buena y cuando su hija se casó con Cascalls, tuvo que liquidar la dote en varios pagos a medida que cobraba trabajos.

El pintor murió a causa de la peste en 1348, en una fecha cercana al 14 de abril. Su hijo Arnau Bassa también murió víctima de la epidemia en ese mismo año.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obra comentada

Celda de San Miguel

Obra

San Miguel y San Juan, 1285-1290

Anunciación. Monasterio de Santes Creus.

Celda de San Miguel de Ferrer Bassa

 

Es una obra de 1346, que se tiene bien documentada por conservarse los documentos del encargo. En las pinturas de esta capilla, en la que se reproducen escenas de la vida de Cristo, se ha querido ver cierta influencia de Giotto, quizás descubierto por Ferrer Bassa en Siena, a quien se considera introductor del gótico italiano en la Península.  Crucifixión de San Andrés de Lluís Borrassa (Museo Episcopal, Vic). Esta obra es una tabla del Retablo de Gurb, realizado entre 1417 y 1418. Puede considerarse a Lluís Borrassa la figura fundamental del gótico internacional catalán por su dominio técnico, la estilización imaginativa y el cuidado exquisito del detalle. 

(Monasterio de Pedralbes, Barcelona)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.aw