Badií, Libero (Arezzo, 2 de febrero de 1916 – Buenos
Aires, 11 de febrero de 2001) Pensador y artista visual
multifacético (escultor, dibujante, grabador, pintor) italiano nacionalizado
argentino, generador (junto con Luis Centurión) del arte siniestro, como una
forma de concebir la producción artística específicamente latinoamericana.
Biografía
Vivió en Argentina desde 1927 y
en 1947 se naturalizó argentino. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes
de la Nación Ernesto de la Cárcova.
En 1962, el Museo Nacional de
Bellas Artes presentó una muestra retrospectiva de su obra.
En 1968 expuso en el Instituto Di
Tella y en el Museo de Arte Moderno de París (1977).
En el Museo Nacional de Bellas
Artes y en el Centro Cultural Borges de Buenos Aires en 1999.
En 1982 ganó el Gran Premio Fondo
Nacional de las Artes y, en 1987, el Premio Consagración Nacional además del
Premio Palanza (1959)y el Premio Nacional Bienal de San Pablo (1971).
Fue nombrado miembro de número de
la Academia Nacional de Bellas Artes. Su obra figura en la colección del MOMA4.
Recibió dos Premios Konex en 1992
y 2002, además del Konex de Honor en 2002 por su enorme aporte a la historia de
las Artes Visuales, este último de forma póstuma.
El Museo Líbero Badii en la Casa
Atucha del Barrio de Belgrano cobija 300 piezas del artista.
Se casó con Alicia Margot Daulte
con quien tuvo siete hijos.
Alenza Nieto, Leonardo (Madrid, 1807-1845). Pintor y dibujante romántico español.
Biografía
Hijo de Valentín Alenza Recuenco, natural de Madrid, y María Nieto Sánchez, natural de Ávila. La pareja vivía en el segundo piso del número 18 de la Cava Baja, calle que era muy famosa entonces por la cantidad de posadas que había en ella. Su padre era un empleado en la Secretaría de Farmacia aficionado a la poesía y llegó a publicar algunos poemas en el Diario de Madrid, mientras que su madre es posible que muriese hacia 1813, contando Leonardo con unos seis o siete años.
Estudios
El padre de Leonardo se casó de nuevo en 1817 con Micaela Bertrandi, una mujer apenas once años mayor que su hijo, y la familia se trasladó a vivir a la calle de los Estudios, junto al convento de los jesuitas, en cuyo Colegio Imperial de San Isidro probablemente estudió Leonardo las primeras letras, siendo compañero entre otros de Ventura de la Vega y de Juan Eugenio Hartzenbusch.
De allí pasó en 1819 a estudiar dibujo en el estudio de la Merced de la Academia de San Fernando, que estaba en el convento de la Merced; y fue ascendiendo con rapidez, pasando a los dieciséis años a las clases de la Academia en la calle de Alcalá. Sus profesores fueron sucesivamente el pintor Cástor González Velázquez, el grabador Vicente Peleguer, el escultor Francisco Elías Vallejo, el pintor José Maea, el escultor Esteban de Agreda, el escultor Pedro Hermoso, el pintor Zacarías González Velázquez y, por último, y durante seis años, el también pintor José de Madrazo. En la clase de este último coincidirá con su hijo Federico de Madrazo, y con José Elbo, José María Avrial y Luis Ferrant Llausas.
Salió definitivamente de las aulas de la Academia en 1833, año en el que realizó por encargo del Ayuntamiento de Madrid un Cuadro alegórico a la jura y proclamación de la reina Isabel II y poco después, y por encargo de la Corona, otro con el título de Dª María la Grande sosiega la rebelión de Segovia con su elocuencia y hace que reconozcan y abran las puertas de la ciudad al rey su hijo. Al año siguiente pinta para el cenotafio levantado con motivo de las exequias de Fernando VII hasta cinco grandes cuadros en grisalla.
Primeros trabajos
Comienza con estos encargos oficiales una carrera que se centrará fundamentalmente en sus participaciones en la exposición anual que hacía la Academia para San Mateo.
El año 1837 es testigo de varios acontecimientos de marcado sabor romántico: se estrena en el Coliseo del Príncipe el drama Los amantes de Teruel de Hartzenbusch, se publica El estudiante de Salamanca de Espronceda, ven la luz los primeros versos de José Zorrilla en El Artista y se suicida Mariano José de Larra. En ese año, Leonardo Alenza comienza a ilustrar con sus dibujos el Semanario Pintoresco Español de Mesonero Romanos y presenta en la exposición de la Academia seis caprichos. En 1839, dos de estos caprichos serán titulados Los románticos; son los posteriormente conocidos como suicidios del actual Museo del Romanticismo de Madrid. Ese mismo año deja de colaborar con el Semanario Pintoresco Español para pasar a ilustrar nuevas ediciones de la novela picaresca Gil Blas y de las obras completas de Quevedo, así como para abordar la decoración de locales públicos: el Café de Levante y la tienda Quiroga.
Pero todo esto lo detiene la enfermedad. A principios de 1842 solicita el título de Académico de Mérito en la Academia de San Fernando a la vez que la tuberculosis había hecho mella en su organismo y reconoce que «tenía la salud tan quebrantada que tenía que salir de Madrid para poder restablecerse». Por fin, el 6 de noviembre de 1842, el mismo día en que cumplía treinta y cinco años, Alenza se convertía en académico de mérito por la pintura de historia presentando para ello, un cuadro alejadísimo de su sensibilidad y modo de hacer, como es el David cortando la cabeza de Goliat.
Nuevas ilustraciones para la edición de Los españoles pintados por sí mismos, colaboraciones en prensa o participaciones en la exposición de la Academia, en la que llegó a ser profesor durante unos meses, marcan su etapa final. En 1844 participa en la exposición de la Academia con doce cuadritos de costumbres y un retrato, pero estaba ya tan gravemente enfermo que vivía en la Casa de Vacas del Retiro, porque se pensaba que los efluvios de las vacas eran beneficiosos para combatir la enfermedad.
Final
Como Bécquer, Rosales o Alfonso XII, Alenza murió de tuberculosis en la madrugada del 30 de junio de 1845 en su casa del número 5 de la plaza de San Ildefonso, tercera y última casa en la que vivió en Madrid. Fue enterrado en un nicho del cementerio de San Ginés y San Luis2 gracias a que se abrió una suscripción entre sus amigos que evitó que sus restos pasaran a la fosa común que eran los seis patios que tenía.
En esta obra, la sátira de los amores imposibles, de los suicidios y de los panteones ridiculiza la artificiosa literatura de su tiempo. Con ello, el autor defiende toda su obra pictórica tan jugosa y rica de escenas populares.
Álvarez de Sotomayor, Fernando
(Ferrol, 25 de septiembre de 1875 - Madrid, 17 de marzo de 1960) Pintor español.
Biografía
Nacido en una familia burguesa
ferrolana —el hermano mayor de su padre fue el general e inventor Fernando
Álvarez de Sotomayor y Flores (1844-1912)—, estudió el bachillerato en el Real
Colegio Agustino de San Lorenzo de El Escorial. Intentó seguir varias carreras,
dedicándose finalmente por completo a la pintura. Una de sus principales
mentores fue Manuel Domínguez, coincidiendo en sus estudio junto a otros
jóvenes pintores como Marceliano Santa María y Eduardo Chicharro.
Artista importante en los
círculos de arte académico español de la primera mitad del siglo XX, llegó a
ser director del Museo del Prado y miembro de la Real Academia de Bellas Artes
de San Fernando de Madrid.
Como profesor, la influencia de
Álvarez de Sotomayor fue fundamental en Chile, adonde llegó en 1908 contratado
como profesor de Colorido y Composición para la Escuela de Bellas Artes de
Santiago, institución de la que se convirtió en director.
El Museo Nacional de Bellas Artes
de Chile, en su página dedicada al pintor, dice: "Su gestión marcó un hito
en el desarrollo artístico y cultural del país. Sotomayor, como se denominaba a
sí mismo el maestro, obtuvo una buena acogida en la Escuela chilena. A su
estilo de enseñanza clásica y realista depurada, agregó la tendencia hispánica
que desplazó al persistente influjo romántico francés que hasta ese momento
imperaba en las artes nacionales. Dio énfasis a la composición y rescató el
valor de los temas costumbristas tanto de su tierra natal como de Chile,
característica que logró difundir ampliamente entre sus discípulos. Fue responsable
de la formación de un numeroso grupo de artistas, catalogado históricamente
bajo títulos diferentes de acuerdo a los acontecimientos de principios del
siglo XX": Generación del Centenario, Generación del 13 (por la exposición
de 1913 en la que sus alumnos dieron a conocer sus obras), "la Generación
Sotomayor en honor al maestro y Generación Trágica, este último debido al
carácter bohemio de las vidas que muchos de los integrantes del grupo llevaron,
artistas de notable talento pero con escasez de medios y de relajadas
costumbres". Allí dejó una marca original favoreciendo los temas
populares y la impronta hispánica en la citada generación de artistas chilenos.
Encabezó el Museo del Prado en
dos ocasiones: entre 1922 y 1931, y tras la Guerra Civil Española, de 1939
hasta su muerte en 1960.
En 2016 se publicaron sus
extensas e inéditas Memorias, celosamente custodiadas por sus descendientes
durante más de medio siglo.
Anglada Camarasa, Hermenegildo,
también llamado Hermen (Barcelona, 11 de septiembre de 1872 – Puerto de Pollensa,
7 de julio de 1959) Pintor español representante del modernismo catalán. Su
obra se sitúa en los amplios términos del postimpresionismo. A fines del s. XIX
alcanzó celebridad en París con cuadros de tema mundano, tratados con
exquisitez cromática. Después pintó lienzos de temas folclóricos o
paisajísticos (especialmente de Mallorca) con inspiración decorativista y en
los que aplicó una brillante policromía.
Hermenegildo Anglada Camarasa
estudió el arte de la pintura primero con Tomás Moragas y luego con Modest
Urgell en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. En los inicios del siglo XX
estableció su estudio en París, años que fueron de una gran lucha por
reivindicar y mejorar su capacidad pictórica, asistiendo a la Académie Julian.
Su primera exposición individual fue en el 1894 en la Sala Parés de Barcelona.
Al estallar la Primera Guerra Mundial, fijó su residencia en Mallorca. Durante
la Guerra Civil Española prácticamente se refugió en el Monasterio de Santa
María de Montserrat. Entre 1939 y 1947 estuvo exiliado en Francia, regresando
después a Mallorca.
En 1901 tras participar en la
Exposición Internacional de Dresde (en la cual coincidió con Ignacio Zuloaga y
Francisco Iturrino) obtuvo renombre mundial. Fue premiado en varias
exposiciones internacionales, destacando las Medallas de Oro en la Bienal de
Venecia de 1907 y en Buenos Aires en 1910. Estos logros le permitieron dar
clases a varios alumnos meritorios procedentes de diversos países (entre ellos
pueden contarse a los argentinos Tito Cittadini y Raúl Mazza o el uruguayo José
Cuneo).
Fue Anglada Camarasa admirado por
el escritor ruso Maxim Gorky y el director teatral Vsévolod Meyerhold, al punto
que el segundo realizó en San Petersburgo una escenografía basada en la obra
del pintor catalán. Por tanto, contacta tras su viaje a Moscú en 1914, con la
sensibilidad rusa de la época.
Gran parte de su obra está
adscrita al modernismo y, en tanto que correspondiente a tal estilo artístico,
los valores cromáticos quedan en ella supeditados a lo suntuario y ornamental
con abundancia de motivos orientalizantes. En tal caso, Anglada Camarasa es
todavía un representante de la Belle Époque; sin embargo, supo acompañar la
evolución del arte durante la primera mitad del siglo XX aproximándose
moderadamente a las vanguardias de ese siglo sin por ello abandonar cierto
toque impresionista. Entre los elementos vanguardistas que se encuentran en su
obra están el tratamiento artificioso de la luz y el recurso a densos empastes
que le han caracterizado (el esmaltismo de Anglada Camarasa).
La singularidad de su trabajo se
reforzó cuando en 1913 inició su residencia en las islas Baleares hasta donde
le acompañó su aventajado discípulo Tito Cittadini, y fue seguido por el pintor
mallorquín Joan Fuster Bonnin. En 1916 quedaba fundada por ellos la Escuela de
Pollensa.
De regreso a Mallorca en 1947,
vuelve a la temática paisajística, aunque ya realiza pocas obras, aquejado por
su avanzada edad.
La mujer, Anglada Camarasa 1904
Murió en 1959 en Puerto de
Pollensa (Mallorca).
En 1967 su casa se abrió al
público como museo privado. En 1991 su obra conservada en dicho museo fue
adquirida por la Fundació La Caixa. Actualmente su obra se exhibe en la sede de
la Fundació La Caixa de Palma de Mallorca, conocida como el Gran Hotel.
Arteta, Aurelio de (Bibiano de Arteta y Erraste) (Bilbao, 2 de diciembre de 1879 - México, 10 de noviembre de 1940) Pintor español, figura destacada de la pintura vasca, en la línea de un realismo marcado por la preocupación social. De su obra destacan Bañistas y Hombres del mar; y los frescos del vestíbulo del Banco de Bilbao en Madrid (1921).
Biografía
Nació en la bilbaína calle Askao, hijo de Eusebio Arteta y Labrador, de profesión ferroviario, y de Petra Errasti y Zabala. Su hermano Félix Arteta fue igualmente pintor y dibujante, si bien más modesto.
Comenzó sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Bilbao. En 1894 toda la familia se trasladó a Valladolid. Posteriormente viajó a Madrid, estudiando en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. No queriendo ser una carga para su familia, Arteta simultaneó sus estudios con los más diversos trabajos, tales como pintor de brocha gorda, ilustrador, dibujante de bordados, litógrafo e incluso como aplaudidor en teatros.
En 1902 obtuvo una beca de la Diputación vizcaína, junto con Ángel Larroque, Juan de Echevarría, Nemesio Mogrobejo y Quintín de Torre. La beca le fue concedida por la obra Accidente de trabajo en una fábrica de Vizcaya. Este hecho le permitió viajar a París, donde completó su formación. En la capital francesa recibió la influencia de las revisiones de la pintura impresionista a través de Gauguin y Toulouse-Lautrec. Un posterior viaje a Italia permitió a Arteta conocer el Renacimiento italiano, y más específicamente, con la pintura mural.
En 1906 se estableció en Bilbao, abriendo estudio. Alternó la labor puramente pictórica con el diseño de carteles y labores litográficas. Realizó su primera exposición en la bilbaína galería Delclaux. En 1911 fue uno de los fundadores de la Asociación de Artistas Vascos. Con ocasión de la nueva decoración de la sede de la Sociedad Bilbaina, Arteta realizó una de sus obras más recordadas, la conocida como Eva arratiana, en 1921.
En 1921 comenzó en los frescos del Banco de Bilbao, en Madrid; para la realización de los mismos previamente pintó de cada fresco y a pequeña escala, un óleo de gran belleza. En 1924 fue nombrado primer director del recién creado Museo de Arte Moderno de Bilbao. Esta labor no estuvo exenta de polémica ya que el ayuntamiento de Bilbao censuró a Arteta las adquisiciones realizadas. La dimisión de Arteta provocó una oleada de apoyos de intelectuales de toda España, que acabó por convertirse en una crítica a la política de la dictadura de Primo de Rivera desde el campo del arte. En 1930 recibió el Premio Nacional de Pintura.
El inicio del conflicto sorprendió al pintor en su domicilio madrileño. El primer día del mes de diciembre del año 36 sale hacia Valencia en compañía de Gutiérrez Solana, entre otros. En esa ciudad realizó un cartel de colaboración con el gobierno de Euzkadi. De Valencia se trasladó a Barcelona, primero, para pasar luego definitivamente a Francia. Allí realizó un periplo por varias ciudades (Biarritz, Burdeos), librándose de los habituales campos de refugiados. Finalmente, y a bordo del vapor Sinaia se trasladó a México. Una de sus últimas obras fue la decoración del comedor de la residencia de Indalecio Prieto en la capital mexicana.
El 10 de noviembre de 1940 falleció a causa de un accidente de tranvía cuando se dirigía, en compañía de su esposa a Coyoacán. Según el testimonio posterior de Indalecio Prieto, Arteta y su mujer se dirigían a pasar una temporada en el campo, para reponerse de la noticia recibida del fusilamiento el día anterior de Julián Zugazagoitia.
Su pintura, un tanto idealizada, y teñida de una gran melancolía, cultiva con preferencia el tema vasco, tanto el eminentemente rural como la transformación de esa sociedad a la industrialización, con paisajes urbanos centrados en el entorno de la ría del Nervión. El crítico Juan de la Encina dijo de él, en relación al cuadro Pescadores, enviado por Arteta a la exposición de la Asociación de Artistas Vascos, realizada en Madrid en 1916: «En tiempos en que el charlatanismo y la vanidad son y han sido haciendas en explotación, por una parte, no podemos por menos de aplaudir el recogimiento de Arteta; pero por otra parte, lamentamos que artista de tanto talento huya temeroso de darse al público dictamen». También se dedicó a la ilustración de libros, como en el caso de la obra Divagaciones de un transeúnte de Alejandro de la Sota.
Baade, Knud (Skjolden, Noruega, 28 de marzo de 1808 - Munich, Alemania, 24 de noviembre de 1879) fue un pintor noruego, principalmente de retratos y paisajes. Fue particularmente conocido por sus pinturas a la luz de la luna que se caracterizan por fuertes y dramáticos contrastes entre luces y sombras.
Biografía
Knud Andreassen Baade nació en Skjold, un antiguo municipio ahora en Vindafjord en el condado de Rogaland, Noruega. Cuando aún era niño, se mudó a Bergen con su familia. Comenzó su educación artística a la edad de quince años, bajo el pintor danés-sueco, Carl Peter Lehmann (1794-1876). En 1827 fue a Copenhague, donde estudió en la Academia durante unos tres años, hasta que las dificultades financieras lo obligaron a mudarse a Christiania (ahora Oslo) y dedicarse a la pintura de retratos. Sin embargo, cuando su padre se convirtió en magistrado en Sogn, siguió a su familia a la parroquia de Solvorn en Luster.. Las montañas, los fiordos y las bahías rocosas ofrecían amplios temas para su trabajo. También viajó hacia el norte a Trondheim y hasta el norte de Bodø en busca de material para sus fotos.
En 1836 fue persuadido por el conocido pintor paisajista, Dahl, de ir a Dresde, donde estudió durante tres años. Allí conoció a Caspar David Friedrich y fue fuertemente influenciado por él. Regresó a Noruega en 1839 debido a una enfermedad en sus ojos. En 1846 se mudó a Múnich, donde pronto se ganó la reputación de pintor paisajista, produciendo vistas de su país natal y las escenas alrededor de sus costas, en su mayoría representadas con efectos de luz de luna. Aunque no era válido, trabajó en Munich continuamente hasta su muerte allí en 1879.
Baade fue pintor de la Corte de Suecia y miembro de la Academia de las Artes de Estocolmo. Pintó algunos buenos retratos, especialmente en los años más jóvenes, incluidos los retratos de sus padres (1836). Además de varios viajes a Sogn y Hardanger, Baade viajó mucho en Alemania. También pintó escenas de paisajes de Baviera, Sajonia, Tirol y Suiza. Está representado en el Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño con 52 pinturas.
Facchina, Giandomenico (Sequals ,
Friuli-Venecia Julia, 13 de octubre de 1826 – París, 26 de abril de 1903 ) fue
un mosaiquista italiano del siglo XIX que realizó gran parte de su trabajo en
Francia.
Biografía
Giandomenico Facchina nació en
1826 en Sequals, hoy en la provincia de Pordenone en la región de Friuli
Venezia Giulia, en ese momento parte del reino lombardo-veneciano. Fue
entrenado en Trieste y Venecia. Primero trabajó en la restauración de mosaicos
antiguos, incluida la Basílica de San Marcos en Venecia. En la década de 1850
viajó a Francia, primero a Montpellier, donde fue llamado a trabajar en la
restauración de pisos antiguos.
Presentó una patente para un
método de extracción de pavimentos de mosaicos antiguos en el Instituto
Nacional de Propiedad Industrial en 1858, reutilizando una técnica ya
practicada por expertos en mosaicos venecianos. También utilizó un derivado de
esta técnica, que permite hacer un mosaico prefabricado en el taller,
facilitando la producción del mosaico. En esta técnica, los mosaicos se
premontan y pegan sobre un cartón flexible; La pared para sostener el mosaico
se cubre con mortero fresco y mosaico instalado a la vez, lo que reduce el
tiempo de trabajo en el sitio y permite una reducción considerable de los
costos de producción. Esta técnica se utilizó con mucho éxito en la Exposición
Universal (1855) en París y se extendió rápidamente. Le permitió a Facchina
obtener muchos pedidos. En París, decoró, entre otros, el nuevoÓpera construida
por Charles Garnier.
Hasta su muerte en 1903,
Giandomenico Facchina dividió su tiempo entre sus estudios en Venecia y París.
Earl, Ralph (Worcester County, Massachusetts, 11 de mayo de 1751 - Bolton, Connecticut, 16 de agosto de 1801) fue un pintor estadounidense activo durante la segunda mitad del siglo XVIII.
Biografía
Fue, en gran medida, un pintor autodidacta, que representa el llamado estilo colonial de finales de siglo. En 1778, tras el estallido de la Guerra de la Independencia de Estados Unidos, y pese a ser hijo de un alto oficial de las fuerzas revolucionarias americanas, considerándose leal a la Corona británica, emigra a Inglaterra, estableciéndose como un reputado pintor; en 1783, fue nombrado miembro de la Royal Academy de Londres. Hasta 1785, reside en Londres, frecuenta el estudio de Benjamin West, y realiza retratos de grandes dimensiones de afamados personajes de la vida pública londinense. Su técnica se afina al contacto con los grandes maestros de la tradición europea. Su paleta se vuelve más clara, los contornos se vuelven más difuminados y aparecen amplios fondos, siguiendo la manera imperante en la Inglaterra coetánea. En 1785, retorna a los independientes Estados Unidos, donde prosigue su carrera, centrado fundamental, aunque no exclusivamente en el retrato, donde recupera su sencillo estilo colonial, manteniendo un tono de serena elegancia, que será influyente en muchos artistas estadounidenses posteriores.
Dacosta, António Jr. GCM ( Angra
do Heroísmo, el 3 de noviembre de 1914 - París, El 2 de diciembre de 1990 ),
más conocido por António Dacosta, fue un pintor, poeta y crítico de arte
portugués.
Su obra pictórica consta de dos
fases distintas. Entre 1939 y 1948 trabaja esencialmente dentro de un lenguaje
surrealista, afirmando como una figura de referencia del movimiento en
Portugal. Esta fase termina con pinturas hechas en París, donde se instaló a
partir de 1947, en las que se acerca a la abstracción. Sigue un paréntesis de
treinta años en el que interrumpe casi por completo su práctica artística,
dedicándose a la crítica de arte.
Reanudó la pintura de manera
consistente solo a fines de la década de 1970. Desde entonces, y hasta la fecha
de su muerte, llevará a cabo una serie de obras diversas, idénticamente
notables, "cuya intimidad y poesía son únicas en la pintura portuguesa
contemporánea". Su presencia doblemente prestigiosa, debido al pasado
y la nueva visibilidad que adquirió en la década de 1980, sería notable en la
sensibilidad pictórica de esos años en Portugal.
Biografía
António Dacosta nació en la
parroquia de Santa Luzia, ciudad de Angra do Heroísmo, en 1914. Se fue a Lisboa
en 1935 para estudiar en la Escuela de Bellas Artes, integrándose rápidamente
en los circuitos intelectuales de la capital. Expone por primera vez en 1940 en
Casa Repe (Lisboa), junto con otra figura pionera del surrealismo portugués,
António Pedro, en una exposición que marca la entrada formal del surrealismo en
Portugal.
En 1942 ganó el premio
Souza-Cardoso en la Exposición de Arte Moderno SPN; Al año siguiente publicó
sus primeras crónicas sobre arte, en el Diário Popular. En 1944, su estudio y
gran parte de su trabajo fueron destruidos por el fuego. Se fue a París tres
años después, como becario del gobierno francés, estableciéndose en esa ciudad
de forma permanente; a partir de entonces regresará a Portugal solo
esporádicamente. En 1949 participa en la Exposición colectiva surrealista de
Lisboa.con obras donde se acerca la abstracción, pero en ese mismo año
interrumpe la práctica artística. Durante unos 30 años, su conexión con la
pintura sobrevive principalmente a través de la escritura sobre arte,
colaborando regularmente en el periódico brasileño O Estado de S. Paulo.
Los primeros signos de su fase
final datan de mediados de la década de 1970 (véase, por ejemplo, Paisagem
da Terceira, Amanhecer, 1975). En 1978, algunas de las obras más
significativas de su época surrealista, que en ese momento ya no le
pertenecían, se presentan en Londres en la exposición Arte portugués desde 1910,
que visita con Júlio Pomar. Redescubrir sus obras iniciales puede haber
acentuado su deseo de volver a la práctica artística, lo que lo llevó a
reanudar gradualmente la pintura. La actividad se intensificó en los primeros
años de la década siguiente. Exhibirá estas nuevas obras por primera vez en
1983 (Galería 111, Lisboa). En 1984 recibió el premio AICALisboa. En 1988, su
trabajo se presenta ampliamente en el Centro de Arte Moderno José de Azeredo
Perdigão, en Lisboa, y en la Casa de Serralves, Oporto.
El 4 de febrero de 1989 fue
galardonado con la Gran Cruz de la Orden del Mérito
Baber, Alice (Charleston,
Illinois, 22 de agosto de 1928 - Nueva York, 2 de octubre de 1982) fue una pintora
expresionista abstracta estadounidense que trabajó en óleo y acuarela. Fue
educada en los Estados Unidos y en las décadas de 1950 y 1960 estudió y vivió
en París. Ella también viajó alrededor del mundo. Baber, una feminista activa, organizó
exhibiciones del trabajo de mujeres artistas.
Biografía
Baber nació en Charleston,
Illinois . Creció en Kansas, Illinois y Miami , Florida . Su familia viajó al
sur de Florida durante los inviernos por sugerencia de un médico debido a la
mala salud de Alice, comenzando alrededor de los dos años. Siempre estuvo interesada
en convertirse en artista desde una edad temprana. Baber recuerda que alrededor
de los cinco años decidió que sería "poeta o pintora". A los ocho
años, estudió formalmente dibujo y a los doce años se volvió "tan avanzada
que se inscribió en una clase de nivel universitario".
Cuando estalló la Segunda Guerra
Mundial, terminaron los viajes anuales de Florida; alrededor de ese tiempo,
Baber estaba en su adolescencia. Baber recuerda viajar a Florida y quedarse en
una tienda de campaña: "eso tuvo un cierto tipo de romance. Y luego
siempre me sentí un poco como un nómada".
Baber eligió estudiar arte cuando
asistió al Lindenwood College for Women en Missouri , donde pasó dos años antes
de trasladarse a la Universidad de Indiana . En la Universidad de Indiana,
estudió con el expresionista figurativo, Alton Pickens. Recibió su Maestría en
Artes en 1951 y luego comenzó a viajar por Europa. Estudió brevemente en la
École des Beaux-Arts y vivió en París a finales de los años cincuenta y
sesenta. Durante sus viajes por Europa, se ganó la vida con su escritura y fue
la editora de arte de McCall .
Baber comenzó su carrera
trabajando principalmente en aceites, pero comenzó a experimentar con pinturas
de acuarela en la década de 1950. [4] Su experimentación con la acuarela inició
un cambio de estilo para Baber al pasar de pintar bodegones a crear obras más
abstractas. [4] Sus trabajos abstractos se centran en el color y la forma con
formas como que el círculo es un motivo común. Baber era conocida por su uso de
la luz y el color en varias exposiciones dedicadas a estos temas. [5]
En 1958, Baber tuvo su primera
exposición individual en Nueva York en March Gallery, de la que fue miembro. En
ese mismo año, también se le otorgó una residencia de estudio en Yaddo Art
Colony . Durante este tiempo, comenzó a desarrollar sus exploraciones únicas de
color que se derivan de la "gama infinita de posibilidades" para
explorar el color y la luz dentro de la forma del círculo. Ella le dijo a Brian
Jones que estaba buscando una "forma de hacer que la luz se moviera a
través de todo el asunto" en la Batalla de las Naranjas . Esta
inspiración creativa se convirtió en fundamental para su enfoque artístico.
En 1959, mostró pinturas en toda
Europa, incluida la primera "Bienal de Jeune" del Centro Cultural
Americano en París , Francia. Su vida temprana como "nómada" puede
haberla influenciado de alguna manera: comenzó a dividir sus años viviendo en
Francia durante seis meses cada año durante un período de tiempo.
En 1975, Baber comisaría la
exposición "Color, luz e imagen". Una exposición internacional de 125
mujeres artistas en celebración del Año Internacional de la Mujer de las
Naciones Unidas. El espectáculo se llevó a cabo en el Women's Interart Center
en la ciudad de Nueva York.
De 1976 a 1978, Baber viajó a 13
países latinoamericanos con el Departamento de Estado de los Estados Unidos,
exhibiendo su trabajo y dando conferencias sobre arte. En 1979, Baber fue artista residente en el
taller de impresión del Instituto Tamarindo .
La Biblioteca de Arte Alice Baber
Memorial en East Hampton, Nueva York y la Colección de Arte Moderno Baber
Midwest del Gran Museo de Arte de Lafayette en Indiana son nombradas en su
honor. Numerosos museos de todo el mundo y las principales galerías de los
Estados Unidos poseen sus obras, incluidos el Guggenheim , Whitney , Metropolitan
, el Museo de Arte Moderno y el Museo de Arte de Georgia . También es ampliamente recogida por
colecciones privadas, corporativas y universitarias.] Su arte refleja, pero
desafía "diversas tendencias estilísticas" y está "imbuido de
movimientos ondulantes, sensuales y ... colores puros y translúcidos".
En 1964, se casó con el pintor
Paul Jenkins . El matrimonio fue una época de "crecimiento artístico"
para ambos. Juntos, ese mismo año, viajaron a Japón y recolectaron una gran
cantidad de arte asiático. Posteriormente se divorciaron en 1970.
Aunque en su vida posterior
experimentó un gran "dolor y debilidad" por el cáncer, continuó
pintando. Baber murió de cáncer en 1982.
