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Artistas de la A a la Z

Mateo Inurria (1867-1924)



Inurria Lainosa, Mateo (Córdoba, 24 de marzo de 1867 - Madrid, 21 de febrero de 1924) fue un escultor español.

Biografía

Nace en Córdoba, ciudad en la que se educa y desarrolla gran parte de su actividad como escultor, profesor, restaurador y decorador. Hasta 1883 asiste a los cursos de la Escuela Provincial de Bellas Artes, donde también recibieron formación artística notables creadores durante el último cuarto del siglo XIX: Lorenzo Coullaut Valera, Rafael García Guijo, y los hermanos Romero de Torres, Rafael y Julio. Entre 1883 y 1885 cursa estudios en la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado de Madrid. Debido a sus progresos en el aprendizaje académico, la Diputación Provincial de Córdoba le concede una pensión para continuar sus estudios en Madrid hasta 1890, año en que Inurria presenta en la Exposición Nacional de Bellas Artes su obra «Un náufrago», de tal verismo que la mala fe de algunos miembros del jurado lo tachan de vaciado del natural.

Entre 1891 y 1901, Inurria vive inmerso en un ambiente provinciano, poco abierto a la crítica y al público, e inicia su labor como restaurador y profesor. Su escultura supera las restricciones del academicismo y tiende hacia un naturalismo sobrio, de expresión sencilla y carente de detalles anecdóticos, en el que ya se advierte la tendencia a idealizar sus modelos que impregnará su obra de madurez. Inurria se considera a sí mismo un autodidacto, llegando a afirmar: «No he tenido maestro, me he hecho solo». Trabaja la escultura religiosa y conmemorativa, y durante toda su carrera, en Córdoba y en Madrid, recibe abundantes encargos monumentales para homenajear a celebridades de la vida local y nacional, que no siempre llegan a erigirse. También, en esta época, vivió temporalmente en Roma donde coincidió con otros artistas de su generación como el también cordobés Rafael Romero de Torres y con el artista burgalés Marceliano Santa María.

Su vocación docente tiene para él una gran significación. Cree firmemente que mediante la enseñanza se puede contribuir a la mejora del individuo y de la sociedad, económica, industrial y artísticamente. Ejerce como catedrático de Modelado de la Figura y Dibujo del Antiguo en la Escuela Municipal de Artes y Oficios de Córdoba, y en 1901 es nombrado director de la Escuela Superior de Artes Industriales de Córdoba, con atribuciones para programar los estudios de Platería, Guadamecilería, Herrería, Carpintería, Cantería y Cerámica en escuelas-taller. Realiza alguna obra en la línea de denuncia social que triunfa a finales de siglo, como La mina de carbón, y diseños y decoraciones de influencia modernista para la biblioteca del Círculo de la Amistad, Liceo Artístico y Literario de Córdoba, donde ingresa en 1900.

En 1905 el escultor Rodin llega a España acompañado de su íntimo amigo Ignacio Zuloaga. Inurria tiene la ocasión de conocerle y de ser su cicerone en su visita a Córdoba. Desde esta época, Inurria participa periódicamente en los jurados de la sección de escultura de las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes de Madrid.

En 1911, Inurria es nombrado profesor de término de Modelado y Vaciado en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, iniciando una nueva etapa en la que su dedicación a la escultura es más intensa. El hecho de residir en Madrid le facilita un mayor contacto con el mundo cultural y artístico, así como un mayor reconocimiento de su obra. Se concentra cada vez más en su tema preferido: el desnudo femenino, como materialización de un ideal estético en el que se funden la perfección formal, un naturalismo idealizado y sobrio, la sensualidad y el erotismo. Ejemplos de ello son: «Ídolo eterno», «Deseo», «La parra» y «Forma», estas dos últimas pertenecientes actualmente a la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Obtiene una Medalla de Honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1920, y dos años después ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Fallece en Madrid, en 1924 y es enterrado en el cementerio de la Almudena.3 En 1905 el escultor Rodin llega a España acompañado de su íntimo amigo Ignacio Zuloaga. Inurria tiene la ocasión de conocerle y de ser su cicerone en su visita a Córdoba. Desde esta época, Inurria participa periódicamente en los jurados de la sección de escultura de las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes de Madrid.

En 1911, Inurria es nombrado profesor de término de Modelado y Vaciado en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, iniciando una nueva etapa en la que su dedicación a la escultura es más intensa. El hecho de residir en Madrid le facilita un mayor contacto con el mundo cultural y artístico, así como un mayor reconocimiento de su obra. Se concentra cada vez más en su tema preferido: el desnudo femenino, como materialización de un ideal estético en el que se funden la perfección formal, un naturalismo idealizado y sobrio, la sensualidad y el erotismo. Ejemplos de ello son: «Ídolo eterno», «Deseo», «La parra» y «Forma», estas dos últimas pertenecientes actualmente a la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Obtiene una Medalla de Honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1920, y dos años después ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Fallece en Madrid, en 1924 y es enterrado en el cementerio de la Almudena.


Agustín Esteve (1753-1820)


Esteve y Marqués, Agustín (Valencia, 12 de mayo de 1753–1820), pintor valenciano que trabajó, sobre todo, para la Casa Real en Madrid. Fue discípulo de Goya y es considerado uno de los mejores retratistas españoles de finales del s. XVIII y principios del XIX.

Biografía

Hijo de Agustín Esteve Torralba, pintor de retablos, y de María Marqués, Agustín Esteve provenía de una familia cuyos orígenes artísticos se remontan al siglo XV.

En 1768, comenzó su formación en la Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y en 1770 se traslada a Madrid para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde ganó 2 años después un primer premio de dibujo. En 1778 ganó el primer premio de pintura de esa misma academia.

Su pintura se vio muy influenciada por Francisco Bayéu, Mariano Salvador Maella y Rafael Mengs, aunque fue Goya, al que conoció en 1775 y con el que colaboró, el que más impacto artístico le causó. Muy influido por el genial aragonés, realizó gran número de copias de sus retratos, destinadas mayormente a familias de la corte y a instituciones públicas. Entre estas copias se puede citar una pareja de retratos de Carlos IV y María Luisa de Parma, en el Museo del Prado, que reproduce los originales de Goya conservados en el Palacio de Oriente; se han expuesto en el museo durante muchos años bajo la autoría goyesca, si bien en una carta la misma reina María Luisa contaba a Godoy que los había pintado Esteve para él.

Una de las obras maestras de Esteve es el retrato de la Marquesa de San Andrés de Parma, Condesa de Lerena, M.ª Josefa Piscatori Díaz de Lavandero (ca. 1800). El 14 de junio de 1780, el rey nombró a Esteve Pintor de la Corte. Eso le valió un salario de 6.000 reales comparado con el de 15.000 que recibían otros pintores, o con los 55.000 de Francisco de Goya.

En 1800 fue nombrado pintor de cámara y académico de mérito de la de Bellas Artes de San Carlos, aunque a causa de la Guerra de la Independencia y el nuevo rey, se trasladó a Valencia hasta 1815, cuando volvió a Madrid.

El 20 de septiembre de 1819, el rey le concedió la jubilación con una renta de 6.000 reales. Regresó a Valencia, donde murió un año después.


Galería
Los infantes Cristo y San Juan Bautista, 1779

La marquesa de San Andrés, 1785

Lorenzo Domínguez (1901-1963)



Domínguez Villar, Lorenzo (Santiago de Chile, 15 de mayo de 1901 - Mendoza, 21 de marzo de 1963) Escultor chileno formado en Madrid. Autor del Monumento a Cajal en la Facultad de Medicina de Madrid (1928). De regreso a América enseñó en Cuyo y Tucumán y realizó algunos monumentos, como el de San Martín y O'Higgins (Mendoza, Argentina), y diversas obras que se encuentran en museos americanos; en ellas los valores fundamentales de estructura y masa se combinan con una atención especial al modelado de las superficies

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obra comentada


Obra
Monumento a Cajal, 1928

Cabeza estudio para monumento a Catal, 1929

Monumento a la amistad inmortal de Lorenzo Domínguez



A San Martín y O'Higgins, también conocido como el Monumento a la amistad inmortal o Monumento a los libertadores de Chile y Argentina, es una escultura del artista chileno Lorenzo Domínguez Villar. Está ubicada en la Plaza Chile en Mendoza, Argentina, y fue inaugurada el 18 de mayo de 1947.2 Busca simbolizar la «amistad inmortal» entre las repúblicas de Argentina y Chile.

Realizada en piedra, la escultura consiste en dos figuras de los próceres José de San Martín y Bernardo O'Higgins de 3,5 m de altura, unidos y empuñando el pomo de una misma espada, instalados sobre un pedestal de 2 m de altura.1 También contiene elementos de los símbolos patrios de Argentina y de Chile (la estrella de la bandera de Chile a la derecha, y el escudo de Argentina a la izquierda) y al frente contiene la leyenda «Amistad inmortal-O'Higgins San Martín-Argentina Chile»

Matvéi Kazakov (1738-1812)



Kazakov, Matvéi Fëdorovič (Moscú, 20 de octubre de 1738 - 7 de noviembre de 1812) Arquitecto ruso. Influido al principio por el barroco, su estilo cambió hacia el neoclasicismo. Arquitecto oficial bajo Catalina II y Pablo I, construyó en San Petersburgo el palacio del conde Razumovskij (1790-93) y el palacio Paskov. En Moscú construyó el palacio de Pedro 1 (1775-82) y el edificio del Senado (17961801).

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Galería

Palacio Petrovsky, Moscú de Matvéi Kazakov
Palacio Petrovsky, Moscú, 1782

Palacio Petrovsky, Moscú de Matvéi Kazakov
Palacio Petrovsky, Moscú, 1782

Valerio Adami (1935)


Adami, Valerio (Bolonia, 17 de marzo 1935). Pintor, diseñador y grabador italiano cuyo estilo se basa en el cubismo.

Reconocido como uno de los artistas europeos vivos más importantes, Valerio Adami se singulariza por su personal estilo, síntesis de Cubismo, Pop art y Futurismo.

Biografía

Recibe una sólida formación en el estudio de Achille Funi, en la Accademia di Belle Arti di Brera, de Milán (1951-54). Se instala en París en 1957, y a partir de entonces desarrolla su actividad a caballo entre Francia e Italia.

Su estilo inicial es expresionista, y combina imágenes violentas y chistosas, bajo influencia de Roberto Matta y las tiras de cómic. Protagoniza su primera exposición importante en 1962 (Londres, Institute of Contemporary Art), y pronto participa en la Documenta III de Kassel.

A mediados de los 60, Adami fija su estilo más conocido, de influencia pop: imágenes estilizadas, perfiladas en negro sobre áreas de intensos colores planos. Su proceso creativo arranca de fotografías y demás imágenes de su entorno, que desmenuza, combina y presenta en formas esquemáticas. Su éxito es rápido, y en 1968 representa a Italia en la Bienal de Venecia.

En esa época, decora con cuatro grandes murales la sede del Firstar Bank en Madison (Wisconsin, EE.UU.)

Las imágenes creadas por Adami ofrecen frecuentemente fragmentos de la sociedad moderna, objetos sacados de contexto y perspectiva y que así parecen nuevos. En sus primeros años de estilo pop, crea visiones de espacios desiertos, pero posteriormente representa a personajes de la cultura moderna como Sigmund Freud y James Joyce.

Su etapa más reciente, a partir de los 80, se centra en la creación de espacios fantásticos donde revitaliza los mitos de la cultura occidental desde Ovidio, plasmando alusiones a la belleza, la creatividad, el deseo y el sexo.

Se le dedica un número de Eighty, revista francesa sobre el arte de los años 80; es también estudiado por The New Yorker, y merece estudios críticos de Italo Calvino y Jacques Derrida.

En 1985 se le dedica una antológica en el Centro Georges Pompidou de París y en el Communo de Milán. Hay que destacar otras exposiciones en Boston, Bruselas, Hamburgo, México, Jerusalén, París (Musee d´Art Moderne de la Ville) y Milán (Palazzo Reale). En 1993 se crea la Academia-Fundación Adami en Liechtenstein.

En 2005, se le dedica una exposición de dibujos en Madrid. Sin embargo, su presencia en colecciones españolas es muy limitada. Se mencionan obras suyas en el IVAM de Valencia, que le había dedicado una muestra individual a finales de los 90.


Obra comentada

Galería
 Interior con piano, 1968

Interior, 1968

El dormitorio de Valerio Adami



Esta característica obra de Adami de 1970 bebe por igual del cómic y de fuentes pictóricas como las de Léger y de otros surrealistas. Empleando colores planos y resaltando exageradamente los contornos de los objetos dibujados con una dura línea negra, Adami consigue transmitir un inusual extrañamiento por escenas cotidianas y por sus distorsiones formales de los elementos figurativos que se reconocen en sus cuadros. Emulando los maniquíes de Hans Bellmer, la obra de Adami ilustra magníficamente una mezcla de sexualidad y peligro en la vida moderna.

(Galería Maeght, París). 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Eladio Dieste (1917-2000)



Dieste, Eladio (Artigas, Uruguay, 1 de diciembre de 1917 - Montevideo, 20 de julio de 2000) fue un ingeniero civil uruguayo reconocido mundialmente por el uso de lo que él denominó cerámica armada.

Antecedentes

El ladrillo es económico en su producción y ha ofrecido desde hace milenios una lógica constructiva propia. A través de la historia, ya los romanos, habían perfeccionado la construcción de bóvedas y cúpulas con este elemento.

En muchas sociedades pueden observarse distintos tipos de edificaciones domésticas que utilizan el ladrillo para construcción de aljibes, pozos y dinteles de puertas que siguen la técnica de bóvedas y cúpulas, donde el ladrillo se traba uno a uno, con un simple mortero. A partir de esta técnica se realizan superficies de gran resistencia, (puentes, muros de contención, dinteles) que resisten la carga a partir del peso debido a su gran masa relativa.

Obra

Dieste egresó de la Facultad de Ingeniería de la Universidad de la República en 1943.

La obra de Dieste toma el ladrillo y lo lleva a su máxima liviandad en la creación de superficies curvas a partir de una nueva tecnología que él denominó cerámica armada; construcciones abovedadas realizadas con ladrillo, armadura de acero y un mínimo de hormigón.

Este sistema constructivo consigue diseñar finas láminas a partir de la combinación de ladrillo, hierro y mortero, las que se construyen sobre un encofrado móvil. La base de estas superficies es el diseño; se trata de estructuras capaces de resistir las solicitaciones que se ejercen sobre ellas gracias a su forma y no a su masa, lo que conlleva un requerimiento menor de materiales.

Este tipo de construcciones tuvo mucha aceptación porque permiten mayor liviandad, prefabricación y sistematización en la repetición de sus componentes, con costos competitivos para el mercado. Su obra es objeto de estudio en distintas universidades y lo llevó a recibir el título de arquitecto honorario, siendo el único en poseerlo en Uruguay.

Su lenguaje arquitectónico en ladrillo armado ha logrado obras que emocionan como la Parroquia del Cristo Obrero y la Iglesia de San Pedro del Durazno.

También se ocupó de la gestión de procesos y de la innovación en técnicas constructivas.


Obra
Casa Berlingieri de Eladio Dieste
Casa Berlingieri

Centro Comercial Montevideo de Eladio Dieste
Centro Comercial Montevideo

Damià Campeny (1771-1855)



Campeny, Damià (Mataró, 12 de abril de 1771- Barcelona, 1855) Escultor español.

Biografía

Estudió en la Escuela de la Lonja de Barcelona, donde más tarde fue profesor y director de la sección de escultura. Estuvo en el taller del escultor Salvador Gurri y posteriormente en el del escultor Nicolau Travé.

Abrió su propio taller, donde realizó encargos para parroquias barcelonesas, como San Vicente y San Jaime y para la Cartuja de Montealegre el San Bruno.

En el año 1797 ganó una beca de la Junta de Comercio y marchó a Roma, donde conoció al escultor Antonio Canova y permaneció viviendo durante 18 años. Allí trabajó en el taller de restauración de obras de arte del Vaticano, realizando obras como Hércules, Farnesio y Neptuno, para la Junta de Comercio envía también toda una serie de esculturas.

Vuelve a Barcelona donde compagina su labor de profesor en la Escuela de la Lonja, junto con la realización de sus obras creativas. En ésta Escuela de la Lonja, o Real Academia de Bellas Artes de San Jorge, fue elegido académico de número el 12 de septiembre de 1850.

El rey Fernando VII de España le otorgó el título de escultor de cámara del rey y fue nombrado académico de San Fernando, ofreciéndosele una plaza de profesor, que no aceptó. En ésta otra Academia de San Fernando se le nombró académico de mérito (en la sección de escultura) el 9 de abril de 1820.


Obra comentada 


Obra
La muerte de Cleopatra, 1804

Lucrecia moribunda, 1804

Lucrecia muerta de Damià Campeny


Lucrecia muerta (Lucrècia morta en catalán) es una escultura hecha por Damià Campeny en 1804. El original se conserva en mármol en la Lonja del Mar y en bronce en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. En la Biblioteca Museo Víctor Balaguer se conserva una copia hecha por Amatore Orlandi por encargo de Francesc Abellà, del original de Damià Campeny. Considerada obra maestra de la escultura neoclásica catalana, muestra la figura de la joven Lucrecia sedente y muerta. Tiene el pecho descubierto, un brazo caído y el otro sobre un muslo. Puñal a tierra.


Egon Eiermann (1904-1970)



Eiermann, Egon (Neuendorf, 29 de septiembre de 1904 - Baden-Baden, 20 de julio de 1970). Fue uno de los arquitectos alemanes más prominentes de la segunda mitad del siglo XX.

Biografía

Eiermann estudió en la Universidad Técnica de Berlín. Trabajó durante un tiempo para el departamento de construcciones de los almacenes Karstadt, y después de la Segunda Guerra Mundial montó una oficina con su compañero arquitecto Fritz Jaenecke. Entró en la facultad de la Universidad de Karlsruhe en 1947, donde trabajó en el desarrollo de métodos de construcción en acero.

Un funcionalista, entre sus obras más famosas figuran: la fábrica textil en Blumberg (1951); el Pabellón de la Alemanía Occidental en la Exposición Universal de Bruselas (con Sep Ruf, 1958); la Embajada de Alemania en Washington, D.C. (1958-1964); un edificio para el Parlamento Alemán (Bundestag) en Bonn (1965-1969); la sede de IBM- Alemanía en Stuttgart (1967-1972) y el edificio Olivetti en Fráncfort del Meno (1968-1972). Con mucho, su obra más famosa es la nueva iglesia en el emplazamiento de la Iglesia Memorial Kaiser Wilhelm en Berlín (1959-1963).

Punto al Arte