Elenore Abbott (1875-1935)

Romanticismo. Art Nouveau.

Abbott, Elenore Plaisted (Lincoln, Maine, 1875 – 1935) fue una ilustradora de libros, diseñadora escénica, y pintora, ilustró ediciones de principios del siglo XX de los Hermanos Grimm Cuentos de la infancia y del hogar, Secuestrado Robinson Crusoe y otros libros y revistas. Se educó en tres escuelas de arte en Filadelfia y París y estuvo influida por Howard Pyle. Perteneció al grupo de la Nueva Mujer que buscaban oportunidades educativas y profesionales para mujeres, incluso creando asociaciones de arte profesionales como «El Club Plástico» para promover su trabajo. Estaba casada con el abogado y artista C. Yarnall Abbott.

Biografía

Elenore Abbott nació en Lincoln, Maine y estudió arte en la Escuela de Filadelfia de Diseño para Mujeres, la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, y en París, en la Academia de Bellas Artes, donde se exhibió su trabajo.​ Abbott se trasladó a Filadelfia en 1899 y estuvo influida significativamente por Howard Pyle, su profesor en la Universidad Drexel. Ella comentó más tarde que creó sus piezas favoritas bajo su tutela.

Abbott, conocida principalmente por sus ilustraciones de libros, era también una pintora de paisajes y retratos así como diseñadora escénica, que incluye el trabajo para la producción de la obra de teatro The Emperor Jones.​ Produjo ilustraciones para las revistas Harper's Magazine, el The Saturday Evening Post, y Charles Scribner's Sons.​ Entre las ilustraciones para libros creadas por Abbott destacan las de las obras de Robert Louis Stevenson Treasure Island and Kidnapped, la del autor Johann David Wyss Swiss Family Robinson, de Louisa May Alcott Old Fashioned Girl, y los Cuentos de la infancia y del hogar de los Hermanos Grimm.

Elenore contrajo matrimonio con el abogado y artista C. Yarnall Abbott​ en 1898 y vivieron en Rose Valley , Pensilvania desde 1911.​ Su marido diseñó la casa familiar con un estudio para Elenore y para él mismo.​ Su única hija, Marjorie, nombrada así por la tía materna de Elenore, nació en 1907.​ Cuando esa tía murió, los Abbott cuidaron a sus hijas, Sonya y Elenore. Elenore Abbot cofundó la piscina pública de Rose Valley, en 1928, que fue construida en un terreno donado por los Abbot y financiada por la venta de varias pinturas de ella.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Galería

De vez en cuando me tropecé, por la isla del tesoro de Robert Louis Stevenson, 1911

La estaca, 1912

Rafael Barradas (1890-1929)

Arte latinoamericano. Vibracionismo.

Barradas, Rafael Pérez (Montevideo, 4 de enero de 1890 - 12 de febrero de 1929) Pintor uruguayo, hijo de padres españoles. Junto a Joaquín Torres García, es uno de los referentes de la pintura de Uruguay.

Biografía

Su padre, también interesado en el arte plástico, lo introdujo ya desde pequeño a la pintura, algo que, por otra parte, despertaría su pasión y el comienzo de su trayectoria como artista de prestigio internacional.

En su juventud, Barradas se une a un grupo de intelectuales de Montevideo, entre ellos Florencio Sánchez y Emilio Frugoni. El 1.913 funda el diario El Monigote, que combinaba la sátira con el arte y la cultura de la sociedad uruguaya de ese entonces. Unos meses después, realizó su primer viaje a Europa, donde visitó algunos países como Francia, Italia y España, decidiendo finalmente residir en este último durante la mayor parte de sus últimos años de vida.

En los años que vivió en Barcelona, conoció Joaquín Torres García y, de forma conjunta, exponen muchas de sus obras más ilustrativas en la Galería Dalmau. El 1.917, mientras continuaba trabajando en Barcelona, decide viajar a Madrid y, allí, expone muchos de sus trabajos más recientes.

De nuevo en Cataluña, presenta su nueva escuela de arte estético, a la que llamó vibracionismo y de la que, junto a otros seguidores, fue su máximo exponente. Sin embargo, poco después, Barradas entra en la corriente estética conocida como el ultraísmo, donde forma parte activa en la redacción y configuración de panfletos y revistas de esta escuela del arte contemporáneo de vanguardia.

Poco después se establece en la capital española, donde recibe numerosas ofertas laborales y trabaja como editor para la Biblioteca Estrella. Integra asimismo un grupo intelectual en el Café Oriente de Madrid; lugar al que acudían personas como García Lorca, Buñuel o Dalí. En aquella época, también conoce el escritor argentino Jorge Luis Borges y juntos editan la revista Tableros.

Ya en el ocaso de su trayectoria como artista, Barradas opta por continuar una tendencia más afín al realismo y prácticamente opuesta a la que había desarrollado como uno de los máximos exponentes de una escuela que, en su tiempo, había desafiado los límites de la razón y la sintonía.

El 1,924 vuelve a Madrid, después de haber vivido un año en Luco de Jiloca. Allí, edita las revistas Espasa Calpe y Occidente. Inmediatamente después es condecorado con el premio Grand Prix de París en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales.

Unos meses más tarde se traslada a la Hospitalet de Llobregat, donde llevó a cabo una serie de actividades de tinte realista, vinculadas a la fisionomía urbana catalana.

Fue durante los años de su estancia en el Hospitalet donde, a su entorno, y en su domicilio, en la calle de Porvenir (hoy José María de Sagarra) número 15, se formó la tertulia o grupo artístico y cultural conocido como el ' «Ateneillo» del Hospitalet.

El 1928 vuelve a su ciudad natal, Montevideo, donde murió el 12 de febrero del año siguiente, después de haber recibido honores en el Teatro Solís.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Más obras

Los emigrantes, 1912

El Tango, 1913

Composición vibracionista, 1917

Atocha, 1919

Bodegón vibracionista, 1919

Juguetes, 1919

La niña de la muñeca, 1922

Autorretrato, 1923

Hombre en el café (Atocha), 1923

Molinero aragonés, 1924

Camarero

Hospitalet. Paisaje

Impresión de boulevard

Marinero con pipa

Marinero de San Juan Luz

Peter Behrens (1868-1940)

Arquitectura moderna

Behrens, Peter (Hamburgo, 14 de abril de 1868 - 27 de febrero de Berlín, 1940) Arquitecto y diseñador alemán.

Biografía

Entre 1886 y 1889 estudió pintura en la Escuela de Arte de Karlsruhe y posteriormente, en 1889, en Düsseldorf. Al finalizar sus estudios en 1890 hizo un viaje por Países Bajos y al final del mismo se estableció en Múnich donde se casó con Elisabeth Kramer. Allí trabajó como pintor, dibujante publicitario, fotógrafo y diseñador.

En abril de 1892 fundó la Secesión de Múnich (Verein bildender Künstler Münchens e. V. Secession) junto con Franz von Stuck, Max Liebermann y Lovis Corinth, entre otros. Cinco años más tarde crearía la vanguardista Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk (Talleres unidos por el arte en las artesanías). En los siguientes dos años abandona la pintura y realiza diseños de joyería, muebles y objetos de cristal y porcelana. Realiza una serie de exposiciones en el Keller y Reiner Gallery de Berlín, el Gaspolat de Múnich y el Kunsteverein de Darmstadt.

Entre 1899 y 1903 impartió clases en la recientemente formada Colonia de Artistas de Darmstadt, invitado por el duque Ernst Ludwig de Hesse a formar parte de la misma en 1900. Fue allí donde realizó su primera obra arquitectónica: su vivienda en la Colonia. Esta casa sufrió un incendio en 1944 que destruyó sus interiores, posteriormente restaurados por Auguste zu Höne, su propietario.

En 1903 se mudó a Düsseldorf, donde ejerció como director de la Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios). En 1907 se sumó a la Deutscher Werkbund con cuyo fundador, Hermann Muthesius, compartía ideas, así como con el resto de los integrantes. Ese mismo año fue nombrado consejero artístico de la AEG (Allgemeine Elektrizitäts-Gesellschaft) y se muda a Berlín. Para la AEG realizó lo más reconocido de su trabajo. Hizo los proyectos de las fábricas y las viviendas de los trabajadores, muebles, productos industriales e incluso la papelería, carteles, anuncios y escaparates; contribuyó así a consolidar una nueva idea: la de la identidad corporativa, para cuyo desarrollo era necesario un nuevo tipo de empleador, el industrial visionario involucrado en todos los aspectos producidos por su industria, y también de proyectista, el "consultor" de diseño. Behrens proclamaba con esto la unión del arte y la industria, en sintonía con los ideales de Hermann Muthesius al fundar la Deutscher Werkbund.

En los siguientes 4 años trabajaron en su despacho Walter Gropius, Adolf Meyer, Ludwig Mies Van der Rohe y Le Corbusier, siendo una reconocida influencia, tal como lo mostraría el propio Gropius en su libro La nueva arquitectura y la Bauhaus.

En 1914 se adhirió al Manifiesto de los profesores de Universidad y Hombres de Ciencia Alemanes y participó en 1927 en la exposición organizada por la Werkbund en Welbenhof. Entre 1922 y 1936 ejerció como profesor de la Escuela de Arquitectura de Viena.

En 1936 aceptó el cargo de director del departamento de Arquitectura de la Academia de las Artes de Prusia en Berlín.

Fue llamado por Albert Speer para el plan de remodelación de Berlín pero su candidatura fue rechazada por el poderoso Alfred Rosenberg. Hitler admiraba la Embajada alemana en San Petersburgo, obra de Behrens quien en 1934 se había afiliado al temprano partido nazi en Austria. La guerra se desató y en 1940, huyendo del frío de su casa de campo halló la muerte con un ataque al corazón en el Hotel Bristol de Berlín.

Fue el padre del ingeniero muniqués Josef Behrens (1890-1947) y la periodista Petra Behrens (1898-1993) y abuelo del arquitecto y urbanista berlinés Till Behrens (1931).

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obras comentadas

Edificio administrativo de la l. G. Farben de Peter Behrens Edificio administrativo de la l. G. Farben

Fábrica de turbinas de la AEG

Lámpara eléctrica

Galería

Cuarto musica del Casa Behrens, 1901

Jarrón, 1901

Lámpara eléctrica de Peter Behrens

Considerado uno de los primeros diseñadores modernos de nuestro siglo, en 1907 se hizo cargo de la dirección artística de la empresa AEG, realizando el diseño de sus productos eléctricos, la publicidad comercial y algunos de los edificios de esta empresa. El objeto que se reproduce aquí Jo creó siguiendo los principios racionalistas de adecuar la forma a la función, a partir del tratamiento de Jos procesos y materiales industriales.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Fábrica de turbinas de la AEG de Peter Behren

A pesar de la clara supervivencia de concepciones clásicas en su plasticidad exterior, proporciones y espacio, este edificio (construido entre 1908 y1909) es un importante trabajo de ingeniería, en el que se explotaron las posibilidades del vidrio y del acero desde una actitud totalmente racionalista. Su autor interpretó el lenguaje clásico y sus ritmos en un avanzado lenguaje moderno, fruto de su evolución hacia un estilo geométrico y austero.

(Berlín)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Edificio administrativo de la l. G. Farben de Peter Behrens Edificio administrativo de la l. G. Farben de Peter Behrens

Los experimentos con hormigón armado fueron impulsados en Alemania por arquitectos e ingenieros como Peter Behrens, que aunque pertenecía a la generación anterior contribuyó al nuevo estilo. Fundada en 1925 por las mayores empresas alemanas de química, la l. G. Farben fue el mayor agente financiero del partido nazi que lideraba Adolf Hitler.

(Hoeschst)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Libero Badií (1916-2001)

Arte abstracto

Badií, Libero (Arezzo, 2 de febrero de 1916 – Buenos Aires, 11 de febrero de 2001) Pensador y artista visual multifacético (escultor, dibujante, grabador, pintor) italiano nacionalizado argentino, generador (junto con Luis Centurión) del arte siniestro, como una forma de concebir la producción artística específicamente latinoamericana.

Biografía

Vivió en Argentina desde 1927 y en 1947 se naturalizó argentino. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Nación Ernesto de la Cárcova.

En 1962, el Museo Nacional de Bellas Artes presentó una muestra retrospectiva de su obra.

En 1968 expuso en el Instituto Di Tella y en el Museo de Arte Moderno de París (1977).

En el Museo Nacional de Bellas Artes ​y en el Centro Cultural Borges de Buenos Aires en 1999.​

En 1982 ganó el Gran Premio Fondo Nacional de las Artes y, en 1987, el Premio Consagración Nacional además del Premio Palanza (1959)y el Premio Nacional Bienal de San Pablo (1971).

Fue nombrado miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes. ​Su obra figura en la colección del MOMA4.

Recibió dos Premios Konex en 1992 y 2002, además del Konex de Honor en 2002 por su enorme aporte a la historia de las Artes Visuales, este último de forma póstuma.

El Museo Líbero Badii en la Casa Atucha del Barrio de Belgrano cobija 300 piezas del artista.

Se casó con Alicia Margot Daulte con quien tuvo siete hijos.

Fuente: https://es.wikipedia.org
           

Más obras

Ídolo, 1947

La fecunda, 1953

Leonardo Alenza (1807-1845)

Romanticismo

Alenza Nieto, Leonardo (Madrid, 1807-1845). Pintor y dibujante romántico español.

Biografía

Hijo de Valentín Alenza Recuenco, natural de Madrid, y María Nieto Sánchez, natural de Ávila. La pareja vivía en el segundo piso del número 18 de la Cava Baja, calle que era muy famosa entonces por la cantidad de posadas que había en ella. Su padre era un empleado en la Secretaría de Farmacia aficionado a la poesía y llegó a publicar algunos poemas en el Diario de Madrid, mientras que su madre es posible que muriese hacia 1813, contando Leonardo con unos seis o siete años.

Estudios

El padre de Leonardo se casó de nuevo en 1817 con Micaela Bertrandi, una mujer apenas once años mayor que su hijo, y la familia se trasladó a vivir a la calle de los Estudios, junto al convento de los jesuitas, en cuyo Colegio Imperial de San Isidro probablemente estudió Leonardo las primeras letras, siendo compañero entre otros de Ventura de la Vega y de Juan Eugenio Hartzenbusch.

De allí pasó en 1819 a estudiar dibujo en el estudio de la Merced de la Academia de San Fernando, que estaba en el convento de la Merced; y fue ascendiendo con rapidez, pasando a los dieciséis años a las clases de la Academia en la calle de Alcalá. Sus profesores fueron sucesivamente el pintor Cástor González Velázquez, el grabador Vicente Peleguer, el escultor Francisco Elías Vallejo, el pintor José Maea, el escultor Esteban de Agreda, el escultor Pedro Hermoso, el pintor Zacarías González Velázquez y, por último, y durante seis años, el también pintor José de Madrazo. En la clase de este último coincidirá con su hijo Federico de Madrazo, y con José Elbo, José María Avrial y Luis Ferrant Llausas.

Salió definitivamente de las aulas de la Academia en 1833, año en el que realizó por encargo del Ayuntamiento de Madrid un Cuadro alegórico a la jura y proclamación de la reina Isabel II y poco después, y por encargo de la Corona, otro con el título de Dª María la Grande sosiega la rebelión de Segovia con su elocuencia y hace que reconozcan y abran las puertas de la ciudad al rey su hijo. Al año siguiente pinta para el cenotafio levantado con motivo de las exequias de Fernando VII hasta cinco grandes cuadros en grisalla.

Primeros trabajos

Comienza con estos encargos oficiales una carrera que se centrará fundamentalmente en sus participaciones en la exposición anual que hacía la Academia para San Mateo.

El año 1837 es testigo de varios acontecimientos de marcado sabor romántico: se estrena en el Coliseo del Príncipe el drama Los amantes de Teruel de Hartzenbusch, se publica El estudiante de Salamanca de Espronceda, ven la luz los primeros versos de José Zorrilla en El Artista y se suicida Mariano José de Larra. En ese año, Leonardo Alenza comienza a ilustrar con sus dibujos el Semanario Pintoresco Español de Mesonero Romanos y presenta en la exposición de la Academia seis caprichos. En 1839, dos de estos caprichos serán titulados Los románticos; son los posteriormente conocidos como suicidios del actual Museo del Romanticismo de Madrid. Ese mismo año deja de colaborar con el Semanario Pintoresco Español para pasar a ilustrar nuevas ediciones de la novela picaresca Gil Blas y de las obras completas de Quevedo, así como para abordar la decoración de locales públicos: el Café de Levante y la tienda Quiroga.

Pero todo esto lo detiene la enfermedad. A principios de 1842 solicita el título de Académico de Mérito en la Academia de San Fernando a la vez que la tuberculosis había hecho mella en su organismo y reconoce que «tenía la salud tan quebrantada que tenía que salir de Madrid para poder restablecerse». Por fin, el 6 de noviembre de 1842, el mismo día en que cumplía treinta y cinco años, Alenza se convertía en académico de mérito por la pintura de historia presentando para ello, un cuadro alejadísimo de su sensibilidad y modo de hacer, como es el David cortando la cabeza de Goliat.

Nuevas ilustraciones para la edición de Los españoles pintados por sí mismos, colaboraciones en prensa o participaciones en la exposición de la Academia, en la que llegó a ser profesor durante unos meses, marcan su etapa final. En 1844 participa en la exposición de la Academia con doce cuadritos de costumbres y un retrato, pero estaba ya tan gravemente enfermo que vivía en la Casa de Vacas del Retiro, porque se pensaba que los efluvios de las vacas eran beneficiosos para combatir la enfermedad.

Final

Como Bécquer, Rosales o Alfonso XII, Alenza murió de tuberculosis en la madrugada del 30 de junio de 1845 en su casa del número 5 de la plaza de San Ildefonso, tercera y última casa en la que vivió en Madrid. Fue enterrado en un nicho del cementerio de San Ginés y San Luis2​ gracias a que se abrió una suscripción entre sus amigos que evitó que sus restos pasaran a la fosa común que eran los seis patios que tenía.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obra comentada

Suicidio romántico

Obra

Bebedores sentados a una mesa en el Café de Levante de Madrid, 1830

Caballeros conversando en el Café de Levante, 1830

Suicidio romántico de Leonardo Alenza

En esta obra, la sátira de los amores imposibles, de los suicidios y de los panteones ridiculiza la artificiosa literatura de su tiempo. Con ello, el autor defiende toda su obra pictórica tan jugosa y rica de escenas populares. 

(Museo Romántico, Madrid). 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Fernando Álvarez de Sotomayor (1875-1960)

Realismo

Álvarez de Sotomayor, Fernando (Ferrol, 25 de septiembre de 1875 - Madrid, 17 de marzo de 1960) Pintor español.

Biografía

Nacido en una familia burguesa ferrolana —el hermano mayor de su padre fue el general e inventor Fernando Álvarez de Sotomayor y Flores (1844-1912)—, estudió el bachillerato en el Real Colegio Agustino de San Lorenzo de El Escorial. Intentó seguir varias carreras, dedicándose finalmente por completo a la pintura. Una de sus principales mentores fue Manuel Domínguez, coincidiendo en sus estudio junto a otros jóvenes pintores como Marceliano Santa María y Eduardo Chicharro​.

Artista importante en los círculos de arte académico español de la primera mitad del siglo XX, llegó a ser director del Museo del Prado y miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

Como profesor, la influencia de Álvarez de Sotomayor fue fundamental en Chile, adonde llegó en 1908 contratado como profesor de Colorido y Composición para la Escuela de Bellas Artes de Santiago, institución de la que se convirtió en director.

El Museo Nacional de Bellas Artes de Chile, en su página dedicada al pintor, dice: "Su gestión marcó un hito en el desarrollo artístico y cultural del país. Sotomayor, como se denominaba a sí mismo el maestro, obtuvo una buena acogida en la Escuela chilena. A su estilo de enseñanza clásica y realista depurada, agregó la tendencia hispánica que desplazó al persistente influjo romántico francés que hasta ese momento imperaba en las artes nacionales. Dio énfasis a la composición y rescató el valor de los temas costumbristas tanto de su tierra natal como de Chile, característica que logró difundir ampliamente entre sus discípulos. Fue responsable de la formación de un numeroso grupo de artistas, catalogado históricamente bajo títulos diferentes de acuerdo a los acontecimientos de principios del siglo XX": Generación del Centenario, Generación del 13 (por la exposición de 1913 en la que sus alumnos dieron a conocer sus obras), "la Generación Sotomayor en honor al maestro y Generación Trágica, este último debido al carácter bohemio de las vidas que muchos de los integrantes del grupo llevaron, artistas de notable talento pero con escasez de medios y de relajadas costumbres".​ Allí dejó una marca original favoreciendo los temas populares y la impronta hispánica en la citada generación de artistas chilenos.

Encabezó el Museo del Prado en dos ocasiones: entre 1922 y 1931, y tras la Guerra Civil Española, de 1939 hasta su muerte en 1960.

En 2016 se publicaron sus extensas e inéditas Memorias, celosamente custodiadas por sus descendientes durante más de medio siglo.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Obra

En la huerta, 1902

Entrada a la casa, 1902

Hermen Anglada Camarasa (1872-1959)

Posmodernismo. Modernismo catalán.

Anglada Camarasa, Hermenegildo, también llamado Hermen (Barcelona, 11 de septiembre de 1872 – Puerto de Pollensa, 7 de julio de 1959) Pintor español representante del modernismo catalán. Su obra se sitúa en los amplios términos del postimpresionismo. A fines del s. XIX alcanzó celebridad en París con cuadros de tema mundano, tratados con exquisitez cromática. Después pintó lienzos de temas folclóricos o paisajísticos (especialmente de Mallorca) con inspiración decorativista y en los que aplicó una brillante policromía.

Hermenegildo Anglada Camarasa estudió el arte de la pintura primero con Tomás Moragas y luego con Modest Urgell en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. En los inicios del siglo XX estableció su estudio en París, años que fueron de una gran lucha por reivindicar y mejorar su capacidad pictórica, asistiendo a la Académie Julian. Su primera exposición individual fue en el 1894 en la Sala Parés de Barcelona. Al estallar la Primera Guerra Mundial, fijó su residencia en Mallorca. Durante la Guerra Civil Española prácticamente se refugió en el Monasterio de Santa María de Montserrat. Entre 1939 y 1947 estuvo exiliado en Francia, regresando después a Mallorca.

En 1901 tras participar en la Exposición Internacional de Dresde (en la cual coincidió con Ignacio Zuloaga y Francisco Iturrino) obtuvo renombre mundial. Fue premiado en varias exposiciones internacionales, destacando las Medallas de Oro en la Bienal de Venecia de 1907 y en Buenos Aires en 1910. Estos logros le permitieron dar clases a varios alumnos meritorios procedentes de diversos países (entre ellos pueden contarse a los argentinos Tito Cittadini y Raúl Mazza o el uruguayo José Cuneo).

Fue Anglada Camarasa admirado por el escritor ruso Maxim Gorky y el director teatral Vsévolod Meyerhold, al punto que el segundo realizó en San Petersburgo una escenografía basada en la obra del pintor catalán. Por tanto, contacta tras su viaje a Moscú en 1914, con la sensibilidad rusa de la época.​

Gran parte de su obra está adscrita al modernismo y, en tanto que correspondiente a tal estilo artístico, los valores cromáticos quedan en ella supeditados a lo suntuario y ornamental con abundancia de motivos orientalizantes. En tal caso, Anglada Camarasa es todavía un representante de la Belle Époque; sin embargo, supo acompañar la evolución del arte durante la primera mitad del siglo XX aproximándose moderadamente a las vanguardias de ese siglo sin por ello abandonar cierto toque impresionista. Entre los elementos vanguardistas que se encuentran en su obra están el tratamiento artificioso de la luz y el recurso a densos empastes que le han caracterizado (el esmaltismo de Anglada Camarasa).

La singularidad de su trabajo se reforzó cuando en 1913 inició su residencia en las islas Baleares hasta donde le acompañó su aventajado discípulo Tito Cittadini, y fue seguido por el pintor mallorquín Joan Fuster Bonnin. En 1916 quedaba fundada por ellos la Escuela de Pollensa.

De regreso a Mallorca en 1947, vuelve a la temática paisajística, aunque ya realiza pocas obras, aquejado por su avanzada edad.

La mujer, Anglada Camarasa 1904

Murió en 1959 en Puerto de Pollensa (Mallorca).

En 1967 su casa se abrió al público como museo privado. En 1991 su obra conservada en dicho museo fue adquirida por la Fundació La Caixa. Actualmente su obra se exhibe en la sede de la Fundació La Caixa de Palma de Mallorca, conocida como el Gran Hotel.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

            https://es.wikipedia.org/wiki/Hermenegildo_Anglada_Camarasa

Galería

Paisaje y puente, 1890

Teatro Jardín, 1900

Aurelio de Arteta (1879-1940)

Posimpresionismo

Arteta, Aurelio de (Bibiano de Arteta y Erraste) (Bilbao, 2 de diciembre de 1879 - México, 10 de noviembre de 1940) Pintor español, figura destacada de la pintura vasca, en la línea de un realismo marcado por la preocupación social. De su obra destacan Bañistas y Hombres del mar; y los frescos del vestíbulo del Banco de Bilbao en Madrid (1921).

Biografía

Nació en la bilbaína calle Askao, hijo de Eusebio Arteta y Labrador, de profesión ferroviario, y de Petra Errasti y Zabala. Su hermano Félix Arteta fue igualmente pintor y dibujante, si bien más modesto.

Comenzó sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Bilbao. En 1894 toda la familia se trasladó a Valladolid. Posteriormente viajó a Madrid, estudiando en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. No queriendo ser una carga para su familia, Arteta simultaneó sus estudios con los más diversos trabajos, tales como pintor de brocha gorda, ilustrador, dibujante de bordados, litógrafo e incluso como aplaudidor en teatros.

En 1902 obtuvo una beca de la Diputación vizcaína, junto con Ángel Larroque, Juan de Echevarría, Nemesio Mogrobejo y Quintín de Torre. La beca le fue concedida por la obra Accidente de trabajo en una fábrica de Vizcaya. Este hecho le permitió viajar a París, donde completó su formación. En la capital francesa recibió la influencia de las revisiones de la pintura impresionista a través de Gauguin y Toulouse-Lautrec. Un posterior viaje a Italia permitió a Arteta conocer el Renacimiento italiano, y más específicamente, con la pintura mural.

En 1906 se estableció en Bilbao, abriendo estudio. Alternó la labor puramente pictórica con el diseño de carteles y labores litográficas. Realizó su primera exposición en la bilbaína galería Delclaux. En 1911 fue uno de los fundadores de la Asociación de Artistas Vascos. Con ocasión de la nueva decoración de la sede de la Sociedad Bilbaina, Arteta realizó una de sus obras más recordadas, la conocida como Eva arratiana, en 1921.

En 1921 comenzó en los frescos del Banco de Bilbao, en Madrid; para la realización de los mismos previamente pintó de cada fresco y a pequeña escala, un óleo de gran belleza. En 1924 fue nombrado primer director del recién creado Museo de Arte Moderno de Bilbao. Esta labor no estuvo exenta de polémica ya que el ayuntamiento de Bilbao censuró a Arteta las adquisiciones realizadas. La dimisión de Arteta provocó una oleada de apoyos de intelectuales de toda España, que acabó por convertirse en una crítica a la política de la dictadura de Primo de Rivera desde el campo del arte. En 1930 recibió el Premio Nacional de Pintura.

El inicio del conflicto sorprendió al pintor en su domicilio madrileño. El primer día del mes de diciembre del año 36 sale hacia Valencia en compañía de Gutiérrez Solana, entre otros. En esa ciudad realizó un cartel de colaboración con el gobierno de Euzkadi. De Valencia se trasladó a Barcelona, primero, para pasar luego definitivamente a Francia. Allí realizó un periplo por varias ciudades (Biarritz, Burdeos), librándose de los habituales campos de refugiados. Finalmente, y a bordo del vapor Sinaia se trasladó a México. Una de sus últimas obras fue la decoración del comedor de la residencia de Indalecio Prieto en la capital mexicana.

El 10 de noviembre de 1940 falleció a causa de un accidente de tranvía cuando se dirigía, en compañía de su esposa a Coyoacán. Según el testimonio posterior de Indalecio Prieto,​ Arteta y su mujer se dirigían a pasar una temporada en el campo, para reponerse de la noticia recibida del fusilamiento el día anterior de Julián Zugazagoitia.

Su pintura, un tanto idealizada, y teñida de una gran melancolía, cultiva con preferencia el tema vasco, tanto el eminentemente rural como la transformación de esa sociedad a la industrialización, con paisajes urbanos centrados en el entorno de la ría del Nervión. El crítico Juan de la Encina dijo de él, en relación al cuadro Pescadores, enviado por Arteta a la exposición de la Asociación de Artistas Vascos, realizada en Madrid en 1916:​ «En tiempos en que el charlatanismo y la vanidad son y han sido haciendas en explotación, por una parte, no podemos por menos de aplaudir el recogimiento de Arteta; pero por otra parte, lamentamos que artista de tanto talento huya temeroso de darse al público dictamen». También se dedicó a la ilustración de libros, como en el caso de la obra Divagaciones de un transeúnte de Alejandro de la Sota.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

               https://es.wikipedia.org/wiki/Aurelio_Arteta

Galería

La pereza y el trabajo, 1909-1910

Irakuri-Léase Euzkadi, 1912