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Artistas de la A a la Z

Raoul Hausmann (1886-1971)


Hausmann, Raoul (Viena, 12 de julio de 1886 – Limoges, Francia, 1 de febrero de 1971) Artista y escritor austríaco. Con el seudónimo Der Dadasophe ejerció un destacado papel como dadaísta creando collages experimentales, poesía sonora y realizando críticas institucionales en Alemania durante los años transcurridos entre las dos guerras mundiales.

Una rica experiencia y poética y, en definitiva, una formación cultural muy consolidada, llevaron a Raoul Hausmann a establecerse en el ámbito de la fotografía, aunque ya bien avanzada su vida, exactamente a finales de los años veinte, cuando contaba con cuarenta años.

Muchas son las referencias que este austríaco de nacimiento, pero alemán de sentimiento, intentó plasmar en su obra fotográfica. Influencias como el expresionismo y el cubismo hicieron que Hausmann comenzara a formarse un ideal lingüístico y lo aplicara, según lo que requiriese la imagen deseada, a la fotografía. Fue entonces cuando comenzó sus relaciones de amistad con Hans Richter y Johannes Baader; participó con ellos en debates y tertulias, fundó revistas y colaboró como articulista para la revista Sturm. Pero quizá fue conocer a Richard Huelsenbeck -uno de los promotores del cabaret Voltaire, el primer centro dadaísta europeo-, lo que marcó y condicionó su evolución artística posterior. Y ese cambio radical se fundamentó en la invención, por su parte, de la "poesía de los sonidos" y el fotomontaje -aunque Heartfield y Grosz, colaboradores de Hausmann en Dadá, también se atribuyeran la patente de la que fuera una de las nuevas formas de expresión artística-.

Antes de considerarse fotógrafo, término del que renegó continuamente, se consideró un constructor, un “arquitecto-artesano”, que formaba, levantaba y montaba su trabajo, doctrina propia del constructivismo ruso. La Bauhaus y la psicología de la Gestalt se identificaron con la idea de Hausmann de pretender reconstruir la realidad dejando a un lado los aspectos nimios del sujeto, reflejando sus componentes visuales y su estructura formal, y posteriormente construyendo la foto desde un núcleo significativo que Hausmannn colocó en el tercio superior de la imagen, a la izquierda, como la forma de la escritura alfabética europea.

¿Cómo ve el fotógrafo? fue la pregunta que Raoul Hausmann y Werner Graff intentaron responder en un diálogo publicado en 1933 por el anuario La fotografía alemana, en el que Hausmann destacó que “el mirar expresa la armonía de todos los sentidos del cuerpo y de aquí saca el artista su propia fuerza creativa".

A partir de 1933, el fotógrafo austríaco se convirtió en un auténtico nómada forzoso. El hecho de ser perseguido por los nazis hizo que Hausmann se instalase en Ibiza (España), para, además de escribir la novela Hyle: Una visión de España, dedicarse por completo y muy intensamente a la fotografía. Pero la llegada de la Guerra Civil provocó su emigración a Zürich y a Praga donde entró en contacto con varios artistas checos de vanguardia, como Kalivoda. Su viaje no acabó aquí. Tuvo que huir a Hante-Vienne, para finalmente trasladarse a Limoges, donde realizó una exposición de fotografías, que bien se podrían calificar de "abstractas", con lo que completó una obra fotográfica muy rica y diversa en géneros y contenidos.

Fuente: Texto extraído de www.mcnbiografias.com / es.wikipedia.org

Obras comentadas


Galería
Der Dada Edited by Raoul Hausmann,
John Heartfield, and George Grosz. No. 2
(Berlin, December 1919) page 6

D 2818 Fonema, 1921

P 1921 de Raul Hausmann


Al igual que Kurt Schwitters y Johannes Baader, también Hausmann desarrolló una importante producción de collages plásticos en los que el ensamblaje visual entre los materiales empleados y el ruido al que se asocia tienen el protagonismo principal, además del uso de tipografías de diferentes estilos y tamaños. Al descontextualizar las formas, se materializaban de nuevo en unas nuevas y sugerentes composiciones llenas de colorido y movimiento que ponían en entredicho la efectividad de la comunicación humana.

(Hamburger Kunsthalle, Hamburgo)

Fuente: Texto extraído de Historia del Arte. Editorial Salvat

El espíritu de nuestro tiempo de Raul Hausmann


La imposible cabeza mecanizada diseñada por Hausmann en 1920 sin duda sirvió de inspiración para el androide María que protagonizara el film Metropolis de Fritz Lang siete años más tarde. Hausmann se reía así de la ciencia y la cultura como conceptos dogmáticos de la sociedad, en detrimento de la libertad de la locura y la sinrazón. Contrario a las ideas capitalistas encubiertas tras los principios democráticos, Hausmann atacaría las leyes de la lógica en su Discurso contra la Concepción de la Vida de Weimar escrito en 1919.

(Museo Nacional de Arte Moderno, París)

Fuente: Texto extraído de Historia del Arte. Editorial Salvat

Autorretrato del Dadásofo de Raul Hausmann


Obra de 1920

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

El crítico de arte de Raoul Hausmann


La visión que expone Hausmann del periodista artístico en este collage de 1919 es evidentemente muy crítica, mostrando al supuesto experto desdentado y blandiendo una pluma estilográfica como si fuera un florete a punto para batirse en duelo con el artista de turno. Colocándole un zapato en la cabeza, parece que el autor trate de denunciar la inutilidad de su pensamiento y la vaciedad de su esfuerzo intelectual.

(Tate Collection, Londres)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Robert Delaunay (1885-1941)



Delaunay, Robert (París, 12 de abril de 1885 – Montpellier, 25 de octubre de 1941) fue un pintor francés, conocido como uno de los pioneros del arte abstracto y fundador del orfismo, un movimiento artístico que enfatizaba el uso del color y la luz. Su estilo evolucionó desde el postimpresionismo hasta una abstracción lírica caracterizada por formas geométricas y colores vibrantes.

Vida y formación

Nació en París, en el seno de una familia acomodada. Después de la separación de sus padres, fue criado por una tía materna. A los 19 años, comenzó a pintar y trabajó como aprendiz en un taller de decoración teatral, donde desarrolló un interés temprano por el color y la composición.

Su primera influencia artística provino del impresionismo y el postimpresionismo, especialmente de Paul Cézanne. Posteriormente, conoció el cubismo, del que tomó elementos que transformó en su propio estilo.

Carrera artística

Delaunay se interesó profundamente por las teorías del color, especialmente por los estudios del químico Michel-Eugène Chevreul sobre el contraste simultáneo. Este interés fue fundamental para el desarrollo del orfismo, una rama del cubismo que priorizaba los efectos dinámicos del color sobre la forma y la estructura.

Entre sus obras más destacadas están:

"La Torre Eiffel" (1909-1914), una serie que representaba el emblemático monumento parisino con formas fragmentadas y dinámicas.

"Discos simultáneos" (1912-1913), que exploran la relación entre colores y formas geométricas.

"Ventanas simultáneas", una serie que utiliza la arquitectura y los paisajes urbanos como motivos principales.

Vida personal


En 1910, Robert se casó con la también artista Sonia Delaunay, quien compartió su pasión por la experimentación artística. Juntos formaron una pareja influyente en el arte moderno. Durante la Primera Guerra Mundial, vivieron en España y Portugal, donde continuaron trabajando en proyectos artísticos.

Junto a su pareja a ella, fueron pioneros del arte abstracto y creadores del simultaneísmo.

Después de una etapa fauve, hacia 1910 pasó al cubismo, bajo la influencia de PicassoBraque y la escultura negra. Sus tres grandes composiciones de La torre Eiffel (1910) representan una notable tentativa de crear un espacio profundo sin utilizar los métodos clásicos de la perspectiva, sólo con el auxilio de la construcción interna del cuadro y del color. Inventó la palabra "orfismo" para designar este estilo, que intentó superar la rigurosa y fría monotonía del cubismo analítico. 

En 1912 abandonó el cubismo, con sus formas geométricas y colores e monocromáticos, para embarcarse en un nuevo estilo, el orfismo, que se centró en las formas circulares y en los colores brillantes y que ha sido o también calificado de cubismo abstracto o rayonismo.Junto a su pareja, Sonia Delaunay, fueron pioneros del arte abstracto y creadores del simultaneísmo.

Con sus Ventanas y sus Discos, evolucionó hacia la pintura abstracta, pero sin perder jamás el contacto con el mundo real. Sus ambiciones se vieron cumplidas en la Exposición de París de 1937, para la cual realizó diez enormes bajorrelieves en colores (Palacio del Ferrocarril) y un plafón de 780 m2 (Palacio del Aire), obras que representan uno de los esfuerzos más importantes de la decoración moderna.

Legado

Delaunay es reconocido como una figura clave en el desarrollo del arte abstracto. Sus teorías sobre el color influyeron en movimientos posteriores, como el futurismo y el arte cinético. Aunque su vida terminó en 1941 en Montpellier, su obra sigue siendo un testimonio de la experimentación y el dinamismo del arte moderno.

Sus pinturas se exhiben en museos de renombre mundial, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) y el Centro Pompidou de París.

Fuentes: Historia del Arte. Editorial Salvat. 
               es.wikipedia.org.
               biografiasyvidas.com
               buscabiografias.com
               historia-arte.com

Obras comentadas


Galería



Orfismo

 Torre Eiffel entre árboles, 1900

Estudio para la Ciudad, 1909-1910

Obra de Robert Delaunay. Cubismo.

Ventana sobre la villa

Obra de Robert Delaunay. Posimpresionismo.

En el jardín, 1904

Hombre con un tulipán(también conocido como Retrato de Jean Metzinger), 1906

 Retrato de Wilhem Uhde, 1907

Las torres de Laon de Robert Delaunay


La catedral recortada al fondo del paisaje realza las formas, interrumpiendo el tramo de árboles en el lado derecho del cuadro y cerrando la perspectiva del cielo invirtiendo un triángulo sobre el tejado de la catedral, conduciendo así la mirada del espectador hacia un punto de fuga creado artificiosamente. Los colores casan plácidamente con la sensación de tranquilidad campestre de la escena.

(Museo Nacional de Arte Moderno, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Formas circulares de Robert Delaunay


Pintado a principios de la década de 1910, en unos años en los que se estaba potenciando el desarrollo tecnológico de la aviación, el cuadro de Delaunay muestra su especial sensibilidad ante la fijación del movimiento, una obsesión que los futuristas perseguían denodadamente. Los experimentos postcubistas de KupkaPicabia y el citado Delaunay se basarían en las proporciones áureas y en las teorías de Seurat  sobre la armonía cromática, creando composiciones como ésta en la que la disposición del color en el plano produce una sensación de ritmo animado, sin necesidad de aludir a un referente real . Los círculos concéntricos del cuadro se van subdividiendo en sectores que corresponden a diferentes armonías de color, logrando un excelente dinamismo rotativo. Este acorde visual cromático se puede subordinar sin duda alguna a una analogía con el ritmo de una composición musical.

(Museo Wilhelm-Hack, Colonia)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

La ville de Paris de Robert Delaunay


Parodiando las figuras de las tres míticas Gracias, el pintor rodea los desnudos con breves fragmentos paisajísticos de París, tan sólo unas leves referencias visuales que sirven para situar al espectador frente a los contenidos del cuadro. La estructuración del espacio sigue siendo claramente cubista, pero Delaunay ha procurado enriquecerlo con un cromatismo brillante a modo de teselas que organizan la escena de manera armónica.

(Museo Nacional de Arte Moderno, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Punto al Arte