Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976)

Expresionismo

Schmidt-Rottluff, Karl (Rottluff, Alemania, 1 de diciembre de 1884 1884-Berlín, 10 de agosto de 1976). Pintor expresionista alemán.

Hasta 1895 asiste a la escuela elemental, y a partir de entonces estudia en la escuela de gramática de Chemnitz donde conoce a Heckel. Comienza estudios de arquitectura en Dresde, pero los abandona para trabajar como artista independiente; funda Die Brücke junto con Heckel, Bleyl y Kirchner. En 1906 visita a Emil Nolde en Alsen. En Autorretrato con monóculo (1910) el artista (...)se presenta con un jersey de cuello alto verde con barba y monóculo sobre un fondo abstracto amarillo flanqueado por cortinas de color púrpura, la imagen perfecta de arrogancia del joven expresionista. Aunque este sea un efecto exagerado sugiere características propias de los artistas del Brücke y de Schmidt-Rottluff en particular. Aparte de Nolde, él es el colorista más atrevido del grupo, debido a sus vivos colores azules, carmines, amarillos y verdes, yuxtapuestos en disonancias vibrantes. Aunque nunca fue abstracto, fue probablemente el miembro del grupo que se movió con más convencimiento en esta dirección. Pintó interiores cubistas simplificados, paisajes fauvistas y figuras primitivas con una autoridad que recuerda al último Picasso (...) (Arnason).

En 1912 se traslada a Berlín y participa en la exposición Sonderbund en Colonia. Tras participar en la guerra, destinado en el norte de Rusia, regresa a Berlín. En los años veinte viaja por Italia, París, Dalmacia. En 1931 es nombrado miembro de la Academia Prusiana de Artes, institución que abandona dos años más tarde.

En 1937 más de seiscientas de sus obras son confiscadas y veinticinco de ella exhibidas en la exposición Arte Degenerado. Se le excluye de la Cámara de Bellas Artes del Reich en 1941 y se le prohíbe pintar, por lo que se limita a hacer acuarelas. Sus trabajos y su estudio son destruidos.

Entre 1943 y 1947 vive en Chemnitz, hasta que es invitado en 1947 por la West Berlin Hochschule für Bildende Künste a impartir clases.

En 1967, por iniciativa suya, se abre el museo Brücke en Berlín y expone sesenta obras. Muere en Berlín el 10 de agosto de 1976. Con el dinero que deja en su testamento se crea una beca que se con cede cada año a seis jóvenes artistas.

Su obra se compone de cuadros, esculturas en madera y xilografías. El paisaje es el tema principal de su pintura, aunque también pintó figuras, retratos y naturalezas muertas.

Fuente: Texto extraído de www.mcnbiografias.com

Obras comentadas

Cabeza de mujer con máscara

Tres desnudos en el juncal

Cabeza de mujer con máscara de Karl Schmidt Rottluff

Realizado en 1906, año en el que se interesó por el expresionismo monumental, Rottluff fue otro de los miembros de Die Brücke, más innovador que Pechstein. Su obsesión era la forma, que siempre tendió a simplificar. La obra de xilógrafo acabó por imprimir cierto primitivismo a su pintura.

(Gemaldegalerie, Dresde)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Tres desnudos en el juncal de Karl Schmidt Rottluff

Aquí la influencia de Matisse parece indiscutible. Van Gogh también marcó toda su obra. A partir de 1911 (este cuadro tiene fecha de 1913) el cubismo y el arte africano pasan a interesarle. El plano de sus obras es muy simplificado y los colores son de una extraña intensidad. En esta obra se aprecia esta simplificación de las formas y un colorido que se divide según contrastes enérgicos, elementos que conforman su búsqueda de la síntesis expresiva.

(Staatsgalerie, Stuttgart)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Ercole De Roberti (h.1451-1496)

Renacimiento. Escuela Ferrara.

De Roberti, Ercole (Ferrara, h. 1451 - 1496) Pintor italiano, llamado también Ercofe de'Graudi. Discípulo y colaborador de Cosimo Tura, trabajó en Bolon1a entre 1470 y 1486; sus últimos años los pasó en Ferrara al servicio de la casa de Este. Su estilo se diferencia del de su maestro por una elegancia lineal más sutil, mientras sus figuras adquieren mayor humanidad y una gama más rica de colorido, gracias posiblemente al estudio de la pintura veneciana (Giovanni Bellini); su obra más importante, la Virgen entronizada (1480; Galería Brera), así parece demostrarlo. De 1482-86 son sus frescos de la capilla Garganelli en San Pedro de Bolonia (Crucifixión, Muerte de María, etc.), de gran potencia dramática.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Galería

Septiembre , Salone dei Mesi del Palazzo Schifanoia, 1469

Septiembre , Salone dei Mesi del Palazzo Schifanoia, 1469

La toilette d’Esther de Théodore Chassériau

Es una obra perteneciente a una serie en la que el artista manifiesta su genio precoz creando un nuevo tipo femenino, a la vez extraño y turbador, inédito en la pintura francesa. Se trata de una figura alargada, de cintura estrecha y flexible. Las joyas que la adornan y los personajes que la acompañan revelan el atractivo que sentía la época por un Oriente fastuoso y legendario. La belleza del dibujo y del modelado de Chassériau procede de su maestro Ingres.

   

(Musée du Louvre, París).

Fuente: Texto extraído de Historia del Arte. Editorial Salvat

Las dos hermanas de Théodore Chassériau

Las dos hermanas (en francés, Les deux soeurs), también conocida como Las hermanas del artista, es considerada la obra maestra del pintor francés Théodore Chassériau. Está realizado en óleo sobre lienzo. Fue pintado en 1843. Mide 180 cm de alto y 135 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Louvre de París.

Théodore Chassériau pinta en este lienzo a sus dos hermanas, quienes ya en otras ocasiones le sirvieron de modelo. La de la izquierda, que lleva una exuberante rosa en la cintura, es su hermana mayor, Adèle, y la de la derecha es Aline. Se apoyan la una a la otra.

Adèle era doce años mayor que Aline, pero en el cuadro no se aprecia la diferencia de edad entre ellas. Las dos presentan un cabello oscuro, fino y de suave brillantez, con raya al medio y recogido en un moño. Dejan al descubierto la piel del rostro, el busto, los antebrazos y las manos, es una piel fina y blanca. Llevan vestido y joyas similares, en tonos rosas y marrones. Sus dos figuras, delineadas en negro, destacan respecto al fondo.

Aunque de formación clásica bajo Ingres, Chassériau no puede evitar asumir el fuego pasional de Delacroix, lo que se evidencia en este caso en el fuerte colorido de la obra. Usa colores casi violentos, especialmente en los mantones en que se envuelven, de un rojo vivo con orlas de múltiples colores.

Este cuadro se considera un profundo estudio de psicología. Se trata de una obra de finales del primer período de su obra artística, en el que el realismo clásico de las formas, aprendido de Ingres, predomina la influencia de Delacroix.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Las_dos_hermanas

Pedro Berruguete (1450-1504)

Renacimiento. Quattrocento.

Berruguete, Pedro (Paredes de Nava, h. 1450 - Avila, 1504) Pintor español.

Junto con Juan de Borgoña, representa la transición del estilo gótico al renacentista en Castilla. Inició su carrera artística bajo la influencia de los maestros flamencos y hacia 1477 pasó a Italia, a la corte de Urbino, donde el duque Federico de Montefeltro había reunido destacados artistas, como Laurana, Bramante, Piero Della Francesca, Melozzo da Forli y Justo de Gante. Según parece, Berruguete colaboró con este último en la decoración del Studiolo en el palacio ducal.

En 1483 regresó a Castilla; trabajó en Toledo durante el período 1483-99 y, a partir de 1495, en Avila, en la realización del retablo mayor de la catedral, que no pudo acabar; también en Avila pintó para el convento de Santo Tomás el retablo del altar mayor y otros dos retablos menores, los de Santo Domingo y San Pedro Mártir, en los que se puede apreciar el gusto castellano, tanto por la tradición (conservación de fondos dorados), como por el realismo con que se tratan ciertos temas (su Auto de fe constituye un importante documento histórico) y también por la expresiva sobriedad de las escenas religiosas (San Pedro Mártir en oración). Son también muy interesantes los dos retablos conservados en su pueblo natal, Paredes de Nava, en los que se manifiesta su talento como retratista (David).

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obras comentadas

Berruguete y el "caso Urbino"

San Jerónimo

Santo Domingo presidiendo el Tribunal de la Inquisición

Galería

Ezequiel, 1500

Adoración de los Magos

Berruguete y el "caso Urbino"

 

El duque de Montefeltro y su hijo de Pedro Berruguete (Museo

del Prado, Madrid). En esta obra de 1480, pintada después de

la serie de retratos de hombres ilustres, Berruguete retrata

al señor de Urbino de perfil, al parecer para evitar la desagra-

dable impresión que podía producir la cuenca vacía del ojo que

había perdido en una batalla. El pintor pone de manifiesto este

carácter de gran guerrero presentándolo con la armadura y el

casco en primer plano, pero también su afición por la cultura

y el arte. La presencia del niño con el cetro en la mano es un

indicativo de la continuidad del poder.

Pedro Berruguete, el pintor más famoso de Castilla del siglo xv, no obstante, los vínculos del arte castellano con los Países Bajos, marchó a Italia hacia 1473. Aquí conoció las obras de Piero delta Francesca, Melozzo da Forli y Antonello de Messina. Éste, que era el más "flamenco" de los italianos fue quien ejerció mayor influencia en Berruguete, cuya producción italiana, salvo las pinturas del palacio ducal de Urbino y una que se halla en el museo de Brera de Milán, se ha perdido.

Unos tres años después de su llegada a Italia, a donde fue probablemente a instancias de un tío fraile de igual nombre, Pedro Berruguete pintó para Federico Montefeltro, duque de Urbino. Durante mucho tiempo los historiadores de arte atribuyeron no sin reparos la autoría de los cuadros del palacio ducal de Urbino al artista flamenco Joos van Wassehove, más conocido como Justo de Gante.

A mediados del siglo XX, varios estudiosos, entre ellos Juan Allende Salazar, Roberto Longhi y Cario Gamba, hallaron indicios suficientes como para considerar que Pedro Berruguete era el autor de varias pinturas, en particular la Comunión de los apóstoles y los veintiocho retratos de hombres ilustres.

Aparte del personal estilo de Berruguete, Cario Gamba encontró en un elogio escrito en 1822 a Giovanni Santi, "padre e poeta, padre del gran Raffaelo di Urbino", el testimonio de la presencia de un "Pietro Spagnolo pittore" en Urbino hacia 1477.

En 1991, el "caso Urbino" pareció quedar resuelto cuando Nicole Reynaud y Claudie Réssort, tras rigurosos análisis de los retratos, informaron en la Revue du Louvre de que los mismos habían sido realizados en dos fases, la primera por Justo de Gante y la segunda por Pedro Berruguete.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Santo Domingo presidiendo el Tribunal de la Inquisición de Pedro Berruguete

La vivacidad de la escena, en la que no falta detalle, hace de esta tabla una de las obras más populares del pintor naturalista, a quien repugnaba lo espeluznante. Al describir este episodio de la vida del santo, Pedro Berruguete rehuye el tremendismo y reconstruye la anécdota buscando efectos de perspectiva y una comedida contención en rostros y actitudes de cuantos intervienen en la terrible escena de la muerte en la hoguera de dos herejes. 

Museo del Prado, Madrid

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat. 

San Jerónimo de Pedro Berruguete

 

Detalle de una tabla del altar mayor de la iglesia, pintada entre 1494 y 1499. Esta obra maestra comprende diecinueve pinturas enmarcadas en una inmensa talla de juegos geométricos góticos . 

Monasterio de Santo Tomás de Avila (Castilla y León).

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Carle Vernet (1758-1836)

Neoclasicismo

Vernet, Antoine Charles (Burdeos, 14 de agosto, 1758 - París, 27 de noviembre de 1836), llamado Carle Vernet. Pintor francés, el hijo menor de Claude Joseph Vernet y el padre de Horace Vernet.

Biografía

Vernet nació en Burdeos. A los cinco años mostró una extraordinaria pasión por el dibujo de caballos, pero pasó por el curso académico regular como alumno de su padre y de Nicolas-Bernard Lépicié. Curiosamente, después de ganar el gran premio (1782), pareció perder el interés por la profesión, y su padre tuvo que llamarlo de Roma a Francia para evitar que ingresara en un monasterio.

En su Triunfo de Aemilius Paulus, rompió con la tradición y dibujó el caballo con las formas que había aprendido de la naturaleza en establos y escuelas de equitación. También fueron muy populares sus piezas de caza, carreras, paisajes y trabajo como litógrafo.

La hermana de Carle fue ejecutada por la guillotina durante la Revolución. Después de esto, abandonó el arte.

Cuando volvió a producir bajo el Directorio francés (1795-1799), su estilo había cambiado radicalmente. Comenzó a dibujar en detalle batallas y campañas para glorificar a Napoleón. Sus dibujos de la campaña italiana de Napoleón ganaron elogios al igual que la Batalla de Marengo, y por su Mañana de Austerlitz, Napoleón le otorgó la Legión de Honor, y Luis XVIII de Francia le otorgó la Orden de San Miguel. Posteriormente se destacó en escenas de caza y representaciones de caballos.

Además de pintor y litógrafo, Carle Vernet era un ávido jinete. Apenas unos días antes de su muerte a la edad de setenta y ocho años, se le vio correr como si fuera un joven vivaz.

Murió en París

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Galería

Triunfo de Aemilius Paulus (detalle), 1789

Immanuel Kant, 1795