El Foro de Trajano en Roma de Apolodoro de Damasco

 

El Foro de Trajano, en Roma, cuya disposición general puede verse en el dibujo de su planta, fue con mucho el más amplio y espléndido de los foros imperiales. Cuentan que cuando Alarico se apoderó de Roma, en el año 410, al cruzar el gran arco que se abría al recinto, palideció ante tanta magnificencia. De ella quedan sólo los restos de la Basílica Ulpia, de cinco naves, obra de Apolodoro de Damasco, a través de la cual se accedía a las dos bibliotecas -la latina y la griega- dispuestas a ambos lados de la Columna Trajana, según el esquema de las ágoras helenísticas.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

El arco de Trajano en Benevento de Apolodoro de Damasco

 

Obra probable de Apolodoro de Damasco , fue construido en el año 114 para conmemorar la nueva vía que uniría Brindisi a la metrópolis. Los relieves que lo adornan resumen la historia de Trajano: en la cara orientada a Roma, las escenas aluden a su política interior; en la orientada a Brindisi, a sus empresas fronterizas.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

René Rimbert (1896-1991)

Arte naif

Rimbert, René (París, 19 de septiembre de 1896 - el 23 de marzo de 1991) fue un pintor francés. Su trabajo se asocia a menudo con el arte Naif, pero tiene influencias del neorrealismo, posimpresionismo y el neoimpresionismo y la pintura holandesa del Siglo de Oro.

Rimbert nació en París. Su padre era un dorador y enmarcador de pinturas. Se crió en la zona de Montparnasse - barrio de Saint-Germain-des-Prés de París. De niño y  adolescente estuvo involucrado en la música, el dibujo, la pintura y lectura. Su padre le animó a entrar en la administración postal francesa. El empleado de correos joven continuó con sus intereses artísticos hasta la Primera Guerra Mundial, cuando se alistó y se unió al personal militar en general, primero como operador de telégrafo y luego como dibujante. Cuando terminó la guerra regresó a la Administración Postal, se casó y comenzó su carrera como funcionario de correos y como artista.

La carrera de Rimbert como pintor comenzó en 1920. Desde 1932 hasta 1944 se interrumpió su pintura, en primer lugar por la enfermedad y más tarde por la Segunda Guerra Mundial. Luego continuó pintando hasta 1983.

Además de los numerosos dibujos, pinturas sin terminar o destruidos, su trabajo consiste en 276 cuadros grabados, principalmente óleo sobre lienzo, que ahora están en posesión de coleccionistas privados y museos en Francia y en otros países.

Las pinturas de Rimbert fueron influenciados por los holandeses clásicos maestros de la pintura, el pintor del siglo XVIII francés Jean Siméon Chardin, y de Henri Rousseau (Rousseau el Aduanero), que estaba empezando a ser reconocido en el momento en que comenzó Rimbert a pintar. Una de las primeras obras de Rimbert, "el Aduanero Rousseau en dirección a la gloria y la prosperidad" está dedicado a Rousseau.

Amigo de Rimbert, el pintor francés Marcel Gromaire, lo convenció para exhibir algunas de sus primeras obras. Dos años más tarde se encontró con el poeta y pintor Max Jacob, que introdujo Rimbert entre los artistas conocidos, como Pablo Picasso, Georges Braque y Amedeo Modigliani. Los continuos intercambios de cartas entre estos dos hombres han sido publicados. También se reunió con el crítico de arte Anatole Jakovsky, que dio a las pinturas de Rimbert la etiqueta de "arte ingenuo".

Pinturas más tempranas de Rimbert son principalmente naturalezas muertas, pero pronto comenzó a pintar representaciones de edificios pintorescos y escenas de la calle en su París natal, sus suburbios y en las ciudades de provincia, así como paisajes.  El pueblo y los alrededores de Perpezac-le-Noir, cerca de Brive-La-Gaillarde en el suroeste de Francia, donde la familia de su esposa viene y donde poseía una casa, es también a menudo representado. Sus obras posteriores reflejan sus visitas durante el invierno en la Costa Azul y, a menudo representan escenas y paisajes mediterráneos de la calle.

Fuente: Texto extraído de en.wikipedia.org

Obra comentada

Escena callejera

Galería

Pequeña playa en Normandía

Escena callejera de René Rimbert

En este cuadro pintado en 1972 se hace evidente una de las preferencias del artista, que era pintar las calles de su barrio parisiense de Saint-Sulpice. El amor por su entorno ciudadano y la poesía con que lo expresa en sus obras son unas de las características más destacadas.

(Colección privada)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Hans Richter (1888-1976)

Dadaísmo

Richter, Hans (Berlín, 1888-Locarno, 1976) Pintor y director cinematográfico alemán. 

Biografía

Estudia en la Academia de Bellas Artes de Berlín (1908) y en la Academia de Weimar (1909). Las exposiciones del ‘’Blaue Reiter’’ y del primer ‘’Herbstsalon’’ en 1913 le permiten entrar en contacto con el arte moderno. Apoya el manifiesto futurista de Marinetti y hace parte del grupo expresionista de Munich que se constituye en torno a la revista ‘’Die Aktion’’.

Herido en la guerra en 1916, se refugia en Suiza y se vuelve un miembro activo de grupo dada. Tzara le presenta al pintor Eggeling con quien compartirá una concepción muy similar del futuro de la pintura. Richter colabora, en 1920 con la revista ‘’De Stijl’’, lo mismo que tomará parte en las actividades del ‘’Novembergruppe’’ que pretendía reconstruir Alemania en un espíritu de justicia y de ‘’unión más íntima del arte y del pueblo‘’.

Entre 1923 y 1926, publica junto con W.Graeff y Lissitsky la revista ‘’G’’ (Gestaltung), dedicada esencialmente al cine abstracto en el cual colaboraron numerosos dadaístas (Arp, Tzara, Man Ray, Kurt Schwitters…). y los partidarios del constructivismo ruso (Lissitsky, Naum Gbo, Pevsner…). Hans Richter parece abandonar cualquier actividad artística entre 1926 y 1940.

Se marcha a Estados Unidos en 1940. En Nueva York enseña en el City College; es nombrado director del Film Institute. Varias exposiciones personales reunieron sus obras, entre las cuales, en 1982, una retrospectiva itinerante de su trabajo dada, en Berlín, Munich, Zurich. En 1944, Hans Richter realiza con Duchamp, Max Ernst, Calder, Man Ray y Fernand Léger el largo metraje ‘’Dreams that money can buy’’, que se hizo famoso por las secuencias abstractas en colores. Richter fue un pintor de laboratorio como fue un cineasta de laboratorio.

Fuente: https://www.mchampetier.com/

Obras comentadas

Hombre azul

Otoño

Galería

Ciudad de colorido con Zeppelin, 1916. Cubismo

Otoño, 1917

Otoño de Hans Richter

Datado de 1917 este sencillo dibujo se caracteriza por el manejo de las sombras y los colores que progresivamente desarrollaría su autor durante el período que abarca su exilio a Estados Unidos hasta su muerte en 1976. La armonía de la composición responde a una búsqueda de los efectos rítmicos del movimiento, reflejada de manera sutil en las hojas en contraste con el estatismo del pequeño pájaro.

(Kuntshaus, Zurich)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Hombre azul de Hans Richter

Este pintor alemán decidió romper con su primera formación pictórica en las academias de Berlín y Weimar en cuanto ingresó en el grupo dadaísta de Zurich, como pone de manifiesto este óleo de 1917 Posteriormente se dedicó a la investigación plástica de los contrapuntos rítmicos y jugando con variaciones formales abstractas, y experimentaría con formatos tan inusuales como los rollos de papel y unos pioneros filmes abstractos tras su nacionalización estadounidense en 1940. Su gusto por la pintura abstracta a partir de 1950 sería sin embargo una vuelta a sus orígenes pictóricos, imitando el estilo que ya expuso en este Blauer Mann.

(Kuntshaus, Zurich)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Gerhard Richter (1932)

Expresionismo abstracto. Nueva Pintura Europea.

Richter, Gerhard (Dresde, 1932) Pintor alemán. . Entre 1952 y 1956 estudia en la Academia de Arte de Dresde, donde recibe una enseñanza rigurosa basada en el realismo social, en la tradición de la pintura de trompe-l'oeil, donde todas las otras tendencias modernas están proscritas. Pronto se da cuenta de que tiene que abandonar este ambiente, y entre 1961 y 1963 estudia en la Academia de Düsseldorf, donde la tendencia vigente es la abstracción tachista. Hasta 1962 su obra es fundamentalmente figurativa, influida por Giacometti, Bacon y Dubuffet.

Durante los primeros sesenta ve en la obra de Lichtenstein las posibilidades que ofrece el uso de métodos poco convencionales para crear cuadros; esta influencia, unida al ambiente iconoclasta del movimiento Fluxus, le llevan a declarar: "...Pintaré una foto...", dándose cuenta de que por este medio podría reconciliar su deseo de mantener una actitud radical y nueva con su habilidad técnica y su formación más conservadora de Dresde. Desde 1962 el artista crea numerosas foto-pinturas, todas ellas más fotográficas que las transposiciones de Rauschenberg y mucho más pictóricas que las apropiaciones que Warhol hace de la iconografía de los medios de comunicación. A partir de este momento, al igual que Polke, comienza a interesarse por temas sacados de los medios de comunicación de masas y produce algunos cuadros basados en fotografías de periódicos o fotos de aficionados, en donde los dos géneros realistas de pintura y fotografía se enfrentan. Desde entonces ha pintado muchos cuadros en los que explora la percepción por parte del espectador de objetos familiares, interceptada por las técnicas de la pintura (Imágenes de Ciudad, 1968-1969; Nubes, 1968-1970-1971-1976; Montañas, 1968-1969). La temática preferida por Richter es de carácter sentimental, y en sus trabajos más recientes representa paisajes bucólicos de centroeuropa, inmersos en una atmósfera romántica, como vistos a través de un objetivo en el que confluyen distintas visiones de una misma realidad: el resultado es una combinación entre la objetividad fotográfica y la delicadeza poética de la pintura.

En 1963 Richter y Konrad Fisher hacen un happening titulado Una manifestación para el realismo capitalista, a partir del cual la obra de Richter se ha interpretado erróneamente como Pop. Junto con Palermo y Polcke utiliza telas corrientes, compradas en grandes almacenes, lo que evidentemente es una actitud propia del pop, pero su obra va más allá, porque el tema no es sólo la iconografía de los medios de comunicación de masas sino la pintura misma. A finales de los años sesenta su trabajo se hace puramente abstracto, comenzaron por una serie de cuadros monocromos, llamados Cuadros grises, inspirados por la guerra del Vietnam. Aplica a estos cuadros la frase de John Cage: "...No tengo nada que decir y lo estoy diciendo...".

A partir de los años ochenta se concentra en abstracciones de carácter expresionista, en las que hace un uso vigoroso del color, y reserva la figuración para una serie complementaria, pero separada, de fotopinturas. En los cuadros abstractos utiliza un enorme repertorio de efectos pictóricos, en los que condensa esquemáticamente la historia de la pintura moderna alemana.

Desde 1968 es profesor en la Academia de Arte de Düsseldorf. Expone regularmente en galerías y museos de Europa y América; como muestra, puede mencionarse la exposición de algunas de sus obras en el Museo Guggenheim de Bilbao en junio de 2004.

Fuente: Texto extraído de www.mcnbiografias.com

Obras comentadas

Moritz

Ventana de la catedral de Colonia

Galería

Boca (labos de Brigitte Bardot), 1963

Los interceptores Phantom, 1964

Moritz de Gerhard Richter

 

Aparentemente una pintura de su hijo pequeño, Mortiz ejemplifica la afinidad de Richter por lograr un tenso equilibrio entre la abstracción y la figuración. Esta pintura es un híbrido, aparentemente fluctuando entre dos áreas contrastantes sin terminar, una sección renderizada de manera realista (en parte remontándose a la educación del Realismo Social de Richter), la otra desvaneciéndose en un etéreo "ruido blanco". Mortiz recuerda la combinación de Andy Warhol de imágenes apropiadas y técnicas de serigrafía pintada; un resplandor brumoso emana aparentemente del niño, proporcionando así un poderoso contraste con la realidad material de la superficie pintada.

Fuente: https://www.wikiart.org/

Ventana de la catedral de Colonia de Gerhard Richter

La ventana de la catedral de Colonia es la vidriera del crucero sur de la catedral de Colonia diseñada por el artista de Colonia. Gerhard Richter. Sobre una superficie de 106 metros cuadrados se dispusieron aleatoriamente 11.263 cuadrados de vidrio de 72 colores de 9,6 cm × 9,6 cm. La ventana se inauguró el 25 de agosto de 2007 como parte de una celebración eucarística; la ejecución abstracta fue celebrada y fuertemente criticada. 

Originalmente, en 1863, se instalaron ventanas con la representación de gobernantes seculares y cristianos realizadas por el Instituto Real de Vidrieras en Berlín-Charlottenburg, donadas por el Reino de Prusia. Las ventanas fueron destruidas en la Segunda Guerra Mundial y reemplazadas en 1948 por un simple acristalamiento ornamental de Wilhelm Teuwen.

Fuente: https://www.wikiart.org/

Germaine Richier (1902-1959)

Escultura

Richier, Germaine (Grans, 16 de septiembre de 1902 - 21 de julio de Montpellier, 1959) Escultora francesa. 

Biografía

Nacida en Grans, Richier comenzó sus estudios en la École des Beaux-Arts de Montpellier; en 1926 fue a trabajar con Antoine Bourdelle, permaneciendo en su estudio hasta su muerte en 1929. Allí conoció a Alberto Giacometti, aunque los dos nunca estuvieron cercanos. Richier por su parte estaba más interesada en un enfoque clásico a la escultura, prefiriendo trabajar a partir de un modelo en vivo y luego volviendo a trabajar el producto final. También conoció a César Baldaccini en esta etapa de su carrera.

La primera obra de Richier fue fantástica, combinando formas clásicas con híbridos humano-animales y representando criaturas como la araña y la hidra. Su estilo se convirtió en menos figurativo después de la Segunda Guerra Mundial; las deformaciones corporales que ella favorecía como tema se vieron más acentuadas en un intento de transmitir un mayor sentido de la angustia.

La controversia mayor que rodeaba la obra de Richier vino con su creación de una estatua de Cristo para la iglesia de Notre-Dame de Toute Grâce du Plateau d'Assy. Pretendía representar el tormento espiritual y físico de Cristo, se ordenó que la escultura se ocultara por orden del obispo de Annecy. Este acontecimiento fue el catalizador de un gran debate sobre la naturaleza y el papel del arte sacro que tuvo lugar a lo largo de los cincuenta, durante el cual muchos artistas se vieron opuestos al papel tradicional del arte religioso y académico. Algunos han descrito la controversia como un debate sobre la naturaleza de Dios en la sociedad moderna. Richier, por su parte, ganó algo de notoriedad con todo este negocio, pero pareció volver a la oscuridad de nuevo antes de su muerte en 1959.

Richier fue celebrada en un sello postal emitido por La Poste en 1993 como parte de una serie conmemorativa que representaba a los artistas.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obra comentada

La tempestad