Claudio de Lorena (1600-1682)

 

Clasicismo

Lorena, Claude Gelée, llamado Claude Lorrain y en España Claudio de (Chamagne, 1600-Roma, 23 de noviembre de 1682) Pintor francés cuyo auténtico nombre era Claude Gellée, si bien es más conocido como Claudio el Lorenés o Claudio de Lorena, por ser este el lugar donde realizó su formación.

Biografía

Hacia 1620 se trasladó a Roma donde trabajó en el taller de Agostino Tassi, con quien colaboró en la decoración de la Villa Lante en Bagnaia. Entre 1617 y 1621 se encuentraba en Nápoles, y junto a Claude Deruet, entre 1625 y 1626, trabajó en los frescos de la iglesia de los Carmelitas en Nancy. Tras estos viajes se instaló en Roma, ciudad en la que pasó el resto de su vida, en permanente contacto con el círculo de los nórdicos, de los que aprende la observación minuciosa de las cosas, el gusto por representar las calidades de las mismas y el análisis detenido de la realidad. Igualmente su obra sufre la influencia del clasicismo de los Carracci, que aplicará a un proceso de búsqueda e idealización de los paisajes.

Sus primeras obras se fechan hacia 1630, pero sólo se posee una relación detallada de su actividad a partir de 1636, gracias a su obra Liber Veritatis, compuesta de 195 dibujos, copias detalladas de sus obras, donde indica para quién realizó el encargo y el lugar a que estaba destinado.

Fue un artista muy apreciado en su tiempo, sobre todo entre los coleccionistas ingleses, y su obra ejerció influencia hasta entrado el siglo XVIII. Entre sus cuadros destacan: Delfos con procesión, Mercurio robando los bueyes de Apolo, Vista de un puerto al Alba y Paisaje con la Ninfa Egeria.

Se le ha considerado el mejor intérprete del paisaje clasicista, al que añade una atmósfera luminosa, repleta de brillos crepusculares y del alba, en una visión altamente romántica. Este paisaje sirve de fondo a escenas de pequeños hombres, que son el pretexto para el desarrollo de esos paisajes, presente en obras como Puerto de Ostia con el embarco de Santa Paula Romana, Paisaje con el entierro de Santa Serapia y Paisaje con Apolo y Mercurio.

Sus paisajes llenos de lirismo, de interpretación subjetiva y de impresiones sensoriales, serán motivo de inspiración de Turner y Corot.

Fuente: http://www.mcnbiografias.com/

Obra comentada

Desembarco de Cleopatra en Tarso

Galería

Paisaje con comerciantes, 1630

Entrada al puerto de La Rochelle, 1631. Barroco

Clasicismo

Desembarco de Cleopatra en Tarso de  Claudio Lorena 

Clasicismo es la denominación historiográfica de un movimiento cultural, estético e intelectual, inspirado en los patrones estéticos y filosóficos de la Antigüedad clásica (simplicidad, unidad, sobriedad -decorum-, racionalidad, armonía -equilibrio de las proporciones, concordia oppositorum-, mímesis -imitatio naturae-,​ "el hombre como medida de todas las cosas" -homo omnium rerum mensura est-), que se desarrolló de forma simultánea a los distintos estilos artísticos y movimientos literarios​ de la Edad Moderna.

Se expresó en todos los dominios del arte, desde la literatura y la música en sus distintas manifestaciones hasta las artes visuales llamadas "bellas" o "mayores" (arquitectura, pintura y escultura) y las llamadas "decorativas" o "menores" (mobiliario, moda). Aparece junto con el Manierismo, que a su vez dio paso al Barroco y este al Rococó; siendo renovado a través del Neoclasicismo y atacado por el Romanticismo.​ Siguió siendo la tendencia dominante en las artes y el pensamiento occidentales durante los siglos XVIII y XIX, en su vertiente institucionalizada en las academias (el academicismo), mientras que durante el siglo XX tanto el mercado del arte como el ámbito institucional acabaron asumiendo el rupturismo de las vanguardias.

Como su propio nombre indica, el clasicismo se inspiró en los patrones del arte y el pensamiento del mundo clásico (la Antigua Grecia y la Antigua Roma). No obstante, el clasicismo de la Edad Moderna tiene sus orígenes más inmediatos en la continuidad de movimientos culturales surgidos en la Baja Edad Media: los valores del Renacimiento, junto a la búsqueda del conocimiento y la perfección que caracterizan al humanismo. El clasicismo asume todo ello y lo convierte en un nuevo canon que aspira a lograr la perfección absoluta a través del arte.

De hecho, se denomina también "Clasicismo" a una fase del Renacimiento italiano: el Renacimiento pleno del primer cuarto del siglo XVI, cuando convivieron las figuras de "los cuatro grandes" (Leonardo, Bramante, Rafael y Miguel Ángel) que hicieron pasar el centro del arte de Florencia a Roma (los tres últimos, mientras que el primero terminó sus días en Francia, que se abrió a la influencia italiana -escuela de Fontainebleau- como toda Europa -Renacimiento nórdico, Alto Renacimiento español-).

El clasicismo tuvo en el comienzo del siglo XVII una contradicción con el Barroco, inicialmente en el terreno de la pintura (los Carracci o Guido Reni frente a Caravaggio) y que con el paso de los años se extendió, como batalla de ideas, al terreno de la literatura, justo cuando los cánones barrocos la dominaban casi por completo. El clasicismo se impuso en el campo de las letras a finales del siglo XVII, quedando fijado en el ensayo de Boileau L'art poëtique (El arte poética), (1674).8​ En él, aboga por una literatura emocional que llegue a los sentimientos del lector/espectador, pero que lo haga a través de los filtros del intelecto. De esta forma, Boileau carga contra los excesos de lo que posteriormente se denominará Barroco y Rococó, y apuesta por la recuperación de la solemnidad clásica y de los valores de la armonía y el equilibrio que dominaron la literatura de la Antigüedad. Se busca la armonía y el equilibrio entre el fondo y la forma, el control consciente en el desarrollo de los temas y el sentido de orden racional y proporción formal.

Etimología

El origen del término parece provenir del uso de la palabra classicus por Aulo Gelio en Noches áticas (siglo II), quien deriva su sentido inicial (la "primera clase de ciudadanos" que era llamada en primer lugar a votar en los comicios romanos) para denominar classicus scriptor a los escritores que considera excelentes. A comienzos de la Edad Media el término classicus se emplea en contraposición a modernus, para encomiar la simplicidad e intemporalidad de los antiguos "clásicos" frente a la afectación y trivialidad de los "modernos" del siglo V o VI. A lo largo de la Edad Media, la veneración de los "clásicos" convertidos en autoridades indiscutibles de la escolástica, añadió un nuevo significado que llegó a pasar incluso como etimología falsa: la de "clásico" como "estudiado en las clases" de las escuelas o colegios (los studia generalia) y por tanto sinónimo de "escolar"; es decir, lo digno de estudio y modelo para la juventud. La utilización de los términos "clásico" y "clasicismo" para designar al ideal estético y a la época llegará en los siglos XVI, XVII y XVIII.9​ El término francés classicisme parece haberse acuñado a posteriori por los románticos en su reacción contra las reglas académicas, apareciendo en primer lugar en Racine et Shakespeare de Stendhal (1823-1825) y algo después en el prefacio de Cromwell de Victor Hugo (1827).

Fuente: https://es.wikipedia.org

Artistas del Clasicismo

Lorena, Claudio de
Marées von Hans

Poussin, Nicholas

Desembarco de Cleopatra en Tarso de Claudio Lorena

El autor, con estos paisajes con ruinas arquitectónicas, inaugura un gusto que había de perdurar durante todo el siglo XVIII. El pretexto clásico de este famoso desembarco se convierte en un momento atmosférico totalmente dinámico. No interesan los detalles de primer plano ni los horizontes lejanos, sino captar un instante huidizo como un presagio de que todo va a cambiar.

(Musée du Louvre, París). 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat. 

Pietro Longhi (1702-1785)

Rococó

Longhi, Pietro Antonio (Venecia, 5 de noviembre de 1701 – 8 de mayo de 1785) Pintor y grabador italiano de escenas costumbristas.

Biografía

Pietro Antonio, primogénito del maestro platero Alessandro Falca y de Antonia, nació en Venecia y fue bautizado en la parroquia de Santa María. Adoptó el apellido Longhi cuando emprendió la actividad artística. Al igual que otros venecianos de la época rococó, Longhi realizó su aprendizaje en Bolonia, primero con Antonio Balestra, renombrado pintor veronés de la época y después con Giuseppe Maria Crespi, llamado lo Spagnoletto, en el taller del cual, vino a entrar en contacto con los cuadros del Gambarini, con escenas de género de estilo refinado y superficial, típico del momento. Hacia 1730 se encontraba de nuevo en Venecia. De esta fecha data también su primera obra notable, un retablo encargado por el presbítero de la Parroquia de San Pellegrino, en Bérgamo, que muestra marcadas influencias del estilo barroco propio de decoradores venecianos del siglo XVIII.​ El 27 de septiembre de 1732 contrae matrimonio con Caterina Maria Rizzi en la iglesia veneciana de San Pantaleón y ya el 12 de junio de 1733 nace el primogénito, Alessandro; nacerán otros diez hijos, de los cuales sólo Alessandro, Maddalena Ana –nacida en 1738- y Antonia Lucía –nacida en 1741-, llegarán a la edad adulta.

Al principio de su carrera, se dedicó a pintar escenas religiosas e históricas, que no le reportaron ningún éxito. Recién en 1737 figura inscrito en la Cofradía de los pintores italianos, lugar que deja en 1773.​ A partir de los años cuarenta y por influjo de Crespi, comenzó a pintar escenas costumbristas, convirtiéndose en un solicitado retratista de la vida veneciana. Siguiendo los pasos de Watteau y sus sucesores, logró crear una versión personal del cuadro-conversación, en el que, con una fina ironía, refleja las costumbres de la sociedad veneciana.

El dramaturgo y poeta Carlo Goldoni le dedicó un soneto a Longhi en 1750 que comienza con el verso «... Longhi tú que llamas a mi hermana musa de tu pincel que la verdad persigue...».​En 1756 fue elegido miembro de la Academia de Venecia de pintura y escultura -presidida por Tiépolo-, en la que ejercerería de profesor de 1758 a 1780. Se ha observado, acertadamente, un paralelismo entre los cuadros costumbristas de Longhi y las comedias de Goldoni, con el que el pintor estuvo en contacto.

Se distinguió extraordinariamente por sus cuadros de costumbres venecianas, en las que la agudeza de observación y la originalidad del asunto, suplen con frecuencia la falta de grandes dotes artísticas. La popularidad de las obras de Longhi fue considerablemente debida a los grabados de Cattini, Faldoni y Bartolozzi.

A partir de los años los sesenta cambia el estilo longhiano con el oscurecimiento de las tonalidades y una pincelada más amplia que parece poco trabajada, por lo que se conjetura acerca de un acercamiento a la forma rembrandtiana, en la estela de su contemporáneo Giuseppe Nogari, pero en realidad son muestras de la fatiga de una corriente que en muchos años no ha encontrado capacidad de renovación, casi un espejo de la misma República veneciana.

En 1763 dirige la Academia de Dibujo y Grabado, instituida por la familia Pisani en el Palacio San Esteban y destinada a la instrucción de Almoró Pisasni. La institución cierra sus puertas en 1765 tras la repentina muerte del joven patricio.​ La labor de retratista se hace más importante, por lo que su joven hijo Alessandro colabora ya en ella. En 1779 participa en la elección a la Academia del joven escultor Antonio Canova; finalmente, el 8 de mayo de 1785, tras una convalecencia de diez días, muere de un grave angina de pecho en su casa de San Pantaleón, Venecia.

Fuente:  https://es.wikipedia.org/

Obra comentada

Concierto

Galería

Fresco en San Pantalon en Venecia,
Escena- Santo Mártir, fragmento, 1744 - 1745

Noble besando la mano de una dama, 1746

Concierto de Pietro Longhi

Longhi debe su gran celebridad a cuadros pequeños donde muestra con grata ironía la vida cotidiana de la Venecia del siglo XVIII. En esta simpática escena, el perrito faldero parece ser el único que presta atención a los músicos, mientras dos abates y un monje juegan una La escuela veneciana partida de naipes ignorando por completo al conjunto. El tono despreocupado de las reuniones y la agradable atmósfera que se creaba en aquellos salones fue expresado por Longhi con un fino sentido del humor y con menos encorsetamiento y artificio que los pintores franceses de la misma época.

(Gallería deii'Accademia, Venecia)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

El Lissitzky (1890-1941)

Constructivismo. Suprematismo.

Lissitzky, Lazar Lisickij, llamado El (Pochinok, prov.de Smolensko, Rusia, 23 de noviembre de 1890-Moscú, 30 de diciembre de 1941) Artista, diseñador, fotógrafo, maestro, tipógrafo y arquitecto ruso.

Biografía

Fue una de las figuras más importantes de la vanguardia rusa, contribuyendo al desarrollo del suprematismo junto a su amigo y mentor, Kazimir Malévich, y diseñó numerosas exposiciones y obras de propaganda para la Unión Soviética. Se lo considera uno de los principales representantes del arte abstracto y pionero en su país del constructivismo. Su obra influyó grandemente en los movimientos de la Bauhaus, el constructivismo y De Stijl, y experimentó con técnicas de producción y recursos estilísticos que posteriormente dominaron el diseño gráfico del siglo XX.

Toda la carrera de Lissitzky se guio por la creencia de que el artista podía ser un agente del cambio social, lo que más tarde resumió en su dicho, "das zielbewußte Schaffen" (La creación orientada a un objetivo).​ Era judío, y comenzó su carrera con ilustraciones de libros infantiles en yidis, en un esfuerzo por promover la cultura judía en Rusia, un país que estaba pasando por un enorme cambio en aquella época y que acababa de revocar sus leyes antisemitas. A los quince años de edad comenzó a impartir enseñanza, una tarea a la que se dedicó durante la mayor parte de su vida. A lo largo de los años, enseñó desde diversos cargos, escuelas y medios artísticos, difundiendo e intercambiando ideas a un ritmo rápido. Llevó consigo su ética cuando trabajó con Malévich liderando el grupo artístico suprematista UNOVIS, donde desarrolló una serie suprematista variante propia, los Prouns, y más aún en 1921 cuando asumió un cargo como embajador cultural de Rusia en la Alemania de Weimar, trabajando con una serie de figuras destacadas a las que influyó, tanto de la Bauhaus como del movimiento De Stijl. Durante el resto de su vida, realizó innovaciones significativas y cambios en los campos de la tipografía, diseño de exposiciones, fotomontaje y diseño de libros, produciendo obras respetadas por los críticos y obteniendo el aplauso internacional por sus diseños de exposiciones. Así siguió hasta su muerte, produciendo su última obra en 1941: un cartel de propaganda soviética que instaba al pueblo a construir más tanques para la lucha contra la Alemania nazi

.Fuente:  https://es.wikipedia.org/

Obras comentadas

Construcción

Proun

Galería

Victoria sobre el sol; bien está lo que bien empieza y no tiene fin, 1913

Reminiscencia de Rávena 1914. Cubo-Futurismo

Construcción de El Lissitzky

Creada en 1922, esta acuarela de El Lissitzky simboliza el proceso de búsqueda de las leyes de organización visual que respondía a los intereses de los artistas constructivistas soviéticos. Invitado por Chagall en 1919 para que formara parte del profesorado de la Escuela de Arte de Vitebsk, El Lissitzky se convirtió en un polifacético artista cuya producción influyó poderosamente en la pintura, la arquitectura, el diseño gráfico, la fotografía y la publicidad de la época, hasta el punto de ser nombrado director de la sala de pintura abstracta del Museo Municipal de Hannover, uno de los principales focos de dominio artístico de Europa.

(Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Belgrado)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Proun de El Lissitzky

El proyecto que El Lissitzky inició en el seno del grupo constructivista en esta témpera de 1923. En el dibujo se muestran todas y cada una de las características propias de la estética tecnicista de su autor. El título hace alusión a las siglas iniciales de la frase en ruso "Proyecto para el establecimiento de una nueva realidad " . El ritmo y el equilibrio asimétrico típicos de su obra fueron divulgados y popularizados en numerosos carteles publicitarios y el diseño de planos industriales convertidos en piezas de arte, más allá de su mero uso tecnológico.

(Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Leocares (trabajó entre los años 360 a 320 a.C.)

Primer clasicismo

Leocares. Escultor griego, probablemente ateniense, activo en el Atica, Peloponeso y Asia Menor en el s. -IV. Antes del año - 356 había realizado ya un retrato del orador lsócrates; entre -351 y - 350 colaboró en la decoración del Mausoleo de Halicarnaso; después del -338 realizó el grupo de estatuas criselefantinas para el Filipeion de Olimpia; alrededor del -320 colaboró con Lisipo en el anatema de Cratero en Delfos. También colaboró con los escultores más importantes de su época: Escapas, Timoteas y Briaxis.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obras comentadas

Apolo de Belvedere

Artemisa

Galería

Apolo de Belvedere

Artemisa

Cabeza de Alexandro

Artemisa de Leocares

 

Réplica romana en mármol del original en bronce del siglo II a.C. La instantaneidad del movimiento -Artemisa tomando una flecha de su carcaj- se concentra en los brazos y en la disposición de las piernas. Como hábil contrapunto, la cabeza levemente echada hacia atrás, frena el movimiento y subraya la eternidad de la fugitiva aparición.

Musée du Louvre, París

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Apolo de Belvedere de Leocares

 

El arte clásico tardío aparece profundamente ansioso de elevación y felicidad. Praxíteles y su discípulo Leocares redescubren los theoi rheia zoontes homéricos, los dioses que viven por encima de los mortales y a quienes se manifiestan bajo su forma más amable, sobrenatural y maravillosa. Esta magnífica escultura es una copia romana, en mármol, del bronce original.

Museos Vaticanos, Roma

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat