La Libertad guiando al pueblo (La
Liberté conduisant le peuple aux barricades) fue pintada por Eugéne
Delacroix inmediatamente después de los sucesos del 28 de julio de 1830, que
motivaron la caída de Carlos X y su sustitución por Luis Felipe de Orleáns, el
llamado Rey Burgués.
En medio de una ciudad en llamas,
surge una mujer, con el torso desnudo, que representa a la vez la Liberad y
Francia, porta en su mano derecha la bandera tricolor y en la izquierda el
fusil. Le acompañan miembros de las diferentes clases sociales, un obrero con
una espada, un burgués con sombrero de copa portando una escopeta, un
adolescente con dos pistolas, etc., para manifestar la amplia participación y
dejar clara que la causa común no mira la procedencia jerárquica. A los pies de
la figura principal, un moribundo mira fijamente a la mujer para señalar que ha
merecido la pena luchar.
La composición se inscribe en una
pirámide cuya base son los cadáveres que han caído en la lucha contra la
tiranía, cadáveres iluminados para acentuar su importancia, que se contraponen
con el gesto hacia delante de los combatientes.
La composición se basa claramente
en la Balsa de "La Medusa",
no obstante, aquí Delacroix invierte la orientación de las figuras que, en este
caso, avanzan hacia el espectador. Los escorzos, el movimiento y la disposición
asimétrica de los personajes, recuerdan las obras del Barroco.
Como advierte Argan, es el primer
cuadro político de la pintura moderna, que exalta la insurrección popular
contra la monarquía borbónica restaurada, es decir, con esta obra, el
romanticismo deja de mirar hacia la antigüedad y comienza a querer participar
en la vida contemporánea. En ella el deseo de compromiso político se hace
patente al convivir en la representación personajes reales, como el mismo
artista.
El cuadro radica en la
extraordinaria brillantez del color y el claroscuro. En la Libertad guiando el pueblo, la luz es un elemento primordial.
Estalla con fuerza en la camisa del hombre caído en primer plano para envolver
la figura de la alegoría y disolverse por medio de la polvareda con el humo y
las nubes, e impedir contemplar con claridad el grupo de figuras que se sitúan
tras el personaje femenino, así como las torres de Notre-Dame. Es una luz
violenta.
La pincelada, que recoge lecciones
de Goya,
es suelta. Las fachadas y tejados de las casas se reducen a un conjunto de
minúsculos toques, así como las pequeñas imágenes de soldados en el centro del
extremo derecho, que no son más que un conjunto de manchas.
Se está ante una composición
absolutamente dramática donde las líneas y las pinceladas de color se ondulan
aumentando la tensión del momento. Todas las formas están recorridas por un
movimiento ondulante siendo difícil encontrar una línea recta y más todavía
percibir una figura estática o serena.
La pintura es, en definitiva, una
reminiscencia de la Balsa de "La
Medusa". Al igual que ésta, el plano de la base es inestable a partir
del cual nace y se desarrolla de manera ascendente el movimiento. De igual
modo, la masa humana culmina con una figura que agita algo, allá un trapo, aquí
una bandera. Al igual que su compatriota, en primer plano sitúa los muertos en
unas posiciones tremendamente realistas.
La Libertad guiando al pueblo fue presentada al Salón de 1831 y adquirida
por Luis Felipe para el Museo Real. Actualmente este óleo sobre lienzo, la obra
maestra de Delacroix, de 260 x 325 cm se conserva en el Museo del Louvre, en
París.
Collier, John (Londres, 27 de enero de 1850 – Hampstead, 11 de abril de 1934) fue un destacado pintor y escritor británico asociado con la tradición prerrafaelista. Reconocido por sus retratos y pinturas de escenas mitológicas y literarias, Collier es considerado uno de los artistas más representativos de su época, combinando un estilo académico con influencias románticas.
Primeros años y formación
John Maler Collier nació en Londres, Inglaterra, en una familia influyente y culta. Su padre, Robert Porrett Collier, fue un importante abogado y político que llegó a ser primer barón de Monkswell. Esta conexión le permitió a John crecer en un entorno intelectual que influyó en su interés por las artes.
Estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Múnich y posteriormente en París, donde estuvo bajo la influencia del estilo académico francés. Fue alumno de maestros como Jean-Paul Laurens y Jules Bastien-Lepage, cuyas enseñanzas se reflejaron en la precisión técnica y el detalle de sus obras.
Carrera artística
Collier se convirtió en un retratista destacado, siendo conocido como uno de los principales pintores de la alta sociedad victoriana y eduardiana. Entre sus retratos más notables se encuentran:
Charles Darwin: Un retrato icónico del naturalista, encargado por la Royal Society.
Thomas Henry Huxley: Con quien Collier tenía una relación cercana, pues se casó con dos de las hijas de Huxley.
Además de sus retratos, Collier también pintó escenas mitológicas y literarias con una sensibilidad prerrafaelita. Entre estas obras destacan:
"Lady Godiva": Una representación de la famosa leyenda inglesa.
"Lilith": Un tema recurrente en su obra, inspirado en la mitología judía y las historias de la primera esposa de Adán.
"Clytemnestra": Una poderosa representación de la reina mitológica tras asesinar a su esposo, Agamenón.
Estilo artístico
El estilo de Collier mezcla el realismo académico con la sensibilidad prerrafaelita. Sus obras son conocidas por su atención al detalle, el uso vibrante del color y la habilidad para capturar la psicología de sus personajes. Aunque no formó parte formalmente de la Hermandad Prerrafaelita, su obra a menudo se asocia con este movimiento por su temática romántica y mitológica.
Escritos sobre arte
Collier también fue un escritor prolífico y contribuyó al entendimiento del arte victoriano con libros como:
"A Manual of Oil Painting": Una guía práctica para pintores.
"The Art of Portrait Painting": Donde compartió su conocimiento sobre la técnica del retrato.
Vida personal
Collier estuvo casado dos veces. Su primera esposa fue Marian Huxley, hija del científico Thomas Henry Huxley, con quien tuvo dos hijos. Tras la muerte de Marian en 1887, Collier se casó con Ethel Huxley, hermana menor de Marian, lo que fue aceptado dentro de los círculos sociales de la época.
Collier mantuvo una estrecha relación con intelectuales, científicos y figuras literarias de su tiempo, lo que enriqueció su obra artística y le dio acceso a comisiones de alto perfil.
Legado
John Collier murió el 11 de abril de 1934 en Londres. Aunque su obra fue ampliamente reconocida en su época, con el tiempo cayó en un relativo olvido, como ocurrió con muchos artistas académicos tras el auge del modernismo. Sin embargo, en las últimas décadas, ha habido un renovado interés en su obra, especialmente por su conexión con la estética prerrafaelita y su contribución al arte victoriano.
Su capacidad para capturar la esencia de sus sujetos y su maestría técnica lo convierten en una figura importante en la historia del arte británico. Sus pinturas permanecen en museos y colecciones privadas, donde continúan siendo apreciadas por su belleza y precisión.
Valle yFernández Álvarez y Suárez Quirón, Evaristo (Gijón, 11 de julio de 1873 – ibíd., 29 de enero de 1951) fue un pintor español destacado por su estilo lírico y colorido refinado. Su obra se caracteriza por una visión original del paisaje y la humanidad.
Primeros años y formación
Nacido en Gijón, Asturias, Valle mostró desde temprana edad una inclinación por el dibujo. A los diez años, se trasladó con su familia a San Juan de Puerto Rico, donde su padre fue nombrado magistrado. Sin embargo, tras el fallecimiento de su padre, la familia regresó a Gijón al poco tiempo.
Durante su juventud, desempeñó diversos oficios, trabajando en una refinería de petróleo y en talleres litográficos en Gijón. En 1896, se trasladó a París, donde residió de forma intermitente y publicó sus primeros dibujos y caricaturas en revistas.
Trayectoria artística
En París, Valle se relacionó con círculos postimpresionistas y simbolistas, mostrando interés por la obra de artistas como Gauguin y Toulouse-Lautrec. Esta influencia se reflejó en su estilo, que combina un lirismo particular con un uso refinado del color.
En 1900, regresó a España decidido a dedicarse por completo a la pintura. Aunque participó en algunas exposiciones colectivas, su agorafobia le llevó a aislarse progresivamente, limitando su presencia en la escena artística. Durante este periodo de reclusión, escribió obras de teatro y novelas, aunque su producción literaria no alcanzó la misma notoriedad que su obra pictórica.
Legado
Evaristo Valle es considerado un valor excepcional dentro de la pintura española de su tiempo, por su lirismo, por su colorismo refinado y por la originalidad de su sentido del paisaje y de la humanidad.
Su obra se conserva en diversas colecciones, y en Gijón se encuentra la Fundación Museo Evaristo Valle, dedicada a preservar y difundir su legado artístico.
Castellanos, Carlos Alberto (Montevideo, 28 de enero de 1881 – 26 de octubre de 1945) Fue un destacado pintor uruguayo, reconocido por su versatilidad y su capacidad para integrar influencias europeas con temáticas americanas.
Formación y primeros años
Castellanos inició sus estudios artísticos bajo la tutela de Carlos María Herrera en el Círculo de Bellas Artes de Montevideo. En 1907, viajó a España y se formó en el taller de Joaquín Sorolla y Bastida en Madrid, donde profundizó en técnicas impresionistas y en el uso de la luz.
Trayectoria artística
A lo largo de su carrera, Castellanos exploró diversos estilos y temáticas. Su obra abarca desde paisajes y escenas mitológicas hasta representaciones de arlequines y saltimbanquis. Su pintura se caracteriza por un decorativismo refinado y una paleta de colores variada, adaptándose a las diferentes etapas de su producción artística.
En 1914, tras recorrer Paraguay, Bolivia y Brasil, se estableció en Pollensa, Mallorca, donde continuó desarrollando su obra. Durante su estancia en Europa, también residió en París, participando en diversos salones y exposiciones.
Reconocimientos y premios
Castellanos obtuvo varios galardones a lo largo de su carrera, entre los que destacan:
Medalla de Plata en la Exposición Panamá Pacific de San Francisco en 1915.
Gran Premio Medalla de Oro en los Salones Nacionales de 1943 por su óleo "El Taller".
Legado
Carlos Alberto Castellanos es considerado una figura clave en la pintura uruguaya del siglo XX. Su capacidad para fusionar influencias europeas con temáticas locales le permitió crear una obra única que continúa siendo valorada y estudiada en la actualidad.
Su legado perdura en colecciones y museos, como el Museo Nacional de Artes Visuales de Uruguay, donde se conservan varias de sus obras más representativas.
Angus, Rita (12 de marzo
de 1908 - 25 de enero de 1970), conocida como Rita Cook al principio de su
carrera, fue una pintora neozelandesa que, junto con Colin McCahon y Toss
Woollaston, es considerada una de las principales figuras del arte neozelandés
del siglo XX.. Trabajó principalmente con óleo y acuarela, y se hizo conocida
por sus retratos y paisajes.
Biografía
Angus nació como Henrietta
Catherine Angus el 12 de marzo de 1908 en Hastings, Nueva Zelanda. Era la mayor
de siete hijos de William McKenzie Angus y Ethel Violet Crabtree. En 1921, su
familia se mudó a Palmerston North y ella asistió a la escuela secundaria para
niñas de Palmerston North de 1922 a 1926.
En 1927, Angus comenzó a estudiar
en la Escuela de Arte del Canterbury College. Nunca completó su diploma en
bellas artes, pero continuó estudiando hasta 1933, incluidas clases en la
Escuela de Bellas Artes Elam de Auckland. Durante sus estudios conoció el arte
renacentista y medieval y recibió una formación tradicional en dibujo al
natural, naturaleza muerta y pintura de paisajes.
Angus se casó con Alfred Cook, un
colega artista, el 13 de junio de 1930, pero se separaron en 1934 y se
divorciaron en 1939. Angus firmó muchas de sus pinturas como Rita Cook entre
1930 y 1946, pero después de descubrir en En 1941, cuando Alfred Cook se volvió
a casar, cambió su apellido mediante escritura pública a McKenzie, el apellido
de su abuela paterna. Como resultado, algunas de sus pinturas también están
firmadas por R. Mackenzie o R. McKenzie, pero la mayoría están firmadas por
Rita Angus.
Después de un breve período
enseñando arte en Napier, Angus vivió principalmente en Christchurch durante
las décadas de 1930 y 1940.En una situación financiera difícil después de su
divorcio, aceptó diferentes trabajos, incluido el de profesora y como
ilustradora para la prensa. A finales de la década de 1940 sufrió una
enfermedad mental y ingresó en el Sunnyside Mental Hospital en 1949. En 1950 se
mudó a Waikanae para convalecer y luego se instaló en Wellington en 1955.
A principios de la década de
1940, Rita Angus tuvo un romance con el compositor Douglas Lilburn, a quien
conoció en 1941; quedó embarazada pero abortó. La aventura como tal fue breve,
pero la conexión permaneció, y Lilburn estuvo presente cuando murió en 1970. La
aventura entre los dos sólo se conoció después de que se descubrieron cartas en
2002.
A partir de diciembre de 1969, el
estado de Angus se deterioró rápidamente; Murió en el Hospital de Wellington de
cáncer de ovario el 25 de enero de 1970, a la edad de 61 años
Arte
Cass, que Angus realizó en 1936,
ha sido llamada "una de las imágenes icónicas de la pintura neozelandesa
del siglo XX".
Entre las influencias de Angus se
encuentran el arte bizantino y el cubismo. También fue influenciada por la
pintura del monte Taranaki de 1931 del pintor inglés Christopher Perkins, una
respuesta a la iluminación clara distintiva de Nueva Zelanda. Sus paisajes
llegaron en una época en la que mucha gente estaba preocupada por crear un
estilo claramente neozelandés, pero a la propia Angus no le interesaba tanto
definir un estilo nacional como su propio estilo. Sus pinturas son claras, de
bordes duros y claramente definidas. En las décadas de 1930 y 1940 pintó
escenas de Canterbury y Otago. Uno de los más famosos es Cass (1936) en
el que retrató el vacío desnudo del paisaje de Canterbury utilizando formas
simplificadas y colores en su mayoría sin mezclar, dispuestos en secciones en
un estilo que recuerda al arte del cartel. Cass fue votada como la
pintura más querida de Nueva Zelanda en una encuesta televisiva de 2006.
Durante un tiempo vivió junto al
artista Leo Bensemann. Sus pisos adyacentes se convirtieron en una especie de
centro de la escena artística local y se dice que se estimularon mutuamente en
su arte. Se ha dicho que Angus produjo algunas de sus mejores piezas durante
este tiempo, incluidos muchos retratos. También produjo cómics, firmados con el nombre
de Rita Cook.
Las creencias pacifistas de Angus
se pueden ver en su arte de la década de 1940, cuando evitaba cualquier tipo de
trabajo bélico. Angus declaró: "Como artista, mi trabajo es crear vida y
no destruirla". Creó tres imágenes de diosas que simbolizan la paz, de las
cuales "Rutu" es la más conocida.
A principios de la década de
1950, Angus pasó algún tiempo viajando por Nueva Zelanda. Uno de sus viajes fue
a Central Otago, donde pintó su conocida pieza Central Otago. En 1955
Angus se mudó a Wellington y desde ese momento sus paisajes se centraron en
Wellington y la Bahía de Hawke, que visitaba regularmente. Barcos, Island
Bay es una de esas pinturas icónicas de Wellington. Pintó una gran cantidad
de retratos, entre ellos "Cabeza de un niño maorí" (1938) y
"Retrato ( Betty Curnow )" (1942). Pudo capturar la
personalidad de sus sujetos, yendo más allá de una mera representación de su
forma. Angus también pintó 55 autorretratos, particularmente durante sus
últimos años cuando sufrió ataques cada vez más graves de trastorno narcisista.
En 1958, ganó una beca de las
Sociedades de Arte de Nueva Zelanda y viajó a Londres para estudiar en la
Escuela de Arte de Chelsea y el Instituto de Arte Contemporáneo. También visitó
Escocia y Europa y estudió arte europeo moderno y tradicional. Angus dedicó
gran parte de 1960 a pintar un mural en la escuela secundaria para niñas de
Napier que ahora se puede ver en el frente del salón de la escuela. El mural
fue encargado para conmemorar a las niñas que murieron en el terremoto de
Hawke's Bay de 1931.
Cuatro de las pinturas de Angus
aparecieron en una serie de sellos postales emitidos por New Zealand Post en
1983 para conmemorar el 75 aniversario del nacimiento del artista
Caba, Antonio (Barcelona,
1838 - Barcelona, 25 de enero de 1907) Pintor español. Destacó por su realismo y
la precisión con que cultivó el retrato. Influyó en la pintura de su tiempo.
Biografía
Se formó en la Escuela de la
Lonja durante los años 1850, donde recibió formación de la mano de Gabriel
Planella, Pau Milà i Fontanals y de Claudio Lorenzale . Gracias a una pensión
de la diputación, posteriormente estudió en la Real Academia de Bellas Artes de
San Fernando de Madrid, donde recibió lecciones de Federico de Madrazo. En 1864
se presentó por primera vez en la Exposición Nacional de Bellas Artes con La
heroína de Peralada, óleo por el que obtuvo segunda medalla y que compró el
Estado con destino al Museo de la Trinidad (Museo del Prado, depositado en el
Ayuntamiento de Peralada).3
Durante un tiempo se formó en la
Academia de Bellas Artes de París, donde estuvo bajo las órdenes del pintor
suizo Charles Gleyre. En 1874 ganó la posición para la plaza de profesor de la
clase de Colorido y Composición de la Escuela de la Lonja, que consiguió con su
obra Arrepentimiento de Judas, y entre 1887 y 1901 fue el director de esta
Escuela. Durante este tiempo se dedicó a realizar retratos para la burguesía
catalana y barcelonesa en particular, que recibieron el apodo de fotográficos.
Fue socio del Real Círculo Artístico de Barcelona.
Obra
Su obra está relacionada con el
academicismo pictórico con influencia del romanticismo. Realizó decoraciones
murales, entre otros lugares en el Gran Teatro del Liceo y fue un reconocido
retratista, con un estilo muy sobrio. En el Museo Nacional de Arte de Cataluña
se conservan los retratos que dedicó a los pintores Joaquím Vayreda, Sebastià
Junyent y Ramón Padró junto con su propio Autorretrato
y el del niño Josep María Brusien su lecho de muerte, entre otros,
además de algunos asuntos alegóricos y estudios para decoraciones murales como El Tiempo, la Fortuna y el Amor. Otro
retrato de artista conserva el Museo del Prado: el llamado El escultor Samsó. En la Real Academia Catalana de Bellas Artes de
San Jorge, a parte de las dos obras reproducidas, se conservan las siguientes
pinturas: El tributo del César, Copia
de El príncipe Baltasar Carlos de Velázquez, Retrato de Frederic Oliveras,
Retrato de Maria Moret d'Oliveras, Retrato de Narcís Oliveras, Retrato de Enriqueta Oliveras, Retrato del marqués de Alfarràs, Retrato de Beatriu Vidal de Monserdà y Retrato de Claudi Lorenzale, así como un
retrato del pintor realizado en 1907 por Arcadio Mas. También hay obra suya en
el Museo de Arte del Ampurdán de Figueras.
Yamamura Toyonari 山村豊成 (Shinagawa, Tokio, Japón, diciembre de 1885 – 25 de enero de 1942) Pintor y grabador de Meiji.
Biografía
Nacido en 1885, en el distrito Shinagawa de Tokio, Yamamura Toyonari es más conocido por sus grabados y pinturas de actores de Kabuki. Yamamura también usó el nombre Yamamura Kōka 山村耕花. A partir de 1896, estudió con Ogata Gekko (1859-1920).
En 1907, se graduó de la Escuela de Bellas Artes de Tokio (Tokyo Bijutsu Gakko) en pintura de estilo japonés (nihonga) y expuso en la primera exposición Bunten patrocinada por el gobierno. También expuso en el gobierno patrocinado por Inten y con la Cormorant Society (Ugokai). Fue miembro fundador del grupo de artistas Sango-kai (Coral Society).
Toyonari estaba muy interesado en las artes teatrales y la pintura histórica y de género, y fue un erudito y coleccionista de ukiyo-e. Diseñó varias impresiones de actores pequeños para la revista New Actor Portraits (Shin Nigao) en 1915. Los bloques fueron tallados por Igami Bonkotsu, y varios otros artistas contribuyeron al proyecto, incluidos Torii Kotondo (1900-1976), Ishii Hakutei (1882-1958) y Natori Shunsen (1886-1960). El objetivo del proyecto era llamar la atención para el teatro Kabuki.
En 1916 se convirtió en miembro del Reorganized Japan Art Institute (Saiko Nihon Bijutsuin).También en 1916, el editor Watanabe Shozaburo vio una de las pinturas de Toyonari en Inten y quedó tan impresionado que le pidió a Toyonari que creara un grabado en madera basado en la pintura. En 1920, Toyonari comenzó a producir su conocida serie de 12 grabados de actores, Flowers of the Theatrical World (Rien no hana kagatobi) para Watanabe. Inicialmente, cada diseño se produjo en una edición de 150 impresiones y se hicieron en el formato okubi-e (retrato de cabeza grande). Produjo treinta y dos impresiones para Watanabe.
En 1919 colaboró con Machida Hakuzo y publicó Compendium of Theatrical Woodblock Prints (Shibai nishiki-e shusei).A principios de los años 20, Yamamura contribuyó con un diseño, basado en la obra de teatro Tanba Yosaku, a la serie de grabados en madera Suplementos de las obras completas de Chikamatsu Manzaemon.
En los años posteriores al Gran Terremoto de Kanto de 1923, y la destrucción resultante de su trabajo en Watanabe, Toyonari comenzó a centrarse en otros temas, como bijinga(estampados de mujeres hermosas) y paisajes, y terminó su relación laboral con Watanabe después de 1926. En 1924, Toyonari talló y publicó la impresión, Dancing at the New Carlton Hotel en Shanghai (que se muestra a la izquierda), una obra que encarna el espíritu de los locos años veinte. Fue uno de los primeros grabados japoneses en mostrar los cambios sociales extremos que se estaban produciendo en el país en ese momento. A lo largo de su carrera, Toyonari produjo alrededor de 30 bloques de madera, dieciséis de los cuales fueron publicados por Watanabe. Además del bloque de madera, también trabajó en el medio de litografía.
