Lucian Freud. Surrealismo.

Caja de manzanas en Gales, 1939

Caballo sonriendo, 1939-1940

Paisaje con pájaros, 1940

Los chicos del pueblo, 1942

Fragmento Cabeza de Gerald Wilde, 1943

Hombre con una pluma, 1943

Hombre con brazos cruzados, 1944

Jardín jungo al mar, 1944

La habitación del pintor, 1944

Palmera, 1944

Retrato de joven, 1944

Mujer con tulipán, 1945

Mujer con un narciso, 1945

Retrato de hombre, 1946

El gavilán, 1947

Niña con gatito, 1947

Rosa y guisante de olor, 1947

Abrigo oscuro II, 1948

Autorretrato con jacinto en maceta, 1947-1948

Enfermo en París, 1948

Hombre de noche (Autorretrato), 1947-1948

Niña con hoja de parra, 1948

Niña con hoja de parra, 1948

Niña con rosas, 1948

La joven del perro blanco de Lucian Freud

Típico del primer período de Freud, La joven del perro blanco se creó con un pincel de marta, que utilizó para aplicar la pintura con precisión lineal, casi como un dibujo. El sombreado sutil evoca una multitud de texturas que exudan suavidad, calidez y ausencia de tensión inmediata. La túnica se ha deslizado del hombro de la niñera, dejando al descubierto su pecho derecho. Junto con la mirada ausente de la mujer y el perro, los colores apagados y los contornos tenues le dan a esta composición una uniformidad general.

La niñera es Kitty Garman, la primera esposa de Freud y una destacada belleza cuyo padre fue el artista Jacob Epstein. El perro era uno de los dos bull terriers que les dieron como regalo de bodas.

Freud pintó muchos retratos de Kitty durante su breve matrimonio, que terminó en divorcio en 1952, debido a sus infidelidades crónicas. El cansancio en la expresión de la modelo, las profundas oquedades bajo los ojos y el gesto de autosuficiencia de la mano bajo el seno izquierdo insinúan su descontento, a pesar de este momento de calma. La distancia analítica que llegó a caracterizar la brillantez de Freud como observador se ve reforzada por la ausencia de un nombre en el título, a pesar de su íntima conexión con los temas. Pudo ver ciertas cosas mejor porque se mantuvo distante.

Fuente: https://www.wikiart.org/ 

Dormitorio de hotel de Lucian Freud

Al establecerse en París en 1952, Freud pintó muchos retratos, incluido Dormitorio de hotel (1954), que presenta a una mujer acostada en una cama con sábanas blancas hasta los hombros. Su mano izquierda descansa sobre su mejilla y su mirada está fija en un lugar lejano. En marcado contraste, un hombre de pie está de pie detrás de ella y la mira fijamente. Su forma oscura se cierne sobre ella amenazadoramente, recortada contra la luz del sol. Al fondo se ven otras ventanas del edificio de enfrente.

El hombre es el propio Freud, y la mujer es Lady Caroline Hamilton Temple Blackwood, la heredera de la cerveza Guinness con quien se fugó en 1952 después del divorcio de su primera esposa. En ese momento se hospedaban en el Hotel La Louisiane, y la obra refleja la ansiedad y tensión en su relación, que ya había comenzado a desmoronarse. Ella pronto lo dejaría y el angustiado Freud, aunque tendría muchas más relaciones, nunca volvería a casarse. Esta pintura se encuentra entre las obras que Freud exhibió en la Bienal de Venecia cuando fue invitado a servir como representante de Gran Bretaña en 1954, un gran honor. Al igual que este y otros primeros retratos del artista, la obra tiene una cualidad plana, similar a la de un dibujo. Aquí, sin embargo, el cuerpo del artista es un agujero negro que amenaza con absorber la luz del resto del cuadro. La pose de pie del artista también parece presagiar un punto de inflexión en su método de trabajo. Este es el último retrato que completó sentado. A partir de ese momento, optó por permanecer de pie mientras pintaba. Una de sus obras más narrativas, ejemplifica el ensimismamiento autobiográfico y el desapego asociado con su obra posterior.

Fuente: https://www.wikiart.org/

Hombre pelirrojo en una silla de Lucian Freud

Este es uno de los primeros ejemplos del estilo maduro de Freud. Las poses no convencionales eran una de las especialidades de Freud. El tema es convencional, pero la pose es una que rara vez, si es que alguna vez, se ve en los retratos occidentales tradicionales. El sujeto es Tim Behrens, un amigo y estudiante de la Slade School of Art, donde Freud fue profesor visitante. El título genérico de la obra, que no da ninguna pista sobre los detalles del modelo o el entorno, refleja el desapego clínico constante con el que Freud abordó todos los temas, sin importar su relación con él. Red Haired Man on a Chair (1962) muestra a Behrens sentado con las rodillas debajo de él, vestido con un traje gris y con sus zapatos marrones apoyados en una silla que parece inclinarse hacia nosotros. El poste de madera y la pila de telas desechadas detrás de él indican que el ambiente es el estudio de pintura. En este punto de su carrera, Freud hizo una transición de los pinceles de marta a los de pelo de cerdo, lo que le permitió un mayor control y la capacidad de aplicar trazos amplios en el estilo fuertemente empastado que se ve aquí.

Está claro que Freud ha alcanzado un nuevo nivel de sofisticación. Obsérvese, por ejemplo, la tensión lineal entre la figura y el poste a centímetros de distancia, dando la apariencia de que si se inclina un poco más hacia la izquierda, podría tocarlo. Obsérvese, también, la relación entre la figura vertical y la línea horizontal de trapos del fondo, que forma una cruz. Freud no era ni remotamente religioso, y ciertamente no era católico, por lo que esta es una inteligente referencia a la pose que sostenía su alumno, que era tremendamente incómoda y subraya la posición de su alumno como mártir por la causa del gran arte. La observación, más sádica que empática, caracteriza el acercamiento de Freud a la forma humana, en particular su capacidad de suspender la empatía con el retratado para observarlo más de cerca.

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Annabel durmiendo de Lucian Freud

Esta obra de arte fue pintada entre 1987 y 1988, cuando Freud ya era un artista establecido. La mujer retratada es una de sus dos hijas fruto de su matrimonio con Kitty Garman (hija de un escultorjacob epstein).

Lo que es bastante innovador en el enfoque de Freud sobre el tema representado es la perspectiva. El artista representa un cuerpo acostado completamente alejado de nosotros, por lo que no podemos ver la expresión facial, pero aún así, la pintura es bastante expresiva. El cuerpo está acurrucado en posición fetal, lo que puede interpretarse como una reacción a un trauma físico o psíquico. Al representar así a su hija dormida, Freud puede estar sugiriendo que él es un observador impotente de su dolor mental y emocional. También está poniendo al espectador en la posición de un voyeur que se entromete en el espacio personal de una mujer y obtiene una idea de cómo se siente. Además, esta pintura podría leerse en clave feminista: una mujer expresa su trauma solo cuando duerme, solo cuando no se da cuenta de que otros la están mirando.

En sus pinturas, Freud demuestra la tangibilidad de los humanos, ya sea su dolor emocional y su lucha, o el naturalismo en la representación de sus cuerpos. Esta tangibilidad de Annabel se muestra en una fisicalidad bruta de sus pies. El artista enfatiza pequeños detalles, como el movimiento de los músculos y la textura de la piel. Desidealiza el cuerpo humano, rompe con la tradición de representar la figura femenina como un objeto bello e impecable, e insiste en la corporeidad de todos los cuerpos. Esta desidealización nos recuerda a Caravaggio. El realismo se puede ver en sus obras como Virgen de Loreto, Entierro de Cristo o Crucifixión de San Pedro. De manera similar, la representación de Caravaggio de los pies sucios de los santos destaca la imperfección del cuerpo humano y la naturaleza humana.

Fuente: https://www.wikiart.org/

Reina Elizabeth II de Lucian Freud

Freud pintó muchos retratos de personajes famosos a lo largo de su carrera. La Reina es quizás su tema más poderoso y mundialmente reconocible. Si bien Freud normalmente trabajaba en grande, esta composición mide aproximadamente nueve y media por seis pulgadas, lo que la convierte en una de sus pinturas más pequeñas. No obstante, representa a la monarca británica como una presencia imponente. Toda la composición está ocupada por su rostro. Un collartla de perlas adorna su garganta, mientras que sobre su cabello blanco hay una corona enjoyada elaborada. Los detalles simétricos en las joyas y el cabello marcan los parámetros del cuadro y sirven como una especie de límite psíquico para la obra. La corona, un artículo que Freud le pidió específicamente que usara para el retrato, domina el borde superior de la imagen.

Después de acceder a posar para el artista, la reina se reunió con Freud para una sesión en mayo de 2000. Haciendo una excepción a su práctica habitual de concertar una cita en el estudio, Freud viajó para las sesiones al Palacio de St. James en el Convento de la Colección Real, donde posó para él en el estudio de conservación de fotografías. El pequeño lienzo tardó más de seis meses en completarse y finalmente se terminó en diciembre de 2001. Cuando estuvo listo para pintar la corona, a la Reina, que tenía otras obligaciones, se le había acabado el tiempo. Así que un modelo tuvo que ser utilizado. Freud, siempre un pararrayos para la controversia, fue acusado de pintar a la Reina de una manera poco halagüeña e indebidamente dura.

El proyecto generó debate y recibió críticas mixtas (algunos lo vieron como un truco publicitario barato de un artista con talento decreciente). Sin embargo, en su franca observación de las facciones de la Reina, uno ve una cruda intensidad que Freud había mantenido a lo largo de su carrera y se negaba a minimizar, independientemente de su tema. Entre las interpretaciones más intrigantes de este retrato, discutidas recientemente por el historiador de arte independiente Simon Abrahams, está que la Reina es un sustituto simbólico del propio artista, una especie de alter ego. Los rasgos envejecidos de la reina en este retrato son notablemente similares a los del propio Freud, y la prensa británica se quejó de que el retrato no se parecía en nada a ella, lo que añadía credibilidad a la teoría.

Fuente: https://www.wikiart.org/ 

Jean Metzinger (1883-1956)

Cubismo

Metzinger, Jean (Nantes, 24 de junio de 1883-París, 3 de noviembre de 1956) Pintor, poeta, teórico y crítico de arte francés. Su pintura, inscrita inicialmente en el puntillismo neoimpresionista, se relacionó posteriormente con el fauvismo y el cubismo.

Biografía

En 1903 Metzinger llegó a París. Después de haber experimentado el neoimpresionismo y el fauvismo, se dedicó a obras más personales (Retrato de Apollinaire, 1910). Amigo de Max Jacob y de Guillaume Apollinaire, se convirtió pronto en un habitual del Bateau Lavoir y se encaminó hacia un cubismo analítico ortodoxo (Desnudo, 1910).

Metzinger, gracias a su talento como escritor, fue el primero en relatar la práctica del pintor de Montmartre, ausentes de los Salones. Así, en su artículo (Nota acerca de la pintura, 1910) explica que Braque y Picasso se habían despojado de la perspectiva tradicional y se habían tomado la libertad de girar al redor de los objetos, lo cual le permitía hablar, por primera vez de totalidad.

En 1911 decidió librarse de la influencia excesiva de los pioneros de la vanguardia y se dedicó a pintar obras más originales (La Merienda, 1911). Posteriormente comenzaría una frase más analítica, con un estudio más complejo del tema, al que presentaba bajo diferentes ángulos (La pluma amarilla, 1912). A partir de 1914-1915, mantendría este estilo de manera más simplificada (Mujer con espejo, abril de 1916).

Por la fragmentación de los objetos y su voluntad de mostrarlos en varias caras mediante el giro del plano visual sobre un eje, el arte Metzinger está claramente emparentado con el cubismo de los primeros tiempos (1908-1910). Pero por su preocupación por la anécdota y por su sistema de iluminación clásico, pertenece también al arte tradicional (Las bañistas, 1913). En este aspecto, se encuentra próximo a su amigo Albert Gleizes, con el que escribió el libro Du cubismo (Sobre el cubismo).

Fuente:  https://es.wikipedia.org/

Obras comentadas

L'Oiseau bleu

Merienda

Galería

Flores rosas rosa en un florero, 1902. Divisionismo

Claro, 1903. Impresionismo

Merienda de Jean Metzinger

El retrato de la joven pintado por Metzinger diluye las formas en una fragmentación caleidoscópica sin apenas preocuparse por dar profundidad al cuadro. El interés del autor estribaba más bien en hacer encajar cada parte de la obra de manera lógica en el conjunto, procurando que cada una de ellas hallara su justificación espacial por el detalle de aquello que se observaría en la realidad, desde el gesto de la cuchara, hasta la sonrisa de medio lado de la muchacha.

(Museo de Arte, Filadelfia)

Fuente: Historial del Arte. Editorial Salvat

L'Oiseau bleu de Jean Metzinger

La amalgama de figuras de este cuadro no responde a una ordenación anárquica, sino a un consciente interés por estructurar el espacio utilizando la composición piramidal de las propias figuras representadas, manteniendo casi en el centro del cuadro al pájaro azul que da título a la obra. Metzinger reforzaba la sensación de indefensión de la inocencia apresando al pájaro entre las manos de un hombre mientras otro personaje se abanica con burlesca sorna en el margen izquierdo del cuadro, realzando el malestar moral de una sociedad absurda que arrastraba cada vez más a los conciudadanos al odio hacia el prójimo con total indiferencia.

(Museo Nacional de Arte Moderno, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Johannes Baader (1889-1943)

Dadaísmo

Baader, Johannes (Stuttgart, 22 de junio de 1875 - Adldorf, Niederbayern , 15 de enero de 1955) fue un artista afiliado al dadaísmo.

Baader provenía de una familia burguesa de artesanos. Su padre se llamaba Adolf Baader y su madre Johanna Weigle. Johannes Baader asistió de 1892 a 1895 a la escuela de constructores de Stuttgart y estudió arquitectura de 1898 a 1899. En 1905 conoció a Raoul Hausmann, que le introduciría más tarde en el círculo dadaísta de Berlín. Baader sostenía el pesimismo cultural y tenía una visión del mundo religiosa-ocultista.

Dada Milchstrasse, 1919

En 1906 planeó la construcción de un templo mundial para la «Unión internacional interreligosa». En 1914 publicó Catorce cartas de Cristo, un tratado de monismo, y en los años siguientes colaboró en las revistas Die freie Straße y Der Dada. En 1917 se le declaró loco, cosa que le eximía de responsabilidad y que aprovechó para atacar a personajes públicos y míticos. En 1917 se presentó a las elecciones al Reichstag por Saarbücken y fundó con Hausmann Christus GmbH. En 1918 Baader escribió su tratado Die acht Weltsätze (Ocho tesis del mundo) y en 1919 declaró su resurrección en Oberdadá, Presidente del espacio. Los dadaístas veían en Baader a alguien que tenía el dadá como forma de vida. Sin embargo, tuvo problemas con el resto de dadaístas a causa de sus acciones extremas. En 1920 huyó con la caja de la gira dadá en Praga, lo que le causó más fricciones con el resto de dadaístas.

Trabajó en su identidad cósmica en textos y collages, (por ejemplo, Dada Milchstrasse, 1919). Su Das grosse Plasto-Dio-Dada-Dramam un montaje pensado para servir de modelo para la arquitectura dadaísta, se expuso en Berlín en la Erste internationale Dada-Messe (Primera feria internacional dadá). También realizó esbozos de arquitectura visionaria, que, como los de Hausmann y Jefim Golyscheff involucraban estructivistas proto-constructivismo. En la década de 1920 siguió realizando collages y trabajando en ideas arquitectónicas.

Johannes Baader murió en 1955 a la edad de 79 años en un hogar de ancianos de Niederbayern.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obra comentada

Carta postal a Tristan Tzara

Galería

Die Freie Strasse, revue dadaïste fondée par Franz Jung et Raoul Hausmann en collaboration avec Johannes Baader, 1918

Johannes Baader, Collage Dada, Portrait de Raoul Hausmann [Dada Collage, Portrait of Raoul Hausmann], 1919, Kunsthaus Zürich, Graphische Sammlung, Zurich.

Carta postal a Tristan Tzara de Johannes Baader.

Este artista alemán llamaría la atención del grupo Dadá por su escandalosa actitud provocadora frente a los medios de comunicación, más que por su obra plástica. Controvertido y desigual, Baader representa el más alucinado de los artistas del movimiento, capaz de todo tipo de locuras sin freno desde su primera exposición de manuscritos con collage, objetos inútiles y tarjetas de visita aberrantes que compiló como único equipaje tras su fuga de un manicomio a finales del siglo XIX.

(Biblioteca Literaria Jacques Doucet, París). 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.