Li Yuan-chia (1929-1994)

Arte abstracto. Arte conceptual.

Yuan-chia, Li (chino: 李元佳 ; pinyin : Lǐ Yuánjiā, Guangxi, China, 1929 – 1994) fue un artista, poeta y curador chino. Él incorporó instalaciones, obras y fotografías en su arte, y fue uno de los pocos artistas de origen chino activos en el Reino Unido durante su vida.

Biografía

Vida temprana y Taiwán

Fue educado en Taiwán desde 1949.

Li Yuan-chia fue uno del grupo Ton Fan (東方 畫 會) que se formó en Taiwán en 1956, también conocido como Movimiento Oriente o Dongfang Huahui. Se le atribuye el establecimiento de arte abstracto moderno en los círculos chinos. Li fue uno de varios estudiantes de Li Chung-sheng (李仲生, Pinyin Li Zhongsheng) en Ton Fan, que colectivamente se conocieron como los "Ocho Grandes Forajidos" (八大 響馬).

El grupo expuso en 1957 en la Bienal de Arte de São Paulo. En Taipei, en noviembre de 1957, realizaron una exposición colectiva, que incluía obras de pintores españoles obtenidas por Hsiao Chin. Este fue el primero de 15 espectáculos en 1971, pero el grupo se volvió menos activo debido a la emigración de muchos de sus miembros. Un espectáculo del 25 aniversario tuvo lugar en 1981.

Li Chung-sheng más tarde comentó sobre el desarrollo inicial de Li Yuan-chia por un estilo caligráfico fácil, pero también como un artista conceptual chino temprano.

En Italia y Londres

Li pasó un tiempo en Italia, en Bolonia y Milán; fue fundador del grupo Punto, reincorporándose a Hsiao Chin (蕭 勤, Pinyin Xiao Qin), y residió en Bolonia en 1965.

Li Yuan-chia se mudó a Londres en 1965, donde expuso con David Medalla y más tarde en la Galería Lisson. Participó en la exposición Signals 3 + 1 de 1966, organizada por Paul Keeler y Anthony de Kedrel, con Hsiao Chin, Ho Kan y Pia Pizzo.

En el norte de Inglaterra

En 1968, Li Yuan-chia se mudó al área de Brampton (ahora en Cumbria) en el noroeste de Inglaterra. Después de dos años de residencia cerca de Lanercost, compró una casa de campo abandonada en Banks on Hadrian's Wall del artista Winifred Nicholson. Por su propio esfuerzo y con escasos recursos, estableció el Museo LYC y la Galería de Arte. Una artista artista amiga era Audrey Barker. El Museo fue descrito por Hunter Davies en su libro A Walk along the Wall, quien señaló entre sus exhibiciones una pieza de Takis y una pintura de Alfred Wallis.

El LYC exhibió artistas como Andy Goldsworthy y David Nash. Rosie Leventon, Rose Frain, Kate Nicholson y Bill Woodrow realizaron exposiciones individuales allí durante la década de 1980. También alentó los esfuerzos creativos de los niños, algunos de los cuales continuaron con carreras exitosas en las artes.

Obteniendo un reconocimiento cada vez mayor por su empresa, después de un año o dos, Li recibió fondos del Consejo de las Artes, lo que hace posible que el Museo continúe sus actividades durante los diez años que había planeado originalmente.

Muerte y legado

Li Yuan-chia murió de cáncer. Hubo una exposición conmemorativa de 1998 de su trabajo en Taipei. Una retrospectiva de su trabajo y carrera se mostró en Londres en el Camden Arts Center en 2001.

Fuente: https://es.wikipedia.org

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1960. Arte abstracto

1962. Arte abstracto

Yu Youhan (1943)

Pop Art. Maximalismo.

Youhan, Yu (Shanghai, 1943) es una figura clave en el movimiento del pop político. Su influencia en el arte vanguardista chino se ha sentido desde mediados de la década de 1980, cuando era una figura importante en el movimiento minimalista de Shanghai. Comenzó su serie Mao en 1989. La serie consiste en representaciones de retratos de la vida cotidiana de Mao.

Pero en los retratos coloreados y llenos de flores de Yu, los principios de Mao de "arte con el propósito de la instrucción política" y "arte para el placer de las masas", expuestos en sus charlas de Yan'an sobre literatura y arte, tienen un nuevo giro. Las imágenes de Yu Youhan usan patrones extravagantes y una composición caprichosa como un acercamiento al arte. Comenzó su nueva serie "Yimengshan" y "Jardín tradicional" en los últimos años. Yu Youhan se graduó de la Academia Central de Artes y Diseño en Beijing en 1973. Vive en Shanghai y enseña en el Instituto de Artes Industriales de Shanghai.

Fuente: https://rogallery.com

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1985-4. Maximalismo

Pop Thermos, 1988

Tsukioka Yoshitoshi (1839-1892)

Ukiyo-e

Yoshitoshi, Tsukioka (Japonés: 月岡 芳年?), también conocido como Taiso Yoshitoshi (Japonés: 大蘇 芳年?) (Edo (ahora Tokio), 30 de abril de 1839 – 9 de junio de 1892) fue un artista japonés de finales del periodo Edo y principios del Meiji especializado en el grabado ukiyo-e.​ Yositoshi fue uno de los artistas de xilografía del siglo XIX más reconocidos en Japón. Llegó a aparecer en la lista de los cinco mejores maestros de ukiyo-e del periodo Meiji publicada en la Lista de los maestros artísticos del Japón Imperial (Japonés: 皇国書画名家一覧; Hepburn:Kōkoku shoga meika ichiran?).

Biografía

​Nació en la ciudad de Edo el 30 de abril de 1839.​ Solo conoció a su padre, el comerciante Owariya Kinzaburo, con el que vivió durante su infancia hasta que se trasladó con su tío Tsukioka Sessai de quien heredó el nombre.​ En 1871 cayó en una depresión que le impidió trabajar durante un año sumiéndole en un estado de extrema pobreza.​ Volvió a caer enfermo en 1873 y siguió sufriendo problemas económicos a pesar de su renovada actividad artística desde 1874. En los siguientes años comenzó a recibir más encargos mejorando así su situación económica y en 1877 consiguió reunir suficiente dinero para comprar una residencia en el centro de Tokio gracias al éxito de sus grabados sobre la Rebelión_de_Satsuma (Japonés: 西南戦争; Hepburn:Seinan Sensō?)(1877).​ A lo largo de su vida Yoshitoshi vivió con diferentes amantes. En 1880 conoció a la geisha Sakamaki Taiko con la que se trasladó a vivir a Nezu donde se casaron en 1884.6​ Durante estos años fue contratado de forma permanente por el Periódico gratiuto (Japonés: 繪入自由新聞; Hepburn:E iri jiyū shimbun?) consiguiendo así una fuente estable de ingresos.​ En 1891 comenzó a sufrir demencia y fue ingresado en diferentes psiquiátricos sin llegar a recuperarse.​ Murió con cincuenta y tres (53) años el 9 de junio de 1892 en la ciudad de Tokio cuando estaba preparando su última serie de grabados titulada Nuevas formas de treinta y seis espíritus (Japonés: 新形三十六怪撰; Hepburn:Shingata sanjūrokkaisen?).

Yoshitoshi aprendió el arte del grabado en el estudio del artista Utagawa Kuniyoshi (ja:歌川国芳 1797-1861), donde entró como aprendiz en 1850 cuando tenía once años.​ Es posible que tuviese su primer contacto con el arte europeo en este taller ya que Kuniyoshi contaba con grabados europeos en su colección personal.

Además de su aprendizaje formal en el estudio de Kuniyoshi, estudió la obra del artista Kikuchi Yōsai (1788-1878), especialmente sus ilustraciones monocromáticas con representaciones de personajes históricos. ​ La influencia de Yōsai se refleja tanto en la temática histórica como en los aspectos realistas de sus obras realizadas a partir de 1873.​

Fuente: https://es.wikipedia.org

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Maisaka, 1863

Una escena de Journey to the West, 1864

Funasaka Yoshisuke (1939)

Sōsaku-hanga

Yoshisuke, Funasaka (Gifu, Japón, 1939) Un grabador prolífico, todavía involucrado activamente en el grabado a partir de 2012, Funasaka es mejor conocido por su uso repetido durante muchos años de los mismos objetos, sobre todo el limón y el "agujero", lo que le valió los apodos de "El hombre limón" y " The Hole Man ". Originalmente entrenado en pintura al óleo, es en gran medida un grabador autodidacta que utiliza una variedad de técnicas de grabado, a menudo en combinación, incluyendo bloques de madera y serigrafía. Sus obras son casi todas abstractas y se caracterizan por Lawrence Smith como un "mundo de forma pura, un mundo austero e incluso restringido de formas familiares que revela grandes sutilezas en un escrutinio minucioso". Ha sido galardonado con numerosos premios en ferias internacionales de impresión y su trabajo es realizado por muchos museos importantes, incluido el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio, el Museo Británico y la Institución Smithsonian.

Biografía

​Funasaka nació en la prefectura de Gifu en 1939, hijo del pintor y acuarelista Funasaka Masayoshi. Se graduó en 1962 del Departamento de Pintura al Óleo de la Universidad de Arte Tama, Tokio. Mientras era estudiante, Funasaka trabajaba a tiempo parcial en una tienda de linóleo y usaba recortes de linóleo para hacer impresiones de linóleo.  Se convirtió en miembro de Japan Print Association en 1960 y sigue siendo miembro.

La primera exposición individual de Funasaka se celebró en 1967 y poco después comenzó a presentarse internacionalmente, ganando un premio en 1970 en la Bienal Internacional de Impresión de Tokio. En 1976 recibió una beca del programa de formación de artistas japoneses para artistas extranjeros y estudió en los Estados Unidos y Londres durante dos años. Ha enseñado grabado desde 1974, cuando comenzó a enseñar grabado en el Centro Cultural Asahi, y ha sido fundamental para traer artistas extranjeros a Japón para aprender artes tradicionales japonesas. Desde 1979, ha expuesto regularmente con la exposición impresa de la Asociación de Mujeres Universitarias de Japón.

Fuente: http://www.myjapanesehanga.com

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Trabajo at21, 1969

G 07-006, 1970

Jiro Yoshihara (1905-1972)

Arte conceptual. Informalismo. 

Yoshihara, Jiro (吉原 治良 Yoshihara Jirō?, Osaka, Japón, 1 enero de 1905 – Ashiya, Japón, 10 febrero, 1972) fue un pintor japonés. En 1954, junto con Shōzō Shimamoto, fundaron el grupo de avant garde Gutai en Osaka. Jiro era un hombre de negocios y heredero de una empresa productora de aceite comestible. Jiro realizaba actividades con un grupo de jóvenes artistas de la región de Hanshin. Yoshihara había dado clases de estilo de pintura occidental antes de convertirse en líder del grupo Gutai.

Yoshihara escribió el "Manifiesto Gutai" en 1956 y fue líder de este grupo de artistas avant-garde con reconocimiento internacional, representantes del mundo artístico post guerra en Japón. Jiro trabajó en los estilos de pintura surrealista y expresionismo abstracto antes de enfocarse en sus últimos años a la representación repetitiva de círculos con reminiscencias de "satori," la iluminación del budismo Zen. Producía este círculo blanco al dejar un sector de la tela sin pintura a la vez que pintaba el fondo de negro. Al ser consultado sobre sus círculos, Yoshihara expresó que no había logrado pintar ni un solo círculo que le dejara satisfecho, una muestra de la profundidad de su búsqueda en esta forma. En efecto, no existen dos círculos que sean exactamente iguales. Jiro fue líder del Grupo Gutai hasta su muerte en 1972.

Biografía

​Jiro Yoshihara nació en Osaka, Japón en 1905 siendo el segundo hijo de una rica familia de comerciantes. No recibió ninguna educación formal en arte durante su niñez. Siendo veintiañero le guiaron Kamiyama Jiro (1985–1940), quien le enseñó arte y filosofía europea, y Tsuguharu Foujita (1886–1968), quien vivía en París por esa época. Posteriormente Yoshihara se unió a la Nika-kai (Asociación de la Segunda Sección), un grupo de pintores de estilo predominantemente fauvista, que habían surgido del salón académico de Ministerio de Educación.

Durante las décadas de 1920 y 1930, Yoshihara se sintió atraído por las obras de Giorgio de Chirico, Joan Miró, y Wassily Kandinsky.​

En 1934, Yoshihara realizó su primera exposición en el show anual en Nika-kai. Durante la década de 1930, las obras de Yoshihara se enmarcaban en la tendencia surrealista que era popular entre los artistas avant-garde de Japón. Gradualmente, Yoshihara se interesó en la abstracción geométrica.

En 1938, fundó el Kyushitsu-kai (Asociación de la Novena Habitación), que se enfrenta con el fauvismo que dominaba el Nikai-kai.​ Entre los años 1935 a 1945, fue el período más oscuro y de menos actividad de Yoshihara.

A comienzos de la década de 1950, las obras de Yoshihara eran expuestas en los shows de apertura de Nihon Kokusai Bijutsu-ten (Exhibición Internacional de Arte Japonés) y Gendai Nihon Bijutsu-ten (Exhibición de Arte Contemporáneo de Japón) durante el resurgimiento del arte contemporáneo en Japón. En Osaka 1951, Yoshihara junto con otros crearon el Gendai Bijutsu Kondan Kai (Grupo de Discusión de Arte Contemporáneo), denominado "Genbi". Este grupo sirvió de taller y foro para crear nuevas formas de arte mediante una mezcla de cultura oriental y occidental como también elementos modernos y tradicionales. La principal prioridad de Yoshihara era obtener reconocimiento en el mundo del arte recurriendo a la tradición japonesa. En 1952 Yoshihara participó en el Salon de Mai en París. En 1953 se llevó a cabo la primera exhibición del "Grupo de Discusión de Arte Contemporáneo" en su taller en Shibuya con Shōzō Shimamoto, uno de sus estudiantes quien luego forma parte del grupo Gutai. Por esa misma época, se había formado un grupo denominado Zero Society que experimentaba con arte conceptual y performance art. Posteriormente ellos se ensamblarían con el grupo Gutai que Yoshihara crea en 1954. Por esta época, Yoshihara se inspiraba en los dibujos de niños, caligrafía Zen, y el pintor de acción Jackson Pollock. Jiro rechazaba el modernismo japonés de la década de 1950 y abandonó la pintura abstracta formal. En diciembre de 1954, Yoshihara fue uno de los fundadores de la Asociación Artística Gutai la cual debutaría en la primavera de 1955 en el Séptimo Yomiuri Independiente. Gutai seria reconocido por sus producciones avant-garde performances and artistic methods. Yoshihara también escribió el "Manifiesto Gutai" en 1956.​ En 1958, volvió a exponer en el Salon de Mai y en 1961 en Nueva York en el International Carnegie.

Además de continuar con sus actividades con el Grupo Gutai, Yoshihara se conectó con Morita Shiryū y el movimiento de caligrafía avant-garde denominado Bokujin-kai. A partir de 1962, Yoshihara trabajó en una serie de pinturas de círculos inspirados en la tradición Zen. Durante este periodo, Jiro cambia las superficies empastadas del periodo Gutai a círculos unitarios de acrílico al agua con fondo rojo, blanco, o negro.

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1950. Tachismo

Habitación, 1956. Arte conceptual

Toshi Yoshida (1911-1995)

Sōsaku hanga. Ukiyo-e.

Yoshida, Tōshi (吉 田遠志? ) (Tokio, 25 de julio de 1911 - 1 de julio de 1995) Es un pintor japonés ukiyo-e. Hijo del artista de shin-hanga Yoshida Hiroshi, él mismo está asociado con el movimiento sōsaku hanga.

Biografía

​ Tōshi nació en una familia de pintores ukiyo-e. Su padre es Yoshida Hiroshi, famoso dibujante del movimiento shin-hanga . Paralizado de una pierna desde temprana edad, no pudo ir a la escuela y pasó su infancia en el taller de su padre.

La carrera artística de Yoshida Tōshi es una larga lucha entre la fidelidad al legado de su padre y la emancipación. Hiroshi es un especialista en paisajismo; el hijo primero elige animales como sujetos favoritos. Pero a partir de 1930, Tōshi comenzó a dibujar paisajes, viajando con su padre a India, Shanghái, Hong Kong, Malasia, Birmania, Singapur o Calcuta, y a veces pintando lado a lado con él.

En 1940, Tōshi se casó con Katsura Kiso, de quien tendrá cinco hijos.

En 1943, pintó óleos que representan a trabajadores de fábricas y civiles involucrados en el esfuerzo de guerra.

En 1950, la muerte de su padre marca una ruptura completa en su trabajo. Si en 1951 publicó una serie de diecisiete paisajes destinados al ejército estadounidense destinado en Japón y sus familias, abandonó el naturalismo para hacer una serie de grabados abstractos del tipo sōsaku hanga, inspirados en los de su hermano Yoshida Hodaka . Una gira lo lleva en 1953 a través de los Estados Unidos (expone en 30 museos de 18 estados), México, Inglaterra y el Cercano Oriente. De 1954 a 1973, produjo 300 impresiones abstractas.

En 1971, Tōshi volvió a sus primeros temas, los animales, y publicó Hummingbird and Fucsia. Hasta 1994 trabajó casi exclusivamente en ilustraciones de animales, pintando animales en su entorno natural, a menudo en África, un tema sobre el que publicó desde 1984 en varios libros ilustrados para niños.

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Carro de la cena, 1938

Sinjuhu, 1938

Hiroshi Yoshida (1876-1950)

Shin-hanga. Ukiyo-e.

Yoshida, Hiroshi (Kurume, Fukuoka, 19 de setiembre de 1876 - Tokio, 5 de abril de 1950) fue un pintor y grabador japonés del siglo XX. Es considerado uno de los más grandes artistas del movimiento Shin-Hanga del ukiyo-e, sobre todo por su trabajo de paisaje. Durante su carrera, Yoshida realizó viajes alrededor del mundo, desde los cuales también se ha hecho conocida por piezas de temas inusuales de la producción tradicional japonesa de estampas, como el Taj Mahal, los Alpes suizos, el Gran Cañón y otros parques nacionales del Estados Unidos.

Biografía

​Hiroshi nació Hiroshi Ueda. Desde temprana edad, Hiroshi mostró aptitud para las artes, patrocinado por su padre adoptivo, un maestro de pintura en escuelas públicas de Japón. A los 19 años, fue a Kyoto para estudiar con Tamura Shoryu, una conocida profesora de pintura de estilo occidental. También estudió con Koyama Shotaro en Tokio durante tres años.

En 1899, Hiroshi exhibió sus obras en los Estados Unidos en el Museo de Arte de Detroit, hoy el Instituto de Arte de la ciudad. Estaba entonces en Boston, Washington, DC, Providence y Europa. En 1920, presentó su primer trabajo en madera en Watanabe Print Workshop, organizado por Watanabe Shōzaburō (1885–1962), editor y patrocinador del movimiento artístico shin-hanga. La cooperación de los dos fue corta - vivió después de un incendio destruyó el taller Watanabe, después del gran terremoto de Kanto de 1 de septiembre de de 1923.

En 1925, Hiroshi contrató a un grupo de carpinteros y prensas profesionales y abrió su propio estudio. Las impresiones en madera se realizaron bajo estricta supervisión. Combinó el sistema colaborativo de ukiyo-e con el principio del don del artista sōsaku-hanga y fundó su propia escuela de arte, alejándose de shin-hanga y sōsaku-hanga. Tomó clases occidentales con pintura al óleo, una técnica que fue adoptada en Japón durante el Período Meiji. Sus viajes y contactos en Occidente influyeron mucho en su arte. En 1931 publicó una serie de grabados con temas sobre India, Pakistán., Afganistán y Singapur.

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Huang Yongyu (1924)

Expresionismo. Expresionismo abstracto.

Yongyu, Huang (Fenghuang, provincia de Hunan, China, 9 de agosto de 1924) Pintor chino, ahora Profesor de la universidad en Central Fine Arts, ex director del departamento de grabado.

Creó nuevos efectos pictóricos y expresionistas, Huang combina la pintura tradicional china con las técnicas de pintura al óleo occidentales. Sus imágenes alcanzan en una subasta a veces hasta medio millón de dólares.

Huang Yongyu tiene trabajos en grabado, pintura china, escultura, literatura, arquitectura y diseño de sellos. La pintura tiene un fuerte elemento de pintura occidental, pero también es famoso por su pintura china. Huang Yongyu también es un muy buen poeta: el folklore, el estilo coloquial y el estilo de poesía prístina en sus poemas están inspirados respectivamente.

El trabajo de Huang Yongyu se exhibió en Hong Kong Times Square en julio de 2007 [8]. El logotipo chino de la marca de ropa Giordano fue inscrito por Huang Yongyu.

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Expresionismo

Búho, 1973

Búho, 1977

Yosa Buson (1716-1784)

 

Sumi-e

Taniguchi Buson (谷口 蕪村?), más conocido como Yosa Buson (与謝蕪村?) (Kema, Settsu, Japón, 1716 – Kioto, 17 de enero de 1784). Pintor japonés.

Biografía

Nació cerca de Osaka (Japón), fue uno de los grandes maestros del Haiku en el siglo XVIII y un distinguido pintor bunjinga.

Cuando tenía alrededor de 20 años Buson se trasladó a Edo, donde se dedicó al estudio de la poesía japonesa bajo la tutela del maestro Hayano Haijin. A la muerte de éste, Buson marcha a vivir a la provincia de Shimōsa (actualmente, Ibaraki). Siguiendo la estela dejada por Matsuo Bashō, Buson decide viajar por las zonas salvajes del norte de Honshū, donde se encuentran los paisajes que inspiraron el famoso diario de viaje de Bashō Oku no Hosomichi (El Estrecho Camino hacia el Interior). Consecuencia de este viaje fueron sus primeras publicaciones para las que el poeta utiliza el nombre de Buson.

A la edad de 42 años, Buson se asienta en la ciudad de Kioto. Por esta época comienza a utilizar el nombre de Yosa, que toma del lugar de nacimiento de su madre. Allí contrae matrimonio con 45 años y tiene una hija, Kuno. Buson permanece desde entonces en la ciudad de Kioto, escribiendo poesía y dando clases sobre lírica japonesa. En 1776 funda la escuela Sankasha, un grupo de poetas independientes unidos por el interés de revitalizar viejos temas de la tradición japonesa y china. Entre sus miembros detacaban Tan Taigi (炭太祇 (たんたいぎ) y Kuroyanagi Shōha. En 1770 adopta el seudónimo (haikai) de Yahantei, que utilizara previamente su maestro Hayano Hajin.

Buson falleció a los 68 años y fue enterrado en Konpuku-ji, Kioto.

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Viajeros a caballo en una montaña en primavera, 1770

Autorretrato (haiga), 1771

Sumi-e

Disfrute del paisaje de verano, 1771 de Yosa Buson

Sumi-e (墨絵; también "水墨画;"?) es una técnica de dibujo monocromático en tinta negra de la escuela de pintura china. Se desarrolló en China durante la dinastía Tang (618 - 907) y se implantó como estilo durante la dinastía Song (960 - 1279). Fue introducida en el Japón a mediados del siglo XIV por monjes budistas zen y creció en popularidad hasta su apogeo durante el Período Muromachi (1338 - 1573).

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Artistas del Sumi-e

Yosa Buson

Yoko Ono (1933)

Neodadaísmo. Arte feminista.

Yoko Ono (kanji: 小野 洋子, hiragana: おの ようこ, Ono Yōko?) (Tokio, 18 de febrero de 1933) es una artista japonesa.​ Fue integrante del colectivo Fluxus. Es conocida por ser la segunda esposa de John Lennon, quien le dedicó parte de su trabajo. Se casaron en Gibraltar el 20 de marzo de 1969.

Biografía

Yoko Ono pertenece a la aristocracia japonesa y formó parte del movimiento vanguardista de la década de los 60. Era integrante del grupo Fluxus.​

Adepta del arte conceptual, en el cual las ideas son el motor y la esencia de la obra de arte, pudiendo llegar a ser incluso más importantes que su forma física y el empleo de técnicas de realización. En el arte conceptual, el contenido, el mensaje, el estímulo al pensamiento y la crítica son ya por sí mismos el arte. En Valencia, se expuso la obra EX-IT de la artista, en la galería al aire libre del L'Umbracle, dentro del entorno de la Ciudad de las Artes y de las Ciencias.

Yoko Ono llegó al punto de organizar conciertos en que el público tenía que imaginar por sí mismo la música. Editó un célebre libro de dibujos y piezas de arte, Grapefruit (Pomelo), varias películas conceptuales (como Fly) e innumerables discos marcados por el experimentalismo. Entre ellos se destacan las obras Yoko Ono/Plastic Ono Band, Fly, Approximately Infinite Universe (años 1970) y Season of Glass (años 1980). En los años 1990, sacó dos discos que fueron muy bien recibidos por la crítica: Rising y Blueprint for a Sunrise. Hasta hoy, sus mayores éxitos han sido "Walking on Thin Ice" y, en menor nivel, "Never Say Goodbye".

Sus discos en colaboración con John Lennon incluyen Unfinished Music No.1: Two Virgins, Unfinished Music No.2: Life with the Lions, Wedding Album, Some Time in New York City, Double Fantasy y el póstumo Milk and Honey.

En los últimos años, un proyecto de remezclas de sus antiguos clásicos ha tenido muchísimo éxito, y muchas de sus más clásicas y hasta entonces desconocidas canciones accedieron a los primeros puestos de las paradas Dance/Club Play Songs de Billboard, como "Walking on Thin Ice", "Hell in Paradise", "Everyman, Everywoman" y "Open Your Box".

Gran parte de la obra de Yoko (artes plásticas y música) trata de temas como libertad de pensamiento, paz, lucha contra el racismo, la homofobia y el sexismo y la valoración de las pequeñas grandes sensaciones cotidianas. Una característica marcada de su arte (canto, escritura, música, películas, dibujos etc.) es la economía de recursos generadores de un máximo efecto. Los mismos motivos resurgen en su obra en diversos momentos, adaptados, reaprovechados y cargados de nueva significación.

Yoko Ono ejerció una gran influencia personal y profesional sobre John Lennon. La artista japonesa se hizo notar desde los primeros momentos de la relación. Muchos dicen que Yoko es responsable de la separación de los Beatles, mito desmentido por Paul McCartney, ya que dice que sin ella John no habría podido escribir grandes canciones como "Imagine" y muchas que se incluyen en el álbum Definitive Lennon. Las filmaciones durante las sesiones de grabación de Let It Be muestran un grupo de por sí cansado y al borde de la exasperación por parte de todos sus miembros. Como dijo Paul McCartney: "Mil cosas se podrán decir, pero la verdad solo la conocen 4".​

Heredera de John Lennon con una fortuna de 356 millones de dólares en 1980, actualmente podría ser de 600 millones de dólares.​ En tanto, el valor de los inmuebles se estima en US$325 millones.

Fuente: https://es.wikipedia.org

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Pintura para pisar, 1960. Arte Conceptual, Neo-Dada

Touch Poem # 5, 1960. Neo-Dada