Félix Candela (1910-1997)

Arquitectura moderna

Candela, Félix (Madrid, 27 de enero de 1910 – Durham, Carolina del Norte, 7 de diciembre de  1997) Arquitecto español. 

Biografía

Estudia arquitectura en la Escuela Superior de Madrid, donde se licencia en 1935, y en la Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Tras trabajar un tiempo como ingeniero, se alista en las fuerzas republicanas que luchan contra Franco en la Guerra Civil Española. Esto provoca su exilio a México en 1939, nacionalizándose en 1941 en el país centroamericano.

Realiza la mayoría de sus obras en el país de su exilio, trabajando también en Illinois (Chicago), ciudad en la que impartió clases como profesor de Universidad entre 1953 y 1970.

Durante toda su vida realiza una profunda investigación sobre bóvedas delgadas y paraboloides hiperbólicos para cubiertas realizadas con hormigón armado ligero. Cada proyecto suyo es un paso hacia delante en busca de la cubierta cada vez más fina, creadora de un espacio diáfano interior. Además el paraboile hiperbólico, al ser una superficie delgada, le permite un ahorro en el encofrado (sólo utiliza tablones rectos).

La primera vez que materializa estos cascarones de cubierta en un edificio es en el Edifico del Rayo Cósmico de la Ciudad de México (1951), donde logra un espesor de cubierta de 15mm.

A menudo se ha comparado este arquitecto con arquitectos como Prouvé o con ingenieros-arquitectos como Nervi, el cual explota al máximo la capacidad del hormigón armado en sus estructuras.

El gran conocimiento del material y de sus propiedades permite a Candela crear estructuras casi por intuición.

Así construye entre 1953 y 1955 la Iglesia de la Milagrosa en México (Distrito Federal), donde se ve una clara influencia de Antonio Gaudi. Iglesia moderna donde destaca, de nuevo, el estudio de la bóveda con formas parabólicas realizadas en hormigón armado ligero. De hecho, todo este edifico eclesiástico está formado casi en su totalidad por la bóveda.

Una de sus obras más características es el restaurante Los Manantiales en Xochimilco (México, 1958) donde lleva al máximo su arquitectura formal y orgánica así como el estudio del paraboloide. El edificio está formado por una gran bóveda de hormigón de planta centrada dividida entre iguales paraboloides hiperbólicos que parten del centro. Los únicos muros de cierre que nos encontramos son los de cerramiento que "tapan" los paraboloides de la bóveda. Dicha superficie reglada va creando espacios muy diáfanos que se estrechan hacia el interior y se abren hacia el exterior, hacia un paisaje conformado por un bosque de coníferas y un lago.

Entre sus últimas obras más importantes destaca la Iglesia de San Antonio de las Huertas en México (1956); la Capilla de Lomas de Cuernavaca en México (1959); la Capilla de San Vicente de Paúl en Coyoacan (1960); el Estadio Olímpico de México en la Ciudad de México (1968); el proyecto del Complejo Deportivo de la UNiversidad Brown en Rhode Island (USA, 1969); el proyecto para el estadio Santiago Bernabeu en Madrid (1975) y la Universidad Rey Abdulaziz en Jeddah, Arabia Saudi (1977).

Fuente: http://www.mcnbiografias.com/

Obra

Bacardi visitor pavilion, San Juan, Puerto Rico

Capilla de Bosjes

Grandma Moses (1860-1961)

Arte naif

Moses, Anna Mary Robertson (Greewich, Nueva York, 7 de septiembre de 1860 – Hoosick Falls, Nueva York, 13 de diciembre de 1961).

Pintora estadounidense, conocida por su seudónimo, Abuela Moses. Es una de las mejores representantes de la pintura naif o ingenua. Su obra representa la vida tranquila de los granjeros de los Estados Unidos.

Su vida se desarrolla como la de cualquier granjero de los Estados Unidos. Con doce años abandonó la granja de su familia para trabajar como empleada, hasta que se casó con Thomas Moses en 1887. El matrimonio se instaló primero en Shenandoah, cerca del valle de Staunton, en Virginia, y en 1905 se trasladó a la granja del Eagle Bridge, en Nueva York, cercana al lugar donde ella había nacido. Su esposo Thomas murió en 1927 y Ana continuó llevando la granja con ayuda de su hijo más pequeño, hasta que su avanzada edad la obligó a retirarse a la casa de una hija, en 1936.

Desde niña había trazado dibujos que había coloreado con el jugo de bayas y uvas, sin embargo, su vocación por la pintura no se despertó hasta que sus obligaciones como granjera desaparecieron y, por tanto, tenía más tiempo libre para dedicarse a otras actividades. Cuando murió su marido se dedicó a hacer pinturas bordadas sobre bastidor, pero la artritis de sus manos la obligó a abandonar esta afición, y fue en este momento cuando se dedicó de lleno a la pintura.

Sus primeros trabajos, realizados alrededor de 1938, eran copias de Currier & Ives y de las pinturas de las postales. Pero pronto se dedicó a pintar sus memorias, lo que ella misma llamaba old-timey, su vida pasada en Nueva York y en Virginia, pinturas nostálgicas, recuerdos de la vida americana como El pavo del día de Acción de Gracias o El árbol de Navidad y El río de la casa de la Abuela.

Sus primeros cuadros se vendieron en una droguería en Hoosick Falls. Sus obras llamaron la atención de un coleccionista de Nueva York, Louis Calder, quien compró un cuadro y lo mostró en los círculos artísticos de esta ciudad. En 1939 tres obras suyas fueron expuestas en una muestra del Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York y a partir de ese momento sus cuadros se dieron a conocer por todo Estados Unidos y por Europa. En 1952 escribió su autobiografía, Historia de mi vida.

Fuente: Texto extraído de: www.mcnbiografias.com

Obras comentadas

La granja en invierno

Tan largo hasta el año que viene

Galería

Shenandoah Valley (1861 Noticias de la batalla), 1938

Shenandoah Valley, 1938

Tan largo hasta el año que viene de Grandma Moses

Aunque Grandma Moses siempre estuvo abierta a nuevos desafíos, resistió los intentos de personas ajenas a dictarle en términos de estilo o tema. "Alguien me ha pedido que pinte imágenes bíblicas", señaló una vez, "y yo digo que no, no pintaré algo de lo que no sabemos nada; podría pintar algo que sucederá dentro de mil años".

Sin embargo, a pesar de su firme adhesión al hecho y la verdad, menos de dos años antes de su muerte, Moses accedió a una solicitud para ilustrar un libro para niños, el famoso poema de Clement C. Moore, "The Night Before Christmas". Justo cuando se levantó y finalmente dominó el desafío de pintar interiores, Moses, incluso a la edad de casi 100 años, estaba lista para arriesgar algo que no se había probado por completo. Desafortunadamente, no vivió para ver la publicación de La noche antes de Navidad, que apareció en 1962 y se mantuvo impresa más o menos continuamente durante las próximas tres décadas.

Si bien muchas de las ilustraciones de La noche antes de Navidad siguen el texto del poema, So Long Till Next Year es pura fantasía por parte de Moisés. No publicado en realidad en la edición original del libro, es, sin embargo, de muchas maneras la pintura navideña por excelencia de un artista famoso por tales temas. A diferencia de la mayoría de los paisajes nevados de Moisés, que están claramente enraizados en la naturaleza, el fondo azul de Tan largo hasta el año que viene nos informa de inmediato que estamos en el ámbito de la imaginación. El paisaje está grabado en este fondo en una filigrana helada, como carámbanos en el cristal de una ventana. Por encima de todo, Tan largo hasta el año que viene demuestra la excepcional flexibilidad y versatilidad de Moses.

Fuente:  https://www.wikiart.org/

La granja en invierno de Anna Mary Robertson Moses

Conocida popularmente como Grandma Mases, esta artista, que comenzó a pintar en su vejez, hace aquí la representación de un paisaje de su entorno con la sinceridad característica de los pintores naif.

(Museo de Arte Fuji, Toquio)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Massimo Campigli (1895-1971)

Posimpresionismo

Campigli, Massimo (Florencia, 4 de julio de 1895 – Saint Tropez, 31 de mayo de 1971) Pintor italiano. Practicó un singular estilo pictórico en el que se aprecian influencias tanto de las corrientes vanguardistas del siglo XX europeo como de las civilizaciones grecolatinas. Sus pinturas, sin abandonar la perspectiva figurativa, están inundadas por las influencias del post-impresionismo. Su síntesis entre el arte antiguo y el de las vanguardias históricas hacen de él una figura singular en el panorama pictórico del siglo XX.

Biografía

Desde su Florencia natal, Massimo se trasladó junto a su familia a Milán en 1904, lugar donde entró en contacto con el mundo del arte. Ese mismo año publicó su primera colaboración en una publicación; se trataba de un poema que apareció en un número de la revista Florencia futurista. Gracias a sus publicaciones en la citada revista, Campigli entró en el círculo de los futuristas italianos, y entabló amistad especialmente con Umberto Boccioni y con Carlo Carrá.

En 1914 es llamado a filas para cumplir con el servicio militar y dos años mas tarde, en 1916, es movilizado al frente. El devenir de la Primera Guerra Mundial fue decisivo en su historia: hecho prisionero en el frente húngaro, es internado en un campo de concentración, del que se fugó para buscar refugio en Rusia.

Finalizado el conflicto bélico, Campigli se trasladó a París en 1919 como corresponsal del prestigioso diario italiano Il Corriere della Sera. Durante veinte años (hasta 1939) permaneció en la capital francesa desempeñando ese cometido y empapándose del ambiente artístico de la Francia anterior a la Segunda Guerra Mundial. Será entonces cuando empiece a pintar de forma autodidacta, absorbiendo todas las novedades de la capital francesa, tanto mediante sus visitas a museos como a las exposiciones más novedosas. Fue así como recibió la fuerte influencia de Fernand Leger y de Pablo Picasso, que resultó obvia en sus primeras obras. Igualmente decisiva en la concepción inicial de su obra fue su descubrimiento en el Museo del Louvre del arte de civilizaciones antiguas, especialmente la egipcia y la etrusca, cuyos referentes son evidentes en su obra posterior.

Su primera exposición individual se celebró en la Galería Bragagkua de Roma, en 1923. Tras un viaje a la ciudad eterna en 1928, que aprovechó para ampliar su conocimiento de la cultura de Etruria, expuso al año siguiente en la Galería Jeanne Bucher de París una colección en la que dejó patente la impronta que el arte etrusco dejó en su visión plástica. A esta exposición siguieron otras en Milán, Amsterdam, Londres y Nueva York, lo que pone de manifiesto el éxito de su particular visión pictórica, síntesis del vanguardismo postcubista y de la pintura bidimensional de las civilizaciones antiguas.

Esta postura a mitad camino entre lo figurativo y lo onírico, le llevó a relacionarse con los pintores metafísicos italianos, Giorgio de Chirico, Sironi, Funi, con los que llegó a colaborar en la Exposición Trienal de Milán (1933), para la que los tres artistas presentaron un mural realizado conjuntamente. Ese mismo año suscribió junto con otros pintores italianos el "Manifiesto de la Pintura Mural". Posteriormente, compaginó la pintura con el periodismo, y publicó Prefacio de los espeso (Milán 1931), entre otras obras sobre pintura.

Su obra se caracterizó por su lírica a medio camino entre la pintura de vanguardia y las formas de representación primitivas. Campigli es, en este sentido, un excelente representante de la corriente pictórica de entreguerras que practicó una pintura objetiva que autoafirmase y compensase la visión más pesimista de otros movimientos contemporáneos como el Expresionismo alemán. En obras como El café (1931, colección particular), Campigli intentó expresar su búsqueda de un arte intemporal. En ella las dos mitades simétricas del cuadro parecen simbolizar su dualismo entre modernismo y tradición. Otra obra suya, Mujeres con guantes (1937, colección privada), parte del mismo esquema compositivo: dos figuras femeninas tratadas con la misma bidimensional que el espacio que las rodea. Su contemplación nos hace inevitable el recuerdo de los frescos pompeyanos o de los mosaicos de Rávena.

Fuente: http://www.mcnbiografias.com/

           

Más obras

Mujer en el balcón, 1930

El café, 1931

Antonio Caba (1838-1907)

Realismo

Caba, Antonio (Barcelona, 1838 - Barcelona, 25 de enero de 1907) Pintor español. Destacó por su realismo y la precisión con que cultivó el retrato. Influyó en la pintura de su tiempo. 

Biografía

Se formó en la Escuela de la Lonja durante los años 1850, donde recibió formación de la mano de Gabriel Planella, Pau Milà i Fontanals y de Claudio Lorenzale . Gracias a una pensión de la diputación, posteriormente estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, donde recibió lecciones de Federico de Madrazo. En 1864 se presentó por primera vez en la Exposición Nacional de Bellas Artes con La heroína de Peralada, óleo por el que obtuvo segunda medalla y que compró el Estado con destino al Museo de la Trinidad (Museo del Prado, depositado en el Ayuntamiento de Peralada).3​

Durante un tiempo se formó en la Academia de Bellas Artes de París, donde estuvo bajo las órdenes del pintor suizo Charles Gleyre. En 1874 ganó la posición para la plaza de profesor de la clase de Colorido y Composición de la Escuela de la Lonja, que consiguió con su obra Arrepentimiento de Judas, y entre 1887 y 1901 fue el director de esta Escuela. Durante este tiempo se dedicó a realizar retratos para la burguesía catalana y barcelonesa en particular, que recibieron el apodo de fotográficos. Fue socio del Real Círculo Artístico de Barcelona.

Obra

Su obra está relacionada con el academicismo pictórico con influencia del romanticismo. Realizó decoraciones murales, entre otros lugares en el Gran Teatro del Liceo y fue un reconocido retratista, con un estilo muy sobrio. En el Museo Nacional de Arte de Cataluña se conservan los retratos que dedicó a los pintores Joaquím Vayreda, Sebastià Junyent y Ramón Padró junto con su propio Autorretrato y el del niño Josep María Brusi en su lecho de muerte, entre otros, además de algunos asuntos alegóricos y estudios para decoraciones murales como El Tiempo, la Fortuna y el Amor.​ Otro retrato de artista conserva el Museo del Prado: el llamado El escultor Samsó.​ En la Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge, a parte de las dos obras reproducidas, se conservan las siguientes pinturas: El tributo del César, Copia de El príncipe Baltasar Carlos de Velázquez, Retrato de Frederic Oliveras, Retrato de Maria Moret d'Oliveras, Retrato de Narcís Oliveras, Retrato de Enriqueta Oliveras, Retrato del marqués de Alfarràs, Retrato de Beatriu Vidal de Monserdà y Retrato de Claudi Lorenzale, así como un retrato del pintor realizado en 1907 por Arcadio Mas. También hay obra suya en el Museo de Arte del Ampurdán de Figueras.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obra

Arrepentimiento de Judas, 1874

Lluísa Dulce, marquesa de Castellflorite, 1880

Alexandre Cabanel (1823-1889)

Academicismo

        Cabanel, Alexandre (Montpellier, 28 de de septiembre de 1823  - París, 23 de de enero de 1889). Pintor francés.

        Alumno de François-Édouard Picot en la École des Beaux-Arts, ganó una segunda medalla en el Salón de Roma en 1845 y residió durante cinco años en la Villa Médicis.

        La fama le llegó con su lienzo Naissance de Vénus (el nacimiento de Venus), que fue adquirido por el emperador Napoleón III en 1863. Ese mismo año, fue nombrado profesor en la École des Beaux-Arts y fue elegido miembro de la Académie des Beaux-Arts. Entre 1868 y 1888, fue en 17 ocasiones miembro del jurado del Salón de París, en el cual le fue concedida la medalla de honor en 1865, 1867 y 1878.



        Pintor de historia, de género y retratista, su obra evolucionó con los años hacia temas románticos, tales como Albaydé, inspirado en un poema de Orientales de Victor Hugo. Su obra fue especialmente conocida y reclamada por los coleccionistas internacionales y por las instituciones, y fue uno de los artistas preferidos de los emperadores Napoleón III y Eugenia de Montijo. Artista contrario al Naturalismo y al Impresionismo, y en particular enemigo de Édouard Manet, fue criticado a su vez por Émile Zola y los naturalistas, así como por todos aquellos que defendían la emergencia de un arte menos galante y más social y exigente. 

Fuente: https://es.wikipedia.org

Más obras

Alfred Bruyas, 1846

Autorretrato, 1847

Edward Burne-Jones (1833-1898)

Retrato de Edward Burne-Jones - George Frederick

Romanticismo

Burne-Jones, Edward (Birmingham, 28 de agosto de 1833 - Fulham, 17 de junio de 1898). Pintor británico.

Nombre artístico de Edward Coley Jones, pintor, diseñador e ilustrador inglés perteneciente a la escuela pictórica prerrafaelista.

Biografía

Recibió una esmerada educación en la Universidad de Oxford, donde se hizo amigo del pintor y poeta William Morris.

Junto con su maestro, Dante Gabriel Rossetti, realizó las mejores pinturas que dio la escuela prerrafaelista. Esta escuela nació en Inglaterra como una reacción contra la teatral ostentación del arte oficial que afirmaba practicar el gran estilo, entroncado con la tradición de la representación idealizada de la naturaleza que practicó Rafael. En busca de una forma de arte más sincero, estos pintores decidieron inspirarse en los artistas del siglo XV, anteriores a Rafael Sanzio (artistas-artesanos, conocidos con el significativo nombre de primitivos) y fundaron la llamada Hermandad Prerrafaelista.

Burne-Jones, consecuente con la doctrina de esta escuela, se inspiró en la temática medieval, de contenido moralizante, representando escenas bíblicas y de los relatos épicos de este periodo, así como de los mitos clásicos (griegos y romanos) recuperados por los maestros florentinos del siglo XV. Desarrolló un estilo basado en la pureza de las formas y la delicadeza de la línea, inspirado en la obra de su admirado Botticelli. Sus cuadros están cargados de ensoñación romántica y sentimentalismo. Dos de sus obras más célebres, El rey Cophetua y La mendiga, ambas de 1884, pueden contemplarse en la Tate Gallery, en Londres.

Realizó una serie de trabajos de diseño de vidrieras, mosaicos y tapices para su amigo William Morris que, en una línea de trabajo paralela a la de los prerrafaelistas, creó un taller para la recuperación de las artes aplicadas del periodo medieval (este proyecto generó un movimiento, de gran influencia en las distintas manifestaciones del modernismo, conocido como Arts & Crafts). Sus vidrieras se pueden contemplar en la Christ Church, de la catedral de Oxford, en la catedral de Birmingham y en infinidad de iglesias británicas. También hizo numerosas ilustraciones para la editorial Kelmscott, fundada por Morris, como las realizadas para el libro Chaucer editado en 1896.

Fuente: http://www.mcnbiografias.com

Obras comentadas

El espejo de Venus

El rey Cofetúa y la mendiga

Obra

Sidonia von Bork, 1849

El caballero de la despedida, 1858

El rey Cofetúa y la mendiga, de sir Edward Burne-Jones

En 1862 se presentó al grupo prerrafaelista un nuevo autor cuyas tendencias clasicistas fueron del agrado del resto. Utilizando el grafismo de Botticelli y Mantegna con una melancólica sensualidad, muy en boga en el romanticismo, el pintor acostumbraba a plasmar escenas de ensueño basadas en los mitos artúricos y viejas leyendas célticas. Sus composiciones espaciales solían ser muy complejas y las figuras estrechas y largas, limitadas al formato vertical, como se manifiesta en esta obra de 1886 por la artificiosa profundidad del fondo sugerida tan sólo por la ventana que se ve al lado y por los dos mirones del margen superior.

(Tate Britain, Londres). 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

El espejo de Venus de sir Edward Burne-Jones

Con esta obra, el pintor fundía con incomparable genio la tradición pictórica renacentista con el estilo prerrafaelista del momento. La escena ilustra a Venus y sus doncellas contemplando su propia imagen en el reflejo de un estanque, rodadas por un paisaje árido y montañoso. El color y el ambiente son claramente prerrafaelistas, pero la dulzura y la elegancia de las figuras recuerdan la escuela renacentista encabezada por Botticelli. La concepción del conjunto, eminentemente estética, es una mera excusa para mostrar un círculo de bellas damas vestidas con amorosos ropajes con un mínimo de contenido narrativo.

(Fundación Calouste Gulbenkian, Lisboa). 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Tani Bunchō (1764-1842)

Nanga o Bunjinga

Bunchō, Tani (Yedo o Edo, 1764 – 6 de enero de 1842) Pintor y tratadista japonés, discípulo de la escuela de Kano. Perteneció al movimiento Bunjinga, literatos pintura japonesa y poetas. Más tarde se estableció en Edo (la actual Tokio), donde trabajó.

Biografía

El Bunjinga, a veces también llamada Nanga, o "la pintura del Sur", es una pintura que se inspiró en gran medida por la pintura letrada china, pintura de paisaje y de tinta monocroma.

El padre de Tani Bunchō, Rokkoku, formaba parte de la casa de Tayasu, y era un poeta muy conocido. Tani Bunchō fue patrocinado por Matsudaira Sadanobu, un hijo de la familia Tayasu que fue uno de los principales asesores de Shōgun a mediados del periodo Edo.

Tani Bunchō empezó pintando en el estilo oficial de Kanō, antes de inclinarse hacia el estilo Bunjinga y Nanga. Sin embargo mantuvo una actitud más bien ecléctica, incorporando otros estilos con el suyo propio (la pintura "del Norte" oficial, la pintura occidental, Yamato-e y la antigua pintura tradicional japonesa).​

Tani Bunchō cuenta entre sus alumnos a Tachihara Kyosho y Watanabe Kazan.

Fuente: https://es.wikipedia.org/
           

Más obras

Vista de los ríos Xiao y Xiang (detalle), 1788

Paraíso terrenal de Wuling, 1790