Uno de los temas tratados por esta artista suiza fue el
"objeto", que interesó enormemente al movimiento surrealista, no con el
sarcasmo de los ready-made que
presentó el dadaísmo, sino como una expresión eminentemente poética (objets trouvés, objets composés, objets
naturels, etc.)
Ocampo, Octavio (Celaya,
Guanajuato, 28 de febrero de 1943). Es un pintor y escultor mexicano conocido por su pintura
metamórfica.
Biografía
Nació en Celaya, Guanajuato el 28
de febrero de 1943. Estudió en la escuela de pintura y escultura (La Esmeralda)
Bellas Artes ( 1961 – 1965 ) y en el San Francisco Art Institute, de San
Francisco, California (1972–1974).
Realizó la escenografía de más de
120 películas mexicanas y estadounidenses, así como los diseños para numerosas
obras de teatro. Ha participado en exposiciones individuales en México, Estados
Unidos, Canadá, Latinoamérica, Europa y Medio Oriente; así como en gran número
de colectivas alrededor del mundo.
Su obra forma parte de
importantes colecciones como: Instituto Nacional de Bellas Artes México, Jimmy
Carter Museum (Atlanta, Georgia), Museo Reina Sofía de Madrid, Jane Fonda
Collection.
Ocampo es también un excelente
muralista. Su obra se encuentra en importantes edificios como el Palacio
Nacional de México, la Presidencia Municipal, Instituto Tecnológico de Celaya,
Grossenbacher Oil Co. (Harlingen, Texas) y la Casa de gobierno de Guanajuato
(Guanajuato).
Ha realizado retratos biográficos
con su peculiar estilo “metamórfico” para personalidades como Jimmy Carter,
Miguel Alemán Valdés, José López Portillo, Jane Fonda, César Chávez, Cher
(utilizado para la portada de su disco “Heart of Stone”).
En el 2006 se inició la filmación
de un biopic producido por el estudio E Corp en cooproducción con Inukshuk
Films. La cinta incluye entrevistas a los padres y hermanos del artista,
actualmente ya fallecidos; así como pinturas inéditas de los primeros años de
carrera de Ocampo. El film se estrenó a fines del 2011.
El Gobierno de Celaya abrió el
museo “Octavio Ocampo” el 10 de abril de 2018 en su ciudad natal, donde Octavio
Ocampo aceptó donar la mayor parte de sus obras.
Obregón, Alejandro, o Daniel Alberto Alejandro María de la Santísima Trinidad
Obregón Roses (Barranquilla, 4 de enero de 1920 - Cartagena
de Indias, 11 de abril de 1992) Pintor colombiano. Fue miembro del Grupo de
Barranquilla.
Biografía
Nacido en 1920 en Barcelona,
España, de padre colombiano y madre española, se trasladó con sus padres a los
seis años a Barranquilla, Colombia. En 1929 se reinstala con su tía en
Barcelona. En su juventud viajó por España, el Reino Unido y Estados Unidos.
Tras vivir en Francia durante cinco años, volvió a Colombia y se estableció en
Cartagena, donde trabajó con Guillermo Wiedemann, Santiago Martínez Delgado,
Enrique Grau y Ricardo Gómez Campuzano. Gracias a él, el expresionismo
figurativo adquirió un gran auge en Colombia a partir de los años 1950. En 1958
le fue concedido el primer premio en la Bienal Hispanoamericana en Madrid, y en
las décadas siguientes recibió multitud de premios, así como varias
condecoraciones por su obra, entre ellas la Cruz de Rafael Núñez, en Colombia.
Entre lo más conocido de su producción cabe destacar Máscaras (1952), Homenaje
a Zurbarán (1962), Flora (1966), Anunciata en verde (1970), Sortilegio de luna
(1985) y La violencia, obra que ganó el Premio Nacional de Pintura en el XV
Salón Nacional de Artistas de Colombia.
Alejandro Obregón rechaza el
academicismo y al respecto decía: "Yo no creo en las escuelas de pintura;
creo en buena pintura y nada más. La pintura es una expresión individual y hay
tendencias como personalidades. He admirado los buenos pintores, los españoles
sobre todo, pero considero que ninguno ha ejercido una influencia decisiva en
mi formación".
Su experiencia como conductor de
carreras en las recién abiertas petroleras de la selva del Catatumbo, marcaría
sus impresiones acerca de la naturaleza y su percepción como intérprete de
ella. Decidido por dedicarse a la pintura y a no ser industrial como su padre,
comienza sus estudios en Boston.
Su primer intento
semivanguardista de distorsión espacial lo realizaría a los 19 años con “Jarro
azul”. Desde entonces, y hasta el año 1947, trabaja en la exploración de
diversos estilos, sin formar aún una obra de corte personal. Su fama de pintor
primero es reconocida en España, con óleos como "Retrato de un
pintor" (1943), "Autorretrato" (1943), "Retrato de
Ilva" (1944) y "El camión rojo" (1942).
Colombia y Obregón
El arte colombiano conoció a
Alejandro Obregón, gracias a su participación en el V Salón Nacional de
Artistas de Colombia en 1944 con las pinturas al óleo como "Retrato de
pintor", "Niña con jarro" y "Naturaleza muerta". Su incursión
fue recibida con las mejores críticas de la prensa local, que sin dudarlo,
calificó su trabajo como un “expresionismo romántico”.
A partir de 1944 surge Obregón
como un pintor particular del arte moderno Colombiano porque no propone un
alarde a los elementos propios de la modernidad optimista, como el progreso, el
culto a la tecnología o el ímpetu por el manejo de materiales industriales.
Obregón buscaba la naturaleza y la cultura colombiana como parte central de su
obra plástica.
En sus obras fusionaba elementos abstractos
y figurativos, como una forma de revelarse contra los purismos modernistas. En
su trabajo, en ningún momento se percibe repudio a la figura en sí misma, sino
a una figuración que se considera narrativa y literal; que se representa en vez
de expresar o simbolizar.
Obregón tuvo posteriormente una
fuerte influencia de Picasso, como sucede en su obra "Masacre del 10 de
abril", luego de su viaje a París, dejará en él una inquietud por las
figuras geometrizantes como "Gato comido por pájaro".
En 1954 conoce a la pintora
inglesa Freda Sargent, con quien se casó en Panamá. Ese mismo año conoce en
París al pintor español Pablo Picasso.
Crítica social y política
Muchos de los trabajos de Obregón
se caracterizaron por contener una fuerte crítica política y social. Los nuevos
pintores y escultores de esa época estaban más comprometidos con los temas
culturales y ambientales que con los eventos políticos. Los contemporáneos de
Obregón se dedicaron a realizar una revolución de índole estética o formal, más
que política.
Pero en el caso de este artista,
mientras trabajaba en una revolución estética, la combinaba con la realidad del
momento. Este es el caso de los trabajos “El estudiante muerto” (1957) y “Luto
por un estudiante” (1957), que aluden a los hechos ocurridos en el gobierno del
general Gustavo Rojas Pinilla. Es famoso el gallo como símbolo de su dictadura
militar, con forma de pluscuamperfecto del siglo XX.
Más violencia en su pintura
Otras obras que se pueden
destacar están “Homenaje al cura Camilo” (1968) y “Violencia” (1962), uno de
los hitos en la historia del arte colombiano que evidencian uno de los periodos
más sangrientos del siglo XX en Colombia, este cuadro es la representación de
un cuerpo femenino en estado de embarazo, muestra una doble muerte, esta
propuesta pictórica, marca los procesos sociales del país.
Después de viajar a Europa, en
1958 llega a Estados Unidos donde comienza a tener contacto con el
expresionismo abstracto, movimiento que sin duda va a transformar su obra. A su
regreso a Colombia inaugura en junio de 1958 el mural “Homenaje al libro” en la
Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá, trabajo que causa impacto y contribuye
a marcar el paso de un tipo de muralismo inspirado en Orozco, Rivera, Gómez y
Siqueiros, a una obra acorde a la revolución de Rufino Tamayo que tuvo lugar en
México. Ese mismo año presenta una exposición individual en donde el común
denominador es la presencia de los cóndores.
Su imagen ecológica y
simbólica
Su fascinación por la naturaleza
colombiana persiste de aquí en adelante en toda su obra. Cóndores, toros,
barracudas, mares, jardines, paisajes, peces, gaviotas, imágenes del viento,
sol y nubes, son algunos de los elementos presentes en sus obras, que tomaron
dimensiones simbólicas. Este es el caso del cóndor, uno de sus símbolos más
recurrentes.
Dentro de este aspecto de su obra
se destacan: “Pez Dorado” (1947), “Nube Gris” (1948), “Ganado ahogándose en el
Magdalena” (1955), “Cóndor de los Andes” (1959), “Toro-Cóndor” (1960), entre
otros. En 1967 reemplaza a Marta Traba [1] en la dirección del Museo de Arte
Moderno de Bogotá, pero luego viajaría de nuevo a la Costa Caribe, a Cartagena.
Durante este periodo realizó algunos murales, y obras que exhibió en Nueva
York. En Cartagena viviría hasta su muerte en 1992. Fue sepultado en el
mausoleo de la familia Obregón en el cementerio Universal de Barranquilla.
Este pintor colombiano siempre ha tratado de reflejar una realidad más
profunda que la captada por una observación superficial de la naturaleza. Destacándose
por una factura suelta y poderosa del pincel, por la estructuración organizada
de los elementos compositivos y el agreste uso del colorido, la obra de Obregón
logra articular espacios de una gran fuerza emocional. En este cuadro de una
larga serie dedicada al cóndor pinta unas nubes cargadas en el cielo,
expresando una violencia natural impresionante. Utilizando este animal como
símbolo totémico, remite tanto al escudo patrio como emblema de una identidad,
como consigna asimismo la idea de poder, aludiendo al mismo tiempo con orgullo
a la fauna americana y a una geografía en la que convergen diversas culturas
que han sobrevivido a conquistadores, hambrunas y expropiaciones.
Niemeyer Soares, Oscar Ribeiro de
Almeida Filho (Río de Janeiro, 15 de diciembre de 1907 - 5 de diciembre de
2012)1 fue un arquitecto brasileño.
Biografía
Considerado máximo representante
de la arquitectura moderna en Brasil. Completó sus estudios en la Escola
Nacional de Belas Artes de Río, en 1934. Pocos años después, en 1939, se le
confió la plaza de dirección del grupo de arquitectos para el nuevo edificio
del Ministerio de Educación, ocupando el puesto dejado por Lucio Costa. Durante
el desarrollo de esta obra, Niemeyer se dejó impresionar por la labor de Le
Corbusier y llegó a adoptar en gran medida sus propuestas arquitectónicas para
la realización de su escuela de párvulos de Río.
En 1939 proyectó, en colaboración
con Lucio Costa, el pabellón de Brasil en la Exposición Mundial de Nueva York.
Sus obras posteriores, los edificios construidos en Pampulha (la iglesia, el
casino, el yacht club) entre 1942 y 1943, el Banco de Boavista en Río (1946),
el Centro Tëcnico de la Aeronaútica en San José dos Campos (1947, primer premio
en concurso) y, a partir de 1951, los edificios del parque Ibirapuera y los
complejos residenciales en Saô Paulo, fueron diseñadas con un exceso de
fantasía y una simplificación racionalista. Los principios lecorbusieranos
fueron aplicados con especial sensibilidad, unidos a las innovaciones llevadas
a cabo por la fuerte personalidad de Niemeyer: el revestimiento exterior
marmóreo, la estructura invertida, las formas "racionalmente
barrocas" y las formas curvas cóncavas y convexas de algunos de sus
proyectos. Un gran contraste entre la imagen arquitectónica de sus obras impide
englobarle en una línea o estilo definidos, alternando una imagen que roza la
desnudez, como el banco Boavista, o que adquiere un valor sumamente decorativo
y recargado, como el que nos presenta en su propia casa, en Gavea (1953). La
verdadera meta de Niemeyer fue la unión de armonía, gracia y elegancia, la
configuración de una arquitectura funcional y espacial surgida de una intención
plástica y urbanística descomunal, con una fuerte atracción por la curva libre.
Su fantasía desbordante fue fortalecida por la colaboración de varios
ingenieros, como E. Baumgart, al comienzo de su carrera, y V. Cardoso desde la
edificación del complejo Pampulha. También pertenecen a este período el Teatro
Municipal de Belo Horizonte (1943), la Academia Juvenil de Cataguazes (1946) y
la vivienda Peixoto. Numerosos proyectos sobre viviendas no ejecutadas
permitieron a Niemeyer descubrir nuevas posibilidades de contrastes entre
volúmen, terreno, superficie y su mejor relación con el paisaje.
A finales de 1947 fue nombrado
miembro del equipo internacional encargado de la realización del edificio de la
ONU en Nueva York, y se convirtió, en gran medida, en autor del proyecto
definitivo, con una fuerte influencia de Le Corbusier. El empleo del hormigón
armado también tuvo destacada importancia en la construcción de algunas de las
superficies curvas complejas de sus edificios: el teatro anexo al Ministerio de
Cultura (1948), el monumento a Rui Barbosa (1949) o la fábrica Duchem (1950),
en colaboración con Helio Uchôa. La fuerza de la línea recta fue empleada en el
Club y Escuela de Diamantina (1951) y en el edificio Kubitschek en Belo
Horizonte (1951), como resalte del voladizo del tejado o en forjados de formas
diversas, punto de partida para el grupo de edificios de exposiciones
permanentes en el parque de Ibirapuera (1951), en colaboración con Z. Lotufo,
H. Uchôa, E. Kneese de Mello, G. Estellita y C. Lemos. Poco después, con un
cada vez mayor dominio de los elementos plásticos, la clínica Sul América
(1953), la escuela de Belo Horizonte (1954), el proyectado museo de Caracas
(1954) con forma de pirámide invertida, y el edificio de viviendas del barrio
de la Hansa en Berlín (1957).
Brasilia, proyectada según el
plano general de Lucio Costa, se convirtió en el punto culminante de su
carrera. Niemeyer proyectó todos los edificios públicos importantes, con la
pretensión de expresar el contenido simbólico de cada edificio. La interpretación
de la imaginación queda asociada a la función, con un discreto lenguaje formal
combinado con cuidados elementos de gran fuerza expresiva.
A partir de 1962, coincidiendo
con la crisis socioeconómica que frena el desarrollo de Latinoamérica, inició
su exilio político en Francia que le llevó a la internacionalización de su obra
arquitectónica. En Argelia realizó la Universidad de Constantine (1968-1970),
el Ministerio de Asuntos Exteriores (1974) y el plan de Urbanización y Centro
de la ciudad de Argel. En Francia recibió en 1965 el Gran Premio Internacional
de Arquitectura de "L'Architecture d'aujourd'hui", y realizó la Sede
del Comité Central del Partido Comunista Francés en París (1971). En Italia, la
Sede de las oficinas de la Editorial Mondadori en Milán (1975). En Israel,
proyectos de Urbanización del desierto de Néguev. Y en Brasil, el Hotel
Nacional de Río (1970), con la forma de un enorme cilindro, la catedral de
Brasilia (1970), el Centro Musical de Río, el Museo del Hombre (1977) y el reciente
Museo de Arte Contemporáneo en Río (1996), causante de una gran controversia. A
pesar de la gran producción arquitectónica de Niemeyer en su país, su
influencia en las nuevas generaciones de arquitectos y su contribución al
desarrollo del movimiento moderno, su línea debe considerarse como un extremo
del que la producción brasileña queda, en conjunto, bastante alejada. En 2002
finalizaron las obras de ampliación y reconstrucción del Nuevo Museo de
Curitiba, en el estado de Paraná. El edificio, uno de los museos más grandes
del mundo, se levantó a partir del Castelo Branco, obra que Niemeyer proyectó
en 1967.
Su fructifera carrera fue
reconocida con el Premio Príncipe de Asturias, en 1989; el León de Oro, en
1996, de la Bienal de Venecia; y, sobre todo, el Premio Pritzker, junto al
estadounidense Gordon Bunshaft, en 1988, considerado el Nobel de Arquitectura.
En marzo de 2006 regaló a la
ciudad de Avilés un proyecto cultural que, además del agradecimiento por el
Príncipe de Asturias, supuso un testamento artístico para el arquitecto
brasileño. Será la única obra suya hasta el momento en territorio español. El
techo de dicho centro ha sido colocado mediante la aplicación de una nueva
técnica para cubrir una cúpula, cuya superficie abarca nada menos que 4.000
metros cuadrados. El Niemeyer, como se conoce coloquialmente, fue inaugurado en
la primavera de 2011.
El 15 de diciembre de 2006 se
inauguró el Museo Nacional Honestino Guimarães y la Biblioteca Nacional Leonel
de Moura Brizola que constituyen el Complejo Cultural de la República, el mas
grande de Brasil, ubicado en la Explanada de los Ministerios, en Brasilia. Y en
abril de 2007 lo hizo el Teatro Popular Oscar Niemeyer de Niterói, en Río de
Janeiro.
En diciembre de 2007 Niemeyer
cumplió 100 años, todavía en activo. Con motivo de su centenario, Vladímir
Putin le otorgó la condecoración de la Orden de la Amistad.
En 2008 presentó el proyecto
Puerto de la Música, que se llevará acabo en Rosario, en el parque Urquiza.
En enero de 2009, Niemeyer
presentó su nuevo proyecto, la Plaza de la Soberanía, que será realizada en la
Explanada de los Ministerios, en Basilia. Ese mismo año se completó la
construcción del Auditorio Oscar Niemeyer de Ravello, en Italia.
Construido en 1960, en esta ciudad planificada, Niemeyer
alcanzó el punto culminante de su carrera, al proyectar todos los edificios
públicos importantes, expresando el contenido simbólico de cada uno de ellos
mediante las posibilidades plásticas y estructurales del hormigón armado, en la
línea iniciada por Le Corbusier. Creó nuevas soluciones de aparente sencillez y
gran belleza, fruto de su inagotable capacidad de imaginación.
Neumann, Johann Balthasar (Eger, 27 de enero de 1687-Wurzburgo, 19 de agosto de 1753) Arquitecto alemán. La imagen de Neumann aparecía en los billetes alemanes de 50 marcos.
Biografía
Nacido en Cheb, en la región de Bohemia, estudió matemáticas para entrar más tarde en el ejército donde se convirtió en ingeniero militar. Participó de forma destacada en el sitio de Belgrado a las órdenes del príncipe Eugenio de Saboya. En 1718 se trasladó a Milán y más tarde, en 1723, a París. Ahí entró en contacto con la influyente familia de los Schönborg que le convencieron para que siguiera una carrera civil.
La familia Schönborn, que dominaba el principado episcopal de Wurzburgo, decidió a principios del siglo XVIII construir un palacio con el fin de trasladar la sede del episcopado, situado previamente en una antigua fortaleza. Los primeros maestros de obra fueron Maximilian von Welsch (1671-1745) y Johann Dientzenhofer. Más adelante, Neumann fue contratado para ayudar a Dientzenhofer. Neumann demostró su capacidad para el trabajo y se convirtió en el maestro principal de una obra que iba a tenerle ocupado durante más de treinta años.
Sin embargo, en 1746, el príncipe-obispo desapareció y su sucesor, que no tenía mucha prisa en terminar las obras de la residencia, relevó a Neumann de sus funciones. Fue necesario esperar a la elección de Carl Philipp von Greiffenclau como nuevo príncipe-obispo (sucesión que tuvo lugar en 1749) para que Neumann pudiera terminar la obra. Inspirándose en algunos de sus contemporáneos (Lukas von Hildebrandt, Dientzenhofer, Robert de Cotte), Neumann construyó una obra emblemática del barroco germánico. En el corazón del palacio de encuentra una monumental scalera con frescos pintados por Giovanni Battista Tiepolo, así como una sala de honor, la Kaisersaal, cumbre de la pintura mural.
Construido entre 1743 y 1772, el conjunto arquitectónico da la impresión de gran unidad entre elementos procedentes de muy diverso origen, desde el estilo versallesco adaptado de Hildebrandt hasta rasgos típicos de la arquitectura y la decoración de Bohemia, el norte de Italia y el sur de y Alemania. Esta iglesia de peregrinación rompe grotescamente con la imagen ascética y sencilla de los templos románicos, dada la estrecha relación que existía entre la Corte y la iglesia Católica.
En el centro de la fachada trasera del palacio bávaro, de evidente influencia versallesca, se sitúa esta sala decorada al fresco por Tiépolo. La vista de la estancia se abre hacia el parque del palacio, recargado de espectaculares jardines diseñados por el propio arquitecto que construyó el edificio, poniendo fuentes, caminos, estanques y estatuas al servicio del medio de igual modo que en el interior del palacio la ornamentación imita las formas de la naturaleza.
Nattier, Jean-Marc (París, 17 de marzo de 1685 – 7 de noviembre de 1766) Pintor francés, nació en París, hijo de Marc Nattier, un pintor retratista, y de Marie Courtois, una miniaturista.
Biografía
Recibió su primera formación de su padre, y habiéndose dedicado a copiar cuadros en la Galería de Luxemburgo, rechazó acudir a la Academia Francesa en Roma, aunque había obtenido el primer premio en la Academia de París a la edad de quince años. En 1715 marchó a Ámsterdam, donde Pedro el Grande estaba por aquel entonces, y pintó retratos del zar y de la emperatriz Catalina, pero declinó el ofrecimiento de ir a Rusia.
Entre 1715 y 1720 se dedicó a composiciones como la Batalla de Poltava, que pintó para Pedro el Grande, y la Petrificación de Fineo y sus compañeros, que le llevaron a ser elegido para la Academia. El crac financiero de 1720 obra de las maquinaciones de Law arruinó prácticamente a Nattier, quien se encontró obligado entonces a dedicar toda su energía a los retratos. Se hizo el pintor oficial de las damas de la corte de Luis XV. Los ejemplos más notables de su retratística son la María Leszczynska en el Museo de Dijon, las de su hija Adelaida (1756) y un grupo de artistas rodeados por su familia, datado en 1730. Murió en París en 1766.
Muchos de sus cuadros están en colecciones públicas francesas. Así, en el Louvre está su Magdalena; en Nantes el retrato de La Camargo y Una dama de la corte de Luis XV. En Orleans una Cabeza de una joven, en Marsella un retrato de Mme de Pompadour, en Perpiñán un retrato de Luis XV, y en Valenciennes un retrato de Le Duc de Boufflers. Al Museo de Versalles pertenece un importante grupo de dos damas y en la Gemaldegalerie de Dresde un retrato del Maréchal de Saxe. En la colección Wallace Nattier está representado por La condesa de Dillires, El baño (Mdlle de Clermont), Retrato de una dama vestida de azul, Marie Leczinska y Un príncipe de la casa de Francia. En la colección de Lionel Phillips está la duquesa de Flavacourt como Le Silence, y la duquesa de Châteauroux como Le Point du jour. Un retrato de la Condesa de Neubourg y su hija formó parte de la colección Vaile, y se vendió por 4500 guineas en la venta de esta colección en 1903. Las obras de Nattier han sido grabadas por Leroy, Tardieu, Audran, Dupin y muchos otros artesanos destacados.
