Taro Yamamoto (1919-1994)

Expresionismo abstracto

Yamamoto, Taro (Hollywood, California, 29 de octubre de 1919 - Provincetown, Massachusetts, 12 de junio de 1994) pertenecía a los artistas expresionistas abstractos de la Escuela de Nueva York cuya innovación artística en la década de 1950 había sido reconocida a través del Atlántico, incluido París, Nueva York Escuela de expresionismo abstracto, representada por Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline y otros se convirtió en un líder en el movimiento de arte del post Segunda Guerra Mundial era,

Biografía

Vivió en Japón entre los seis y los diecinueve años. Yamamoto sirvió en el ejército de los EE. UU. durante la Segunda Guerra Mundial, del 7 de noviembre de 1941 al 23 de febrero de 1946.

Estudió: 1949 en el Santa Monica City College ; 1950-1952 en The Art Students League de Nueva York, bajo Yasuo Kuniyoshi, Morris Kantor, Byron Browne y Vaclav Vytlacil ; 1951-1953 en la Escuela de Bellas Artes Hans Hofmann en la ciudad de Nueva York,

En 1952 ganó la Beca John Sloan Memorial en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. En 1953, bajo la beca de viaje Edward G. McDowell viajó a Europa,

Se casó con Gwynneth Cotton, una mujer inglesa naturalizada, en 1955, y vivían en Wellfleet, Massachusetts. Estuvieron activos en la Iglesia Universalista de Provincetown.

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Maximalismo

Apariencia de cruces, 2003 de Ding Yi

Maximalismo es un término utilizado en las artes, que incluye literatura, artes visuales, música y varios otros para explicar un movimiento o tendencia que incluye todos los factores multipropósito del expresionismo, y nace como un movimiento artístico opuesto al minimalismo; de hecho, el maximalismo celebra la riqueza y el exceso, y cada obra puede contener referencias de crítica irónica, erótica, cultural o social, como se puede ver en las pinturas maximalistas.

El maximalismo es una corriente caracterizada por obras de tipo figurativo y centradas en los temas primarios del erotismo y la naturaleza, vistos bajo una poética y humorística al mismo tiempo. Todas las obras expuestas en la exposición de Colonia eran obras de arte conscientemente sociales, políticas y filosóficas.

El maximalismo como género en las artes plásticas enfatiza las prácticas que requieren un trabajo intenso y se enfoca en el proceso de creación en sí. Las obras de este tipo suelen ser sutiles, sensuales y visualmente ricas. Los artistas que trabajan bajo el nombre de maximalistas tienden a provenir de países asiáticos, y en particular de China. El término maximalismo se usa para describir las novelas posmodernas más largas, como las de Daryush Shokof, y David Foster Wallace y Thomas Pynchon, en las que la digresión, la referencia y la elaboración de detalles ocupan una fracción cada vez mayor del texto. También se llama realismo histérico, un término acuñado por James Wood, quien afirma que es un género similar al realismo mágico.

También se utiliza para describir a ciertos compositores como John Luther Adams, que han "ido más allá" de los orígenes de la música minimalista.

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Artistas del Maximalismo

Yi, Ding
Youhan, Yu

Arte feminista

El movimiento de arte y de crítica de arte feminista emergió en los años sesenta y se consolidó a lo largo de los setenta como parte del movimiento feminista más amplio, enfocándose en examinar las representaciones de las mujeres en el arte y del arte producido por mujeres. Sus desarrollos continúan hasta la actualidad.​ Abarca el estudio de los esfuerzos y logros del movimiento feminista para hacer más visible el arte realizado por mujeres dentro de la historia del arte y la práctica artística; asimismo, examina conceptos y temas de la crítica de arte desde la óptica feminista, tales como la representación, las estrategias materiales y la estética.

Ha de diferenciarse el «arte hecho por mujeres», que puede ser exactamente igual, en cuanto a temas y géneros, al de otras tradiciones, de lo que es un «arte feminista», que pretende ser diferente, tratar otros temas y alterar los valores tradicionales en el arte.

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Artistas del Arte feminista

Yayoi Kusama

Yoko Ono

Shin-hanga

Shin-hanga (新版画? en español: "Nuevas impresiones", "nuevos grabados en madera") fue un movimiento artístico en Japón a principios del siglo XX, durante los períodos Taisho y Shōwa, que revitalizó el arte tradicional del ukiyo-e arraigado en los periodos Edo y Meiji (siglo XVII al XIX). Mantuvo el sistema tradicional de colaboración del ukiyo-e (sistema hanmoto) donde el artista, escultor, impresor y editor se dividen el trabajo, en oposición al sōsaku-hanga (impresiones creativas), movimiento que defendía los principios de la "auto-elaboración (jiga)", "auto-tallado (jikoku)" y "auto-impresión (jizuri)", según la cual el artista, con el deseo de expresar el yo, es el único creador de arte.

El término shin-hanga fue acuñado en 1915 por Watanabe Shōzaburō (1885-1962), la editorial más importante de shin-hanga, con el objetivo de diferenciar el shin-hanga del arte comercial masivo que era el ukiyo-e, aunque era impulsada principalmente por las exportaciones a los Estados Unidos de América. El movimiento floreció en torno a los años 1915 y 1942, que fue cuando se reanudó brevemente entre 1946 y la década de 1950. Inspirado por el impresionismo europeo, los artistas incorporaron elementos occidentales tales como los efectos de la luz y la expresión de estados de ánimo individuales, pero se centró en temas estrictamente tradicionales de paisajes (fukeiga), lugares famosos (meishō), mujeres bellas (bijinga), actores del kabuki (yakusha-e), y las aves y flores (kachōga).

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Artistas del Shin-hanga

Yamamura Toyonari
Yoshida, Hiroshi

Sōsaku-hanga

Sōsaku-hanga ( prints 版画"impresiones creativas" ) fue un movimiento artístico a principios del siglo XX en Japón . Hizo hincapié en el artista como el único creador motivado por un deseo de autoexpresión, y abogó por los principios del arte que es "auto-dibujado" (自 画 jiga ), "auto-tallado" (自 刻 jikoku ) y " autoimpreso " (自 刷 jizuri ). A diferencia delmovimiento shin-hanga ("nuevos grabados") que mantuvo el tradicionalsistema de colaboración ukiyo-e donde el artista, tallador, impresor y editor se dedicaba a la división del trabajo, los artistas creativos se distinguieron como artistas que crean arte para el arte. motivo.

El nacimiento del movimiento sōsaku-hanga fue señalado por el pescador de Kanae Yamamoto (1882-1946), letra pequeña, en 1904. Partiendo del sistema de colaboración ukiyo-e, Kanae Yamamoto hizo la impresión solo por su cuenta, desde el dibujo. , talla e impresión. Tales principios de "auto-dibujado", "auto-tallado" y "auto-impreso" se convirtieron en la base del movimiento creativo de impresión, que luchó por existir en Japón antes de la guerra junto con otros movimientos artísticos, y ganó su impulso y floreció en la posguerra. Japón como el verdadero heredero de la tradición ukiyo-e.

La Bienal de Arte de São Paulo de 1951 fue testigo del éxito del movimiento de impresión creativa. Los dos ganadores japoneses, Yamamoto y Kiyoshi Saitō (1907-1997) fueron grabadores, que superaron a las pinturas japonesas ( nihonga ), las pinturas de estilo occidental ( yōga ), las esculturas y las vanguardias. Otros artistas de sōsaku-hanga como Kōshirō Onchi (1891–1955), Un'ichi Hiratsuka (1895–1997), Sadao Watanabe (1913–1996) y Maki Haku (1924–2000) también son bien conocidos en Occidente.

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Artistas del Sōsaku-hanga 

Yamamoto, Kanae
Yamamura Toyonari
Yoshida, Tōshi
Yoshisuke, Funasaka

Pintura de campos de color o Color Field

Color field o pintura de campos de color es un estilo de pintura abstracta que emergió en la ciudad de Nueva York durante los años cuarenta y cincuenta del siglo XX. Dicho estilo se inspiró del modernismo europeo y se encuentra estrechamente relacionado al expresionismo abstracto, siendo que muchos de sus principales expositores pertenecían a este mismo movimiento. El Color Field se encuentra caracterizado, principalmente, por amplios campos de color liso y sólido, extendidos o teñidos en el lienzo, creando áreas de superficie uniforme y un plano liso de imagen. El movimiento otorga menor énfasis a la pincelada y la acción, a favor de la consistencia de la forma en su conjunto y del proceso. En la pintura del Color Field, “el color es liberado del contexto objetivo y se convierte en el sujeto en sí mismo”.

A finales de 1950 e inicios de 1960, los pintores del Color field emergieron en Gran Bretaña, Canadá, Washington, D.C. y la costa este de los Estados Unidos, utilizando formatos con franjas, blancos, patrones geométricos simples y referencias al imaginario del paisaje y de la naturaleza.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Artistas del Color Field

Yun Hyong-keun
Yunkers, Adja