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Artistas de la A a la Z

Obra de Édouard Vuillard. Intimismo.

Interior de la mesa de trabajo, 1893

Después de la bola, 1893

Desayuno, 1894

El pequeño restaurante, 1894

El fin del Desayuno de Madame Vuillard, 1895

Madame Vuillard Cousant, 1895

Mujer con una taza de café, 1895

La salsera, 1896 - 1897

El peine, 1898

El compartimiento de primera clase, 1899

El debate, 1897 - 1899

La Damepartie, 1899

El comedor, 1900

Madame Vuillard a la mesa, 1900

Mujer con un sombrero, 1901

Retrato de Madame Marie des Jardins Fontaine, 1901.  Intimismo

Interior, 1902

Naturaleza muerta con Leda, 1902

Estudio de una mujer con una enagua, 1902 - 1903

Mesa puesta, 1903

Madame Arthur Fontaine, 1904

Un vestido sombrío, 1905 - 1907   

Desnudo en una manta de Orange, 1909

Estatuillas en la repisa, 1909

La mesa, 1909

Desayuno en Villerville, 1910

El estudio, 1912

El salón de Madame Aron, 1911 - 1912

La mujer en el estudio, 1915

Madame Losse Hessel en el taller de Vuillard, 1915

Mujer en frente de la chimenea, 1915

Estudio interior, modelo para el paisaje de La Lepreuse, 1919

Tulipanes y estatuillas, 1919

Princesa Bibesco (Marthe Lahovary), 1920

Naturaleza muerta con flores, 1921

El florista

La ventana

Los amigos alrededor de la mesa, San Jacut


Obra de Édouard Vuillard. Japonismo.

El vestido de flores, 1891

La avenida, 1899

El interior verde o la figura delante de una ventana con dibujo

La amenaza

Obra de Édouard Vuillard. Puntillismo.

Retrato de Marie Vuillard, 1890
 
Mi abuela, 1892

Casa Maxime, 1905

En la cama de Édouard Vuillard



Amigo íntimo de Bonnard, este pintor interpretó con gran refinamiento escenas de la vida burguesa, huyendo del naturalismo. Entre los nabis era conocido como "el intimista", porque describía su mundo familiar con escenas insólitas y sorprendentes, imprevistas, en las que el color lograba armonizar, como en sordina, tonos discordantes.

(Musée d'Orsay, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Jóvenes paseando de Édouard Vuillard


Uno de los, temas preferidos de este artista era la representación de las situaciones sencillas e intimistas. He aquí, un ejemplo de ello en este cuadro pintado hacia 1891-1892.

(Colección Josefowitz, Francia)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Parque de París de Édouard Vuillard



        Esta obra, de 1894, pertenece al primer período de este artista, en que pintó sobre todo cuadros de tonalidades claras y brillantes, algunos influidos por el arte de las estampas japonesas. Más tarde, sus lienzos adoptaron tonos más oscuros, con el predominio de los grises.

(Musée d'Orsay, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Gae Aulenti (1927-2012)



Aulenti, Gae (Palazzolo dello Stella, Udine, 4 de diciembre de 1927 - Milán, 31 de octubre de 2012)  Arquitecta, interiorista y diseñadora italiana. Aulenti es una de las pocas mujeres que han dejado una profunda huella, a veces polémica, en la arquitectura internacional, así como en la escenografía teatral y en el diseño industrial.

Primeros años

Su padre era contador, hijo de un maestro de la escuela de Trani y su madre, napolitana, hija de un médico que enseñaba en Palermo. Aulenti asiste al Liceo artístico de Florencia, pero a causa de la Guerra debe retornar al norte, donde presta pequeños servicios a la Resistencia.

En 1954 se licencia en la Facultad de Arquitectura del Politécnico de Milán, y empieza su decenal colaboración con la redacción de la revista Casabella dirigida por Ernesto Nathan Rogers. Entre otras actividades fue miembro del Comité de Dirección de la revista Lotus International desde 1974 hasta 1979. A lo largo de casi 60 años de carrera, Aulenti trabajó de forma independiente en proyectos de arquitectura, diseño industrial, diseño de interiores e incluso escenografía teatral. Luego de obtener el título de Doctora, dio clases en la Escuela de Arquitectura de Venecia desde 1960 hasta 1962 y en la Escuela de Arquitectura de Milán desde 1964 hasta 1967.

Trayectoria

Diseño

Como muchos de sus contemporáneos, Aulenti diseñó varias series de muebles en toda la década de 1960 para la tienda La Rinascente y más tarde diseñó muebles para Zanotta.

También se desempeñó como vicepresidente de la Asociación Italiana de Diseño Industrial (ADI).

En 1972 participa en la exposición Italy: The New Domestic Landscape organizada por Emilio Ambasz en el MoMA junto con numerosos otros diseñadores y arquitectos emergentes, entre ellos Marco Zanuso y Richard Sapper, Joe Colombo, Ettore Sottsass, Gaetano Pesce, Archizoom, Superstudio, Gruppo Strum y 9999.

La pasión por el arte escénico la llevó a colaborar, de 1976 a 1978, con el director de ópera Luca Ronconi, diseñando la escenografía de óperas como Viaje a Reims, de Gioachino Rossini.

Arquitectura

Aulenti es conocida por varios proyectos de museos de gran escala en la década de 1980. En 1981 fue elegida para reformar la estación de trenes de Orsay en París, originalmente diseñado por Victor Laloux, en el Museo de Orsay. El espacio expone obras de artistas franceses de 1848 a 1915. Este trabajo llevó a conseguir comisiones como el Pabellón de Italia en la Exposición Universal de Sevilla 1992, el encargo para crear un espacio para el Museo Nacional de Arte Moderno en el Centro Georges Pompidou de París, la restauración del Palazzo Grassi como un museo de arte en Venecia (1985); la conversión de una antigua embajada de Italia en Berlín en una Academia de Ciencias y la reforma del Palacio Nacional de Montjuïc (Barcelona), como Museo nacional de Arte de Cataluña (1985). En San Francisco, ella convirtió la Biblioteca Central de la ciudad en un museo de arte asiático. En 2008 llevó a cabo la restauración del Palazzo Branciforte en Palermo. En 2011, Aulenti supervisó la expansión del aeropuerto de Perugia.

Ella entendía que para diseñar eficazmente los ambientes domésticos, se hacía necesario entablar un diálogo con los elementos y cualidades del entorno urbano. De esta forma, se podrían generar formas arquitectónicas en las que los ámbitos privado y el público compartieran su complejidad formal y estilística.​

Parte de sus archivos se encuentran en el International Archive of Women in Architecture en Virginia Tech.


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Obra
Silla April, 1964

Showroom de Olivetti en Buenos Aires, 1968

Leonardo da Vinci (1452-1519)

 


Leonardo da Vinci (Vinci, Toscana, 15 de abril de 1452-Amboise, 2 de mayo de 1519) Pintor, escultor, arquitecto, ingeniero e inventor italiano. Encarna los nuevos derroteros y la crisis de la cultura de fines del s. XV. Su vida artística se puede dividir en cuatro períodos: florentino (1452-82), milanés (1483-99), vida errante (1500-16) y el último, que abarca tres a años, desde el exilio voluntario en Francia, en la corte de Francisco I, hasta su muerte.

Período a florentino

Hijo de Piero da Vinci, notario de la Señoría de Florencia, h. 1469 lo encomendó este al taller de Verrocchio, cuyas enseñanzas compartió con Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi y Pietro Perugino. Se tienen pocas noticias de su actividad durante este período, pero La Anunciación (Uffizi) para San Bartolomé de Monteoliveto, donde La fusión de La luz y La sombra anuncia el sfumato leonardesco, demuestra los sorprendentes progresos del joven artista, que en 1472 estaba ya inscrito en el Libro rosso dei debitori e creditori de La Compañía de San Lucas. El primer encargo independiente es de 1478, y a este le sigue otro, en 1481, de los monjes de San Donato de Scopeto, cerca de Florencia, para La Adoración de los Reyes Magos, inconclusa (Uffizi), y un San Jerónimo (1482, Pinacoteca Vaticana), en el que en un ambiente claroscuro asocia la figura al ambiente de la caverna, anticipo del de La Virgen de las Rocas. En este período, La mentalidad de Leonardo se desarrolla en contacto con la cultura humanística florentina, de la que asimila ideas pitagóricas y una especie de misticismo cósmico, al mismo tiempo que se acentúa su sentimiento de soledad.

Anunciación, 1475

Periodo milanés

 La Virgen de las Rocas, 1486
En 1483 se encuentra en Milan al servicio de Ludovico el Mora; el duque le empleó como pintor, escultor, ingeniero y organizador de sus fiestas; le encargó además una estatua ecuestre de su padre, Francesco Sforza, que Leonardo no llegaría a fundir. Mientras se dedicaba a sus trabajos de hidráulica, ingeniería y escultura, pintó dos grandes obras: Virgen de las Rocas y Santa Cena. De la Virgen de las Rocas existen dos versiones (la del Louvre, en París, empezada en 1483, y la de la National Gallery, de Londres, realizada junto con De Peris); en la primera versión, pintada para la Cofradía de la Concepción, de Milán, la suave ambigüedad de los tipos y la fusión pictórica entre la figura y el ambiente hacen de ella una muestra de la poesía figurativa de Leonardo. La segunda gran obra de su período milanés es la Última Cena (1499, refectorio de Santa Maria delle Grazie), en la que abandona el esquema geométrico de Castagno, supliéndolo por una nueva euritmia bramantesca, en una perspectiva arquitectónica casi maciza. Para Ludovico el Mora pinta, en 1498, dos salas del castillo sforzesco. En la misma época preparaba trabajos sobre mecánica, perspectiva y anatomía. Su obra permaneció ignorada hasta 1651, en que se publicó su Trattato della pittura. Permaneció en Milán hasta 1500, es decir, hasta la caída del ducado de Milán.

Joshua Reynolds (1723-1792)


Reynolds, Joshua (Piympton, St. Maurice, Devonshire, 16 de julio de 1723 - Londres, 23 de febrero de 1792) Pintor británico. A los 20 años era ya famoso en Devon, su ciudad natal, como retratista. En 1749 pasó a Italia, donde residió tres años. De regreso a Londres hizo los retratos del duque de Devonshire y de Keppel y pronto se convirtió en el retratista de moda. En 1768 fue nombrado presidente de la recién fundada Real Academia de Arte y en 1784 pasó a ser primer pintor del rey. En este último período de su vida se interesó más por las actividades didácticas. Su pintura, tan celebrada en su época, ha sido acusada posteriormente de literaria, superficial y demasiado preocupada por las exigencias de su público. Sus teorías sobre el "gran estilo" como resultante de un eclecticismo de las tendencias pictóricas italianas de los ss. XVI y XVII se reflejan en su obra, que puede clasificarse en retrato histórico (Lady Carofine Keppel, 1757), retrato heroico (Captain Robert Orme, 1756), retrato alegórico (Lady Anne Fermor como Diana, 1753; Kitty Fisher como Cleopatra, 1759), retrato variación del tema de la Virgen y el Niño (Lady Cathcart y su hija, 1755), retratos de mujeres y niños sin referencia a temas religiosos o históricos (Lady Mary Bruce, 1765; La edad de la inocencia, 1788), retratos de abogados, prelados, hombres de letras, etc. (Horace Walpole, 1756), retratos de grupo (Hijos de Edward Holden, 1763), retratos sobre un paisaje (Catherine Moore, 1777). Su obra teórica más importante son los Discourses, discursos anuales que pronunciaba como presidente de la Real Academia.


Hijo de un maestro de escuela, logró dotar a la pintura de su patria de un modo de expresión completamente inglés, aunque basado en la experiencia acumulada durante siglos en las más brillantes escuelas. Extrajo mucho más provechosas lecciones del arte de Hogarth que del propio profesor con quien se había formado, un oscuro pintor, Thomas Hudson, y protegido por varios amigos ricos, embarcó para Italia, donde permaneció tres años. Así, pudo conocer bien al Tiziano, a Rafael, a los maestros de la escuela de Bolonia, y además a Miguel Ángel, que fue su ídolo. Al final de su vida, colmado de honores, cuando tuvo que despedirse de la presidencia de la Royal Academy, quiso que el último nombre que pronunciara en aquella institución fundada a instigación suya (y que tan largamente había presidido), fuese el del gran genio toscano: "Siento una especie de admiración de mí mismo -dijo-, al saberme capaz de percibir aquellas sensaciones que Miguel Ángel se proponía despertar con sus pinturas. No sin vanidad, pues, expreso mi admiración por aquel artista realmente divino".


La edad de la inocencia de Joshua Reynolds (Tate Gallery, Londres). El enorme prestigio de que gozó en vida este artista no le impidió realizar -aparte de sus retratos enfáticos y aparatosos- algunos cuadros, cuyo tema le interesaba por motivos puramente personales. Así, sus escasos desnudos y sus retratos infantiles están impregnados de sentimentalismo como esta obra.

Punto al Arte