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Artistas de la A a la Z

Obra de Toulouse-Lautrec. Art Nouveau.

El baile, 1870-1880

Jardin de Paris, May Belfort, 1883

La última gota, 1887

Primera Comunión, 1888

En Moulin Rouge, 1890

En el Moulin-Rouge, el baile, 1890. Posimpresionismo

Bailarina ajustando sus medias, 1890

Le Goulue y Valentin, el deshuesado, 1891

En el Nouveau Cirque , 1891

Moulin Rouge La Goulue, 1891

Ambassadeurs Aristide Bruant en su cabaret, 1892

En el Moulin Rouge, La Goulue con su hermana, 1892

Jane Avril bailando, 1891-1892

Reine de Joie, 1892

El inglés en el Moulin Rouge, 1892

Jane Avril bailando, 1892

Los embajadores Aristide Bruant y su Cabaret, 1892

Ambassadors, Chic People, 1893

Cadieux, 1893

En la Opera Ball, 1893

Jane Avril, 1893

La voltereta lateral, 1893


Al pie del andamio, 1893

Cobertura de la impresión original, 1893

Diván japonés, 1892-1893

El pequeño Trottin, 1893

Jane Avril vista desde atrás, 1893

Jane Avril vista desde atrás, 1893

La caja con la máscara de Guilded, 1893

M. Praince, 1893

Miss Loie Fuller, 1893

Un dia libre, 1893. Art Nouveau3

Yvette Guilbert, 1893

Yvette Guilbert, 1893

Alfred la Guigne, 1894

El salón en la Rue des Moulins, 1894. Posimpresionismo

La Goulue y Paul Lescau, 1894

La Tapie Céleyran médico en un pasillo de la Comedia Francesa, 1894. Posimpresionismo

Prostitutas alrededor de una mesa de cena, 1893 - 1894. Posimpresionismo

Yvette Guilbert, 1894

Confetti, 1894

El alemán de Babylon de Victor Joze,  1894

El Photagrapher Sescau, 1894

El salón en la Rue des Moulins, 1894. Posimpresionismo

Moulin Rouge. La unión franco rusa, 1894

Vendedora de flores, 1894

La Belleza y la Bestia. El Bezique, 1895

La Revue Blanche, 1895

Marcelle Lender, 1895

May Milton, 1895

Retrato de Oscar Wilde, 1895. Posimpresionismo

Tristan Bernard en la estación de Buffalo, 1895. Posimpresionismo

Yvette Guilbert. 1895

¿Es suficiente para querer algo de pasión (el buen jinete)?, 1895

Mademoiselle Marcelle Lender, de pie, 1895

Amanecer, 1896

Ambroise Thomas asistente en un ensayo de Francoise de Rimini, 1896

Cha T Kao, payaso chino, sentado, 1896

Chocolat bailando en el bar irlandés y americano, 1896

Compañía de Mlle. Elegantine (póster), 1896

Conquista de paso, 1896

El pasajero en la cabina 54, 1896

Ellos mujer mirándose en un espejo de mano, 1896

En el concierto, 1896

Extra en el Folies Bergere Revue, 1896

La revue blanche (poster), 1896

Libertinaje (segundo piso), 1896

Mujer con una tina, 1896

Mujer en la cama, de perfil, levantándose, 1896

Sola (Ellas), 1896

Baile en el Moulin Rouge, 1897

La Portie de Canpagne, 1897

Cena en la casa de M. y Mme.  Nathanson, 1898. Posimpresionismo

El motógrafo, 1898

Amazona, 1899

Conversación, 1899

El marinero Sopng, en el Star, Le Havre, 1899

En el circo, caballo y el mono doma, 1899

En el circo, el domador, 1899

En Star, Le Havre (Miss Dolly, Inglés Singer), 1899

La gitana, 1899

La camarera, 1900

Messalina sentada, 1900

Admirante Viaud, 1901

Messaline, 1900 - 1901. Posimpresionismo.

Yvette Guilbert

Obra de Toulouse-Lautrec. Impresionismo.

Artillero ensillando su caballo, 1879

Asamblea de cazadores, 1878-1879

Caballo y jinete con un perrito, 1979

Coche para perros, 1879-1880

Celeyran Vista de los Vignards, 1880

Caza, 1879-1880

Barco de pesca, 1880

Agradable, en la Promenade des Anglais, 1880

El perro (boceto de Touc), 1880

Recuerdo de Auteuil, 1881

Coracero, 1881

Caballo luchando contra su novio, 1881

Caballo blanco, Gazelle, 1881

Caballo atado, 1881

Equipaje en Bosc, 1881

Dun, un Gordon Setter perteneciente al Conde Alphonse de Toulouse Lautrec, 1881

El conde Alphonse de Toulouse Lautrec conduce un enganche de cuatro caballos, 1881

El halconero, conde Alphonse de Toulouse Lautrec, 1881

Margot, 1881

Princeteau en su estudio, 1881

El general en el río, 1881-1882

Fiesta en el campo, 1882

Jinetes, 1882

Maestro de la caza, 1882

Piquer y Bucheron, 1882

Retrato de una niña, 1882

La madre del artista, la condesa Adèle de Toulouse Lautrec en el desayuno, 1881-1883

Autorretrato frente a un espejo, 1882-1883

El palco, 1889

Dos caballeros en armadura,1900

Obra de Toulouse-Lautrec. Realismo.

Dos toros usando un yugo, 1881

Busto de un hombre desnudo, 1882

Estudio de un desnudo, 1882

Mujer en oración, 1882

Princeteau en su estudio, 1881-1882

Viejo en Celeyran, 1882

Estudio académico de desnudo, 1883

Inmaculada Concepción de Murillo

Bartolomé Esteban Murillo, uno de los artistas más populares de España, trabajó principalmente para iglesias y conventos, por lo que la mayoría de sus obras son esencialmente religiosas, de las que esta Inmaculada Concepción, realizada hacia 1678, supone uno de los más bellos ejemplos.


En el Barroco se concreta la iconografía de la Inmaculada Concepción que tuvo un papel muy importante en toda España. En el siglo XVII se discute obsesivamente si la Virgen fue creada sin mácula, sine macula, es decir, sin contacto carnal. Una vieja controversia que había comenzado ya en el siglo XII con San Bernardo de Claraval.

Francisco Pacheco como teórico concreto esta iconografía a nivel plástico. Al final de su tratado el Arte de la Pintura, publicado en 1649, realiza una serie de recomendaciones para representar la Inmaculada Concepción de María. Entre estos consejos dice que no debe aparecer con el Niño en los brazos; ha de estar coronada de estrellas con la luna a sus pies; ha de ser pintada en la flor de su edad, de doce a trece años, y con las puntas de la media luna hacia abajo; ha de estar adornada con serafines y ángeles, y se ha de pintar con túnica blanca y manto azul.

Las Inmaculadas de Murillo se caracterizaron por una delicadeza y una gracia especial a la figura femenina e infantil. El sentimiento, lo amable y lo tierno son calificativos característicos de su obra. Precisamente, aquí se aprecian con claridad. El artista sevillano creó una pintura serena y apacible, en la que priman el equilibrio compositivo y expresivo, con una delicadeza nunca conmovida por sentimientos extremos. Colorista excelente y buen dibujante, concibe sus cuadros con un fino sentido de la belleza y con armoniosa mesura, lejos del dinamismo de Rubens o de la teatralidad italiana.


María viste túnica blanca, símbolo de pureza, y manto azul, símbolo de eternidad. Lleva sus manos al pecho y eleva la mirada al cielo. Una refinada gama de colores cálidos donde predominan los claros amarillentos y luminosos del fondo de la composición, hacen resaltar la silueta de la joven, el manto de la cual, dispuesto en diagonal, acrecienta el movimiento ascensional. La composición se inscribe en un triángulo perfecto, cuyo vértice es la misma cabeza de la Virgen.

El estatismo de la figura de la Inmaculada contrasta con el movimiento de los querubines que le sirven de peana, en posturas retorcidas. Este revoloteo de ángeles en espiral ha llevado a considerar la obra un preludio del rococó.

Fue encargada por el canónigo de la catedral de Sevilla, Don Justino de Neve, para la iglesia del Hospital de los Venerables Sacerdotes de dicha ciudad, motivo por el cual se la conoce también como la Inmaculada de los Venerables. El cuadro permaneció en ese lugar hasta que el mariscal francés Soult se la llevó a París durante la guerra de la Independencia. A su muerte se vendió en subasta, siendo adquirida en 1852 por el Museo del Louvre.

Desde 1941 esta Inmaculada Concepción, llamada con el sobrenombre de Soult, un óleo sobre lienzo de 27 4 x 190 cm, pasó al Museo del Prado por una política de intercambio con el gobierno francés.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Automatismo

El automatismo es un método de producir arte en el cual el artista suprime el control consciente sobre el proceso de producción, permitiendo que el inconsciente tenga gran influencia. Dadaistas de comienzos del siglo XX tales como Hans Arp, hicieron algún uso de este método a través de operaciones casuales. Artistas surrealistas, especialmente André Masson, adaptaron al arte el método escritura automática de André Breton y Philippe Soupault que compuso con él Les Champs Magnétiques (Los Campos Magnéticos) en 1919.​ The Automatic Message (1933) fue una de las obras significativas de Breton sobre automatismo.

Se parte del hecho de que se puede crear de y a partir de todo, la creatividad pura solo pertenece a la naturaleza y por tanto se aprende a copiar a través de la observación atenta, la intuición y la atención suspicaz a nuestro inconsciente. Por tanto todos los medios de expresión son válidos. Se nutre estéticamente de todas las corrientes y estilos artísticos, así como del inconsciente colectivo universal arquetipos que versa sobre nuestro pasado, presente y futuro, unidos en una misma línea de tiempo cuya duración es de un instante infinito.

Enzima verde, 1978 (Pierre Gauvreau)

Principios básicos

1. Lo no racional es la base.
2. El inconsciente predomina y domina.
3. La memorización tiene una importancia secundaria; se le da preponderancia al instinto
4. El conocimiento y la información es la base fundamental de la creación.
5. La observación es la piedra angular del diseño.
6. La toma de decisiones debe ser inmediata sin propósitos concretos, asumiendo todos los riesgos necesarios.
7. No hay errores, solo oportunidades; el error mínimo se debe convertir en la pieza fundamental de una obra maestra.

Dibujo y pintura automática

El dibujo automático fue iniciado por el artista inglés Austin Osman Spare, quien escribió un capítulo, Dibujo automático como un medio para el arte, en su libro, "El libro del placer" (1913). Otros artistas que también practicaron el dibujo automático fueron Hilma af Klint, André Masson, Joan MiróSalvador Dalí, Jean Arp, André Breton y Freddy Flores Knistoff.

La técnica del dibujo automático se transfirió a la pintura (como se ve en las pinturas de Miró, que a menudo comenzó como dibujos automáticos), y se ha adaptado a otros medios; incluso ha habido "dibujos" automáticos en gráficos de computadora. También se piensa que Pablo Picasso utilizó un tipo de dibujo automático en su trabajo posterior, y particularmente en sus grabados y suites litográficas de la década de 1960.

El dibujo automático (distinguido de la expresión dibujada de los medios) fue desarrollado por los surrealistas, como un medio para expresar el subconsciente. En el dibujo automático, la mano puede moverse "al azar" a través del papel. Al aplicar la casualidad y el accidente a la creación de marcas, el dibujo se libera en gran medida del control racional. Por lo tanto, el dibujo producido puede atribuirse en parte al subconsciente y puede revelar algo de la psique, que de otro modo sería reprimido. Ejemplos de dibujo automático fueron producidos por médiums y practicantes de las artes psíquicas. Algunos espiritistas pensaban que era un control espiritual que producía el dibujo mientras tomaba físicamente el control del cuerpo del médium.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Artistas del Automatismo

Gauvreau, Pierre
Masson, André





Punto al Arte