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Artistas de la A a la Z

Virgen y el Niño con los santos Dionisia, Domingo, Clemente y Tomás de Aquino de Domenico Ghirlandaio


En esta obra Ghirlandaio convierte la escena casi en un hecho cotidiano, con un gusto por la narración heredado de Gozzoli y Lippi. La serenidad de la Madona preside el cuadro sobre un fondo de arquitectura que destaca sobre el límpido cielo. En torno, los cuatro santos, que vivieron en épocas y países distintos, aparecen agrupados en una escena celeste que se desarrolla, sin embargo, en un espacio que tiene las características del espacio real. 

(Gallería degli Uffizi, Florencia). 
Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Retablo de la Epifanía de Domenico Ghirlandaio


Se ha dicho que esta obra revela la mano de varios colaboradores; hay que tener presente que el taller de los Ghirlandaio, en principio de tipo familiar, llegó a estar organizado a escala casi industrial y suministró su producción a varias ciudades. Sin embargo, esta obra denota la simetría y el equilibrio de las mejores piezas de Ghirlandaio. 

(Hospital de los Inocentes, Florencia). 
Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Adoración de los Pastores de Domenico Ghirlandaio


En el primer plano está situada la Virgen arrodillada junto al Niño, y tras él se ve a San José, y los animales, bajo un techado sostenido por pilastras cuatrocentistas. A la derecha de la composición hay un grupo de pastores que vienen a adorar al Niño. Al fondo del cuadro, hacia la izquierda, aparece un grupo de pastores que acuden presurosos. 

(Hospital de los Inocentes, Florencia). 
Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.


Retrato de un anciano con su nieto de Domenico Ghirlandaio


En la nariz deforme de este personaje Ghirlandaio llevó el realismo a su extremo, siguiendo fielmente el espíritu del retrato flamenco. El elemento natural, que se ve a través de la ventana abierta, es típicamente italiano y el contraste entre las expresiones del anciano y del niño ejemplifica la experiencia y la inocente ingenuidad. 

(Musée du Louvre, París). 
Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Gentile da Fabriano (h. 1370-1427)


Gentile da Fabriano, Gentile di Niccolo di Giovanni di Massio, llamado (Fabriano, h. 1370 - Roma, 1427) Pintor italiano. Fue el máximo representante, junto con Pisanello, del gótico internacional en su país. Su goticismo aparece en estado puro en sus primeras obras, caracterizadas por los colores claros y frescos y la predilección por las superficies frente a los volúmenes: Vírgenes (Museos de Berlín y de Perugia), Políptico de la Coronación de la Virgen (Galería Brera, Milán). En las obras de madurez, ellinearismo gótico aparece frenado por volúmenes más robustos que prefiguran el gusto renacentista: Virgen (catedral de Orvieto), Políptico Quartesi (dividido entre los Uffizi, Florencia y la National Gallery, Londres). En la Adoración de los Reyes Magos (1423; Uffizi) regresa al tono aristocratizante y caligráfico del gótico internacional.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Galería

Madonna con Niño y Santa Catalina,
San Nicolás y Donante, 1395


Políptico de Valle Romita, 1400

Taddeo Gaddi (1290-1366)



Gaddi, Taddeo (Florencia, 1290-1366) fue un pintor y arquitecto italiano de estilo italo-gótico. Como pintor, creó altares y murales y ante todo destaca como alumno y seguidor de Giotto. Como arquitecto, se le atribuye el diseño del Ponte Vecchio.

Biografía

Hijo de Gaddo Gaddi, un artista del que poco se sabe, la educación artística de Taddeo le viene principalmente por ser alumno y asistente del pintor Giotto di Bondone. Cennino Cennini se refirió a Taddeo llamándolo ahijado de Giotto y dice que su relación duró 24 años.

Los primeros trabajos, como La estigmatización de san Francisco (h. 1325-1330), témpera sobre panel de madera) demuestra un sutil remodelado del estilo de Giotto.

Quizá sus obras más famosas son la serie de frescos que representan las vidas de la Virgen y de Cristo en la Capilla Giugni (antes Capilla Baroncelli) en la Basílica de Santa Cruz en Florencia (1328-38). La anunciación a los pastores (a la derecha) ilustra el interés de Taddeo en la luz y sus efectos. Su estudio de los eclipses solares en particular le llevarían con el tiempo a una seria lesión ocular en 1339.

Como arquitecto, Taddeo Gaddi se le atribuye el diseño del Ponte Vecchio en Florencia, así como el Ponte Trinita, que fue destruido en el siglo XVI.

Dos hechos apuntan a la importancia de Taddeo Gaddi como artista florentino:

  1. Giorgio Vasari incluyó una biografía suya en las Vidas.
  2. El nombre de Taddeo aparece en lo alto de una lista de 'los mejores maestros de pintura que hay en Florencia'.

Taddeo Gaddi tuvo cuatro hijos, tres de los cuales fueron artistas conocidos: Giovanni, Agnolo y Niccolò. Ninguna evidencia demuestra que su cuarto hijo, Zanobi, fuera alguna vez un artista serio.

Su presencia en museos españoles es muy reducida: La Adoración del Niño del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Dos tablas del Museo del Prado, que se le atribuían (legado de Francesc Cambó), se asignan ahora al anónimo Maestro de la Madonna de la Misericordia, seguidor suyo.a

Más obras
La Natividad
La Natividad, 1325

La anunciación a los pastores
La anunciación a los pastores, 1328-1330

Agnolo Gaddi (1350-1396)



Gaddi, Agnolo (Florencia, 1350 - 1396) Pintor y arquitecto florentino. Hijo y discípulo de Taddeo Gaddi, recibió también la influencia giottesca, que le hizo derivar hacia un estilo monumental. Realizó los frescos del presbiterio de Santa Croce de Florencia y los de la capilla de Santo Cingolo en la catedral de Prato (1392-95).

Su estilo es un término medio entre el de Giotto y el naciente gótico internacional. En 1394 decoró la bóveda de la capilla mayor de la basílica de la Santa Croce (Florencia) con escenas de la leyenda de la Santa Cruz, en las que se revela como buen narrador. En el mismo templo decoró la capilla Castellani con episodios de las vidas de Nicolás de Bari, los Santos Juanes y San Antonio Abad. Otras obras suyas son asimismo una Crucifixión (h. 1380, Palacio de los Uffizi), una Madonna de la Misericordia y un San Francisco recibiendo los estigmas (Escuela florentina). Intervino en la decoración al fresco de la capilla del Cinturón de la Virgen en la catedral de Prato.

Fuente: https://es.wikipedia.org.

Más obras

Sta. Maria Novella Anunciación, 1370

Coronación de la Virgen (detalle), 1380-1385,

Henry Fuseli (1741-1825)



Füssli, Johann Heinrich (Zúrich, 17 de febrero de 1741 - Londres, 16 de abril de 1825). Pintor y teórico de arte suizo. En Roma (1770-78) recibió la influencia de Winckelmann y de Mengs. Desde 1779 se estableció en Londres, donde alcanzó fama. Está considerado como el precursor del romanticismo en Gran Bretaña. Su obra, inspirada en temas de la epopeya y de la tragedia, tomados de Homero, Dante, Shakespeare y Milton, se caracteriza por la utilización de un tipo de figura derivado de Miguel Ángel y por un colorido que recuerda el de los flamencos. Sus cuadros se conservan especialmente en los museos de Basilea y Zurich, y en el Victoria and Albert Museum, de Londres.

El romanticismo visionario de Fuseli

La experiencia artística surgida de la interacción entre el consciente y el inconsciente más allá del análisis racional se refleja en el arte del siglo XIX de una forma continuada caracterizando la idiosincrasia del espíritu romántico europeo. Esta actitud ante la vida y el arte adopta en cada país y en cada uno de sus artistas tintes especiales. Si bien el romanticismo mediterráneo puede considerarse más racional y comedido, a pesar aun de la teatralidad de algunas obras, el romanticismo de los países del norte de Europa adopta un tono más arrebatado, a veces incluso excéntrico, que se aleja de la serenidad en pos de recónditos espacios de reflexión. Para comprender la personalidad romántica de algunos autores decimonónicos y la esencia del simbolismo de finales de siglo hay que destacar a dos autores ingleses cuya cronología artística inicia el mismo siglo XIX y cuya influencia será constante a lo largo de este período: Heinrich Füssli o Fuseli y William Blake.

Titania despertando de Johann Heinrich Fuseli (Kunstmuseum, Wintherthur). El artista pintó este cuadro en 1794 inspirándose en la obra de Shakespeare El sueño de una noche de verano. En él, la fantasía del artista pudo dar rienda suelta a su imaginación, muy inclinada a crear mundos de hadas, elfos y personajes monstruosos, un mundo de encantamientos y sortilegios muy acorde con su mentalidad romántica.  

Hijo de un pintor y estudioso de la historia del arte, Heinrich Fuseli (17 41-1825) inició, inducido por su familia, la carrera eclesiástica, la cual abandonó obligado por un escándalo acontecido a raíz de una denuncia contra un magistrado corrupto. Tras abandonar su carrera, en 1763 se trasladó a Berlín, donde estudió artes y más tarde se estableció en Inglaterra como traductor de textos franceses y alemanes. Este artista de origen suizo conoció la obra de Mengs y Winckelmann a través de su padre, y él mismo tradujo algunos de los textos participando en la difusión de estos autores y su entusiasmo por la antigüedad clásica. A pesar de sus conocimientos del mundo antiguo como dibujante y pintor, Fuseli demostró preferencia por los temas literarios.

La pesadilla de Herny Fuseli



La pesadilla es una pintura al óleo de 1781 del artista anglo-suizo Henry Fuseli . Muestra a una mujer en un sueño profundo con los brazos lanzados debajo de ella, y con un incubus demoníaco y parecido a un abelea en su pecho.

La evocación erótica de obsesiones y obsesiones eróticas y obsesionantes de la pintura fue un gran éxito popular. Después de su primera exposición, en la Real Academia de Londres de 1782, los críticos y los patrones reaccionaron con horrorizada fascinación y el trabajo se hizo muy popular, en la medida en que fue parodiado en la sátira política y se distribuyó ampliamente una versión grabada. En respuesta, Fuseli produjo al menos otras tres versiones.

Las interpretaciones varían. El lienzo parece retratar simultáneamente a una mujer soñadora y al contenido de su pesadilla. El incubus y la cabeza de caballo se refieren a las creencias contemporáneas y al folclore sobre las pesadillas, pero algunos teóricos les han atribuido significados más específicos. Los críticos contemporáneos fueron sorprendidos por la sexualidad abierta de la pintura, ya que algunos eruditos interpretaron que anticipaban ideas junguianas sobre el inconsciente.

Nightmare ofrece simultáneamente la imagen de un sueño, indicando el efecto de la pesadilla en la mujer, y una imagen de sueño, al retratar simbólicamente la visión dormida. Representa a una mujer dormida, colgada sobre el extremo de una cama con la cabeza colgando, exponiendo su largo cuello. Ella es superada por un incubus que mira al espectador. La persona que duerme parece no tener vida y, acostada de espaldas, toma una posición que se cree que fomenta las pesadillas. Su brillante coloración se ajusta a los rojos, amarillos y ocres más oscuros del fondo; Fuseli utilizó un efecto de claroscuro para crear fuertes contrastes entre la luz y la sombra. El interior es contemporáneo y moderno, y contiene una pequeña mesa en la que descansa un espejo, un frasco y un libro. La habitación está colgada con cortinas de terciopelo rojo que cubren la cama.

Para los espectadores contemporáneos, The Nightmare invocó la relación del incubus y el caballo (yegua) con las pesadillas. El trabajo fue probablemente inspirado por los sueños de vigilia que experimentaron Fuseli y sus contemporáneos, quienes descubrieron que estas experiencias se relacionaban con creencias folklóricas como las historias germánicas sobre demonios y brujas que poseían personas que dormían solas. En estas historias, los hombres eran visitados por caballos o brujas, dando lugar a los términos "hag-riding" y "mare-riding", y se creía que las mujeres tenían relaciones sexuales con el diablo. La etimología de la palabra "pesadilla", sin embargo, no se relaciona con los caballos. Más bien, la palabra se deriva de mara, un término mitológico escandinavo que se refiere a un espíritu enviado para atormentar o sofocar a los durmientes. El significado inicial de "pesadilla" incluía al durmiente ' s experiencia de peso en el pecho combinada con parálisis del sueño, disnea o sensación de temor. La pintura incorpora una variedad de imágenes asociadas con estas ideas, que representan la cabeza de una yegua y un demonio agazapado sobre la mujer.

El sueño y los sueños eran temas comunes para Henry Fuseli, nacido en Zurich, aunque The Nightmare es único entre sus pinturas por su falta de referencia a temas literarios o religiosos (Fuseli era un ministro ordenado). Su primera pintura conocida es Joseph Interpreting the Dreams of the Butler and Baker of Pharaoh (1768), y más tarde produjo The Shepherd's Dream (1798) inspirado en John Milton's Paradise Lost, y Richard III Visited by Ghosts (1798) basado en la obra de Shakespeare.

Richard Buckminster Fuller (1895-1983)



Fuller, Richard Buckminster "Bucky"  (Milton, 12 de julio de 1895 - Los Ángeles, 1 de julio de 1983) fue un diseñador, arquitecto, visionario e inventor estadounidense. También fue profesor en la Universidad del Sur de Illinois Carbondale y un prolífico escritor.

Biografía

Su escasa formación profesional, limitada esencialmente a los estudios cursados en la Universidad de Harvard entre 1913 y 1915, no le permitió definirse como arquitecto en el sentido estricto de la palabra. Sin embargo, su obra está ligada de una forma especialmente influyente a las corrientes artísticas del siglo XX, con una marcada estética mecanicista. Durante su estancia como soldado en la marina norteamericana, fue condecorado por la invención de un poste con un apéndice para el salvamento de hidroaviones y, una vez concluida la Primera Guerra Mundial, trabajó en diversas firmas industriales. En 1922 fundó con su suegro, J.M Hewlet, la empresa constructora Stockade Building System, que tuvo lamentablemente una reducida existencia.

Su primer gran proyecto, realizado en 1927, consistió en una vivienda unifamiliar, de planta hexagonal y habitaciones triangulares, que pendía de un palo central por el que llegaban todas las conducciones. Esta máquina para vivir, con influencia de Le Corbussier pero de forma totalmente novedosa, era completamente transportable y desmontable, con un peso y tamaño mínimos. Conocida más tarde como 4-D House o Dimaxion House, dejó entrever los propósitos de la arquitectura de Fuller: la máxima funcionalidad con el mínimo gasto energético y material; arquitectura siempre subordinada a las últimas novedades técnicas y científicas. Estos propósitos, presentes durante el transcurso de toda su carrera, le llevaron a fundar en 1932 la Dimaxion Corporation en Bridgeport, Connecticut, empresa de la que fue director e ingeniero jefe hasta 1935. Durante este período patentó, entre otros proyectos, el Dimaxion Car, un vehículo de tres ruedas que resultó ser extremadamente inestable e inseguro. En 1929, durante el desarrollo de la guerra, trabajó en el diseño de viviendas prefabricadas, de las que surgió la Dimaxion, vivienda redonda con escotillas y tejados de cúpula planos. Posteriormente, Fuller se dedicó a la investigación de grandes superficies portantes, como solución económica para abrir grandes espacios. Surgieron de esta forma sus cúpulas geodésicas, basadas en la multiplicidad regular de diversas superficies, empresa a cuya mejora y perfeccionamiento dedicó el resto de su carrera constructiva en colaboración con varios grupos de estudiantes. Además de numerosos proyectos experimentales, destacaron sus realizaciones en las que se materializaron algunos de sus proyectos de estructuras: en 1953 construyó un edificio redondo de fibra de vidrio y poliéster para la casa automovilística Ford. En 1954 realizó una cúpula de madera recubierta por una hoja transparente de plástico para un restaurante en Woods Hole. En 1958 logró cubrir 117 metros con una cúpula formada por planchas de acero hexagonales para la Union Tank Car Company, en Baton Rouge, Louisiana, así como una cúpula geodésica suya que se mostró en la Exposición norteamericana de Moscú, en 1959. Su obra más famosa, la esfera del pabellón USA en la Exposición Universal de Montreal de 1967, demostró la imposibilidad de cubrir barrios enteros con cúpulas como pretendía Fuller, ya que su envoltura de plástico ardió durante unas reparaciones en 1976. Sus últimos diseños, como las estructuras portantes asimétricas (1973), solamente realizadas en maquetas, complementaron a las Tensile-Integrity Structures, patentadas en 1962 y que tuvieron, como el resto de la obra de Fuller, gran influencia en la aparición de las recientes corrientes denominadas high tech dentro de la arquitectura inglesa.


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Biosfera Montreal

Calico Dome

Eugène Fromentin (1820-1876)



Fromentin, Eugène (La Rochelle, 24 de octubre de 1820 - 27 de agosto de 1876) fue un pintor y escritor francés.

Biografía

Eugène Fromentin fue hijo de Pierre-Samuel-Toussaint Fromentin (1786-1867), médico y pintor amateur, y de Françoise-Jenny Billotte (1797-1867). Tras una brillante etapa escolar, Fromentin marcha a Paría en noviembre de 1839, donde obtiene un grado en Derecho a comienzos de 1843. Su padre le concede el permiso para asistir al taller del pintor Jean-Charles Rémond, taller que abandona pronto por el del paisajista Louis Cabat.

En 1846, visita Argelia con dos amigos y completa sus cuadernos de apuntes con paisajes y campesinos del África del Norte. Como Théophile Gautier, quedó prendado de los trabajos de Prosper Marilhat en el Salón de París de 1844. En 1847, Fromentin envía tres cuadros al Salon de París, que fueron admitidos por unanimidad: Ferme aux environs de La RochelleMosquée près d'Alger y Gorges de la Chiffa. Más tarde, envió cinco cuadros al Salón de 1849, entre ellas una segunda versión de Femmes d'Alger. Obtuvo una medalla de segunda clase. Fromentin expuso también cuadros en el Salón de 1850, así como en el del 1857, salón en el que participó hasta 1869. Más tarde, volvió al Salón de París en el período 1872 y 1876.

Estudió con el pintor paisajista Louis Cabat. Fue uno de los primeros intérpretes pictóricos de Argelia, habiendo podido visitar, siendo bastante joven, la tierra y las gentes que le sugirieron la mayor parte de sus obras, y almacenarlas en su memoria, así como en sus archivos, con los detalles pintorescos y característicos de la vida norteafricana.

Fue muy influido por el estilo de Eugène Delacroix. Sus obras se distinguen por su sorprendente composición, gran habilidad y brillantez del color.


Galería
Una fantasía de Eugène Fromentin
Una fantasía. Argelia, 1838

Paisaje norteafricano de Eugène Fromentin
Paisaje norteafricano, 1847-1848

Punto al Arte