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Artistas de la A a la Z

Leon Bakst (1866-1924)



Baskt, Leon (León (Lev) Nikoláyevich Bakst en ruso Лео́н (Лев) Никола́евич Бакст; Goradnia, 10 de mayo de 1866 - París, 28 de diciembre de 1924) 
Pintor ruso y diseñador escenográfico y de vestuario que revolucionó las artes en las que trabajó.

Biografía

Primeros años

León (Lev) Bakst nació, con el nombre de Lev Rosenberg, en Goradnia (actualmente en Bielorrusia) en una familia judía de clase media. Después de graduarse del gymnasium, estudió en la Academia de Arte de San Petersburgo como un estudiante libre, trabajando a tiempo parcial como ilustrador de libros.

En su primera exposición (1889) tomó el apellido de Bakst del nombre de su abuela materna Baxter. A inicios de los años 1890 expuso sus obras con la Sociedad de los acuarelistas. Entre 1893 y 1897 vivió en París, donde estudió en la Académie Julian mientras entonces aún visitaba San Petersburgo. Desde mediados de los años 1890 se hizo miembro del círculo de escritores y artistas formados por Serguéi Diáguilev y Alexandre Benois que vendría a ser el movimiento artístico Mir iskusstva (Mundo del arte).

En 1899, co-fundó con Serguéi Diáguilev el influyente revista Mir iskusstva (ru:Мир искусства (журнал)). Su gráficos para el Mundo del arte lo hicieron famoso.

Ascenso a la fama

Continuó con la pintura al caballete así como realizaba retratos de Filipp Malyavin (1899), Vasili Rózanov (1901), Andréi Bely (1905), Zinaída Guippius (1906). También trabajó como profesor de arte para los hijos del Gran Duque Vladímir Aleksándrovich. En 1902 recibió la orden del zar Nicolás II de Rusia para pintar Recibimiento de los marinos rusos en París.

En 1898 mostró sus obras en la Primera exposición de Artistas Rusos y Fineses organizada por Diáguilev; en exposiciones del Mundo del Arte, así como en Secession en Múnich, exposiciones de la Unión de Artistas Rusos, etc.

Durante la Revolución Rusa de 1905 Bakst trabajaba para los magacines Zhúpel, Ádskaya pochta, Satyricón, mientras trabajaba para el magacín de arte Apollón.

Diseño escénico

Desde fines de los años 1900, Bakst trabajó sobre todo como diseñador escénico. Bakst diseñó construcciones escénicas para Tragedias griegas, y en 1908 alcanzó notoriedad como pintor escénico para Diáguilev y los Ballets Rusos (Cleopatra 1909, Shajerezada 1910, Carnaval 1910, Narcissus 1911, Daphnis et Chloé 1912). Todo este tiempo que vivió en Europa debido a que como judío que era no tenía derecho de vivir permanentemente fuera de la zona de asentamiento.

Durante sus visitas a San Petersburgo enseñó en la Escuela de Zvántseva. Uno de sus estudiantes fue Marc Chagall (1908-1910). En 1910 se separaron. Bakst advirtió a Chagall a que no fuese a París ya que de acuerdo con Bakst sería perjudicial para el arte de Chagall y financieramente probablemente se moriría de hambre. Chagall se fue de todos modos, no murió y sí encontró su estilo.

En 1914 fue elegido miembro de la Academia Imperial de las Artes.

En 1918 terminó su relación con Diáguilev y los Ballets Rusos. Murió en 1924 en Rueil-Malmaison cerca de París por problemas pulmonares.


Obra comentada


Más obras
Retrato filósofo Dmitry, 1897
+
Retrato de Alexandre Benois, 1898

Bacante de Leon Bakst


Este diseño en 1911 para el ballet Narcisse de Serge Djagilev, responde a la ruptura que el gran maestro ruso de ballet estableció con respecto a la tradición italofrancesa de finales del siglo XIX, restableciendo la igualdad de los cuatro componentes en la escenificación: libreto-poesía, música, decorados y coreografía.

(Museo Nacional de Arte Moderno, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Doctor Atl (1875-1964)


Atl, Doctor, seudónimo de Gerardo Murillo (Guadalajara, 3 de octubre de 1875 - México, 15 de agosto de 1964) Pintor y escritor mexicano. Destacado paisajista y muralista, creó una técnica nueva para el muralismo, el "Atlcolor".

Fue en su ciudad natal donde realizó sus primeros estudios de pintura con el académico Felipe Castro. Más tarde se trasladó a la ciudad de México para estudiar la preparatoria y Bellas Artes; estuvo becado por Porfirio Díaz como estudiante de pintura. Después viajó a Roma, donde realizó estudios universitarios de Filosofía y Derecho. Poco después, Leopoldo Lugones lo bautizaría con el seudónimo de Doctor Atl, tomando la palabra "Atl", del lenguaje nahuatl, cuyo significado es 'agua'.

Al regresar a México en 1903, trajo consigo un gran entusiasmo por la pintura renacentista, el neoimpresionismo y el fauvismo. Comenzó a impartir clases en la Academia de San Carlos de la ciudad de México, donde tuvo como alumnos a Diego Rivera, David Alfaro SiqueirosJosé Clemente Orozco. En 1910 organizó una exposición que celebraba el centenario de la independencia, el hecho, de carácter nacionalista, no llegó a tomar trascendencia hasta mucho tiempo después.

Viajó luego a París, y con una gran facilidad también para las letras, fundó el periódico Action d' Art, en el que difundía el sentido social que entrañaban los acontecimientos mexicanos. En 1911 se desplazó a Italia, donde estudió vulcanología, y fue la curiosidad intelectual por este tipo de elementos naturales lo que lo llevó más tarde, en 1942, al nacimiento del volcán Paricutín. Para registrar el fenómeno, elaboró apuntes y pinturas que expuso posteriormente en Bellas Artes y en 1950 publicó el libro Cómo nace y crece un volcán, el Paricutín, considerado hoy una joya bibliográfica.

Caminante infatigable, fue un gran paisajista, escaló frecuentemente el Popocatepetl y el Iztaccíhuatl; además de los volcanes, fueron los árboles y las montañas modelos para sus pinturas -siguiendo una línea fauvista-impresionista y con un manejo monumental del espacio, lleno de fuerza y vigor, y curvando los horizontes en busca de amplitud y movimiento. Inició entonces lo que llamamos aeropaisaje, es decir, conjuntos geográficos tomados desde las alturas.

Enriquecía su obra con la creación de personajes y el empleo de la técnica. Fue además el creador de una de ellas: el "Atl-Color", tintes secos o a la resina que podían imprimirse sobre papel, tela o roca; con esta técnica pintó un friso de ninfas llevando guirnaldas floridas y unos cuadros muy grandes que representan volcanes, para un filántropo de Puebla y para decorar una cafetería de la calle 16 de Septiembre de la ciudad de México.

Fue un incansable promotor de artistas e intelectuales y también de artesanías, empujado por su marcado carácter nacionalista. Como dato curioso, se sabe que Murillo llegó a entrar en su país disfrazado de italiano, después de uno de sus viajes a Europa, tras haber publicado en aquel país un documento contra Victoriano Huerta.

En literatura, sus Cuentos de todos colores, con temas de la Revolución, lo consagraron como uno de los mejores narradores de esa etapa histórica, en parte por el atinado uso del habla popular. En sus relatos predomina la búsqueda de la justicia.

Donó casi toda su obra plástica al Instituto Nacional de Bellas Artes. Murió en la ciudad de México en el año de 1964.

       
Más obras
Retrato de Luis G. Urbina, 1907

Retrato de Rubén María Campos, 1909

Erik Gunnar Asplund (1885-1940)




Asplund, Erik Gunnar (Estocolmo, 22 de septiembre de 1885 - 20 de octubre de 1940) Arquitecto sueco. Fue uno de los principales introductores de la arquitectura moderna en su país e influyó en la arquitectura europea de su época.

Asplund se forma artísticamente en la escuela romántica sueca. Sus primeras obras siguen esta orientación, de la que se aleja paulatinamente para crear una versión modernizada y muy personal del neoclásico. En 1930 construye los pabellones de la Exposición Internacional de Estocolmo, completamente modernos. En aquel año la arquitectura moderna está representada principalmente por el racionalismo de Alemania, Holanda y Francia. Asplund adopta las formas de este movimiento, pero lo interpreta de una forma personal, más libre y espontánea, en una línea que puede considerarse de estilo orgánico. De 1934 a 1937 trabaja en la ampliación del Ayuntamiento de Gotemburgo, obra de gran interés porque resuelve el problema de yuxtaponer a un edificio antiguo una construcción completamente moderna. Esta última tiene, además, el carácter noble y representativo que exige su misión.

Sus obras más conocidas son la Biblioteca Pública de Estocolmo, modelo para muchas otras bibliotecas posteriores; y el Crematorio del Cementerio Sur de Estocolmo (Skogskyrkogården), en la que expresa la solemnidad y lirismo del edificio funerario con una gran sobriedad formal, diseñado junto con Sigurd Lewerentz, y que ha sido declarada por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obra
Capilla de bosque Skogskapellet, Estocolmo Suecia, 1918-1920

Capilla de bosque Skogskapellet, Estocolmo Suecia, 1918-1920

Escuela de Barbizon

Grupo de pintores paisajistas que se reunieron hacia la primera mitad del s. XIX en la población francesa de Barbizon, al SE. de París. Se distinguieron por su búsqueda de un contacto real con la naturaleza.· Entre sus principales componentes se cuentan Millet, Th . Rousseau, DaubignyTroyonDupré, etc

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

José Agustín Arrieta (1803-1874)



Arrieta, José Agustín (Santa Ana Chiautempan, 29 de agosto de 1803 - Puebla, 22 de diciembre de 1874) Pintor costumbrista mexicano que se destacó por retratar escenas de la Puebla decimonónica, ciudad en la que vivió toda su vida. Sin embargo, su obra más abundante fueron los bodegones, con los cuales representó los manjares típicos de la comida nacional.​ Un museo en la ciudad de Puebla lleva su nombre.

Formación

Hijo de Tomás Arrieta, de origen vasco, y de Rita María Fernández, fue trasplantado desde temprana edad a la ciudad de Puebla, en donde permaneció toda su vida. Existen pocas evidencias documentales de esta afirmación, excepto su acta matrimonial con María Nicolasa Lorenzana Varela, con fecha de 29 de agosto de 1826, y documentos que muestran su membresía y participaciones en concursos de la Academia de Bellas Artes de Puebla y la de San Carlos.2​ Su paso por la Academia de Bellas Artes de Puebla coincide con la de los profesores Lorenzo Zendejas, Salvador del Huerto, López Guerrero, Ordóñez, los hermanos Caro y José Manzo. A pesar de pertenecer a la Academia, decidió establecer su propio taller, en donde comenzó a pintar temas y géneros incomprensibles para el gusto de la clientela elitista de Puebla, de quien solo recibía modestas cantidades por sus obras. Tampoco le valió el reconocimiento en la Guía de Forasteros de 1852 por parte de los pintores poblanos, para mejorar su condición humilde; más aún, para sostenerse tuvo que aceptar un empleo de conserje en el Congreso del Estado.

Agustín Arrieta nació en una época marcada por movimientos independentistas, que se vio reflejado en sus obras que tienen un sentido de costumbrismo, donde retrata a los mexicanos de las calles y las haciendas, que constituían un México: mestizo, único, diverso e irreverente.​

Arrieta fue perfeccionando las técnicas del dibujo, la composición, el uso de los colores, la anatomía y el equilibrio, aprendidos en la Academia, lo que, aunado a su natural talento, lo llevaría a una etapa de madurez, y sus cuadros alcanzarían un carácter propio. Sin embargo, según sus críticos, se hallan errores en sus composiciones de bodegones y escenas, repetición de elementos y de personajes. Al parecer, según estos mismos, tuvo influencia de Bartolomé Esteban Murillo y de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Su obra menos destacada es la religiosa, con pocas intervenciones en los templos de Puebla, como los lienzos del Templo de San Juan de Dios, encargados en 1852: la Muerte de San José, una Magdalena y un Calvario.

Lo que hace singular a la obra de Arrieta es el reflejo de las costumbres de la vida cotidiana en la Puebla del siglo XIX: vestimenta, gastronomía, oficios, así como virtudes y defectos, son los elementos que destacan y se repiten.​ A través de su obra puede conocerse con precisión al chinaco, a la china poblana, al soldado, al aguador, al clérigo, al caballero y al mendigo, entre muchos otros. Arrieta hallaba una particular fascinación por las escenas mundanas como Tertulia de pulquería, sitios de los que Puebla tenía en exceso, y otras como una riña callejera y el mercado, a los que les imprimió un aire anecdótico y festivo. Otros cuadros costumbristas de igual fama son La sorpresaLa cocina poblanaVendedores de horchata Agualojera.

Arrieta y el naturalismo

Arrieta trató de rescatar el género pictórico del bodegón lleno de simbolismos y muy común en el siglo XVII, y que luego pasó al siglo XVIII como simples representaciones naturales. La Academia de San Carlos ni siquiera se preocupó de incluir como asignatura, pero Arrieta asume la labor de rescatar el género empleando los exóticos alimentos mexicanos y los enseres que se emplean en particular en la cocina poblana. Destacan en las obras el realismo de las texturas, los colores brillantes de las frutas, el efecto realista de los vidrios y cristales que son el mayor atractivo de sus pinturas, aunque según sus críticos no hay una relación lógica entre algunas reperesentaciones antagónicas como la de un gato hierático junto a un pollo.

Arrieta incursionó en el retrato, pintando algunos personajes destacados de la sociedad poblana, pero sus críticos, entre ellos el historiador Guillermo Prieto, afirman que Arrieta mostró fallos en la anatomía, como en la representación de las manos y la baja calidad en los tejidos y texturas.

Por sus ideas contrarias a las que privaban en su ámbito, no solamente vivió en la miseria toda su vida sino también exento de popularidad. A este gran valor de la pintura mexicana, pionero de la escuela nacionalista, los rescató José Luis Bello y Zetina con su libro Pinturas Poblanas que escribió en el año de 1943.

El crítico e historiador del arte poblano, Bernardo Olivares Iriarte, se refería a las obras de Arrieta en 1874 como ...composiciones de bastante mérito por la verdad y completa ilusión que les ha dado. Este género de obras todos han convenido que hasta la presente no ha tenido rival en la ciudad.


Más obras
La familia mexicana (La pensativa), 1851
Arcángel San Miguel

Gonzalo Argüelles Bringas (1877-1942)



Argüelles Bringas, Gonzalo (Orizaba, México, 28 de febrero de 1877 - Ciudad de México, 27 de marzo de 1942) Pintor mexicano. Alcanzó renombre internacional como acuarelista. Fue profesor de la Escuela Nacional de Bellas Artes.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obra
Cabaña

Convento

Rodrigo Arenas Betancourt (1919-1995)



Arenas Betancourt, Rodrigo (El Uvital, área rural de Fredonia, Antioquia, 23 de octubre de 1919 - 14 de mayo de 1995) Escultor colombiano. Formado en su país y en México, en donde residió largo tiempo, su obra es de carácter monumental: Prometeo (Ciudad Universitaria de México).

Muchas de sus obras son monumentos públicos. Fue uno de los artistas colombianos más prolíficos y apreciados nacional e internacionalmente. Sus bronces se caracterizan por ser gigantes, melodramáticos y espectaculares; se encuentran en ciudades a lo largo y ancho de la geografía colombiana. Fue un escultor en serie.

El 18 de octubre de 1987 fue secuestrado por las FARC en Caldas, Antioquia, cuando viajaba junto a su esposa y sus hijos. Fue liberado el 1.° de enero de 1988, tras 81 días de cautiverio.

Falleció en 1995 en la clínica a causa de cáncer en el hígado. Sus restos reposan en Fredonia.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

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Obra
Arenas Betancourt, Rodrigo

Bolivar desnudo de Pereira

Alberto T. Arai (1915-1959)



Arai, Alberto T. (México, 29 de marzo de 1915 – 25 de mayo de 1959) Arquitecto, teórico y escritor mexicano de ascendencia japonesa .

Biografía

Alberto T. Arai, cuarto hijo de una embajadora japonesa en México, nacida en la Ciudad de México , Alberto T. Arai estudió filosofía, apoyó el neokantismo y se convirtió políticamente en un artista socialista. Se convirtió en un partidario del funcionalismo , con su énfasis en las aplicaciones sociales de la arquitectura, y también fue fundador, junto con Enrique Yañez , de la Unión de Arquitectos Socialistas (1938), ayudando a elaborar una teoría socialista de la arquitectura. Fue uno de los participantes más activos e intentó poner en práctica su teoría socialista en dos proyectos no ejecutados en el mismo año: el edificio para la Confederación de Trabajadores Mexicanos y la Ciudad Obrera de México., ambos con Enrique Guerrero y Raúl Cacho (1937), y sus preocupaciones sociales sobre el proyecto no ejecutado del Hospital General (que se construirá en la ciudad de León, Gto).

Fue uno de los comisionados para tomar registros topográficos de las ruinas mayas recientemente descubiertas de Bonampak, en una expedición organizada por el Instituto Nacional de Bellas Artes (1949). 

Su conocimiento urbanístico le da la oportunidad de hacer planificación urbana a varias ciudades a lo largo del país. También desarrolló la teoría del regionalismo arquitectónico, que intenta el uso de recursos materiales y se ocupa de las necesidades humanas de cada área en particular. 

Más tarde, cuando México optó por una política de desarrollo, Arai se convirtió en un abanderado del nacionalismo en la arquitectura. Reevaluó materiales de construcción tradicionales, como troncos de árboles, bambú, hojas de palma y lianas , usándolos en un plan para una casa de campo que se adaptó al clima cálido y húmedo de la región de Papaloapan , y varios ensayos para mejorar el país. y casas populares. El edificio de Ciudad Universitaria , Ciudad de México, le dio su mayor oportunidad arquitectónica cuando diseñó los "Frontones" de Ciudad Universitaria (1952). En estos utilizó la piedra volcánica de la zona con gran efecto en formas piramidales truncadas inspiradas en el precolombino. pirámides . Esta fue su contribución a la arquitectura paisajística temprana, utilizando los volcanes que rodean la vista como un tema para su diseño. Sus numerosos libros y artículos abordaron problemas conceptuales en la arquitectura y el arte mexicanos. Su último edificio fue la casa club (Kaikan) de la Asociación Japonesa; vea a la comunidad japonesa de la Ciudad de México , que se inspiró en el diseño arquitectónico japonés antiguo y mexicano antiguo, pero con técnicas y materiales modernos, con éxito una pieza de aspecto moderno.


Obra
Frontones de Ciudad Universitaria. México, DF

Frontones de Ciudad Universitaria. México, DF

Museo Nacional de Antropología

University City (UNAM), Mexico City, 1952

Raúl Anguiano (1915-2006)



Anguiano Valadez, José Raúl (Guadalajara, 26 de febrero de 1915 - México, 13 de enero de 2006) Pintor mexicano. Refleja aspectos y figuras de la vida popular de forma realista. Fundador del Taller de la Gráfica Popular, ha cultivado también la litografía y la pintura mural y sus obras forman parte de las colecciones de los museos más importantes del mundo.

Fue fundador en 1938 del Taller de Gráfica Popular al lado de Leopoldo Méndez, Alfredo Zalce, Pablo O'Higgins y Fernando Castro Pacheco, institución en la que desarrolló grabados y litografías partiendo de la idea de solidaridad con los trabajadores y campesinos. En el mismo año, presentó su primera exhibición individual en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México.

En 1941, viajó a Estados Unidos país en el que estudió e impartió clases de pintura. Fue miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana, institución en la que impartió clases al igual que en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda" y en la Universidad Nacional Autónoma de México. Anguiano perteneció a la segunda generación de muralistas, integrada también por Jorge González Camarena, Federico Cantú Garza, Juan O'Gorman y Luis Vizuet, entre otros.

Formó parte de la primera expedición a Bonampak en abril de 1949.

Fue profesor de artistas destacados como Vicente Rojo, Ignacio Barrios, José Hernández Delgadillo, Fanny Rabel, Susana Noriega y Enrique Echeverría, entre otros.

El trabajo de Anguiano es un ingrediente importante para entender el desarrollo de nuevos movimientos artísticos en México y América del Sur a al igual que la obra de maestros como Guadalupe Posada, Leopoldo Méndez y los artistas del Taller de Gráfica Popular. Como ejemplo encontramos a Grupo Espartaco de Argentina. Ejemplos del trabajo de éste grupo se encuentran en el acervo del Museo del Dibujo y la Ilustración en la ciudad de Buenos Aires, institución que organizó la muestra Resistencia y Rebeldía en el año 2008 y cuya sede fue el Centro de la Cooperación.

Raúl Anguiano plasmó en sus obras temas vinculados al México natal, rural e indígena, las fiestas, las tradiciones y la religión hacen presencia a través de sus pinturas. El desnudo femenino fue un tema recurrente en su quehacer artístico al igual que los paisajes que ilustraron sus viajes.1​

Fue alumno del maestro Juan, Ixca, era su seudónimo, en náhuatl significa alfarero—. Farías le mostró durante sus clasesestampas de Miguel Ángel, de Rafael Sanzio, del taller de Bartolomé Esteban Murillo y de Luca Giordano. De niño, observó y fue influenciado por fotografías de los murales de los denominados tres grandes (Diego RiveraDavid Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco) gracias a las revistas que llegaban a Guadalajara. Cuando Anguiano abandonó su tierra natal, Orozco aún no había trabajado murales en la ciudad.

Durante varios años Raúl Anguiano vivió en la Colonia Roma de la Ciudad de México, lugar en donde pintó a la gente y la vida cotidiana.

Trabajó también el género del retrato con un fuerte carácter realista.

Fuentes: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obra
Iguana saltarina, 1942

Retrato de María Asunsolo, 1942

Tadao Ando (1941)



Ando, Tadao (Osaka, 13 de septiembre de 1941) Arquitecto japonés. Nació en Osaka y adquirió conocimientos de arquitectura de forma autodidacta, leyendo y viajando por Europa, África y los Estados Unidos.

Tiene un hermano gemelo, aunque fueron criados por separado.

Biografía

En su juventud fue boxeador amateur, colgando luego los guantes para dedicarse a la arquitectura. Contrario a la mayoría de los arquitectos de hoy en día, Ando no recibió formación en escuelas de arquitectura. En lugar de ello, su aprendizaje fue autodidáctico y proviene de la lectura y de viajes por África, Europa y Estados Unidos, así como de un minucioso estudio de la arquitectura tradicional japonesa en Kioto y Nara. Dice:

Cuando vi la luz proveniente del óculo del Panteón en Roma, supe que quería ser arquitecto.

En 1970 se estableció en Osaka con "Tadao Ando Architect & Associates", empresa con la que comenzó su producción, primero de casas y pequeñas construcciones, y luego con edificaciones más importantes. En 1976 recibe un premio de la Asociación Japonesa de Arquitectura por su Casa Azuma, en Osaka. La opinión pública es atraída por Ando a partir de ese momento, lo que se consolida con la construcción de su diseño para el complejo de viviendas Rokko Housing I, en Kobe. En 1980 construyó la Casa Koshino en la ciudad de Asiya. Entre sus obras más importantes se encuentran la Capilla sobre el Agua (1985) en Tomanu, Hokkaido,​ la Iglesia de la Luz, en Ibaraki, Osaka,​ el Museo de los Niños (1990) en Himeji.​

Es considerado como uno de los líderes del regionalismo crítico, rechaza el empleo indiscriminado de la arquitectura moderna en todas las culturas del mundo. Su obra combina formas y materiales del movimiento moderno con principios estéticos y espaciales tradicionales japoneses, sobre todo en el modo de integrar los edificios en su entorno natural. Una de sus características es el empleo de hormigón liso, con las marcas del encofrado visibles, para crear planos murales tectónicos, que sirven como superficies para captar la luz.

En sus diseños Ando rechaza el materialismo consumista de la sociedad actual, que es visible en muchas obras arquitectónicas. Ello no le impide usar en sus proyectos los materiales característicos de la época actual, aunque empleándolos de forma que aparenten sencillez y proporcionen al mismo tiempo sensaciones positivas, lo que consigue, entre otros recursos, mediante las formas, la luz o el agua. Para ello se basa generalmente en tramas geométricas que sirven de pauta para el ordenamiento de sus espacios.

Por otra parte Ando estudia fórmulas para solucionar o mejorar el caos urbanístico existente en muchas poblaciones japonesas. Este aspecto lo aborda desde una doble vertiente, una de crítica y la otra de sensibilidad y comprensión.

Contrariamente al estilo arquitectónico tradicional japonés, Ando crea espacios interiores cerrados, y no abiertos:

Creo espacios interiores cerrados, y no abiertos. Utilizo paredes para definir los límites de estos espacios, y lo hago basándome en criterios humanos, de forma que las personas perciban esos espacios como apropiados y cómodos. Con las paredes rompo también la monotonía habitual de, por ejemplo, los edificios comerciales. Finalmente, las paredes separan el exterior, frecuentemente ruidoso y caótico, del interior, que está diseñado como remanso de tranquilidad, aislado de lo demás.

Ando ha recibido numerosos premios y distinciones, como la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura, el Praemium Imperiale en 1996,​ el Premio Kioto, el Premio Carlsberg y en 1995 el máximo galardón internacional de arquitectura, el premio Pritzker, comparable al premio Nobel.5 También ha sido invitado por dos prestigiosas universidades norteamericanas a impartir clases, en la Universidad de Columbia como profesor visitante, en la Universidad de Tokio y en la Universidad de Yale como catedrático.


Más obras
Museo de Arte de Chichu, 2004

Design Sight, 2007

Punto al Arte