La escultura neoclásica

Mientras por toda Europa, y hasta en América, la arquitectura aceptaba decididamente las formas de un arte antiguo entendido sólo a medias (¡cuán poco griegos parecen hoy estos edificios neoclásicos!), la escultura y la pintura pretendían seguir igual camino. En pintura, este proceso, esta "neoclasización", iba a resultar al fin y al cabo casi imposible, ya que era poquísimo entonces lo que de la pintura romana antigua habían revelado las incipientes excavaciones de Pompeya, aún en fase algo embrionaria. En escultura, la tarea resultó mucho más fácil. Winckelmann, uno de los grandes estudiosos del arte de la antigüedad clásica, como ya se ha mencionado, dirigía principalmente sus estudios a la escultura, que era lo que había podido analizar, aunque tan sólo en algunos de sus aspectos. Schelling, más tarde, llegó a afirmar que el único medio de comprender la literatura griega era iniciarse antes en la belleza clásica por las estatuas. El grupo de críticos y artistas que a fines del siglo XVIII fundaba en Roma el Instituto de Correspondencia Arqueológica ponía todo su interés en las esculturas. No es de extrañar, pues, que los edificios neoclásicos se llenaran de pobres imitaciones de los dioses antiguos, y que los grandes hombres como Napoleón, Wellington y los sabios de aquel tiempo se retrataran desnudos, como los antiguos atletas, con ojos sin pupilas, a fin de parecer aún más griegos, tal era su deseo de ser como los grandes hombres de la antigüedad. Sin embargo, de la multitud de escultores de esta época sólo dos nombres resisten a las mudanzas del gusto, tan características de esa época. Uno de ellos es el danés Thorvaldsen y el otro el veneciano Canova. Thorvaldsen estuvo en Roma y allí trabajó largo tiempo. Sus mármoles afinados, pulidos, tienen cierto encanto de reposo, son lo que podría llamarse bien "dibujados"; en ellos no hay errores, pero tampoco ofrecen grandes novedades, y aunque son versiones nobles y amables del cuerpo humano, y que de sus estatuas no se halla ausente el espíritu, manifiestan poca inspiración.

Pequeño pastor, de Bertel Thorvaldsen (Thorvaldsen Museum, Copenhague). Este dogmático rival de Canova recibió encargos de todas las cortes europeas, y su influencia pesó enormemente en la escultura alemana del siglo XIX. Realizada en mármol, este trabajo de Thorvaldsen destaca sobre todo por la tensión de la pierna doblada del chico desnudo, el movimiento sugerido por la ligera torsión de la cabeza del perro y el cuidado detallismo de la piel de cordero sobre la que se sienta la figura. 

Ganímedes y el Águila, de Bertel Thorvaldsen (Thorvalsen Museum, Copenhague). De un tamaño casi natural de 86 cm y realizada en mármol, quien fuera uno de los más buenos amigos del escritor Hans Christian Andersen repetiría el personaje de Ganímedes en varias ocasiones más, enfatizando la andrógina sensualidad de la figura. En esta escultura de 1817, el copero del Olimpo ofrece néctar al águila de Zeus con una ambigua atención. 

Canova era otro temperamento que llevaba además en su sangre veneciana el instinto de la belleza plástica. Mas, como le ocurrió a todos los neoclásicos, resulta casi siempre afectadamente inexpresivo; hasta cuando esculpe sus diosas y sus amores, sus estatuas son innegablemente bellas, ello no admite discusión, mas parecen encantadas por un hechizo que las ha paralizado y convertido en mármol, como si en vez de animar el escultor el mármol hubiera petrificado a seres vivos.

⇦ Busto de Madame Récamier, de Joseph Chinard (Museo de Bellas Artes, Lyon). Esculpido en mármol en 1802 siguiendo la tradición realista de Houdon, tan rica en contenido psicológico, supone un paso del neoclasicismo al romanticismo. En este retrato de Juliette Récamier, el maduro escultor oficial del imperio napoleónico junto a Canova, refleja la singular belleza de la dama, que se muestra entre recatada y pícara, con una suave sonrisa sugerente y coqueta. También el pintor Jacques-Louis David la quiso inmortalizar en un cuadro que quedó inconcluso, dado que la modelo no toleraba las largas sesiones de posado. 

Trabajaba para Napoleón y su familia; pudiéndose decir, a la vista de la multitud de encargos que recibía por parte de ellos, que era su escultor de cámara. La más bella de sus esculturas, acaso sea también el retrato de Paulina Bonaparte, la liviana e ingenua hermana del emperador, a quien éste casó con el príncipe Borghese, y a la que representó Canova semidesnuda, recostada en un lecho antiguo, personificando a Venus.

Asimismo, de las damas del Directorio y del Imperio se hicieron muchos retratos. La emperatriz Josefina fue retratada en busto por el escultor F. J. Bosio, el autor de la cuadriga del Arco del Carroussel. De madame Récamier, pintada por David y Gérard, hizo un busto delicioso J. Chinard, de Lyon.

Retrato de Paulina Bonaparte, de Antonio Canova (Galería Borghese, Roma). La poesía neoclásica de la escultura de Canova queda patente en esta representación de la hermana de Napoleón, recostada y semidesnuda en una chaise-longue con una pequeña manzanita en la mano, tal y como SI fuera una personificación de Venus. Esculpida en 1808 durante el matrimonio que pactó el propio Napoleón con el príncipe Camilo Borghese, cuya colección de arte donó al museo del Louvre, la imagen que ofrece de la ingenua princesa está muy idealizada bajo las formas típicas de la escultura neoclasicista. 

Si estos escultores son todavía discutibles, mucho menos interesantes resultan los pintores del primer grupo neoclásico, que fueron encabezados por Mengs, un artista academicista de fama internacional. Este era oriundo de Bohemia y trabajó para todas las cortes de Europa, después de pasar por Italia. Su sistema, que, por lo demás, era el de todos los pintores neoclásicos, no podía ser menos creativo: reproducir en la pintura los cánones y modelos de las estatuas antiguas. Como de la antigüedad no se han conservado cuadros y muy pocos frescos antiguos se conocían entonces, quizá no tenía más remedio que imitar las esculturas.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Francia, Inglaterra y Estados Unidos

En Francia, la moda neoclásica venía preparada por las restricciones de la Academia, que aceptaba el barroco sólo parcialmente. Por otra parte, una revolución intelectual, que iba a ejercer funciones de revulsivo de una gran crisis político-social, facilitaba la vuelta a la sencillez antigua.

Pequeño Trianón, de Jacques-Ange Gabriel (Versalles). Bajo la geometría simple y matemática de este palacete de corte neoclásico aún late un ritmo musical que recuerda la fina sensibilidad del rococó. Construido entre 1762 y 1764 para Madame de Pompadour, su composición cúbica, la presencia de un pórtico de columnas en la fachada y la falta de frontón y balaustrada en la corona hace pensar en cierta medida en el Palladio de Andrea Pietro de la Góndola. 

Los mismos aristócratas participaban de este deseo. Pueden mencionarse, entre los más relevantes, al conde Caylus, gran viajero y crítico, quien reclamaba mayor atención para el arte clásico; mientras que la Pompadour enviaba a su hermano, el marqués de Marigny, a Italia para estudiar la "verdadera belleza". Cuando todavía bajo Luis XV, J.-A Gabriel construyó, en 1762-1764, el Pequeño Trianón se adoptaron ya las formas rectas, más simples y más griegas en su concepción. Por otra parte, en Versalles, la librería que manda construir el rey Luis XVI contrasta con los departamentos anteriores, llenos de amorcillos y fantasía rocalla. Medallones, vasos, guirnaldas y alegorías se trazaban con las menos curvas posibles; hasta las volutas se dibujaban rectilíneas, como los meandros. He aquí el nuevo estilo. Grecas y palmetas eran las decoraciones preferidas.

Hotel de Salm, de Pierre Rousseau (París). Aunque hoy alberga la cancillería de la Legión de Honor, propugnada por Napoleón, inicialmente fue diseñado para el uso personal del príncipe alemán Federico III de Salm-Kyburg. El palacio, que fue construido entre 1782 y 1787, tiene una réplica idéntica en San Francisco del arquitecto George Applegarth de 1915.  

Entre las obras principales de esta época en París, hay que citar el Palais Royal; el Hôtel de Salm, hoy cancillería de la Legión de Honor; el de la Moneda y la Escuela Militar. En provincias, el estilo se difundía con entusiasmo: Metz y Estrasburgo sufrían asimismo grandes reformas; en Burdeos, por otra parte, se llevaba a cabo la construcción de un gran teatro de la ciudad, con su columnata romana, y en Amiens se levantaba otro de líneas aún más neoclásicas.

Como edificios religiosos hay que citar, además de la fachada de San Sulpicio en París, obra de Servandoni en 1733, la de San Eustaquio, bella iglesia empezada en los primeros días del Renacimiento, y que no vería su terminación hasta finales del siglo xvrn, cuando un nieto de Mansard y, más tarde aún, un tal More a u-Desproux, le pusieron un frontis neoclásico que daba por finalizada, finalmente, la construcción.

Fachada de San Sulpicio, de Giovanni Niccoló Servandoni (París). Tras ganar el concurso de arquitectura de 1732, el pintor y escenógrafo florentino realizó una obra en el más puro estilo clasicista dentro de la tendencia neoclásica que imperaba en la época. Su repercusión e influencia cruzó el océano, siendo imitada por los arquitectos nicaragüenses de la Catedral de Managua. 

La erección del Panthéon, en París, por Jacques-Germain Soufflot, es por lo demás sintomática del nuevo estilo que está sustituyendo al anterior, aunque bien es cierto que puede ser considerado como un edificio de transición. A su regreso de Roma, Soufflot recibió el encargo de erigir aquel gran edificio, que debía ser iglesia de Santa Genoveva, en la antigua colina donde según la tradición la santa patrona de París había sufrido el martirio. De este modo, Soufflot proyectó, en el año 1754, la construcción que empezó a realizar mucho más tarde, en 1764. En dicho monumento se alían fórmulas distintas en las que sólo indirectamente se tienen en cuenta los principios del nuevo ideal arquitectónico. El edificio, más hermoso que imponente, ofrece un carácter ecléctico basado en ideas que ya antes habían sido aplicadas; su cúpula es palladiana, el pórtico manifiesta una interpretación de los órdenes arquitectónicos según la tradicional teoría de Vitruvio y el carácter austero del interior, con sus grandes superficies lisas, recuerda el interior de la catedral londinense de San Pablo, de Wren, monumento que en verdad podía entonces tomarse como un ejemplo de clasicismo. Lo único que se ajusta en el Panthéon a la nueva sensibilidad que está recorriendo Francia en ese momento es la carencia de la animación barroca, ya que sus muros exteriores son lisos y su adorno se reduce a un sobrio friso de elegantes guirnaldas, muy alejado de los excesos que habrían caracterizado la decoración del templo apenas unas décadas antes.

Saline Royale, de Claude-Nicolas Ledoux (Arc-etSenans, Besançon). El conjunto arquitectónico que compone esta fábrica de sal, a 35 km de Besan<;on, es una de las principales construcciones industriales del Iluminismo francés. Declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1982, reúne once edificios estructura dos en forma de semicírculo que corresponden a los depósitos de sal, el ala residencial de los trabajadores y las oficinas de la dirección. Construido entre 1775 y 1779, abriga actualmente un museo temático sobre la producción salina y un instituto de investigación y desarrollo tecnológico. 

⇦  Fachada del Panteón, de Germain Soufflot (París). Inspirado en el Panteón romano de Agripa, el pórtico de columnas sobre el que descansa un frontón clásico denota el gusto arqueológico de los arquitectos que lo erigieron. Jean Baptiste Rondelet la acabaría 26 años después, enfatizando el carácter conservador de la obra y evidenciando la importancia de su construcción tanto del arquitecto que la diseña como del ingeniero que la produce. 

El camino iniciado en el Panthéon de Soufflot tiene en la obra de los arquitectos Boullée y Ledoux una de sus cotas más apasionantes. Ellos fueron autores de una arquitectura en el sentido puro, formalmente abstracta e intelectual, que raya lo utópico y lo visionario. Su utopía representaba una ruptura con el pasado y el inicio de una nueva era.

Hay que analizar en primer lugar la obra de Boullée. Étienne-Louis Boullée tuvo una doble formación como pintor y arquitecto y desde muy joven ejerció como profesor. Su papel como teórico de la arquitectura, cuyas ideas se conocen a través del manuscrito Architecture. Essai sur l'Art, fue igualmente notable y comparable a su labor como artista. Defensor de una arquitectura planteada en términos de absoluta libertad, trabajó a partir de las formas geométricas simples y puras exentas de adornos, exaltando la grandeza de las construcciones en su monumentalidad y demostrando una gran sensibilidad plástica en el tratamiento de las luces y las sombras; según él, la luz evocaba la presencia de lo divino. Su obra sólo se conoce por dibujos y grabados antiguos: se trata de proyectos tan vastos como irrealizables en los que se fusionan los modelos clásicos a partir de una gran libertad creativa y compositiva: Proyecto de gran catedral metropolitana, Proyecto de cenotafio para Newton, etc.

⇦ Interior del Panteón, obra de Germain Soufflot (París). La iglesia, dedicada inicialmente a Santa Genoveva, fue destinada posteriormente a sepulcro de los hombres ilustres de Francia. La decoración interior está plagada de elementos de cariz neoclásico, como las columnas corintias y el desarrollado tambor superpuesto a la balaustrada. Los antiacademicistas criticaron la estructura por su imitación de las casas de recreo romanas. 

Boullée difundió el pensamiento de la Ilustración a través de sus discípulos, pero fue finalmente Claude-Nicolas Ledoux quien dejó un conjunto importante de obras basadas en el nuevo ideal arquitectónico. Típico representante del intelectual ilustrado, su principal objetivo era alcanzar una sociedad renovada en total armonía con la naturaleza, y el arquitecto era en este nuevo contexto el sustituto del Creador. Aceptó la novedad de la técnica reivindicando a la vez la labor artesana como medio de dignificación del trabajo. Su proyecto de la ciudad ideal de Chaux, desarrollado a partir de la construcción de la fábrica de sal que había realizado para Luis XVI en Arc-et-Senans en 1773-1779, es uno de los primeros ensayos en arquitectura industrial, un complejo fisiocrático de planta circular que busca en cada uno de sus elementos un nuevo orden surgido de ideas renovadoras de arquitectura estrictamente práctica, que combina las formas clásicas con un cierto pintoresquismo. Si bien éste fue un proyecto irrealizable en su totalidad, su obra de las barrières o portazgos de París, edificaciones situadas en los principales accesos de la ciudad, pusieron en práctica sus ideas sobre la construcción.

Cabe señalar, llegados a este punto, que después de la Revolución, el neoclasicismo tuvo que acomodarse sin más remedio a las necesidades de las nuevas instituciones del Estado, relegando parte de los ideales de la Ilustración que hicieron posible la arquitectura utópica y visionaria.

Iglesia de la Madeleine, de Pierre-Aiexandre Vignon (París). La unión entre el sistema ornamental de orden clásico y la estructura esencial del edificio denota el espíritu con que el neoclasicismo retomó la tradición arquitectónica de las antiguas construcciones griegas y romanas. El objetivo, pese a todas las divagaciones teóricas y estéticas del arte y la crítica barrocas, responde sobre todo a un interés arqueológico, más que innovador. El templo griego brindaba el ejemplo perfecto de esta unidad entre construcción, forma y decorado. Construida por diversos arquitectos entre el siglo XVIII y mediados del XIX, la iglesia de la Madeleine no recuerda en absoluto las formas típicas de un espacio cristiano, sino más bien una gran caja majestuosa envuelta por un columnario fastuoso cuya principal virtud es la vistosidad y una suntuosa aparatosidad.

Palais Bourbon, de Bernard Poyet (París). Convertido hoy en sede de la Asamblea Nacional, el palacio fue construido a comienzos del siglo XVIII para Madame de Montespan y Louise Fram;oise, hija de Luis XIV. Encargado inicialmente al arquitecto Giardini bajo la supervisión de Hardouin Mansart en 1722, sufriría varias transformaciones cuando el encargo pasó a manos de Jacques Gabriel seis años después. Más tarde, el Príncipe de Candé, nieto de la Duquesa de Bourbon, pediría a Soufflot diversas modificaciones en las austeras concepciones primigenias de Mansart y Gabriel. Finalmente, por orden expresa de Napoleón, se contrató a Poyet para que modificara la fachada norte imitando el columnario de la iglesia de la Madeleine. 

Esta tendencia no podía menos que acentuarse, por razones de tipo ideológico, durante el período de la Revolución y bajo el Imperio. En la Revolución, porque la severidad y la vertu de los romanos de los tiempos de la República era lo que se consideraba más digno de ser tomado por modelo por parte de los citoyens, y bajo el Imperio, porque aquel nuevo estilo clásico (que entonces adquiere una pomposidad de gran pedantería) era lo que más se avenía con las glorias del invencible Empereur.

Así, todas las construcciones napoleónicas se acomodan, pues, al estilo del Imperio romano, y aparecen animadas por un épico soplo de entusiasmo por lo antiguo.

Uno de los edificios más característicos de la época es en París la iglesia de la Magdalena, que había quedado sin terminar durante el período revolucionario, y que acabaron Contant d'Ivry y después Couture, acudiendo al recurso de remedar la columnata que Chalgrin había puesto en la fachada de Saint Philippe-du-Roule. Este frontis romano a su vez sería objeto en provincias de frecuente imitación. Según Napoleón, la que fue iglesia de la Magdalena había de ser el Templo de la Gloria.

Arco del Carroussel, de Pierre Fontaine y Charles Percier (París). Emulando el Arco de Septimio Severo en Roma, los dos arquitectos levantaron este monumento entre 1806 y 1808 en homenaje a las victoriosas gestas de Napoleón. Sobre las columnas de las dos fachadas principales, decoradas con bajorrelieves que escenifican la batalla de Austerlitz, se esculpieron las estatuas de cuatro soldados napoleónicos y, en lo alto, un grupo de figuras que representa a una Victoria conduciendo la cuadriga del triunfo. Los tres vanos de la puerta conmemorativa están enmarcados en mármol rojo y blanco en un alarde de lujo ostentoso que contradice los postulados populistas que provocaron los altercados revolucionarios de 1789. 

Por otra parte, la Bolsa, de A-T. Brongniart, es otro ejemplo de aquel modo grandioso y macizo de concebir la arquitectura de carácter monumental. Igualmente, el Palacio Bourbon (en la actualidad Cámara de los Diputados) recibe entonces su fachada grandiosa, y Charles Percier (1764-1830) y Pierre Fontaine (1762-1853) completan la parte del Louvre que da a la rue Rivoli y erigen en el Jardín de las Tullerías el Arco del Carroussel, rematado por el grupo de la Victoria triunfal conduciendo la cuadriga. Hay que citar también el colosal Arco de l'Etoile, proyectado por Chalgrin, inaugurado cuando la gloria napoleónica no era ya más que Historia, en el año 1836.

En este sentido, lo mismo cabe decir de la columna que con la estatua imperial se levantó en el centro de la Plaza Vendome, llegando a ser casi una copia de la Columna Trajana.

Somerset House, de sir William Chambers (Londres). El arquitecto que impartió clases de dibujo a Jorge 111 de Inglaterra fue el encargado de erigir este palacio de estilo Tudor en un antiguo emplazamiento cuya capilla, erigida por lnigo Jones en 1638, sería destruida en 1775 sin conservarse en la actualidad los planos de su alzado. En la actualidad constituye un inmenso centro cultural que alberga varias pinacotecas del Courtauld Instituto of Art, de la Gilbert Collection y del Ermitage de San Petersburgo. 

Por su parte en Inglaterra, donde el restablecimiento de la simplicidad clásica empezaba con sir William Chambers, el arquitecto del colosal edificio llamado Somerset House, en el muelle del Támesis. Pero los que tienen el mérito de haber popularizado el estilo nuevo fueron los hermanos Robert y James Adam, llamados los Adelphi (Los hermanos), quienes acertaron a imaginar toda una gramática decorativa de lazos, medallones y guirnaldas, que ha demostrado sobradamente su éxito pues se emplea todavía hoy en día con el nombre de Adam Style. En resumen, todos los elementos del estilo Adam son los del arte clásico antiguo (o etrusco, como entonces se decía), afinados como para hacerse todavía más griegos si cabe.

Puerta de Brandemburgo, de Carl Gotthard Langhans (Berlín). Levantada entre 1788 y 1794, es una de las primeras obras del neoclasicismo arquitectónico alemán. Se aprecia claramente la influencia que tuvo en su autor sus conocimientos sobre la arquitectura de los Propileos, aplicando el orden dórico en este monumento conmemorativo. Adornada con una Cuádriga esculpida por J. V. Schadow, la puerta se convirtió en símbolo de la separación entre las dos mitades de la ciudad durante los años de la guerra fría, hasta el derribo del muro de Berlín en 1989. 

Es imposible citar aquí ni una mínima parte de lo mucho e importante que se construyó en Austria y Alemania por esta época. Se hará mención de sólo la Rathaus, de Baden; la Puerta de Brandemburgo, en Berlín; el Museo de Cassel, la Gliptoteca de Munich, etc. Hasta en Rusia se dejó sentir la misma moda y en el palacio del Ermitage, de San Petersburgo, aparecen los atlantes haciendo oficio de soportes.

En Italia, por otra parte, la reacción resulta casi inapreciable, pues el barroco nunca dejó de ser romano. No obstante, hay que citar como ejemplo de adhesión al movimiento neoclásico algunos edificios de gran interés, como el Casino de Livia, en Florencia; la iglesia de San Pantaleón, en Roma; en Venecia, la iglesia de Santa Magdalena, el teatro La Fenice, etc.

En cuanto a lo que fue realizado en España de la tendencia neoclásica se ha comentado ya con gran extensión en otro capítulo de esta obra.

Cúpula del Capitolio, de William Thornton y Charles Bulfinch (Washington). Levantado en 1793 por Thornton sobre planos de Hallet, el edificio sería terminado finalmente por Bulfinch ayudado por B. H. Latrobe. Ampliado posteriormente por Thomas Walter rememorando la cúpula del Panteón de Roma, alberga actualmente el Senado y el Congreso de los Estados Unidos de América. La arquitectura neoclásica tuvo una gran acogida en el país por su gusto republicano por imitar las formas del mundo antiguo. 

En Estados Unidos se comprende que las primeras construcciones nacionales debían llevar impreso el sentimiento de amor por las formas clásicas. Allí, en la América libre, se trataba de organizar una nueva sociedad, tomando por modelo las antiguas repúblicas, que se tenían como el gran modelo a imitar. El Capitolio de Washington es un colosal conjunto de columnatas y muros lisos coronado por la cúpula, inspirada en la del Panteón de Roma. El edificio fue construido por W. Thornton y Ch. Bulfinch, y su cúpula por Tomás Walter. Las viviendas privadas, edificadas muchas de ellas de madera, tuvieron que adoptar casi por obligación el gusto neoclásico, que no se vale más que de formas rectas.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

El siglo de la Revolución francesa

Toma de la Bastilla, anónimo del siglo XVIII (Museo Carnavalet, París).

Sin lugar a duda, uno de los grandes acontecimientos de la Historia es la Revolución francesa. En los últimos años del siglo XVIII el Viejo Continente acogía dos corrientes que parecían irreconciliablemente antagónicas. Las ideas absolutistas, herederas del feudalismo más feroz, contra las ideas de la Ilustración, la esperanza para un mundo más racional y lógico.

Obviamente, la Revolución no se inicia con los primeros hombres y mujeres que en 1789 se lanzan a las calles de París a reclamar un cambio de régimen, sino que el embrión revolucionario hay que buscarlo mucho más atrás. Así, el aplastante absolutismo parecía mostrar tendencias algo suicidas pues ahogaba a un pueblo al que sólo parecía dejar la opción de alzarse en armas. Por otro lado, ya en 1789 en los Estados Unidos de América llegaba al poder George Washington, un hombre cuyas ideas serían claves para la historia de ese país y para la cercana revolución gala.

Por tanto, a la vista del funcionamiento de la sociedad francesa de esa época, parece lógico y esperable que estallara una revolución de tales características. La situación era insostenible en 1789 y los disturbios callejeros se iniciaron el 12 de julio de ese año y tuvieron uno de sus momentos culminantes en la toma de la Bastilla de dos días más tarde. De este modo, estallaba la revolución que habría de borrar del mapa de Francia el Viejo Régimen para instaurar un sistema más democrático.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Jacques-Louis David

Por fortuna aparece en Francia un gran artista neoclásico: Jacques-Louis David, el pintor revolucionario que fue amigo después de Napoleón. David nació en París en 1748; fue discípulo de la Academia y obtuvo, tras cuatro tentativas infructuosas, el premio de Roma, donde residió cuatro años, participando allí en los ideales del movimiento de reacción neoclásica. Vuelto a París en 1784, expuso su cuadro El Juramento de los Horacios, lienzo en que aparecen los animosos jóvenes romanos que juran ofrecer sus vidas en sacrificio patriótico. El tema y la ejecutoria no podían encajar mejor con los gustos de la época. Todos los detalles quieren ser apropiados a la antigüedad, pero en éste, como en sus otros cuadros, no carece David de inspiración.

Con esta obra el artista reivindicó, en realidad, los derechos de la moderna pintura de Historia, del mismo modo que Greuze había reivindicado la pintura de temas de elevación moral a través de la exaltación de los sentimientos nobles, o del mismo modo que Hogarth quiso reivindicar la pintura de sátira social con propósitos moralizadores.

Bonaparte atravesando los Alpes, de Jacques-Louis David (Museo Nacional de Chateau, Versalles) El autor supera todos los principios pictóricos del neoclasicismo, dejándose llevar por el ambiente épico de la Revolución y del Imperio. Formalmente rompe con el hieratismo habitual de otras pinturas y juega con la torsión y el movimiento tenso de la montura para conseguir un efecto más impactante y triunfalista, de una viveza sin igual. 

Cabe destacar, por otro lado, que la originalidad de David en sus Horacios no se basa en la intención del tema que por él fue escogido, sino en el modo tan acertadamente dramático como lo supo desarrollar. El cuadro contiene sin lugar a duda teatralidad, pero su dramatismo, lejos de ser una impostura, se apoya en calidades puramente pictóricas. El mismo autor, hablando de esta obra suya, hizo observar que para lograr su objetivo se había basado sobre todo en el valor plástico del color, que -según su punto de vista- es en pintura el elemento fundamental con el que debe jugar el artista. Después prestó atención al modelado, porque le interesaba hacer resaltar la auténtica calidad humana de la composición.


Más tarde, al sobrevenir las jornadas revolucionarias, David, amigo de Marat y Robespierre, participó activamente de la furia desatada de aquellos días, y la Asamblea Nacional le encargó una composición conmemorativa del Juramento en el Juego de la Pelota. Miembro de la Asamblea, fue uno de los que votó la muerte de Luis XVI, y organizó la fiesta del culto al Ser Supremo por orden de la Convención. Después de la caída de Robespierre, pasó cinco largos meses en la cárcel; allí tuvo tiempo de planear su famoso cuadro Las Sabinas. Al advenimiento de Napoleón, David, sugestionado por la lectura de los clásicos, sobre todo por Plutarco, reconoció en el caudillo corso a un héroe de la antigüedad y se adhirió en cuerpo y alma al emperador, quien le encargó sus cuadros más famosos: el de la Coronación, enorme composición que contiene multitud de bellos retratos; otro fue el de las Águilas. Ambos actualmente se custodian en el Museo del Louvre.

Las sabinas interponiéndose entre romanos y sabinos, de Jacques-Louis David (Musée du Louvre, París). Esta obra, neoclásica por la precisión y el carácter analítico del dibujo, encierra una alusión política muy clara para sus contemporáneos. Fijando el movimiento de la escena, el autor pone de manifiesto de modo sugerente la llamada a la reconciliación de las clases sociales surgidas de la Revolución, con una simbólica sabina Hersila en el plano central, de una luminosidad diferencial, en actitud de mártir crucificada y al mismo tiempo de sufrida pacificadora. Mientras que en otros cuadros de David primaba el sentimiento romántico, en éste se hace gala de un exhaustivo clasicismo emulando a Rafael y Poussin y sustituyendo un estilo más sensual por otro más puro, de tipo griego. Así, el desnudo masculino adquiere aquí una importancia esencial en los soldados, pero el público no entendió con buenos ojos la androginia de las dos milicias. Se sabe que el autor cobraba por exponer la obra en su propia casa, pero ante el rechazo que causó optó por editar uno de los primeros catálogos que se conocen del arte europeo, anticipándose a las grandes exposiciones modernas del siglo XX cuyo principal reclamo es el libro de la muestra. 

Antes de los Cien Días, los entusiasmos napoleónicos del gran pintor fueron olvidados por Luis XVIII y David pudo continuar en París. Pero cuando Napoleón regresó de la isla de Elba, fue uno de los primeros firmantes del acta imperial que excluía a los Barbones del trono de Francia, y así se comprende que, después de Waterloo, no le quedara a David otra posibilidad que la de desterrarse a Bruselas. El pintor de la epopeya napoleónica murió allí en 1825.

Hoy se tiene otro concepto de la pintura decorativa; para estos asuntos de conmemoración histórica se prefieren tonos suaves, armonías grises, que no salgan de la pared; en fin, que la pintura no desarmonice con la arquitectura. Por esto no agradan esos grandes plafones históricos de David, como la Coronación, el fuego de Pelota o las Águilas; pero David era, como la mayoría de los pintores neoclásicos, un gran retratista y ha dejado muchas muestras de su habilidad en esta materia, lo que permite apreciar una faceta importante de su arte.

Consagración del emperador Napoleón I y  coronación de la emperatriz Josefina en la Catedral de Notre-Dame, de Jacques-Louis David (Musée du Louvre, París). Pintado entre 1806 y 1807, dos años después de la glorificación de Napoleón como emperador, David optó por una representación realista obviando toda alusión a las formas antiguas. No fue una obra bien acogida por la contundente manera de plasmar la soberbia de un soberano que se corona a sí mismo y a su esposa, relegando a un segundo plano el poder papal de Pío VIII, que observa la escena con rabia contenida. Manifestando una actitud crítica vistiendo a Napoleón con los atributos del Antiguo Régimen previo a la Revolución, plasma en este lienzo el momento en que arrebata la corona de las manos del papa. Napoleón abrió con esta obra el primer museo público de Francia en 1809, utilizando la institución como instrumento de poder político aunque presuntamente con un interés pedagógico para el pueblo. 

Asimismo, es reseñable que tuvo buen número de discípulos e influyó mucho en otros pintores de fines del siglo XVIII e inicios del XIX, como Louis-Léopold Boilly, que fue en cierto modo el pintor más genuinamente costumbrista de la época del Directorio y del Imperio.

Pero los verdaderos y directos discípulos de David fueron Gérard, Ingres y Gros. Gérard entró en el taller del maestro en el año 1789. Era también un gran retratista, y Napoleón valióse de él para su personal glorificación; Gérard lo retrató coronado de laurel, con un manto imperial, y hasta hizo no pocos esfuerzos en otro retrato para embellecer a María Luisa. Inmediatamente después de Austerlitz, Napoleón le mandó conmemorar su victoria con una gran pintura decorativa. Gérard fue todo un personaje. Los salones de su esposa fueron tan famosos como la labor artística del marido; por espacio de treinta años reunió en ellos a los artistas e intelectuales de París, porque, a diferencia de David, Gérard se reconcilió después con los Barbones y pintó también por encargo de Luis XVIII.

Madame de Verninac, de Jacques-Louis David (Musée du Louvre, París). De una severidad absolutamente neoclásica, el retrato desprende una belleza elegante que no obstante sugiere una gran serenidad. El cuadro responde a uno de los muchos trabajos que le encargó a David la aristocracia napoleónica. En este caso, la modelo y musa quiso verse representada como una diosa clásica griega para promover su propia exaltación individual y querer así destacar en sociedad con un esplendoroso retrato. En la obra no hay ningún elemento que sobresalga más que la propia retratada, sobre la cual se apoya toda la atención del cuadro. Tachada de frívola por la crítica especializada por su basta utilización ornamental de los elementos grecorromanos en la ropa y el mueble, sin llegar a captar la esencia del arte antiguo, es sin embargo en la carga psicológica donde David consigue su máximo poder de seducción. 

Gros entró en el taller de David cuando aún era un adolescente, pues no tenía aún quince años. Al estallar la Revolución marchó a Italia y allí conoció a Bonaparte, que estaba en Milán dirigiendo las brillantes campañas de su juventud. Gros retrató a Napoleón cuando con la cabeza descubierta se arroja al frente de sus tropas sobre el puente de Arcole para tomarlo al enemigo. Este retrato se ha hecho famoso. Napoleón quedó tan satisfecho, que nombró a Gros para formar parte de la comisión que debía escoger obras de arte de las ciudades conquistadas para formar el Museo de París. Más tarde pintó otros cuadros de la epopeya napoleónica por encargo del Gobierno imperial. No se les podía acusar, pues, a los discípulos de David, de prescindir de su tiempo para encerrarse en una falsa resurrección de la antigüedad. Su clasicismo es sólo de apariencia, sus ideas y pensamientos eran modernos, y Gros, sobre todo, lleva ya en sí el fermento del Romanticismo pictórico, en tal grado que, ya en pleno siglo XIX, se suicidará al verse relegado por los pintores románticos, que al principio miraban con interés sus obras.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Ben Nicholson (1894-1982)

Arte abstracto. Cubismo.

Nicholson, Ben (Uxbridge, 10 de abril de 1894-Londres, 6 de febrero de 1982) Pintor británico. Destacado representante de la abstracción en su país, su obra tuvo en un principio caracteres impresionistas, pero el estudio de los problemas formales le hizo evolucionar hacia la abstracción. Formó parte del grupo Abstracción-Creación y transformó las teorías de De Stijl de modo personal, sin adoptarlas nunca de forma dogmática. Sus cuadros, estructurados como subdivisión rítmica de la superficie y de un colorido de notable delicadeza, tuvieron gran influencia sobre los artistas ingleses.

Biografía

Ben Nicholson hijo de los pintores Sir William Nicholson y Mabel Pryde, era hermano de la artista Nancy Nicholson, el arquitecto Christopher Nicholson y Anthony Nicholson. Su abuela materna Barbara Pryde (de soltera Lauder) era sobrina de los famosos hermanos artistas Robert Scott Lauder y James Eckford Lauder. La familia se mudó a Londres en 1896. Nicholson fue educado en la Tyttenhangar Lodge Preparatory School, Seaford, en Heddon Court, Hampstead y luego como interno en la Escuela Gresham, Holt, Norfolk.

Se formó como artista en Londres en la Slade School of Fine Art entre 1910 y 1911, donde fue contemporáneo de Paul Nash, Stanley Spencer, Mark Gertler y Edward Wadsworth. Según Nash, con quien formó una estrecha amistad, Nicholson pasó más tiempo durante su año en Slade jugando al billar que pintando o dibujando, ya que la formalidad abstracta del tapete verde y las relaciones constantemente cambiantes de las bolas eran, afirmó más tarde, de más atractivo para su sentido estético.

Nicholson se casó tres veces. Su primer matrimonio fue con la pintora Winifred Roberts; tuvo lugar el 5 de noviembre de 1920 en la iglesia de St. Martin-in-the-Fields, en Londres. Nicholson y Winifred tuvieron tres hijos: un hijo, Jake, en junio de 1927; una hija, Kate (que luego también se convirtió en pintora), en julio de 1929; y un hijo, Andrew, en septiembre de 1931. Se divorciaron en 1938. Su segundo matrimonio fue con la artista Barbara Hepworth el 17 de noviembre de 1938 en la Oficina de Registro de Hampstead. Nicholson y Hepworth tuvieron trillizos, dos hijas, Sarah y Rachel, y un hijo, Simon, en 1934. Se divorciaron en 1951. El tercer y último matrimonio fue con Felicitas Vogler, una fotógrafa alemana. Se casaron en julio de 1957 y se divorciaron en 1977.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

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Galería

3 formas en un paisaje, 1967

Botella de vidrio, 1967

Escena de la conquista de México de Diego Rivera

El mismo año en que se casó con Frida Kahlo, Rivera pintó una serie de 16 paneles en los que resumía la historia de México desde la conquista española hasta su independencia. Entre los episodios representados en las grisallas del palacio, Rivera plasmó varias escenas de Cortés ante los emisarios de Moctezuma, recibiendo el apoyo de los tlaxcaltecas y construyendo el propio palacio y las refinerías de azúcar empleando cientos de esclavos mexicanos.

(Palacio de Cortés, Cuernavaca)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

El maguey de Diego Rivera

En el primer piso del antiguo palacio realizó Rivera en 1914 una serie de nueve murales que representan sendos cuadros costumbristas de la vida prehispánica, desde escenas de un mercado tradicional y varios talleres de artes y oficios, hasta detalles más didácticos sobre el cultivo del maíz, el cacao y el pulque y la fibra de maguey y el tejido del algodón, incluyendo además un último panel sobre el martirio de los esclavos y la evangelización de los indígenas con la llegada de los conquistadores españoles.

(Palacio Nacional, Ciudad de México)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

La niña de los globos de Diego Rivera

Inspirado seguramente por el arte naif francés de principios del siglo XX, Rivera imita en este lienzo el colorismo de Henri Rousseau poniendo el mayor énfasis cromático en los globos que porta la niña en la mano, remarcada por las diferentes formas de la vegetación que la envuelve y por el contraste con la otra figura infantil que aparece a su lado.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Cortés evaluando los tesoros de Diego Rivera

Auspiciado por el embajador estadounidense Dwight Morrow, Rivera pintó este mural de la galería abierta del antiguo palacio en 1929, el mismo año que fue expulsado del Partido Comunista. Al serie rechazado un nuevo plan de estudios tras ser nombrado director de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Nacional, la desilusión le empujó a marcharse a California. 

(Palacio de Cortés, Cuernavaca)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Pintura flamenca y holandesa del siglo XVI

Las intensas relaciones mercantiles que en el siglo XV enlazaron a Brujas con los más activos centros comerciales y culturales italianos habían contribuido a dar a conocer en Italia la pintura cuatrocentista flamenca. Esto se puso de manifiesto de modo muy patente cuando recién llegado de Flandes, en 1478, se instaló en la iglesia de San Egidio de Florencia el Tríptico Portinari de Hugo van der Goes (hoy en los Uffizi), cuyo realismo y emotiva expresividad influyeron en varios maestros florentinos, tales como Botticelli y Filippino Lippi. Un influjo ejercido a la inversa determinaría, treinta años después, una cabal apreciación por parte de los pintores flamencos de entonces de las novedades de la pintura contemporánea italiana. Este fenómeno se produjo cuando la primacía del comercio de Flandes había pasado de Brujas a Amberes a consecuencia del cegamiento, por la arena del mar, en el estuario del Escalda, del Sluys, el puerto que hasta entonces había sido la meta del tráfico marítimo con aquella primera ciudad.

Detalle de El jardín de las deli-

cias de El Bosco (Museo del Pra-

do, Madrid). 

Pronto la próspera ciudad de Amberes se convirtió en un centro pictórico de primer orden, en el cual Quentin Metsys acogió plenamente en muchas de sus obras características propias del arte de Leonardo que afectaban tanto a los fondos de paisaje como al dibujo e índole monumental de las composiciones y a las calidades del color. Así quedaba impresa en la pintura flamenca de la época una clara impronta del Renacimiento italiano, que fijaría el rumbo seguido en todo el siglo XVI por la actividad pictórica, no sólo de Flandes, sino también en el área de Holanda.

Esta mutua apreciación entre dos producciones artísticas: la de los Países Bajos y la italiana, que en sus orígenes habían ofrecido muchas divergencias, fue, sin duda, consecuencia de la difusión, desde la segunda mitad del siglo XV, del espíritu humanista.

Tríptico de la Limpieza de Naaman de Cornelis Engelbrechtszen (Kunsthistorisches Museum, Viena). Fechado en 1520, en el panel de centro se representa a Naaman, comandante del ejército sirio, que se lava en el río Jordan para curar su lepra. En el fondo, el profeta Elishá rechaza los regalos ofrecidos. 

⇦ Hieronymusaltar de Jacob van Oostsanen (Kunsthistorisches Museum, Viena). Realizado en 1511, aquí se representa el detalle del centro del panel, San Jerónimo y el león con donantes. El autor aprendió de Durero el grabado sobre madera y anuncia el paso hacia el Renacimiento, marcando el principio de la gran tradición artística de Amsterdam. 

Fenómeno característico de un período histórico de honda crisis, el Humanismo no se limitó a ser un acercamiento consciente y sistemático a los textos de los escritores de la antigüedad clásica. Fue una corriente que logró ir mucho más allá, alterando todo el anterior cuadro de valores y estimulando la rápida difusión de nuevos ideales. De esta forma, logró algo de gran calado, pues determinó en la mentalidad colectiva de toda Europa un radical cambio que significa en la historia política y de la cultura el inicio de una nueva época.

El Juicio Final de Lucas de Leiden (Stedeljik Museum "De Lakenhal", Leiden, Países Bajos). Es la obra más majestuosa de Lucas de Leiden, un tríptico que pintó para la iglesia de San Pedro de Leiden. En esta escena, localizada en el panel central, destacan los detalles, la oposición de los cuerpos claros y el suelo oscuro, con la intención de crear un contraste lumínico más acentuado. 

⇨ Lot y sus hijas de Lucas de Leiden (Musée du Louvre). En esta obra logra un equilibrio entre idealismo y realismo. El autor conoció a Durero, pero aprendió de Italia, posiblemente a través del grabado, el sentido de la espacialidad. Son dos las escenas que se representan: en un primer plano, Lot goza de la compañía amable de sus hijas; en un segundo, se escenifica la ira de Dios sobre Sodoma, caen proyectiles de fuego en una ciudad que parece abrirse por un terremoto, a punto de ser engullida por el lago. El temor al fin del mundo y la alusión al incesto fueron temas que se repitieron durante la época.

La penetración del gusto nuevo, es decir, el renacentista, se mezcla al principio, como es lógico, con las concepciones complicadamente elegantes, propias del goticismo tardío que estaba llegando a su fin. Este hecho, el que convivan por un tiempo el estilo antiguo que se resiste en desaparecer y la nueva corriente que llega con fuerza, es algo que sucede, como hemos visto, con no poca frecuencia en la Historia del Arte. En el caso concreto que justifica estas líneas ello es visible en los artistas a caballo de los siglos XV y XVI como dos holandeses que fueron estrictamente contemporáneos y prolongaron su actividad durante todo el primer tercio del siglo XVI: Cornelis Engelbrechtszen, de Leiden (1468-1533) y Jacob van Oostsanen (1470-1533). Este último desplegó su arte en Amsterdam, y aquél fue el maestro de Lucas de Leiden (1489-1533), gran pintor, grabador y dibujante, figura en cierto modo comparable a Durero por su sensibilidad nórdica. Lucas de Leiden, sin llegar nunca a salir de su patria, supo capacitarse del sentido de la espacialidad y del dominio de la figura humana propios de obras italianas que debió de conocer seguramente a través de grabados, según lo demuestran, en este sentido, su tabla de la Adoración del becerro de oro, del Museo de Amsterdam, y también el gran tríptico del Juicio Final del Museo de Leiden. Por otra parte, en el cuadro que recibe el nombre de Lot y sus hijas, que se encuentra actualmente en el Musée du Louvre, Lucas de Leiden aparece como un visionario que ilumina con extrañas luces de pesadilla la escena del fuego cayendo del cielo sobre Sodoma. El terreno se hunde y el lago engulle puentes y embarcaciones mientras, lejos del peligro, junto a su tienda, el patriarca Lot se divierte con sus hijas. Correspondió, pues, a este importante maestro incorporar el formalismo renacentista a la naciente escuela holandesa, tarea que completarían los llamados pintores “romanistas”, con sus estancias en Italia que asegurarían de un modo definitivo la identificación con las características propias del Renacimiento.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Proverbios neerlandeses

Los Proverbios neerlandeses (Le monde renversé, représenté par p/usieurs Proverbes et Moralités) es una de las primeras obras más importantes de Brueghel el Viejo, uno de los principales pintores flamencos del siglo XVI. El sentido moralizante era uno de los temas vigentes en la pintura del momento. Los proverbios se convirtieron en un importante medio de expresión en los Países Bajos, incluso se realizaban grabados con estas representaciones, que se vendían a bajo coste a los amantes de este tipo de trabajos.

El resultado de la composición de Brueghel no es muy equilibrada, pero es vivaz en color y movimiento. Los personajes de la escena están próximos unos de otros y cada uno de ellos, ya sea mediante una sola figura o un grupo, se identifica con un proverbio.

El artista ha conseguido reunir en esta tabla unos ciento veinte dichos, muchos de ellos resultan hoy casi incomprensibles, mientras que la mayoría son interpretados de diferente manera. El significado global puede ser, sin embargo, resumido en la lámpara colgada al revés en la primera casa de la izquierda, o sea: el mundo al revés. De hecho, con este título, la pintura era registrada, en 1668, en el inventario de los bienes de Peter Stevens de Amberes, rico coleccionista, que poseía otras diez obras del pintor.

A continuación, se identifican algunos de los proverbios. En la parte superior izquierda, el vivir bajo la escoba se relaciona con la pareja que vive en pecado al llevar vida marital sin estar casados; en la ventana de la casa vemos a una persona que defeca sobre la bola del mundo, no le importa absolutamente nada; la misma figura hace trampas con las cartas, la suerte está echada, mientras que en el interior dos hombres se cogen las narices, claro símbolo de necedad; en el necio que se cae entre dos taburetes al intentar sentarse, el desear mucho y no obtener nada; un cerdo quitando la espita de un tonel, simboliza el exceso y la gula como también el saber hacer sólo las cosas más sencillas; la mujer que lleva el agua en una mano y el fuego en la otra, chismorrear o también hacer mal por una parte y remediarlo por otro e incluso la indecisión; el hombre que sujeta un pilar, símbolo de la iglesia, es la hipocresía; la figura que ata al diablo al cojín, homenaje a la astucia femenina.

Algunas de la zona central, la mujer que pone la capa azul al marido, en lenguaje popular flamenco, que lo engaña; una, enrueca lo que la otra hila, es el difundir chismes malévolos; el que cubre el pozo tras haber caído dentro el ternero, poner el remedio tarde mientras que el personaje medio introducido en el globo de cristal representa el hipócrita, el oportunista o el necio. El lanzar flechas, no ser recompensado el propio trabajo o como asimismo imagen de optimismo.

En la derecha de la tabla se aprecia un hombre con el mundo en sus manos, como símbolo de la sabiduría, pero también del saber engañar a todos; el hombre que pone una barba a la figura de Cristo, del creer salir bien librado. En el río se encuentra a un personaje masculino cogiendo la anguila por la cola. Esta alegoría se refiere a quien se implica en un asunto difícil que irremediablemente terminará mal. El hombre que arroja dinero al río es la imagen clara del despilfarro.

El cuadro, que mide 117 x 163 cm y conservado en el Museo de Berlín, debe ser considerado del primer período de la actividad del pintor, de hecho, la fecha autógrafa lo confirma: "Brueghel. 1559".

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.