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Artistas de la A a la Z

Ernst Barlach (1870-1938)



Barlach, Ernst (Wedel Holstein, 2 de enero de 1870 - Rostock, 24 de octubre de 1938) Escultor, escritor y diseñador expresionista alemán.

Barlach es particularmente conocido por sus esculturas de madera y bronce, aunque dejó una inmensa obra gráfica impresa, dibujos y obras literarias. Su estilo artístico, tanto en lo visual, como en la obra literaria, se encuentra entre el realismo y el expresionismo.

A pesar de que fue partidario de la guerra en los años previos a la Primera Guerra Mundial, su participación en ella le hizo cambiar de posición, y se le conoce mayoritariamente por sus esculturas contra la guerra. Esto le creó muchos conflictos durante el auge del nazismo y provocó que la mayoría de sus trabajos fueran confiscados como arte degenerado (Entartete Kunst).

Biografía

Ernst Barlach fue el mayor de cuatro hijos, del doctor Georg Gottlieb Barlach († 1884) y su esposa Joan Louise Vollert. Desde su infancia Barlach demostró especial talento para el diseño gráfico.

Después de estudiar en la Escuela de Artes de Hamburgo, entre 1888 y 1891, entró a la Academia de Artes de Dresde hasta 1895, asistiendo a la clase magistral del escultor Robert Diez. Su última obra allí fue la Krautpflückerin.

Se trasladó a París, donde permaneció dos años, ocupándose principalmente del trabajo escrito.

Desde 1897 Barlach trabajó como artista independiente. En 1901 regresó a su ciudad natal, Wedel, y comenzó sus primeros intentos dramáticos al tiempo que realizaba algunos trabajos especialmente para el pequeño taller de alfarería de cerámica de Mutz, en Altona. En 1905 fue a trabajar durante medio año con la agencia de Peter Behrens, un maestro en la escuela de cerámica de Höhr-Grenzhausen (Westerwald).

En 1906 emprendió un viaje a Rusia, las impresiones de los campesinos rusos y el arte popular fueron abriendo el camino que habría de influir en sus futuras esculturas. Ese mismo año nació Nicolás, su hijo con una modelo de la cual se había separado recientemente. Luego vendrían dos años de controversia jurídica, por la custodia a cargo del padre.1​

En 1907 exhibe en en el salón de primavera de la Secesión de Berlín, la colorida escultura de Richard Mutz y las terracotas mendigo ciego un mendigo ruso.

En 1909, Barlach se traslada a la Villa Romana de Florencia y empieza a esculpir figuras masivas.

Barlach comenzó a asistir periódicamente a las exposiciones de la Secesión de Berlín en 1910 bajo el patrocinio del coleccionista Paul Cassirer. Ese mismo año se trasladó a Güstrow (Mecklemburgo), donde construyó un taller y una casa para satisfacer sus necesidades.

Las primeras obras de Barlach ya inician un diálogo con la humanidad, las condiciones de vida y la posición en relación con la vida que la caracteriza. La experiencia de la Primera Guerra Mundial, después de alistarse en 1915, es la base de la evolución de su trabajo.

Entre 1912 y 1927, nacen sus principales obras dramáticas. Como escultor, Barlach crea especialmente los monumentos de la Primera Guerra Mundial. Su primer memorial a las víctimas de la guerra, que representa el dolor de las madres cuyos hijos murieron, fue erigido en 1922 en Güstrow. Le siguieron en Kiel, Magdeburgo y Hamburgo. Estos fueron desplazados o destruidos en 1933. Algunos fueron reasentados en 1945, como el monumento a los caídos, en la catedral de Güstrow, Kiel y Magdeburgo.

En 1932, las acciones de los círculos nazis evitaron la ejecución de la Piedad de la ciudad de Straslund. La furiosa campaña que llama al asesinato del artista, en 1934, supone el desmantelamiento del monumento en Magdeburgo, seguido del de Kiel en 1937 y el de Hamburgo en 1938. Su monumento en Güstrow fue fundido en 1941.

Barlach se había visto obligado a abandonar la Academia Prusiana de Bellas Artes en 1937 y más de 400 de sus obras fueron retiradas de los museos alemanes por ser consideradas como arte degenerado. Su exhibición de 1937 fue prohibida.

De nada le valía que al firmar la "Convocatoria de Artistas", del 19 de agosto de 1934 en el periódico oficial del partido nazi, Ernst Barlach hubiera reconocido su adhesión a la política del Führer.

Fuente: https://es.wikipedia.org
           
Más obras
Mendigo ruso, 1907

Mujer caminando o monja caminando, 1909

Miquel Barceló (1957)


Barceló, Miquel (Felanitx, Mallorca, 8 de enero de 1957) Pintor español. Su selección en 1982 para la Documenta Vil de Kassel supuso un meteórico ascenso en su cotización en el mercado del arte. En su pintura, de intensa factura, se aprecia un progresivo aclaramiento cromático, acentuado a partir de 1991 a raíz de la primera de sus numerosas estancias en Malí, muy fructíferas desde el punto de vista artístico. Ha cultivado también la escultura y la cerámica. En 1986 fue galardonado con el premio Nacional de artes plásticas, y en 2003 recibió el premio Príncipe de Asturias de las Artes.

Miquel Barceló y el neoexpresionismo español 

Long Island Crab de Miquel Barceló
La repercusión del nuevo auge de la pintura en España ha sido francamente importante, y algunos de los mejores pintores hispanos han entrado con fuerza en el mercado internacional, siendo en la actualidad figuras reconocidas y valoradísimas; tal es el caso del mallorquín Miquel Barceló, nacido en Felanitx en 1957.

Barceló es el máximo representante del neoexpresionismo español, aunque empezó vinculado al ámbito conceptual a partir de la década de 1970, algo que hicieron también bastantes artistas jóvenes que también triunfaron como pintores, cuando se unió al grupo Taller Llunatic de Palma de Mallorca. Pero Barceló tuvo éxito muy rápidamente y de forma espectacular en la década de 1980, con una obra expresionista progresivamente personal, en la que abundan los tonos cálidos y terrosos y las referencias al paisaje, tanto del mundo mediterráneo como posteriormente, a partir del 1988, del africano. Su primer viaje de seis meses por África, en compañía de los artistas Javier Mariscal, Pilar Tomás y Jordi Brió, marca un punto de inflexión en su meteórica trayectoria. A partir de entonces incorpora materiales -pigmentos locales y sedimentos fluviales- y temáticas africanas en su obra, que culminarían con el establecimiento de un taller en Mali, donde reside periódicamente. Anarquista de corazón aunque aborrece la política, detesta el sistema de ayudas de las ONG para el Tercer Mundo porque considera que es la forma con que Occidente evade sus responsabilidades ante las víctimas del colonialismo.

Es innegable en el estilo de Barceló la influencia del informalismo, aunque el mallorquín nunca renuncia a los motivos figurados, y también se encuentran rastros del surrealismo sígnico. Las referencias del pasado, tan características de las postmodernidad, aparecen pues claramente en su obra, como también una característica disolución entre figuración y abstraccionismo. Estos conceptos claves de su producción pictórica se identifican con los ciclos primordiales de vida y muerte, según los cuales Barceló basa el sentido metafísico de sus creaciones.

Una de sus obras más representativas, Long lsland Crab, paralela en tiempo, tema y estilo a su Paisaje con cangrejo, es una composición pictórica de técnica mixta sobre tela elaborada en 1987, a los 30 años de edad, justo antes de abandonar su taller de Nueva York e instalarse en París. Siempre al filo de la vanguardia artística, el artista balear retoma aquí algunos de los temas de sus etapas pretéritas, como el dibujo de insectos y moluscos, y la combinación brillante de gruesas capas agrietadas de pintura, evocando una intensa dialéctica de composición y descomposición material. Actualmente se halla en una colección particular.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obra comentada


Más obras
Sin título, 1981
Pintor arrodillado, 1983

Humo de cocina de Miquel Barceló



Obra realizada en 1985. Barceló ha trabajado con gran cantidad de materiales. En la década de 1970 fue considerado un autor conceptual, derivando en la de 1980 a un estilo neoexpresionista. Sus pinturas reflejan un desplazamiento de los temas autobiográficos hacia interrogantes filosóficos sobre el tiempo, el movimiento y la memoria cultural, de intensa factura. Según el autor, sus pinturas giran en torno a dos conceptos esenciales: la vida y la muerte.

(Colección particular, Barcelona). 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.
           

Washington Barcala (1920-1993)


Barcala, Washington (Montevideo, 3 de julio de 1920 -  8 de diciembre de 1993) Pintor uruguayo. En sus comienzos cultivó la pintura al natural, en particular el paisaje. Más tarde evolucionó hacia la abstracción.

Comenzó sus estudios en el Círculo de Bellas Artes bajo la dirección de Guillermo Laborde entre 1938 y 1941. Luego pasó tuvo un breve pasaje por el Taller Torres García en 1942.​ Fue fundador del Grupo Sáez en 1949 junto a Manuel Espínola Gómez, Luis Alberto Solari y Juan Ventayol.​ En 1960 integró el grupo de expositores que representó a Uruguay en la Bienal de Venecia.


Se radicó en Madrid, España en 1974 desde donde continuó desarrollando su técnica y exponiendo en varias oportunidades en dicho país.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.
            https://es.wikipedia.org
           
Obra
Calle de ciudad, 1940

Puerto, 1943

CUIDADO CON LOS SUEÑOS DE THÉRÈSE


UNA DE LAS FUNCIONES DEL ARTE CONSISTE EN TRANSGREDIR Y AGUJEREAR LA MORAL DE LA ÉPOCA. POR ENCIMA DEL DERECHO A NO SER OFENDIDO SE ENCUENTRA LA LIBERTAD DE EXPRESIÓN.

En Thérèse soñando (1938), Balthus ordena los ele-

mentos de la composición para provocar efectos ima-

ginarios y eróticos. 
Aquellas personas que se escandalizan ante Thérèse soñando ( 1938), de Balthus, al igual que aquellas que se encolerizan ante la representación de un dios, al que a menudo confunden con el suyo, tendrían que saber interpretar que una obra de arte, como un buen libro, es un espejo transfigurado que nos refleja y que nos permite _ contemplarnos y explorarnos como acaso no podemos por otros métodos. Y con frecuencia cómo miramos y leemos estas obras. y qué opiniones nos provocan. delatan más la personalidad del espectador que de la obra.

No hay manera de extirpar los prejuicios de la mirada, propios de cada época. Así ha sucedido a lo largo de la historia y así seguirá sucediendo. Ahora le ha tocado a esta niña: mañana le tocará a otro. Thérèse soñando es una pintura erótica, pues hay juego con la imaginación (es bien sabido que el órgano sexual por antonomasia es el cerebro), a diferencia de lo que ocurre en la pornografía, donde todo es demasiado explícito. Balthus ordena los elementos de la composición sabiamente para provocarnos determinados efectos imaginarios y eróticos: pinta a Thérèse soñando con las manos sobre su cabeza y la pierna izquierda levantada, lo que nos permite entrever sus bragas. Mientras, a su lado, un gato lame un plato.

Recurrentes en su obra, el pintor se identificaba con los gatos, independientes y en su mundo. ¿Con qué sueña Thérèse? ¿Y es espectador? La imaginación, subversiva, siempre dispuesta a volar, puede desviar la lengua hacia cualquier lugar.

El juego de asociaciones se mantiene abierto.

El erotismo implica alejarse de la animalidad. por tanto. civilización: los animales no se percatan de que van desnudos; solo el ser humano se viste, y no solo para abrigarse; los animales tienen sexo; solo el ser humano posee erotismo, capaz de transformar una pulsión instintiva en un sublimado placer comparable a una obra de arte. Vargas Llosa, que en la línea de Octavio Paz ha criticado la degradación del erotismo en nuestra época. ha escrito: "Para saber cuán primitiva es una comunidad o cuánto ha avanzado en su proceso civilizador nada tan útil como escrutar sus secretos de alcoba y averiguar cómo sus miembros hacen el amor".

¿Se tienen que prohibir estas imágenes y obras "peligrosas" antes de que ofendan, inciten a imitar y contagien su mal? Vaya por delante que a mí los peligrosos me parecen esas personas que no saben interpretar, no las obras en sí. Provocadas y ofendidas. en lugar de placer y risa, generan sentimientos que les impulsan a solicitar la censura o a ejercer la violencia contra otras personas.

Una de las funciones del arte consiste paradójicamente en transgredir y agujerear la moral de la época, llevándola más allá, quizá hasta la misma condición humana. Las modernas democracias en las que vivimos no deben renunciar a sus principios porque unos intolerantes se sientan ofendidos. Por encima del derecho a no ser ofendido se encuentra la libertad de expresión. Cualquier ignorante se puede sentir ofendido ante la multitud de imágenes que parpadean a nuestro alrededor.

Autor: Sebastián Gámez Millán (Doctor en filosofía)

Fuente: Revista “Descubrir el arte”. Nº 230 Abril 2018

La estancia turca de Balthus


Llamado Balthus La obra de este pintor francés, de origen polaco, autor de bodegones, paisajes y retratos de gran colorido, se caracteriza por una composición rigurosa que recuerda los viejos maestros. Uno de sus temas preferidos fue la figura femenina adolescente, de la que aquí se tiene una bellísima muestra.
       
(Museo Nacional de Arte Moderno, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Lelia Caetani (joven en un parque) de Balthus


Una escena de la vida cotidiana, tema predilecto de este autor, que lo encuadra dentro de la tendencia del realismo fantástico más que en la del surrealismo, corriente que siempre le interesó. En esta obra, el artista muestra su capacidad de congelar un instante en el que el personaje parece estar meditando.

(Colección privada)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Leon Bakst (1866-1924)



Baskt, Leon (León (Lev) Nikoláyevich Bakst en ruso Лео́н (Лев) Никола́евич Бакст; Goradnia, 10 de mayo de 1866 - París, 28 de diciembre de 1924) 
Pintor ruso y diseñador escenográfico y de vestuario que revolucionó las artes en las que trabajó.

Biografía

Primeros años

León (Lev) Bakst nació, con el nombre de Lev Rosenberg, en Goradnia (actualmente en Bielorrusia) en una familia judía de clase media. Después de graduarse del gymnasium, estudió en la Academia de Arte de San Petersburgo como un estudiante libre, trabajando a tiempo parcial como ilustrador de libros.

En su primera exposición (1889) tomó el apellido de Bakst del nombre de su abuela materna Baxter. A inicios de los años 1890 expuso sus obras con la Sociedad de los acuarelistas. Entre 1893 y 1897 vivió en París, donde estudió en la Académie Julian mientras entonces aún visitaba San Petersburgo. Desde mediados de los años 1890 se hizo miembro del círculo de escritores y artistas formados por Serguéi Diáguilev y Alexandre Benois que vendría a ser el movimiento artístico Mir iskusstva (Mundo del arte).

En 1899, co-fundó con Serguéi Diáguilev el influyente revista Mir iskusstva (ru:Мир искусства (журнал)). Su gráficos para el Mundo del arte lo hicieron famoso.

Ascenso a la fama

Continuó con la pintura al caballete así como realizaba retratos de Filipp Malyavin (1899), Vasili Rózanov (1901), Andréi Bely (1905), Zinaída Guippius (1906). También trabajó como profesor de arte para los hijos del Gran Duque Vladímir Aleksándrovich. En 1902 recibió la orden del zar Nicolás II de Rusia para pintar Recibimiento de los marinos rusos en París.

En 1898 mostró sus obras en la Primera exposición de Artistas Rusos y Fineses organizada por Diáguilev; en exposiciones del Mundo del Arte, así como en Secession en Múnich, exposiciones de la Unión de Artistas Rusos, etc.

Durante la Revolución Rusa de 1905 Bakst trabajaba para los magacines Zhúpel, Ádskaya pochta, Satyricón, mientras trabajaba para el magacín de arte Apollón.

Diseño escénico

Desde fines de los años 1900, Bakst trabajó sobre todo como diseñador escénico. Bakst diseñó construcciones escénicas para Tragedias griegas, y en 1908 alcanzó notoriedad como pintor escénico para Diáguilev y los Ballets Rusos (Cleopatra 1909, Shajerezada 1910, Carnaval 1910, Narcissus 1911, Daphnis et Chloé 1912). Todo este tiempo que vivió en Europa debido a que como judío que era no tenía derecho de vivir permanentemente fuera de la zona de asentamiento.

Durante sus visitas a San Petersburgo enseñó en la Escuela de Zvántseva. Uno de sus estudiantes fue Marc Chagall (1908-1910). En 1910 se separaron. Bakst advirtió a Chagall a que no fuese a París ya que de acuerdo con Bakst sería perjudicial para el arte de Chagall y financieramente probablemente se moriría de hambre. Chagall se fue de todos modos, no murió y sí encontró su estilo.

En 1914 fue elegido miembro de la Academia Imperial de las Artes.

En 1918 terminó su relación con Diáguilev y los Ballets Rusos. Murió en 1924 en Rueil-Malmaison cerca de París por problemas pulmonares.


Obra comentada


Más obras
Retrato filósofo Dmitry, 1897
+
Retrato de Alexandre Benois, 1898

Bacante de Leon Bakst


Este diseño en 1911 para el ballet Narcisse de Serge Djagilev, responde a la ruptura que el gran maestro ruso de ballet estableció con respecto a la tradición italofrancesa de finales del siglo XIX, restableciendo la igualdad de los cuatro componentes en la escenificación: libreto-poesía, música, decorados y coreografía.

(Museo Nacional de Arte Moderno, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Doctor Atl (1875-1964)


Atl, Doctor, seudónimo de Gerardo Murillo (Guadalajara, 3 de octubre de 1875 - México, 15 de agosto de 1964) Pintor y escritor mexicano. Destacado paisajista y muralista, creó una técnica nueva para el muralismo, el "Atlcolor".

Fue en su ciudad natal donde realizó sus primeros estudios de pintura con el académico Felipe Castro. Más tarde se trasladó a la ciudad de México para estudiar la preparatoria y Bellas Artes; estuvo becado por Porfirio Díaz como estudiante de pintura. Después viajó a Roma, donde realizó estudios universitarios de Filosofía y Derecho. Poco después, Leopoldo Lugones lo bautizaría con el seudónimo de Doctor Atl, tomando la palabra "Atl", del lenguaje nahuatl, cuyo significado es 'agua'.

Al regresar a México en 1903, trajo consigo un gran entusiasmo por la pintura renacentista, el neoimpresionismo y el fauvismo. Comenzó a impartir clases en la Academia de San Carlos de la ciudad de México, donde tuvo como alumnos a Diego Rivera, David Alfaro SiqueirosJosé Clemente Orozco. En 1910 organizó una exposición que celebraba el centenario de la independencia, el hecho, de carácter nacionalista, no llegó a tomar trascendencia hasta mucho tiempo después.

Viajó luego a París, y con una gran facilidad también para las letras, fundó el periódico Action d' Art, en el que difundía el sentido social que entrañaban los acontecimientos mexicanos. En 1911 se desplazó a Italia, donde estudió vulcanología, y fue la curiosidad intelectual por este tipo de elementos naturales lo que lo llevó más tarde, en 1942, al nacimiento del volcán Paricutín. Para registrar el fenómeno, elaboró apuntes y pinturas que expuso posteriormente en Bellas Artes y en 1950 publicó el libro Cómo nace y crece un volcán, el Paricutín, considerado hoy una joya bibliográfica.

Caminante infatigable, fue un gran paisajista, escaló frecuentemente el Popocatepetl y el Iztaccíhuatl; además de los volcanes, fueron los árboles y las montañas modelos para sus pinturas -siguiendo una línea fauvista-impresionista y con un manejo monumental del espacio, lleno de fuerza y vigor, y curvando los horizontes en busca de amplitud y movimiento. Inició entonces lo que llamamos aeropaisaje, es decir, conjuntos geográficos tomados desde las alturas.

Enriquecía su obra con la creación de personajes y el empleo de la técnica. Fue además el creador de una de ellas: el "Atl-Color", tintes secos o a la resina que podían imprimirse sobre papel, tela o roca; con esta técnica pintó un friso de ninfas llevando guirnaldas floridas y unos cuadros muy grandes que representan volcanes, para un filántropo de Puebla y para decorar una cafetería de la calle 16 de Septiembre de la ciudad de México.

Fue un incansable promotor de artistas e intelectuales y también de artesanías, empujado por su marcado carácter nacionalista. Como dato curioso, se sabe que Murillo llegó a entrar en su país disfrazado de italiano, después de uno de sus viajes a Europa, tras haber publicado en aquel país un documento contra Victoriano Huerta.

En literatura, sus Cuentos de todos colores, con temas de la Revolución, lo consagraron como uno de los mejores narradores de esa etapa histórica, en parte por el atinado uso del habla popular. En sus relatos predomina la búsqueda de la justicia.

Donó casi toda su obra plástica al Instituto Nacional de Bellas Artes. Murió en la ciudad de México en el año de 1964.

       
Más obras
Retrato de Luis G. Urbina, 1907

Retrato de Rubén María Campos, 1909

Erik Gunnar Asplund (1885-1940)




Asplund, Erik Gunnar (Estocolmo, 22 de septiembre de 1885 - 20 de octubre de 1940) Arquitecto sueco. Fue uno de los principales introductores de la arquitectura moderna en su país e influyó en la arquitectura europea de su época.

Asplund se forma artísticamente en la escuela romántica sueca. Sus primeras obras siguen esta orientación, de la que se aleja paulatinamente para crear una versión modernizada y muy personal del neoclásico. En 1930 construye los pabellones de la Exposición Internacional de Estocolmo, completamente modernos. En aquel año la arquitectura moderna está representada principalmente por el racionalismo de Alemania, Holanda y Francia. Asplund adopta las formas de este movimiento, pero lo interpreta de una forma personal, más libre y espontánea, en una línea que puede considerarse de estilo orgánico. De 1934 a 1937 trabaja en la ampliación del Ayuntamiento de Gotemburgo, obra de gran interés porque resuelve el problema de yuxtaponer a un edificio antiguo una construcción completamente moderna. Esta última tiene, además, el carácter noble y representativo que exige su misión.

Sus obras más conocidas son la Biblioteca Pública de Estocolmo, modelo para muchas otras bibliotecas posteriores; y el Crematorio del Cementerio Sur de Estocolmo (Skogskyrkogården), en la que expresa la solemnidad y lirismo del edificio funerario con una gran sobriedad formal, diseñado junto con Sigurd Lewerentz, y que ha sido declarada por la Unesco como Patrimonio de la Humanidad.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obra
Capilla de bosque Skogskapellet, Estocolmo Suecia, 1918-1920

Capilla de bosque Skogskapellet, Estocolmo Suecia, 1918-1920

Punto al Arte